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WADE MATTHEWS + CIM.CS

Wade Matthews + CIM.CS. València: LIQUEN RECORDS • edició digital • LRCD030

[ENG] In this session, held on June 9, 2023 at the Museum of Fine Arts of Castelló, the Col·lectiu d’Improvisació Musical de Castelló (CIM.CS) had the privilege of having the great musician, improviser and author Wade Matthews participate. As one member of our loyal audience pointed out during the usual post-performance exchange, Wade played in such a subtle and generous way that he became the ideal catalyst to bring out the best in the group. Without a doubt, one of the best sessions of the cycle, if not the best.

[CAT] En aquesta sessió, celebrada el 9 de juny de 2023 al Museu de Belles Arts de Castelló, el Col·lectiu d’Improvisació Musical de Castelló (CIM.CS) ha tingut el privilegi de comptar amb la participació del gran músic, improvisador i autor Wade Matthews. Tal com va assenyalar un membre del nostre públic fidel durant el col·loqui habitual posterior a l’actuació, Wade va tocar d’una manera tan subtil i generosa que es va convertir en el catalitzador ideal per treure el millor del grup. Sens dubte, una de les millors sessions del cicle, si no la millor.

[ES] En esta sesión, celebrada el 9 de junio de 2023 en el Museu de Belles Arts de Castelló, el Col·lectiu d’Improvisació Musical de Castelló (CIM.CS) tuvo el privilegio de contar con la participación del gran músico, improvisador y autor Wade Matthews. Como señaló un miembro de nuestro fiel público, durante el coloquio habitual posterior a la actuación, Wade tocó de una manera tan sutil y generosa que se convirtió en el catalizador ideal para sacar lo mejor del grupo. Sin duda, una de las mejores sesiones del ciclo, si no la mejor.

CREDITS

Wade Matthews, electroacoustic sounds
José Ángel González, voice
Josep Lluís Galiana, soprano and baritone saxophones
Miquel Àngel Marin, clarinet
Amadeu Marin, guitar and objects
Joan de Ribera, keyboards
Jesús Gallardo, percussion
Wade Matthews + CIM.CS al Museu de Belles Arts de Castelló

TRACKLIST

1.
Wade Matthews & CIM.CS I [ 17:02 ]
2.
Wade Matthews & CIM.CS II [ 16:25 ]
 
 
3.
Wade Matthews & CIM.CS III [ 09:14 ]
4.
Wade Matthews & CIM.CS IV [ 07:55 ]

This album is distributed on all digital platforms and

Listen at the LIQUEN RECORDS's bandcamp

DOSSIER DE PRENSA

“Wade Matthews + CIM.CS»

Liquen Records lanza el primer álbum del Col·lectiu d’Improvisació Musical de Castelló, junto al artista Wade Matthews

Por radiobanda, 13 mayo 2024

Liquen Records lanza el primer álbum del Col·lectiu d’Improvisació Musical de Castelló (CIM.CS), junto al artista de origen francoestadounidense y afincado en España Wade Matthews. El disco —“Wade Matthews + CIM. CS”— es fruto de una grabación en vivo del concierto que el colectivo ofrecieron en el Museu de Belles Arts de Castelló el 9 de junio de 2023. En esta sesión, el Col·lectiu d’Improvisació Musical de Castelló tuvo el privilegio de contar con la participación del gran músico, improvisador y autor Wade Matthews. Como señaló un miembro del público, durante el coloquio que habitualmente se entabla tras las actuaciones del CIM.CS, Matthews tocó de una manera tan sutil y generosa que se convirtió en el catalizador ideal para sacar lo mejor del grupo. Sin duda, estamos ante una de las mejores sesiones del ciclo, que viene celebrándose cada mes desde enero de 2022 en el Museu de Belles Arts de Castelló.

El disco ha sido distribuido por Liquen Records a todas las plataformas digitales y en el bandcamp del sello discográfico valenciano. Del Col·lectiu d’Improvisació Musical de Castelló, han participado en esta producción los músicos improvisadores Josep Lluís Galiana (saxos soprano y barítono), Amadeu Marin (guitarra), Jesús Gallardo (percusión), José Ángel González (voz), Miquel Àngel Marin (clarinetes) y Joan de Ribera (teclados), y Wade Matthews (electrónica).  

El Col·lectiu d’Improvisació Musical de Castelló, un caso único en la escena actual de la música experimental y la libre improvisación

El Col·lectiu d’Improvisació Musical de Castelló, fundado en el año 2019, surge de la curiosidad y el deseo de explorar nuevos paisajes sonoros desde la práctica de la improvisación libre como vehículo de expresión. Los músicos que forman el CIM.CS provienen de trayectorias musicales diversas, remarcando sus particularidades y orígenes. Además, como colectivo, están siempre abiertos a la participación de solistas que no pertenecen a la agrupación, pero pueden perfectamente colaborar en ella.

El CIM.CS actual se compone de once miembros, pero lo habitual es que el colectivo vaya acogiendo cada vez a más porque la idea es, como digo, no la de un grupo fijo sino la de un colectivo de gente que quiera improvisar libremente, que tenga el talento, la habilidad, la disposición, la actitud, la curiosidad suficiente como para hacerlo. Normalmente ofrecemos a otros músicos que se unan; y, además, aunque nosotros somos músicos y siempre lo vemos desde el punto de vista de la música entendida en sentido muy amplio (la música como arte en el tiempo), queremos empezar a incluir otras disciplinas artísticas, especialmente el arte plástico, el movimiento, la proyección de vídeo o los «visuals».

A lo largo de tres años, el CIM.CS ha invitado a sus sesiones mensuales a destacados y contrastados artistas de la libre improvisación musical, la danza, la poesía sonora, la performance y las artes visuales como Agustí Fernández, John Butcher, Liz Allbee, Bartolomé Ferrando, Marta Sofía Gallego, Wade Matthews, Avelino Saavedra, Àlex Reviriego, Isabel Latorre, Ángel Faraldo, Rocío Sayans, Belén García de Mateos, Melissa Usina, Martí Guillem, Núria Andorrà y otros miembros del CIM.CS como Luz Prado, Santi Mabad, José Luis Miralles, Víctor Colomer, Joan Gómez Alemany y Natsuko Sugao.

Col·lectiu d'Improvisació Musical de Castelló (CIM.CS), breves apuntes de su historia en progreso (2019-2023)

Texto sobre el Col·lectiu d’Improvisació Musical de Castelló (CIM.CS) que trata por primera vez  en un detallado escrito su actividad, filosofía y programa hasta la fecha de hoy.

Joan Gómez Alemany, Sul Ponticello, 2 enero 2024

PRIMERA PARTE (Características del CIM.CS)

Introducción: Lo social e individual en el sonido

Si como escribió Aristóteles, las personas somos seres sociales, a la música le ocurre algo parecido. No es habitual concebir un universo individual y autosuficiente en el campo del sonido. Orquestas, ensembles, bandas, colectivos, música de cámara, etc., pertenecen al vocabulario común que resalta la cualidad grupal de los músicos, reuniendo diversos individuos bajo una misma identidad. Con ello, parecen fijar una estructura o arquitectura que solidifica la naturaleza efímera del sonido. Incluso antropológicamente se podría apuntar que la construcción social pretende buscar la perduración en el tiempo frente a la caducidad del individuo aislado, con una mortalidad definida. Así, las asociaciones grupales pueden mantenerse durante siglos aspirando a la inmortalidad. Pero por otro lado, también es cierto que el músico solista o independiente ha tenido un papel muy relevante en la historia. Este, ejemplificación del músico libre, enemigo de toda constricción o limitación, habita el curso del sonido. Además, en un mundo como el nuestro, donde reina el individualismo y con la actual tecnología una sola persona puede tener a su disposición una potencia sonora mayor que la de una orquesta ordinaria, la música no tiene porqué ser irremediablemente una organización grupal. Esta contradicción gravita en muchas de las propuestas que se han dado a lo largo del tiempo, y aún más, en formaciones que tensan la relación entre el solista y el grupo, lo efímero y la escritura, la experiencia del sonido en vivo y su realidad grabada, etc. Todas estas temáticas pueden ser rastreadas en un grupo de músicos que protagonizarán este texto.

¿Qué es el CIM.CS?

El Col·lectiu d’Improvisació Musical de Castelló (CIM.CS), es una agrupación de creadores musicales interesados ​​en la improvisación libre como vehículo de expresión. Uno de sus padres, Derek Bailey, comenta sobre ella:

Su principal característica es la diversidad. No se adhiere a ningún estilo in idioma. No tiene que conseguir ninguna clase de sonido particular. Las características de la música libremente improvisadas se establecen solo a partir de la identidad musical de las personas que la tocan. Desde el punto de vista histórico, precede a cualquier otra clase de música: la primera interpretación musical del ser humano solo puede haber sido una improvisación libre[1].

Movidos por la curiosidad y el deseo de explorar nuevos paisajes sonoros, los músicos que forman el CIM.CS provienen de trayectorias musicales diversas, remarcando sus particularidades y orígenes. Además, como colectivo, están siempre abiertos a la participación de solistas que no pertenecen a la agrupación, pero pueden perfectamente colaborar en ella. En una entrevista del 31 de enero del 2022, el guitarrista Amadeu Marin, impulsor del Col·lectiu en el Castelló donde vive y antiguo miembro del legendario grupo valenciano ACTUM (1973-1983)[2], afirma:

El CIM.CS actual se compone de once miembros, pero lo normal es que el colectivo vaya acogiendo cada vez a más porque la idea es, como digo, no la de un grupo fijo sino la de un colectivo de gente que quiera improvisar libremente, que tenga el talento, la habilidad, la disposición, la actitud, la curiosidad suficiente como para hacerlo. Normalmente ofrecemos a otros músicos que se unan; y además, aunque nosotros somos músicos y siempre lo vemos desde el punto de vista de la música entendida en sentido muy amplio (la música como arte en el tiempo), queremos empezar a incluir otras disciplinas artísticas, especialmente el arte plástico, el movimiento, la proyección de vídeo o los «visuals»[3].

Inicios y filosofía del Col·lectiu

El Col·lectiu d’Improvisació Musical de Castelló inauguró su primer ciclo de conciertos el 13 de enero del 2022[4], y desde su nacimiento no ha parado de desarrollar conciertos de improvisación libre en nuestras tierras y que ya son conocidos más allá de ellas. Los orígenes del Col·lectiu se pueden rastrear desde el 2019[5], momento en que empezaron a ensayar y a conocerse los músicos entre sí, para también buscar formas de organizarse y crear conciertos. Todo esto demuestra que la formación va camino de cumplir varios años y consolidar su trayectoria, remarcando la gran potencialidad de los músicos reunidos de manera autogestionada y que enfatizan su cualidad asociativa. El mismo nombre del grupo es una buena prueba de ello (por si el lector no se ha dado cuenta, «col·lectiu», en valenciano es colectivo). Pero retomemos otra vez las palabras de Amadeu Marin para que nos cuente de primera mano la filosofía del CIM.CS:

En realidad no hay un método; eso seguramente sería contrario a la idea de improvisación libre (queremos sentir el precipicio bajo nuestros pies!). Y si lo hay, este se reduce a una palabra: ESCUCHAR. Todo lo que se toca sale de la escucha de escucharse unos a otros atentamente, de sentirse en el espacio donde estás, y también, si hay público, de sentir de alguna manera como el público te está acompañando; más allá de la escucha intensa, utilizamos una intuición musical cultivada durante largos años. Por supuesto, detrás de esto en cada músico hay decenas de miles de horas de trabajo con el instrumento.

La pedagogía de la escucha y la constante praxis del instrumento, serían dos buenos principios que caracterizarían el CIM.CS. El estar en contacto directo con el instrumento, en su materialidad táctil, provoca que esta música no se vaya por las nubes de la teoría abstrayéndose de la real percepción. Con ello consigue una investigación sonora que conscientemente explora sus dimensiones constructivas. Esto escribe el miembro del Col·lectiu, Josep Lluís Galiana, en su libro Improvisación libre. El gran juego de la deriva sonora, comentando que «la improvisación conduce a la exploración de territorios desconocidos y a nuevas texturas sonoras, así como a la investigación de nuevos caminos estéticos en esa imparable evolución hacia el compromiso y la reafirmación de un universo creativo propio»[6].

La música no escrita y su historificación

Ya hace tiempo nos planteamos redactar un texto pionero que recopilara la actividad más relevante del CIM.CS y aglutine en un artículo la información dispersa que podemos encontrar en la red, así como algunas de sus fotografías, que tuvimos la oportunidad y el placer de realizar en varios momentos en que nos reunimos con el Col·lectiu. Esta es tarea obligada de cualquier escritor que empiece a historificar un presente en germinación. Incluso más, en un grupo de improvisadores, dado que los centros académicos al uso de la convención, desgraciadamente aún siguen ejerciendo un paradigma típico del eurocentrismo colonial decimonónico. Estos mantienen el «grafocentrismo» como medida de valor para todas las experiencias sonoras. La música sin una compleja escritura semiótica, al igual que las culturas que tampoco utilizan esta herramienta por basarse en la tradición oral, han sido relegadas por el pensamiento eurocéntrico (es decir, logocéntrico) a un segundo plano, y falsamente se las ha caracterizado como primitivas o de inferior calidad. La filosofía del CIM.CS rechaza un pensamiento anquilosado en lo académico y sus formas arraigadas en una obsoleta tradición, que domina y se reproduce hasta la saciedad en los conservadores Conservatorios y sinfónicos Auditorios. Tal y como podemos leer en sus declaraciones, el Col·lectiu apuesta por una

creación musical espontánea y libre, sin límites de medios sonoros a utilizar. Ponemos el énfasis en explorar las posibilidades de nuestros instrumentos y de la interacción de nuestras personalidades musicales, desarrollando un discurso colectivo siempre nuevo, siempre cambiante. Creación musical in situ, donde la sorpresa será un elemento distintivo para todos y todas: tanto público como músicos y músicas. Queremos que cada una de nuestras actuaciones se convierta en un acto de comunicación musical genuino[7].

Agrupaciones de libre improvisación

Aunque habitualmente cuando hablamos de la libre improvisación citamos nombres de músicos individuales (como Derek Bailey, Evan Parker, Alexander Von Schlippenbach, Peter Kowald, etc.), existen formaciones a lo largo de su historia que priorizan la idea de grupo, aunque obviamente están compuestas por individuos habitualmente muy destacados (como los mencionados antes). Esta dualidad permanente, es algo específico de este tipo de música, que se ve condicionada (para bien) por la relación individuo-grupo:

Esa capacidad de escuchar simultáneamente lo específico y lo general es algo básico para la improvisación. Los músicos tiene que trabajar en conjunto y estar preparados para separarse casi en cualquier instante. La improvisación es música social[8].

Entre las iniciales y primigenias formaciones que se acercaban a la libre improvisación, pero mejor sería caracterizarlas de free jazz, son The Art Ensemble of Chicago y el Free Jazz: A Collective Improvisation del álbum musical de Ornette Coleman. Pero ya dentro de la libre improvisación existen grupos como la AMM, Gruppo di Improvvisazione Nuova Consonanza, la Globe Unity Orchestra, Orquesta FOCO, Spontaneous Music Ensemble, The Music Improvisation Company o la Scratch Orchestra, por citar unos pocos.

Unir fuerzas siempre ha sido un motivo de resistencia y perduración. Por ello, la creación de un grupo estable de improvisadores, a su vez perpetúa la que es una música de por sí evanescente, que no se escribe en una partitura, sino solo se conoce por su instante efímero. Sobre ello escribe la improvisadora Chefa Alonso:

En la improvisación se disfruta el placer de los encuentros efímeros, fortuiros, como una manera también de aceptar y conjurar la muerte. Lo efímero, como concepto metafísico nos trae el recuerdo de la muerte como finalidad esencial del ser humano. La música, la vida errante, el arte efímero, la improvisación tiene un componente siempre tráfico porque se encaran cotidianamente con ella. Pero también disfrutan de momentos fugaces que, liberados de una finalidad material, están cargados de energía y de fuerza vital[9].

La dialéctica entre lo inmediato y la pervivencia, teje la improvisación desde sus mismas raíces. ¿Cómo atrapar la vida del sonido? ¿La música puede ser reflejada como en un espejo? Así nos lo cuenta el Col·lectiu:

Contingencia. Sentido de la ocasión, del momento, del instante. Volvemos a los fundamentos básicos: la música es una actividad efímera, única, irrepetible. Se puede grabar y escuchar posteriormente, pero la experiencia vivida por los participantes, tanto músicos como público, no es capturable. Los improvisadores y su público vivimos arraigados en el momento. Un «concierto» de improvisación libre se convierte en un evento único[10].

Música experimental e interdisciplina en el CIM.CS

El CIM.CS no se reduce a ser una ordinaria agrupación de improvisadores, sino busca ir más allá, para expandir sus límites hacia la música experimental y la radicalidad artística. Uno de sus proyectos destacados, fue la grabación de la partitura gráfica COMIC, del recientemente desaparecido y compañero de ACTUM, Josep Lluís Berenguer. El Col·lectiu participó con esta partitura gráfica en el Centro Cultural de España en México, dentro del ciclo Un oído sólo no es un ser de intervenciones musicales comisariadas por Llorenç Barber (otro miembro de ACTUM). Como nos cuenta este último y Montserrat Palacios en su libro La mosca tras la oreja. De la música experimental al arte sonoro en España, así se expresaba ACTUM en su naciente manifiesto: «EL ROMPER VIEJOS MECANISMOS ES MÁS URGENTE QUE EL CREAR NUEVAS CADENAS»[11].

Amadeu Marin también comenta que el CIM.CS quiere dialogar con lo interdisciplinar, repitamos sus palabras ya citadas donde dice, «queremos empezar a incluir otras disciplinas artísticas, especialmente el arte plástico, el movimiento, la proyección de vídeo o los «visuals»»[12]. Esta idea en nuestra opinión es una de las claves para hacer progresar la improvisación libre en este siglo XXI. Así este tipo de música no se estancará en su clásica época, como le ha ocurrido al jazz, hoy una música fosilizada de museo (al estilo de la música clásica que se interpreta en los Grandes Auditorios y Teatros de Ópera). La free impro tuvo su origen y consolidación entre los 60-80 del pasado siglo, pero en ese momento el trabajo interdisciplinar no era tan común como ahora, gracias a las nuevas tecnologías, la cultura digital e internet. Esto puede aportar un nuevo aliento y renovación a las prácticas habituales herederas de sus tiempos heroicos. El Col·lectiu, siempre escuchando los orígenes para aprender de ellos, busca ir más allá para continuar revitalizando y ampliando la improvisación libre. Porque incluso en ella, las procedencias y estéticas de sus componentes son muy diversas y ello hace que esté en continua evolución. Como escribe el improvisador Wade Matthews, que fue invitado en un concierto por el CIM.CS:

El hecho es que innumerables músicos cruzan las supuestas fronteras entre distintas formas actuales de hacer música, enriqueciendo todas ellas con su presencia. Es más, muchos músicos comprometidos con estas músicas han llegado a ellas porque huyen de las etiquetas[13].

En este siglo XXI, híbrido y digital, la mezcla entre las artes y sus diversas técnicas, es una apuesta muy actual que se da en todos los ámbitos. Igual que la improvisación quiere expandirse en las artes plásticas, la electrónica, el vídeo, etcétera; a la inversa, la composición en las últimas décadas, gracias a la cada vez mayor difusión de la improvisación libre, ha tomado algunas de sus cualidades para renovar sus escrituras, técnicas instrumentales, gestos sonoros, posibilidades de explorar límites entre lo abierto (improvisación) y lo cerrado (composición)… Esta hibridación o disolución de los géneros, nos la cuenta el saxofonista Marcus Weiss, al apuntar que la renovación de la música es un continuo trabajo de todos aquellos que apuestan por ir más allá de la tradición.

La interpretación del saxofón ha evolucionado para abarcar muchas nuevas técnicas de interpretación y posibilidades de sonido y está continuamente en proceso de ser definida de nuevo. Además de los compositores e intérpretes de música contemporánea, los músicos de jazz y los saxofonistas de improvisación libre, en particular, han contribuido a este desarrollo y continúan haciéndolo[14].

Ordenar, sistematizar y difundir el trabajo musical

Dada la gran difusión de la tecnología actual con su facilidad de consulta y almacenamiento de datos, y por otro lado, nuestra inmersión en el paradigma del archivo que supone internet al reunir infinitud de materiales diversos; los miembros del Col·lectiu desde sus inicios han optado por registrar sus actividades constantemente[15], lo que facilita para todos la consulta y disfrute de su trabajo de manera abierta y libre. Esto sin duda ayuda a su difusión y conocimiento, al igual que la tarea propuesta por este texto, como ya se comentaba al reunir la actividad del Col·lectiu de manera metódica hasta ahora dispersa por la red.

El hecho de que cada vez sea más habitual grabar sistemáticamente las prácticas sonoras, tiene como consecuencia que los estudios fonográficos deberían tener más peso entre la musicología que apueste por este tipo de músicas libres de la parti(tor)tura. La historia de la improvisación, por ahora, es la historia de sus registros fonográficos, videográficos y otros documentos. El Col·lectiu, consciente de ello, ha realizado un cuidadoso registro de su actividad desde sus inicios. Para nada esto significa que no apueste como algo prioritario la experiencia en vivo del concierto y su disfrute. La grabación simplemente es un añadido para aquellos que la quieran escuchar, ello no implica una contradicción con el tocar y apostar por la música efímera. La pluralidad y la mezcla de elementos supuestamente antagónicos es habitual en esta práctica musical. Porque como escribe Ildefonso Rodríguez: «Improvisar es organización y es caos. Todo puede generar sentido»[16].

Podemos encontrar todo tipo de actitudes, como que ciertas personas prefieran la calidez e instantaneidad del directo, como por contra, otras que gustan más de la distancia y solidificación del documento registrado. Las dos modalidades son posibles para la música y el tener ambas nos da la opción de poder elegir. Sería una lástima optar sistemáticamente por escoger solo una de ellas, ya que sería negar la pluralidad de opciones para el disfrute del melómano y el historiador.

Concluyendo esta primera parte del texto, agradecer enormemente la ayuda que nos ha facilitado de manera muy amable Amadeu Marin, al facilitarnos mucha de la información que aportamos a lo largo de este artículo. La historia se origina en sus protagonistas, y ellos la conocen muy bien y mejor que nadie. No obstante, el aportar otro punto de vista distanciado y presumiblemente más objetivo, por medio de un escritor externo que redacte los acontecimientos realizados en los que no se involucró directamente y de manera subjetiva, siempre es una tarea a tener en cuenta. Así también se divide el trabajo y se puede especializar, para que cada uno potencie sus cualidades y habilidades de la mejor manera.

SEGUNDA PARTE (Cronología del CIM.CS)

Seguidamente se enumeran las diversas actividades que ha realizado el CIM.CS con sus respectivos links y músicos que han aparecido en cada evento. Algunos de ellos se repiten y otros cambian, esa es la filosofía del grupo, que va adaptándose a las nuevas situaciones manteniendo cierta estructura constante.

Inicios

  • Septiembre/octubre, 2019 – Primeros contactos y conversas de Amadeu Marin (con José Luis Miralles, Jesús Gallardo y Víctor Colomer) de cara a formar el Col·lectiu d’Improvisació Musical de Castelló.
  • La pandemia lo para todo.
  • Agosto 2021 – Encuentros en l’Alcora:
  • 13 enero del 2022 – Concierto presentación del CIM.CS en el Teatre del Raval de Castelló (Amadeu Marin, Josep Lluís Galiana, Natsuko Sugao, Jesús Gallardo, Núria Albella, Víctor Colomer, Miquel Àngel Marin, Joan de Ribera): https://youtu.be/MOaHe1gpjyg

Ciclo Free Impro Al Museu. Conciertos en el Museu de Belles Arts de Castelló en 2022

  • FIAM1, 26 de enero 2022 https://youtu.be/mYKdS67t9QQ
    • Joan de Ribera, teclados / Josep Lluís Galiana, saxos / Jesús Gallardo, percusión / Amadeu Marin, guitarra
  • FIAM2, 18 de febrero 2022 https://youtu.be/naUlqwvBhVI
    • Miquel Àngel Marin, clarinete / José Ángel González, voz / Josep Lluís Galiana, saxos / Jesús Gallardo, percusión /Amadeu Marin, guitarra
  • FIAM3, 11 de marzo 2022 https://youtu.be/yfFy9r372KM
    • Núria Albella, clarinete / Jesús Gallardo, percusión / José Ángel González, voz / Josep Lluís Galiana, saxos / Miquel Àngel Marin, clarinetes / Amadeu Marin, guitarra
  • FIAM4, 13 de abril 2022 https://youtu.be/nja9tJ8lUdw
    • Santi Mabad, clarinete contrabajo y corno di bassetto / Miquel Àngel Marin, clarinetes bajo y soprano / Josep Lluís Galiana, saxos barítono y soprano / Joan de Ribera, teclados / Amadeu Marín, guitarra
  • FIAM5, 12 de mayo 2022 https://youtu.be/emprswLr0zY
    • Víctor Colomer, trombón / Natsuko Sugao, trompeta / Núria Albella, clarinete / Jesús Gallardo, percusión / Amadeu Marín, guitarra
  • FIAM6, 10 de junio 2022, invitado: Bartomeu Ferrando https://youtu.be/wXqCxt79gBM
    • Bartomeu Ferrando, voz / Josep Lluís Galiana, saxos / Jesús Gallardo, percusión / Núria Albella, clarinete / Joan de Ribera, teclados / Amadeu Marin, guitarra
  • FIAM7, 19 de octubre 2022, invitado: Avelino Saavedra https://youtu.be/IMthB6RCOc8
    • Avelino Saavedra, percusión / Jesús Gallardo, percusión / Josep Lluís Galiana, saxos / Joan de Ribera, teclados / Amadeu Marin, guitarra
  • FIAM8, 16 de noviembre 2022, invitada: Luz Prado, quien a continuación se añade al CIM.CS https://youtu.be/6TlAqgBMjuE
    • Luz Prado, violín / Miquel Àngel Marin, clarinetes / Jesús Gallardo, percusión / Josep Lluís Galiana, saxos / Joan de Ribera, teclados / Amadeu Marin, guitarra
  • FIAM9, 21 de desembre 2022, invitado: Àlex Reviriego https://youtu.be/-9KgkcGWxzM
    • Àlex Reviriego, contrabajo / Joan de Ribera, teclados / Miquel Àngel Marin, clarinetes / Josep Lluís Galiana, saxos / Víctor Colomer, trombón / Amadeu Marin, guitarra

OpenImpro22 – Primer Encontre d’Improvisació Lliure

  • 23 de julio de 2022, en el Centre Mondo Rítmic de Castelló. Con la organización del encuentro OpenImpro22, el CIM.CS se abre a nuevos miembros, improvisadores de otras artes y personas dispuestas a aproximarse y explorar la improvisación libre colectiva.

Grabación de la partitura gráfica COMIC de Josep Lluís Berenguer

  •  11 de noviembre de 2022 grabación en la que participan Miquel Àngel Marin, clarinetes / Amadeu Marin, guitarra / Jesús Gallardo, percusión / Joan de Ribera, piano. Esta obra fue visionada el 7 de diciembre en la ciudad de México: https://youtu.be/FmZ7sGvcieM

Ciclo Free Impro Al Museu en 2023

  • FIAM10, 25 enero 2023 – Inauguración del nuevo ciclo Free Impro al Museu con Agustí Fernández coma invitado especial en la Sala de Cambra M. Babiloni de l’Auditori de Castelló: https://youtu.be/gBBPXNxb18o
    • Agustí Fernàndez, piano / Miquel Àngel Marin y Santi Mabad, clarinetes / Jesús Gallardo, percusión / Josep Lluís Galiana, saxos / Joan de Ribera, teclados / José Àngel Gonzàlez, voz / Amadeu Marin, guitarra
  • FIAM11, 23 febrero 2023, invitada: Isabel Latorre https://youtu.be/bxvUzHg1fHU
    • Isabel Latorre, acordeón/ Miquel Àngel Marin, clarinetes / Jesús Gallardo, percusión / Josep Lluís Galiana, saxos / Joan de Ribera, teclados / Amadeu Marin, guitarra
  • FIAM12, 22 marzo 2023, invitada: Rocío Sayans https://youtu.be/OQx391YU-Bo
    • Rocío Sayans, danza / Miquel Àngel Marin, clarinetes / Jesús Gallardo, percusión / Josep Lluís Galiana, saxos / José Àngel Gonzàlez, voz/ Amadeu Marin, guitarra
  • FIAM13, 19 abril 2023 – Al Voltant d’un Piano, pretexto improvisatorio diseñado por Amadeu Marin https://youtu.be/XrzxD3GYCio
    • José Luis Miralles y Joan de Ribera, piano / Josep Lluís Galiana, saxos / Miquel Àngel Marin, clarinetes / Jesús Gallardo, percusión / José Àngel Gonzàlez, voz / Amadeu Marin, guitarra
  • FIAM14, 17 mayo 2023, invitada: Belén García de Mateos https://youtu.be/X2qQKMG2uFE
    • Belén García de Mateos, acción plástica / Jesús Gallardo, percusión / Josep Lluís Galiana, saxos soprano y tenor / Joan de Ribera, teclados / José Àngel Gonzàlez, saxo alto / Amadeu Marin, guitarra y objetos amplificados

Relay al Castell Vell

  • 20 de mayo de 2023. Dentro del día de los museos se realiza una actividad especial fuera, en el paraje arqueológico del Castell Vell de Castelló, una de las sedes del MUCC (Museu de la Ciutat de Castelló), y enclave de origen de la población de Castelló de la Plana. El CIM.CS hace historia al sumarse a las ciudades donde se han organizado relays. El CIM.CS realizará un deambular colectivo por el espacio y el momento en el que los músicos-artistas permutarán entre varias ubicaciones prefijadas del paraje, para formar dúos/tríos e improvisar un caleidoscopio cambiante de micro-actuaciones simultáneas que el público será libre para elegir cómo disfrutar. Video reportaje: https://youtu.be/MvZWhiN2y4g

Ciclo Free Impro Al Museu en 2023

  • FIAM15, 9 junio 2023, invitado: Wade Matthews https://youtu.be/c-CsD2AtS0w
    • Wade Matthews, sonidos electroacústicos / Miquel Àngel Marin, clarinetes / Jesús Gallardo, percusión / Josep Lluís Galiana, saxos / Joan de Ribera, teclados / José Àngel Gonzàlez, voz / Amadeu Marin, guitarra y objetos

OpenImpro23 – Segon Encontre d’Improvisació Lliure

  • Segunda edición del encuentro de improvisación libre, a celebrarse en Isósteles Estudi de Burriana el 17 de junio. Video de algunos momentos del encuentro: https://youtu.be/mSNf0vMjviw

Ciclo Free Impro Al Museu en 2023

  • FIAM16, 25 octubre 2023, invitado: John Butcher https://youtu.be/MyK6pBmD05w?si=WZZU4XD6YT0kUF-E
    • John Butcher, saxofones / Miquel Àngel Marin, clarinetes / Jesús Gallardo, percusión / Josep Lluís Galiana, saxos / Joan de Ribera, piano / Joan Gómez Alemany, piano / Amadeu Marin, guitarra y objetos
  • FIAM17, 15 noviembre 2023, invitado: Ángel Faraldo https://www.youtube.com/watch?v=hA-TQTP4ECg
    • Ángel Faraldo, sonidos electroacústicos / Miquel Àngel Marin, clarinetes / Jesús Gallardo, percusión / Josep Lluís Galiana, saxos / Joan de Ribera, teclado / Amadeu Marin, guitarra y objetos
  • FIAM18, 13 diciembre 2023, Work in Progress https://youtu.be/noNGnJIigHw?si=lN3KKunA091SM4Fi
    • Josep Lluís Galiana, saxos / Miquel Àngel Marin, clarinetes / Jesús Gallardo, percusión / Joan de Ribera, teclado / Amadeu Marin, guitarra y objetos
  • FIAM19, 17 enero 2024, invitada: Marta Sofía Gallego https://youtu.be/JWANyD_d37U?si=attwAOUtAf4UnAvO
    • Marta Sofía Gallego, danza /Josep Lluís Galiana, saxos / Miquel Àngel Marin, clarinetes / Jesús Gallardo, percusión / Joan de Ribera, teclado / Amadeu Marin, guitarra y objetos
  • FIAM20, 16 febrero 2024, invitado: Víctor Colomer https://youtu.be/P_N4csaPqC8?si=JOunxcesVK-e_ltm
    • Víctor Colomer, trombón /Josep Lluís Galiana, saxos / José Ángel González, voz / Miquel Àngel Marin, clarinetes / Jesús Gallardo, percusión / Joan de Ribera, teclado / Amadeu Marin, guitarra y objetos
  • FIAM21, 22 marzo 2024, invitada: Liz Allbee https://youtu.be/9HSERgGTgZk?si=6Kfulb6Dic406CDe 
    • Liz Allbee, trompeta / Josep Lluís Galiana, saxos / José Ángel González, voz / Miquel Àngel Marin, clarinetes / Jorge Martorell, saxos / Jesús Gallardo, percusión / Joan de Ribera, teclado / Amadeu Marin, guitarra y objetos
  • FIAM22, 12 abril 2024, invitada: Luz Prado
    • Luz Prado, violín / Josep Lluís Galiana, saxos  / Joan de Ribera, teclado / Amadeu Marin, guitarra y objetos
  • FIAM23, 18 mayo 2024, invitada: Mellissa Usina https://youtu.be/pdSKqy1_Etc?si=bwMJG32eU3A8ne1C
    • Melissa Usina, dansa / Josep Lluís Galiana, saxos  / José Ángel González, voz / Miquel Àngel Marín, clarinetes / Jesús Gallardo, percusión / Joan de Ribera, teclado / Amadeu Marin, guitarra y objetos
  • FIAM24, 12 junio 2024, invitado: Martí Guillem
    • Martí Guillem, electrónica / Josep Lluís Galiana, saxos  / Joan de Ribera, teclado / Amadeu Marin, guitarra y objetos

Notas

  1. ^ BAILEY, Derek. La improvisación. Su naturaleza y su práctica en la música. Gijón: Terea, 2010, pp. 163-164
  2. ^ GIL NOÉ, José Vicente. El grupo Actum (1973-1983). Pioneros de la música experimental en Valencia. ARCHIVO DE ARTE VALENCIANO. Volumen XCII, 2011 Págs. 421-442. https://roderic.uv.es/handle/10550/74450
  3. ^ https://www.nomepierdoniuna.net/col%C2%B7lectiu-dimprovisacio-musical-de-castello-la-sensacion-salvaje-de-estar-al-borde-del-precipicio/
  4. ^ https://www.elperiodic.com/castellon/ciclo-conciertos-raval-musics-confluira-conciertos-variedad-estilos_795700
  5. ^ https://www.levante-emv.com/ocio/agenda/free-impro-museu-2-62056234.html
  6. ^ GALIANA, Josep Lluís. Improvisación libre. El gran juego de la deriva sonora. València: EdictOràlia, 2017, p. 70.
  7. ^ https://mbacas.ivc.gva.es/es/free-impro-en-el-museu-2
  8. ^ CORBETT, John. Una guía para escuchar improvisación libre. Buenos Aires: Templo en el Oído, 2022, p. 58.
  9. ^ ALONSO, Chefa. Improvisación libre. La composición en movimiento. Baiona: Dos Acordes, 2008, p. 94.
  10. ^ https://ccemx.org/evento/un-oido-solo-no-es-un-ser_06-me-explicare-para-ver-una-cosa-hay-que-comprenderla-con-generacion-espontanea-y-el-col-lectiu-dimprovisacio-de-castello/
  11. ^ BARBER, Llorenç y PALACIOS, Montserrat. La mosca tras la oreja. De la música experimental al arte sonoro en España. Madrid: Ediciones autor, 2007, p. 25.
  12. ^ https://www.nomepierdoniuna.net/col%C2%B7lectiu-dimprovisacio-musical-de-castello-la-sensacion-salvaje-de-estar-al-borde-del-precipicio/
  13. ^ MATTHEWS, Wade. Improvisando. La libre creación musical. Madrid: Turner, 2012, p. 113.
  14. ^ WEISS, Marcus y NETTI, Giorgio. The Techniques of Saxophone Playing. Kassel: Bärenreiter Verlag, 2010, p. 8.
  15. ^ Ver el canal de YouTube de Amadeu Marin https://www.youtube.com/@amadeumarinmusicexploratio7793/videos
  16. ^ VV.AA. Hurta Cordel 98-08. Festival Internacional de Música Improvisada. Madrid: La Casa Encendida, 2009, p. 72.
Publicado el

ENTARTETE IMPROVISATIONEN – Josep Lluís Galiana · Jesús Gallardo · Joan Gómez Alemany

Josep Lluís GALIANA, Jesús GALLARDO & Joan GÓMEZ ALEMANY: Entartete Improvisationen. València: LIQUEN RECORDS • DL: V-304-2024 • LRCD029: PVP: 18€

Gastos de envío incluidos para España / Shipping costs included for Spain; para el resto del mundo, consulte coste de envío / for the rest of the world, chek shipping cost; otros métodos de pago / other payment methods. Contacto / Contact: liquenrecords@liquenrecords.com

ENG_

ENTARTETE IMPROVISATIONEN is the conjunction of three artists coming from very different aesthetic currents of current musical creation. Three improvisers with long artistic careers and very influential in the current Spanish and European scene of free improvisation and musical experimentation. This is their first album as a trio and in it one can appreciate the unmistakable contemporary contours of a music that draws from avant-garde jazz, from the free improvisation of the European tradition and the most current contemporary composition, as well as from roots music and from Western and Eastern traditions.

CAST_

ENTARTETE IMPROVISATIONEN es la conjunción de tres artistas de muy diversas corrientes estéticas de la creación musical actual. Tres improvisadores con una larga trayectoria artística y muy influyentes en el panorama actual español y europeo de la improvisación libre y la experimentación musical. Este es su primer disco como trío y en él se pueden apreciar los inconfundibles contornos contemporáneos de una música que bebe del jazz de vanguardia, la improvisación libre de la tradición europea y la composición contemporánea más actual, así como de la música de raíz de Occidente y de tradiciones orientales.

CREDITS

All music by Josep Lluís Galiana, Jesús Gallardo & Joan Gómez Alemany

This music was recorded on Rockaway Studios (Castelló de la Plana, Spain) on August 31, 2023.

Josep Lluís Galiana (soprano, tenor & baritone saxophones)
Jesús Gallardo (percussion)
Joan Gómez Alemany (expanded piano)

Mixing by Joan Gómez Alemany
Recording and mastering by Raúl Artana at Rockaway Studios, Castelló de la Plana, Spain
Video: Juan Vicent (Lluerna creació)
Graphic design: Josep Lluís Galiana
Produced by Josep Lluís Galiana for Liquen Records

© and produced by Liquen Records, 2024

TRAKCLIST

01. ENTARTETE IMPROVISATIONEN I

02. ENTARTETE IMPROVISATIONEN XII

03. ENTARTETE IMPROVISATIONEN XV

04. ENTARTETE IMPROVISATIONEN III

05. ENTARTETE IMPROVISATIONEN IV (Klavier und Percussion Duo)

06. ENTARTETE IMPROVISATIONEN X

07. ENTARTETE IMPROVISATIONEN VIII (Percussion Solo)

08. ENTARTETE IMPROVISATIONEN XIII

09. ENTARTETE IMPROVISATIONEN IX (Sopransaxophon Solo)

10. ENTARTETE IMPROVISATIONEN XIV

11. ENTARTETE IMPROVISATIONEN II

12. ENTARTETE IMPROVISATIONEN VII (Klavier Solo)

13. ENTARTETE IMPROVISATIONEN XI

14. ENTARTETE IMPROVISATIONEN V (Saxophon und Klavier Duo)

15. ENTARTETE IMPROVISATIONEN XVII

16. ENTARTETE IMPROVISATIONEN XVI

Listen ENTARTETE IMPROVISATIONEN on most important digital platforms and on Liquen Records bandcamp

LIQUEN RECORDS bandcamp

NOTA DE PRENSA

Josep Lluís Galiana, Jesús Gallardo y Joan Gómez Alemany publican su primer disco a trío, “Entartete Improvisationen”, en Liquen Records

Los compositores e improvisadores Josep Lluís Galiana, Jesús Gallardo y Joan Gómez Alemany publican su primer disco como trío en el sello discográfico valenciano Liquen Records, “Entartete Improvisationen”. Se trata de un homenaje a todas las músicas que fueron tildadas de degeneradas y perseguidas por el gobierno de la Alemania Nazi en las décadas de 1930 y 1940, durante la etapa del III Reich. Es una reivindicación de una música libre, sin fronteras territoriales, ni límites estéticos y, mucho menos, sin censuras ni persecuciones ideológicas. Es la práctica de la improvisación libre, la toma de consciencia del sonido y del silencio, y de su azaroso fluir. 

Si bien el saxofonista Josep Lluís Galiana ha grabado tanto con el percusionista Jesús Gallardo —“Gallarnianas” (Liquen Records, 2021)— y con el pianista y compositor Joan Gómez Alemany —“Interaccions sonores” (Liquen Records, 2019) y recientemente “Llibertats sonores” (Liquen Records, 2023), junto al improvisador Avelino Saavedra—, “Entartete Improvisationen” es el primer disco a trío de estos tres artistas procedentes de muy diferentes corrientes estéticas de la música actual.

Galiana, Gallardo y Gómez Alemany son tres músicos con una larga trayectoria artística a sus espaldas y son muy influyentes en el actual panorama español y europeo de la improvisación libre y la música experimental. En su primer trabajo juntos se pueden apreciar los inconfundibles contornos contemporáneos de una música que bebe tanto del jazz de vanguardia como de la improvisación libre de marcada tradición europea y de la composición contemporánea, así como de la música de raíz tanto occidental como la procedente de tradiciones orientales.

Lanzamiento discográfico internacional en las más importantes plataformas digitales, en vídeo y edición física en CD

“Entartete Improvisationen” es fruto de una sesión de grabación en los Rockaway Studios, de Castelló de la Plana, celebrada el 31 de agosto de 2023, en la que Raúl Artana se ocupó de registrarla y de la posterior masterización. Con un lanzamiento internacional en las más importantes plataformas digitales y en el bandcamp de Liquen Records, este trabajo discográfico ha contado con la colaboración del artista visual Juan Vicent, quien ha realizado cuatro vídeos, captados durante la sesión de grabación. Asimismo, “Entartete Improvisationen” contará con una edición limitada en disco físico (CD), que saldrá a la venta durante el mes de febrero. 

JOSEP LLUÍS GALIANA

Saxofonista, improvisador, escritor, compositor, editor y productor discográfico, Josep Lluís Galiana es protagonista destacado en la escena internacional de la libre improvisación, la creación electroacústica, el avant-garde jazz, la investigación etnomusicológica y la divulgación de la cultura y las artes desde hace más de tres décadas. Es autor de numerosos libros, ensayos, poemarios y colaboraciones en revistas especializadas y periódicos, como los libros La libre improvisación musical: fuente inagotable de inteligencia emocional, Tiempo de reverberación. Una aproximación histórica a la música experimental valenciana…, los poemarios Haikus d’estiu y Sons compartits o el ensayo Improvisación Libre. El gran juego de la deriva sonora o Emociones sonoras. De la creación electroacústica, la improvisación libre, al arte sonoro…, entre otros.

Asimismo, cuenta con doscientas composiciones en catálogo y más de cincuenta discos publicados en diversos sellos, tanto en solitario como en colaboración con reputados artistas como Agustí Fernández, John Butcher, Wade Matthews, Josu de Solaun, Ramón López, Carlos D. Perales, Avelino Saavedra, Jesús Gallardo, El Pricto, José Manuel Berenguer, Miguel Molina, Sisco Aparici, Vicente Gómez, Ferran Besalduch, Ricardo Tejero, Íñigo Ibaibarriaga, Mike Cooper, Carlos Galán, Paloma Carrasco, Thomas Bjelkeborn, Gonzalo Biffarella, Bartolomé Ferrando, Luz Prado, Ángel Faraldo, Lucia Martínez, Alex Reviriego o Joan Gómez Alemany, entre otros muchos. Su obra se ha dado a conocer en importantes festivales internacionales de Portugal, Francia, Grecia, Italia, Polonia, Suecia, EE.UU., China, Brasil, Argentina, México, Cuba y España. En 2016, funda la editorial EdictOràlia Llibres i Publicacions y el sello discográfico Liquen Records, dedicado a las músicas improvisadas y experimentales.

En el campo de la docencia, ocupó la Cátedra de Orquesta y Coro del Conservatorio Superior de Música de Castelló (2002-2003), donde fundó su Big Band. También, ha sido profesor de Historia y Estética de la Música en el Conservatorio Profesional de València (2002) y en el Conservatorio Profesional de Cullera (2004-2005), además de impartir numerosos cursos, talleres y seminarios en torno a la improvisación y otras cuestiones musicológicas, artísticas y culturales en Argentina, Grecia, Suecia y España.

JESÚS GALLARDO

Baterista, percusionista, compositor, improvisador y educador. Es licenciado por el Conservatorio Superior de Música de Valencia CSMV en la especialidad de Jazz y director de La Escuela de Música Mondo Rítmic de Castellón, donde imparte talleres de batería.

Ha colaborado con un gran número de artistas, tales como IVAM Big Band, Andrés Belmonte y Jazz 7, Agustí Fernández, Wade Mathews, Kirk McDonald, Fabio Miano, Jesús Santandreu, David Pastor, Perico Sambeat, Josep Lluís Galiana y más. Miembro fundador del CIM.CS (Col.lectiu d´improvisació musical de Castelló).

Actualmente, lidera Yei Yi & Co, un cuarteto de jazz con el que ha publicado Aaah!!! Lemon Song s 2006, Otro Muro Sobre El Ladrillo Lemon Song s 2007, Vorte Er Ca Contraseña Records 2010, Mull Lemon Songs 2016, Aleatorio Lemon Song s 2019, A l´Espai Nivi Lemon Song s 2021 y Curry Sessions 2023

1er Premio en el CS 2009 JZZ organizado por la Universitat Jaume 1er de Castelló.

JOAN GÓMEZ ALEMANY

Joan Gómez Alemany (València, 1990) es compositor, artista visual y escritor. Comienza el Grado en Composición con Oliver Rappoport (Conservatori del Liceu) y lo finaliza con Clemens Gadenstätter (Kunst Universität Graz). Tiene un Máster en Composición (KUG) con Franck Bedrossian y un Máster en Ópera (KUG) con Gadenstätter. También es graduado en Piano y licenciado en Bellas Artes. Actualmente se encuentra realizando su tesis doctoral en la Universitat Politècnica de València. Por ahora su catálogo consta de más de 60 obras para orquesta, ópera, ensemble, electroacústica, etc.

Sus composiciones han sido encargadas o interpretadas en festivales como el Darmstädter Ferienkurse, impuls (Graz), ManiFeste-IRCAM (París), reMusik.org (San Petersburgo), Mixtur (Barcelona), Ensems (València), COMA (Madrid), Klang (Copenhague), Lens Dans Festival (Bruselas), MPArt Festival (Larisa,  Grecia), Mostra Sonora Sueca, Festival Contemporani d’Alacant, Àgora Actual Percussió, etc., e interpretadas por músicos o ensembles como Arditti, Nikel, Recherche, Multilatérale, Schallfeld, Adapter, Parcours, MCME, Delirium, Synergein Project, Grupo Cosmos 21, Container, Aer Duo, IEMA, Szene Instrumental, Alxarq Percussió, BCN216, Shifter y otros.

Su música también ha sido estrenada por orquestas como la SWR bajo la dirección de Gregor Mayrhofer y la JOGV bajo la dirección de Pablo Rus Broseta. En 2022 se estrenó su ópera de cámara (proyecto interdisciplinario) Glücklich, die wissen, dass hinter allen Sprachen das Unsägliche steht en la Ópera de Graz con el director Leonhard Garms. Publica sus partituras principalmente en la Universal Edition y por ahora su música está editada en 8 CDs para Liquen Records, Viajero Inmóvil Records e IBS Classical. Su música se ha escuchado en Alemania, Austria, Azerbaiyán, Bélgica, Dinamarca, España, Francia, Grecia, Israel, República Checa y Rusia, y emitida en las radios ORF, SWR, RNE, À Punt FM, Catalunya Ràdio y Radio Círculo de Bellas Artes.

Entartete Improvisationen en YouTube

DOSSIER DE PRENSA

ENTARTETE IMPROVISATIONEN

Paco Yáñez, Scherzo, abril 2024

Con una larguísima trayectoria como saxofonista e improvisador, que incluye más de treinta lanzamientos fonográficos, Josep Lluís Galiana se ha embarcado, con los también compositores e improvisadores Joan Gómez Alemany y Jesús Gallardo, en el que es su primer disco conjunto como trío, titulado Entartete Improvisationen en homenaje a las músicas calificadas como “degeneradas” en el periodo nazi, convirtiéndose este nuevo compacto del sello Liquen en lo que sus creadores dicen “reivindicación de una música libre, sin fronteras territoriales, ni límites estéticos y, mucho menos, sin censuras ni persecuciones ideológicas”, algo tan actual hoy en Europa.

Partiendo de este planteamiento, Josep Lluís Galiana, en los saxofones soprano, tenor y barítono; Joan Gómez Alemany, en el piano extendido; y Jesús Gallardo, en la percusión, registraron el 31 de agosto de 2023, en los Rockaway Studios de Castellón, una sesión conformada por dieciséis improvisaciones libres no dispuestas en este disco por estricto orden de creación, sino combinadas buscando una mayor musicalidad y contraste. Sólo se ha conservado el orden original para la primera y la decimosexta, conformándose el global por tres improvisaciones solistas, dos dúos con piano y once tríos.

Estamos ante un trabajo que profundiza en las inconfundibles señas de identidad de estos tres improvisadores, sirviendo de ágora estética en la que resuenan desde la avantgarde europea al free jazz estadounidense, pasando por ecos del flamenco y de la música árabe. Una de las novedades, aquí, es el trabajo como aglutinador armónico y fuente de inauditas sonoridades ruidistas realizado por Joan Gómez, que confiere al trío una radical modernidad y el inconformismo que suele caracterizar a su creación artística y musical. La grabación de Raúl Artana les hace plena justicia.

GALIANA, GALLARDO, ALEMANY – «ENTARTETE IMPROVISATIONEN» (LÍQUEN RECORDS LRCD029, 2024)

Antonio Martín, La muerte tenía un blog, 20 mayo 2024

Los rangos estilísticos de ENTARTETE IMPROVISATIONEN son tan amplios que difuminan por completo cualquier atisbo de encasillamiento en escuelas, estilos, atildamientos varios o clasificación académica. Cuando los vientos de Josep Lluís Galiana van zajando espacio (el aire es la carne del cosmos, y Galiana la corta como un bisturí) uno puede correr el riesgo de decir que esto es Impro pura y dura pero escasos segundos después, a la par que extremos tonos barítonos barren el polvo de vuestras casas la atención se me va a una percusión brutalmente versátil, sincopada, y con cierto regusto orientalizante que aunque esté inmersa en el exquisito caos sí que parece responder a patrones compositivos no sé si estudiados de antemano, pero posiblemente expuestos en consideración en ese telón de fondo pineal que tenemos en el frontispicio interno de la frente de nuestros entrecejos. 

Quizás me he dejado llevar por la pasión y os ruego me disculpéis. Estoy hablando de un fabuloso nuevo trío (Galiana, Gallardo, Alemany) que ha editado un yunque en forma de disco (grabación y mezcla por Raúl Artana en Rockaway Studios) a través de LÍQUEN RECORDS. He empezado la casa por el tejado ya que bien pensado, si ellos no han tenido compasión con el oyente, por qué voy a tenerla yo con el lector… es más, tampoco entiendo por qué las casas tienen que tener tejados.

Conforme avanza el disco los motivos percusivos se ven todavía más reforzados con la maestría de Joan Gómez Alemany y su piano expandido y aquí parad las máquinas un momento. La pregunta no es QUÉ porque sabemos de qué trata un ‘piano expandido’; la clave radica en ‘HASTA DÓNDE lo ha expandido’ a tenor de la apabullante glosolalia de motivos melódicos que van desde espectrales y agudos golpeteos de timbres Gamelan a atonales y dismórficos usos de corcheas a lo Cage. Por otro lado tenemos la fuerza a la batería de Jesús Gallardo, de una inventiva expansiva (algo así como baquetas de punta hueca como las balas) que nos hace olvidar la ausencia de un bajo. Pica, repica, recontrapica, taladra y emulsiona a placer mientras Galiana (me remito por ejemplo al epílogo de «Entartete Improvisationen I») se suelta un larguísimo ejercicio respiratorio en circular que quita el hipo.

Escuchado este primer corte una y otra vez, no consigo decidirme si ponerlo en ese post Coltraniano submundo ultra Free Jazz de Charles Gayle (lo primero que se me viene a la cabeza en cuanto a intensidad controlada) o en la escuela de improvisación de Jazz a la Británica de Evan Parker (intensidad de ‘control descontrolado’) pero sí que me doy cuenta de que quizás buscar un referente sea un craso error en el disco que hoy os presento. Es decir; si yo fuera un trazo de un lápiz en vez de un ser humano, no sería capaz de separar los términos Free, Avant, Contemporary y demás sino que preferiría hacerme el loco, no señalarme y ser por tanto tan recto y sutil como un encefalograma plano. ¿Cuál es la moraleja? que ENTARTETE IMPROVISATIONEN están curtidos y su música no tiene lo que se llama ‘solución de continuidad’ porque es fluida, coherente y bebe de todo y de nada a la vez.

El minimalismo de «Entartete Improvisationen XII» subyuga por sus ásperos tonos abstractos exigiendo al oyente toda su atención para separar piano de batería dentro de un microcosmos Drone asordinado con puntos en común con la tradición del Free a la británica (podéis recurrir a EMANEM del recién fallecido Martin Davidson y el bastísimo catáloco de la Spontaneous Music Ensemble). Esas cascadas de los saxos son Coltranianas a mi humilde entender y cuando emulsionan con la batería y los angulares tonos del piano (quizás Cecil Taylor es una referencia no en cuanto a estilo evidentemente, sino en cuanto a FUERZA VITAL) que a veces caen como plomiza lluvia que empapa todo el engranaje que usa Gallardo (por ejemplo en la ferretería que despliega en «Entartete Improvisationen III» o en el solo para percusión «Entartete Improvisationen VIII»). Que Galiana haya decidido moverse entre los diversos timbres posibles (soprano, tenor y barítono) refuerza y amplía la gama de tonalidades haciendo más atractivo navegar por un álbum que se va a los 80 minutos de duración. Aunque no me atreva a ponerlo a la ligera, fraseos obsesivos del saxo tenor remiten al Spiritual Jazz de Pharoah Sanders pero pasado por un filtro obsesivamente contemporáneo.

No hace falta decir que en las partes más duras se roza, se frota, se pulsa, tensa, destensa y asordina todo lo habido y por haber hasta el punto de que la confusión de lenguas de BABEL fue simplemente una anécdota sin importancia. «Entartete Improvisationen IV» es un cara a cara sin piedad entre batería y piano preparado con ausencia de vientos pero de algún modo recreando el submundo agreste de Cherry y Blackwell en MU o más acertadamente y gracias a los momentos más mistéricos de Alemany esas bellezas intransigentes con la melodía de los Helliocentric Worlds de la Sun Ra Arkestra. No todo en el disco corta y produce tetania; hay momentos para lo lírico en el piano y una excelsa batería Jazz Noir de Gallardo («Entartete Improvisationen X») sobre la que campean introspectivos saxos baladescos y Blues (el lento tempo casi litúrgico de «Entartete Improvisationen XIV»).

Exquisito Free Jazz de alta alcurnia con «Entartete Improvisationen XIII» en modo trío avasallador de inusitada ferocidad (insisto en el acierto de sustituir al bajo por un piano preparado) con cada instrumento conectado espiritualmente a los dos restantes para crear una molécula jazzística indivisible y de pesadísima masa molecular (permitidme la osadía de llamarla algo así como ENTARTETE MOLECULAREN). Los solos lejos de aburrir están perfectamente insertados en el tracklist y al anterior de Gallardo sigue un bellísimo solo al soprano de Galiana (un instrumento que me encanta) en «IX» o un fascinante despliegue de recursos de Alemany («VII») donde ocurre esa magia del sincretismo en la que lo que son cuerdas transmutan en teclados electrónicos y recursos de toda índole se quitan la máscara para transitar desde la electroacústica a momentos cercanos al Noise (cosa que se acentúa en un atonal dúo entre saxo y piano preparado («V»). 

Afortunadamente, tengo aquí al lado una gran cisterna de la que tiro y por la que se va todo el academicismo de rancio abolengo. Tras liberarme de mis cadenas dogmáticas, me propongo a abrazar con todo mi ser los 12 últimos minutos («XVII» y «XVI»); saxos que resuenan como paquidermos desbocados, gárgaras magmáticas que producen un miasma esputado y que hierve en el frío metal de Gallardo, que lo monta a punto de nieve. Alemany ha sido elegido protagonista en una nueva película de Cronemberg y los clavijeros, arpas, cuerdas y apagadores lo abrazan en un Bondage percusivo que ríase usted de los Cenobitas (nota mental: preguntar a los cenobitas por la Improvisación Libre).

No voy a añadir más. DISCAZO RECOMENDADÍSIMO para gente a la que guste de perder su esmalte dental rozando dientes.

Galiana/Gallardo/Alemany

Ken Waxman, New Jazz Word, January 13, 2025

Strangely absent when creative music is discussed, Spain includes a goodly number of free improvisers, but somehow misses exposure on the wider stage. It may be because in the post-Franco environment emphasis has been on education with many of the players with advanced degrees and/or involved in academe. Which brings us to this more than 79-minute, demonstration of how the players and academics dub Entartete Improvisationen or “degenerate improvisations” can sound.

The sardonic title can only be taken with a full saltshaker since the improvising on these 14-tracks is as genuine as that from any other improvising trio. The degenerates on this disc are all veterans, and in the case of València-based soprano, tenor and baritone saxophonist Josep Lluís Galiana, who has played with Wade Matthews and Ramón López among others, have recorded frequently. His debased associates here are Joan Gómez Alemany who elsewhere uses samples and electronics and here plays so-called expanded piano and percussionist Jesús Gallardo, who has worked with Agustí Fernández

Except for solo or duo tracks, the three players’ interaction involves thrusting extended techniques projections of from all the trio members. Gallardo is probably the most restrained. His strategy involves tough ruffs, rumbles, echoing rebounds and cymbal scratches with the occasional plastic bottle-like clanks, tambourine shudders and bell-tree shakes used to break up the interface. Moving among his three saxophones Galiana’s expositions and amplifications are more extended. Capable of creating a nasal oboe-like yelp or high-energy snorts, he connects with the others using thin, high-pitched flutters or basement-level resonating honks. Disassociated split tones, note stretching, tongue stops and slaps also intersect with the others, especially Alemany’s inner string strums or pumping keyboard chording. On a track like “Entartete Improvisationen XV” Galiana balances stopped-key pressure with affiliated spetrofluctuation.

However Alemany’s note bending and affiliations are the centre of many of the pieces however. Just as Galiana is able to dig deep inside his horns’ body tubes to source unexpected timbres, Alemany has both the outer piano keys to stop, clip and pattern and the inner strings to strum, twang and frail with suggestions of harp, dulcimer, and on “Entartete Improvisationen XII”, guitar. Additionally while his contributions include heavy pounding, percussive inner piano rumbles and clanks from both sides of the keyboard, lyricism is also featured. This is especially obvious on “Entartete Improvisationen XIV”. Expressing both relaxed keyboard tinkles and pedal point strength, the pianist draws out the narrative further with a melodic comping even drawing in  Galiana as he vibrates a single tone up and down.

Defined with different tempos, pitches, noises and note-bending, these degenerate improvisers’ program resolve around paying  close attention to sound variations without the necessity of a defined conclusion. It also confirms the skills of at least one set of Spanish improvisers.

JOSEP LLUÍS GALIANA

Entartete Improvisationen • Textures

Martí Farré, Revista 440_Enderrock, 28 de juny 2025

El prolífic improvisador valencià Josep Lluís Galiana ha publicat dos discos amb formacions diverses, però amb un seguit de trets en comú com són l’exploració tímbrica i climàtica, el viatge i la solidesa dels intèrprets com a creadors d’universos sonors tan efímers com embriagadors, als antípodes de la placidesa, o no. Al primer treball, Entartete Improvisationen, s’ajunta amb dos músics que, com ell, presenten una folgada trajectòria en diverses escoles experimentals. Presentat com un trajecte llarg, intens i per parts —setze talls numerats de manera, en aparença, desendreçada—, inclou des de fragments de fúria desbocada fins a altres d’exploració penetrant i expectant; contrastos climàtics, en sintonia amb el bo i millor de l’experimentació acústica i amb moments, també, de lluïment en format de duet —piano estès i percussió— i a solo —de saxo i percussió—. A banda del contrast entre unes peces i altres, cal destacar la seva extraordinària comenetració amb Jesús Gallardo i Joan Gómez Alemany, que per primer cop signen una obra a trio. Caldrà parar atenció a la continuïtat d’aquest grup, com a la del duet entre Josep Lluís Galiana i Amadeu Marín. En aquest cas, es tracta d’un encontre que fa honor al títol del disc; un joc de textures sorprenents, quasi màgiques, una mostra de ‘sons no visibles’, en paraules de Gómez Alemany a les notes del disc. Galiana i Marín estableixen un diàleg a partir de timbres sovint tna poc convencionals com complementaris. Un exemple paradigmàtic d’aquesta dinàmica es troba en peces com «Glazy Slide». A Textures hi ha vibracions llargues, com les de «Coarsely Earthy», que es contraposen a l’estira-i-arronsa de «Tactile Filigree» o «Sparsely Bouncy», i peces amb desenvolupaments tan interessants com «Granular Multilayer». Una gran entesa de Galiana amb els comanys de viatge.

No ensayes, practica

Miguel Ángel Pérez Martín, docenotas.com, 29/04/2024

Al parecer era esa la recomendación de Cecil Taylor cuando alguien le preguntaba por el arte de la improvisación

Es ya un estilo musical por derecho propio y lo suficiente alejado del jazz, del rock, de la música contemporánea, del noise…es «improvisación», composición instantánea lo denominaban los ingleses.

Si el lector frecuenta mis páginas y los discos que reseño verá que abogo por dar rienda suelta y valor a los músicos que se atreven con la improvisación sin red. Sin apenas un esquema.

Me parece un arte ciertamente difícil. Si yo leo una partitura y «ensayo» acabo montando ese tema, esa canción y no influye tanto mi pericia con el instrumento. Aquí sí, has de conocer hasta la extenuación lo que tienes “entre manos” aunque luego solo uses un bajo porcentaje de sus posibilidades.

Has de escuchar, has de apreciar musical y personalmente a tus compañeros, algo que no se da a veces en otros estilos musicales, aquí la empatía es fundamental como relata Josep Lluis Galiana en sus escritos.

¿Que nos ofrecen ahora estás tres luminarias de la improvisación española? De partida un disco con un sonido excepcional, se encerraron un día de agosto en un estudio, tocaron y después mezclaron y editaron, éxito de sonido casi asegurado.

El resultado: catorce secciones con un fluir sonoro e interplay excepcional.

Como siempre adelanto: la dimensión visual y gestual en esta música se diluye, pero se gana en concentración en la escucha y en limpieza de sonido frente al directo y sus impurezas, tan interesantes también en algunas ocasiones, no siempre.

La vertiente noise de la improvisación a veces es complicada de escuchar, precisa de mucho volumen, esta muestra está más cerca, por instrumentación, del free jazz y solo precisa de atención, tiempo y oído un tanto educado para estos sonidos.

Hay momentos hasta relajantes por ayudarte a mantener distancia con otras realidades.

Una escucha muy placentera e interesante, siempre.

Atrévanse a pedirlo y abran sus orejas a experiencias musicales no habituales.

El disco me parece inconmensurable, descomunal, riquísimo, lleno de sorpresas y acontecimientos sonoros. ¡Enhorabuena!
Lo he disfrutado muchísimo.
Carlos Galán
Publicado el

LLIBERTATS SONORES. Josep Lluís Galiana, Avelino Saavedra & Joan Gómez Alemany

Josep Lluís Galiana, Avelino Saavedra & Joan Gómez Alemany: LLIBERTATS SONORES. València: LIQUEN RECORDS. DL: V-3980-2023 • LRCD027. PVP: 20€

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Josep Lluís Galiana (saxofons soprano i bariton)
Avelino Saavedra (shakuhachi, percussions i electrònica en viu)
Joan Gómez Alemany (electrònica pregravada i estructura sonora)

Recorded at the Önilewaland, València (Spain), December 28, 2022
All music by Josep Lluís Galiana, Avelino Saavedra & Joan Gómez Alemany
Producer: Josep Lluís Galiana
Mixing: Joan Gómez Alemany
Mastering: Avelino Saavedra
Linner notes: Amadeu Marín & Joan Gómez Alemany
Translation: Gary Smith
Photographers: Laura Pastor Pastor & Joan Gómez Alemany
Graphic Design: Cap i Cua (Sergio Moya)
© 2023 Josep Lluís Galiana, Avelino Saavedra & Joan Gómez Alemany
© ℗ Liquen Re cords
D.L.: V-3980-2023
LRCD027 liquenrecords.com

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Amb el suport de

Joan Gómez Alemany, Josep Lluís Galiana i Avelino Saavedra en l'estrena de Llibertats sonores en l'Octubre Centre de Cultura Contemporània (València), el 16 de desembre del 2022.

TRACKLIST

1. Part I [ 08.27 ]
2. Part II [ 14.16 ]
3. Part III (duet instrumental) [ 04.15 ]
4. Part IV [ 13.28 ]
5. Part V (solo de percussió i electrònica en viu) [ 03.53 ]
6. Part VI (solo de saxofon soprano) [ 03.33 ]
7. Part VII [ 10.14 ]

Total: 58:06

LLIBERTATS SONORES' bandcamp
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LLIBERTATS SONORES: COMPARTIR AGÈNCIA

Llibertats sonores és un exercici de generositat; una renúncia recíproca de prerrogatives i un repartiment de l’agència entre un compositor i dos improvisadors. El seu compositor, el talentós Joan Gómez Alemany, en el subtítol descriu la seua obra com una «impro-composició» (el terme «comprovisació», utilitzat per altres autors i músics, també seria útil ací). I d’entrada, afirma la singularitat de l’obra afirmant que està feta expressament «per a Josep Lluís Galiana (saxofonista improvisador) i Avelino Saavedra (percussionista improvisador)». La qual cosa, per descomptat, vol dir que des dels seus inicis Llibertats sonores depén molt, si no del tot, dels talents, habilitats i enfocaments personals de la música i la improvisació dels dos improvisadors.

Però és això possible? Pot un compositor realment «escriure» una obra que done prou marge de maniobra als improvisadors lliures i alhora retenir un mínim de creació personal que justifique la seua pretensió d’autoria? Aquesta pot semblar una pregunta passada de moda, però tot i així és rellevant ací. En massa intents, un compositor disposat a incloure seccions improvisades a la seua obra ha estat incapaç de renunciar a un fort control de les regnes, la qual cosa ha donat com a resultat que les instruccions i/o els segments d’improvisació siguen massa restrictius per satisfer les necessitats dels improvisadors, d’espai suficient per expressar-se i, sobretot, poder interactuar.

Gómez Alemany eludeix aquest problema dissenyant una estructura o marc de vuit seccions senzill però eficient que compleix les exigències existencials essencials tant del compositor com dels improvisadors. En ser ell mateix un notable compositor de música electrònica (vegeu les seues Interaccions sonores, també amb Galiana), la seua contribució personal a la substància sonora de l’obra és en forma d’una pista electroacústica preelaborada que es reprodueix durant l’actuació. Així, quatre seccions de «solo instrumental» totalment improvisades s’intercalen amb altres quatre, acompanyades d’enregistraments electroacústics sobre els quals toquen Galiana i Saavedra. Tant el marc com el contingut d’aquest canal electroacústic, que inclou trompes tibetanes de registre baix, subtils pedals d’orgue estil Scelsi, cants vocals ètnics, etc., donen a l’obra la seua identitat compositiva.

Per tant, el compositor renuncia al control total de la música tocada. Què concedeixen els improvisadors? Galiana i Saavedra són excel·lents músics capaços d’actuar en diferents situacions, però els seus esforços principals es donen en la improvisació lliure. En el seu context preferit, estan acostumats a fer música «al moment», sense cap estructura externa ni orientació sobre quant de llarga, intensa, prima o densa ha de ser la música. Mentre un compositor crea un producte per ser re-creat més endavant, en circumstàncies imprevistes, per intèrprets ignots, els improvisadors lliures s’impliquen en el desenvolupament d’un procés no planificat, fruit de diversos factors: el lloc, l’hora, els altres improvisadors que participen, el públic. En aquestes circumstàncies, creen una música el context de la qual és l’ara-i-ací, les coses (sons) que estan passant en el moment (present). Derek Bailey va dir que la improvisació lliure és «tocar sense memòria». Per als improvisadors lliures, l’única guia és la seua escolta. Fan un acte de fe i accepten el risc gloriós d’allò desconegut; salten a l’abisme de les il·limitades possibilitats dels sons en l’espai-temps.

Si bé Llibertats sonores estableix una estructura, unes instruccions d’intensitat i uns temps de secció fixos, que Galiana i Saavedra accepten i assumeixen, també els atorga molt d’espai per interactuar lliurement, trobar la seua música i fer la seua contribució vital a l’obra amb l’única guia de la seua bona oïda; a més els proporciona, en algunes de les seccions, un canal electroacústic de suport que inspira la seua presa de decisions musicals.

Aleshores, de qui és Llibertats sonores? Evidentment l’estructura interpretativa i la pista electroacústica pertanyen al seu compositor: Joan Gómez Alemany. Però en el moment de la seua interpretació, és evident que Galiana i Saavedra són responsables de bona part de la seua substància musical. Vaig tindre la sort d’estar present a la seua estrena, el 16 de desembre del 2022, a l’Octubre Centre de Cultura Contemporània, i puc donar testimoni de la manera tan exitosa com composició i improvisació es fusionen a l’obra. Una celebració de generositat musical; un esforç col·lectiu reeixit que subverteix vells rols i privilegis. I, el més important, un plaer d’escoltar!

Amadeu Marín, músic, improvisador, artista sonor, compositor

DOSSIER DE PRENSA

Rumbo a lo desconocido

Miguel Ángel Pérez Martín, Revista docenotas.com, 06/02/2024
Si alguien tiene duda de que la improvisación sonora es un estilo musical por sí mismo le animo a que escuche este disco

Tan alejado del gamelan balinés como del free jazz de Nueva York, del rock de Londres o de la música contemporánea de base dodecafónica de Berlín. A años luz de esas disciplinas y muy cercanas a la vez.

 

En estudio, en vivo con público o en falso directo, todo es admisible porque el proceso es similar: una leve estructura de ideas de sonido – no solo “musicales”- , instrumentos de todo tipo y mucho conocimiento de estos. La improvisación sin red y efectiva exige mucha práctica -no ensayos, como ya dijo Cecil Taylor- muchos recursos y mucha escucha mutua y activa. Los sonidos de uno pueden ser los estímulos sonoros para los demás.

Si además quieres apartarte de la senda habitual tienes que estar abierto al fracaso y para eso no te preparan en escuelas y conservatorios tanto musicales como de negocios.

 

El resultado puede llegar a ser una cacofonía placentera, significante, como es el caso. Pero hay que estar abierto a que no suceda nada, me ha pasado alguna vez que lo he intentado.

 

La escucha ha de ser preparada, tranquila, sin prisas, no hay melodía que silbar. Es más cercano a un proceso de meditación que a una escucha musical al uso en un auditorio. Como cuando deambulas por una ciudad que no conoces y sin mapa alguno. Corres el riesgo de perderte, de aburrirte o de encontrar de casualidad rincones maravillosos y muy variados. Justo lo que nos exponen los improvisadores en las siete partes de esta hora de improvisación sin red.

 

¿Dónde estoy? No lo sé, seguro que en un punto muy alejado sonoramente del segundo anterior a la escucha.

 

Atrévanse.

«LLIBERTATS SONORES». El diálogo intercultural

Paco Yáñez, Scherzo, 13 de febrero de 2024

Alcanzado ya el segundo mes del 2024, un año más contemplamos con horror cómo el ser humano se sigue aniquilando en sucesivas guerras que, lejos de pacificarse, se enconan mostrando nuestra peor cara. Contra ello se rebela Llibertats Sonores, un disco que nos invita a una escucha profusamente intercultural en la que se lleva a cabo todo un ejercicio de diálogo democrático entre distintos acervos del mundo, desde las premisas de la libertad y del intercambio de la riqueza musical que nos rodea a escala global, tan a menudo oculta por las corrientes comerciales dominantes.

El formato que da salida a esta poderosa concientización es una “comprovisación” en la que participan Josep Lluís Galiana, saxofones; Avelino Saavedra, shakuhachi, percusión y electrónica en vivo; y Joan Gómez Alemany, electrónica pregrabada y definición de la estructura de Llibertats Sonores. Con un marco global que incluye materiales compuestos predeterminados y otros que se resuelven en la improvisación (grabada en Valencia el 28 de diciembre de 2022), en este compacto escuchamos toda una armonía del mundo, con sonoridades tibetanas, bolivianas, turcas e indonesias, entre otras culturas que se ponen en valor y hacen interactuar con las creaciones de compositores europeos como Giacinto Scelsi o el propio Gómez Alemany.

Partiendo de dicha electroacústica, Saavedra y Galiana desarrollan una meta-improvisación con dúos y solos en los que nos vuelven a demostrar por qué son dos de los músicos españoles más destacados en este terreno, primando en su trabajo una muy inteligente respuesta a las señales multiculturales pregrabadas, así como una exploración de sus instrumentos desde la poética, el riesgo, la imaginación y la modernidad. Sus refinados timbres y texturas son realzados por una primorosa grabación en estudio.

Paco Yáñez, Scherzo, reseña

JOSEP LLUÍS GALIANA / AVELINO SAAVEDRA / JOAN GÓMEZ ALEMANY – «LLIBERTATS SONORES» (LÍQUEN RECORDS LRCD027, 2023)

Antonio Martín «Coronel Mortimer», La muerte tenía un blog, domingo, 16 de junio de 2024

Es posiblemente Llibertats Sonores uno de los trabajos más alucinantes que haya podido escuchar en los últimos años dentro del campo de la experimentación, Jazz libre, la electroacústica o si se me permite el uso desmesurado de los aspectos míticos Junguianos de mi psique, un salvaje descenso pseudo aleatorio a una enterrada Agartha Musical donde sus protagonistas en espeleología sonora, Josep Lluís Galiana (saxofón soprano y barítono), Avelino Saavedra (shakuhachi, percusión y electrónica en vivo) y Joan Gómez Alemany (electrónica pregrabada y estructura sonora) se ejercen como estructuras mitológicas que deslabazan para volver a estructurar cualquier atisbo de frontera musical que puedas imaginar. 

 

Olvidaos de la densidad alquitranada de la electroacústica pura y su atonalidad minimalista; también de la música Folk orientalizante y agradable de escuchar que compráis en vuestros ociosos viajes y por supuesto olvidaos igualmente de la matemática concisa de la Improvisación Libre y el Free Jazz más angular… Llibertats Sonores no es ni collage ni divagación más o menos acertada sino lenguaje `oficial´ en toda regla que una vez aprendido permite la integración y diálogo con todo el resto de idiomas musicales que habitan (o habitaron) tanto en el Planeta como en el poderoso sustrato incognoscible del Inconsciente Colectivo.

Y hablando de conexiones, imposible no conectar este disco con Interaccions Sonores que acaba permeándose por ósmosis de forma orgánica hacia Llibertats en la forma de pregrabaciones (COMPOSICIÓN) de Alemany en una sub sábana electroacústica que abarca desde trompas tibetanas a órganos contracturados en una sola nota, para pasar por una panoplia aquilatada y etnomusicológica alucinante plagada de permutaciones o enroques que podrán recordarte a los ejercicios iluminatorios de los viejos místicos Cabalistas, los circulares efluvios del hermetismo Sufí, los percusivos y danzantes tonos minimalistas del Gamelan o la pompa cuasi fúnebre del Gagaku Japonés, para pasar por supuesto por las escalas imposibles de la Raga y el uso mayestático de la voz como elemento devocional (desde el throat singing a la glosolalia). Utilizando esa estructura ya compuesta, Galiana y Saavedra usan sus instrumentos como Neuronavegantes con el combustible de la Improvisación Libre y a pesar de usar técnicas ásperas a priori, el todo musical queda poderosamente melódico y reconocible. 

 

A lo largo de la audición se os vendrán quizás retazos del poliédrico mundo de John Zorn no tanto por su doble conexión con el mundo Hasídico y el underground Japonés como su manera de dulcificar lo agreste. Igualmente camparán por vuestras orejas los biorritmos de Don Cherry o esa musicalidad agradable de Rabih Abou Khalil mezclada con la sutil escucha de los silencios de Trevor Watts o John Stevens. Quizás la fiereza de Dunmall o Evan Parker, la frescura de Jad Fair o la química dual de Joe Harriott (Indo-Jazz Suite) podrían servirte de base y guía. Que se trata de música avanzada está claro y puede recordaros a la Art Ensemble of Chicago o al telurismo de la Arkestra pero por mucho que lo intentéis lo recomendable es cortar definitivamente el cordón umbilical que va de lo rígido a lo ecléctico para por fin necrosar esa parte mental obtusa que nos impide ver (y escuchar) más allá de los telares ilusorios de Maya. 

Choca esos cinco a Shiva el Destructor y renace como oyente a una forma de vertebrar la música más antigua que la misma humanidad porque no creo que sea casualidad que la fotografía de portada de Llibertats Sonores muestre a un Buda en estado de iluminación.

 

Satori o Moksha, unión con lo Divino o Devekuth, Llibertats Sonores nos trae a unos músicos en estado de Gracia que usan sus instrumentos para navegar por atávicas aguas primordiales en las que mediante Bautismo Primordial destruyen el EGO en una suite (IMPROCOMPOSICIÓN) vertebrada en siete partes de brutal regusto étnico que tuvo su estreno en directo el 16 de Diciembre de 2022 en el Octubre Centre de Cultura Comtemporània.  En cuanto al Cd, la grabación se realiza en Önilewaland (Valencia) el 28 de Diciembre de 2022 con diseño gráfico de Cap i Cua (Sergio Moya). La edición es en digipack por LÍQUEN RECORDS y destaca el  amplio libreto a cargo de Amadeu Marín y el propio Alemany con una claridad literaria que hace palidecer con mucho cualquier cosa que pueda yo soltar por aquí.

Abre el disco «Part I» con impresionantes capas de Dungchen tibetanas y bombásticas percusiones dibujando la partitura pregrabada de Alemany sobre la que van dejándose caer los saxos de Galiana. El intrincado maremágnum de trompas tibetanas y saxos inducen al trance mientras que las percusiones de Saavedra van entremezclándose con ese procesado tan original mediante pedaleras que es una gozada verlo en directo. Es alucinante cómo los vibrátiles tonos cuasi marciales de «Earth Sound Tibet» (2017), que así se titula la grabación de Alemany, resulte ser tan dúctil y plástica sirviendo de base organizativa sonora a los elementos percusivos, roce de metales y cuencos tibetanos o el intrincado tono agresivo que le da Galiana al saxo…. sin olvidar por supuesto toda esa panoplia de recursos electrónicos tanto grabados como en vivo que sobre todo en el último tramo del corte ululan a la par que las sostenidas notas asordinadas del saxo soprano. 

 

«Part II»  consta de un larga (14 minutos) improvisación al órgano de Nuestra Señora de la Asunción en Montesa basadas en una sola nota («Improvvisazione su una nota sola») homenajeando a Giacinto Scelsi. Alemany pinza/obstruye una tecla del órgano y a partir de ahí improvisa con los registros dándole un aire a Raga y con la longitud de onda de una Shruti Box; el shakuhachi (flauta japonesa) de Saavedra se desliza con sutilidad junto con los cuencos tibetanos y es altamente luminiscente. «Part III» es un dúo entre Galiana y Saavedra realizando la electrónica en vivo y dándole cierto cariz Noir crepuscular. Tranquila, espaciada y contrastando con «Part IV» que vuelve a usar electrónica pregrabada ésta vez del disco Electroacustic Works 2016-2019, concretamente de «Omaggio a Scelsi». Sobre tan densa capa el saxo barítono de Galiana irrumpe dentro de marañas espectrales bastante opresivas que están a un leve paso del Dadaísmo más Noise de combate (Nurse with Wound). De aquí al final del corte, son 13 minutos de Improvisación Libre en toda regla.

El último tramo del álbum pasa por «Part V», que es una improvisación de percusión y electrónica en vivo de Saavedra; objetos metálicos rozados y procesados mediante pedaleras coactúan con un vibrátil drone cercano al sonido de un harmonium. Muy difícil adivinar la procedencia de cada sonido, es mejor dejarse llevar por el todo y disfrutar de la asfixiante mortaja eléctrica de Saavedra. En contraposición y menos barroca, «Part VI» es un sólo de Galiana al soprano muy fluído con profusión de notas en cascada puntuada por asomos al espectro agudísimo del instrumento. 
 
El estado anímico está perfectamente preparado para la irrupción de «Part VII», babel de voces y cánticos procedente de electrónica pregrabada («Meta-Improvisació») a través de samplers de toda índole y que se suceden con una velocidad de vértigo en un collage arrebatador en el que Saavedra y Galiana se encargan de texturizar todavía más, bien por las percusiones y electrónica extra, bien por los solos de saxo con regusto a extremo oriente. Y cuidadito con la inusitada fuerza de la distorsión cuasi Industrial que se alcanza en los minutos finales que, si bien no llega al Noise, sí que aporta la aspereza propia de esos estilos y es que la electroacústica siempre ha sido la mente pensante detrás de su mano armada, lo Industrial. 
 
Poco más que añadir para semejante obra maestra.

Galiana/Saavedra/Alemany

Ken Waxman, JazzWorld, June 5, 2024

Llibetats Sonores
Liquen Records LRCD 010

MünchenNEUS
superGAUS
FMR CD 541-0419

Five years and nearly 1,700 kilometers sperate these trio sessions. But both are concerned with blending technically diverse acoustic and electronic sonorities into offbeat but original programs. Recorded in Munich, 2017’s superGAUS features three Teutonic musicians who have experimented with subsets of creative music for decades: Anton Kaun, whose electronics and effects are usually found in the multi-media and noise music fields; Gunnar Geisse, whose use of laptop guitar and virtual instruments are prominent in the improvised and New music sectors: and Udo Schindler, whose singular mastery of reed and brass instruments and synthesizer have resulted in notable sessions with everyone from Elisabeth Harnik to Peter Jacquemyn.

Expanding academic studies into sonic action in 2022’s Llibetats Sonores are València-based soprano and baritone saxophonist Josep Lluís Galiana, who has worked with the likes of Agustí Fernández; composer and visual artist Avelino Saavedra playing shakuhachi, percussion and electronics; and Joan Gómez Alemany, another artist-performer adding pre-recoded samples and electronics.

Divided into seven sections which effortlessly flow from one track to the next, the València session begins with polyphonic miasma that soon fragments into identifiable baritone saxophone honks whose nephritic properties judder alongside tremolo electronic wave forms. As the piece evolves the protracted Part II exemplify the session’s thesis and resolution as whizzing oscillations slowly relax into andante ring modulator-like pops as saxophone slurs are contrasted with shakuhachi peeps, which despite dog-whistle approximations preserve linear flow. That evolution characterizes the remainder of the disc, with fierce saxophone overblowing and tongue slaps lined up against bright reed squeezes at the same time as wave form drones rumble. Further resonations are introduced in the form of percussion created by key pressure and voltage stings against unyielding metal. Consolidation into passages of impenetrable hums are countered when Galiana works his way up the scale with circular breathing on “Part VI (solo de saxofon soprano)”; and when Alemany’s selection of samples on the concluding “Part VII” include vocal babbling, adhan-like chants, bell-ringing, gong resonation and additional sounds from what could be a Maghreb–sourced horn and prestissimo human cries. Sonic shape and cohesion is finally resolved as metallic clangs dissolve beside steadily ascending shakuhachi trills and descending baritone saxophone snores.

Although involved with the same sort of electronics and instruments interaction as the València trio, the Munich threesome’s single improvisation is distinguished from the other with an emphasis on acoustic tones. That doesn’t mean that there aren’t as many voltage wave forms heard on superGAUS as Llibertats Sonores. In fact the oscillations include similar squeaks, processed crackles and synthesized drones as the other disc and add unique textures that sounds like rotary hammers and buzzing static. But the tonal definitions of  Schindler’s reeds and Geisse’s laptop guitar and virtual instruments are more pronounced and upfront than similar tones on the other disc. By the time the single track has evolved a quarter of the way synthesized distortions that bleed over the sound picture start to break apart as keyboard-like clips, violin-like sweeps and orchestral samples mixed with reed peeps penetrate electronic drones. By mid-point the non-voltage sections become more prominent, as field recorded conversation are reduced to pointillist syllables and as reconstituted orchestral samples that intersect with altissimo reed smears and tongue stops cut through concentrated buzzing static. Each time the electronic interface attains thundering synthesis and threatens to dominate, human-projected reed snarls, virtual keyboard clips and faux slide whistle peeps swiftly balance the sound articulation. Sliding to the finale, and not unlike Galiana, Saavedra and Alemany, this trio uses reed flutters and virtual pianism to reassert acoustic timbres past machines buzzes and a mechanized gongs.

Each session is a noted instance of bringing parity to acoustic and electronic impulses. Owing to the breath of creative musicians’ craft, each trio has an antithetical emphasis that animates the specific disc to an acceptable outcome.

Ken Waxman

Josep Lluís Galiana, Avelino Saavedra i Joan Gómez Alemany editen ‘Llibertats sonores’, un disc de «improcomposició» electroacústica

MIKROKOSMOS_047, 19 de desembre de 2023

Liquen Records ha publicat Llibertats sonores, un disc de “improcomposició” electrocústica, a càrrec de Josep Lluís Galiana (saxofon soprano i baríton), Avelino Saavedra (shakuhachi, percussions i electrònica en viu) i Joan Gómez Alemany (electrònica pregravada), en una obra dividida en set seccions interpretades a partir d’una estructura sonora de Gómez Alemany.

El segell discogràfic, que té per objectiu difondre músiques improvisades i experimentals des de fa set anys i inclou en el seu catàleg música fruit de la innovació i experimentació artística conjugant diverses disciplines, va gravar l’àlbum en els estudis de Önilewaland, després de la seua estrena en directe en l’Octubre Centre de Cultura Contemporània de València, el distribueix físicament a Espanya i digitalment en les principals plataformes digitals del món.

El compositor Amadeu Marín exposa en les notes del llibret que “Llibertats sonores és un exercici de generositat; una renúncia recíproca de prerrogatives” en les quals “el compositor renuncia al control total de la música tocada”. El músic, improvisador i artista sonor es pregunta “pot un compositor realment «escriure» una obra que done suficient marge de maniobra als improvisadors lliures?” i explica que Gómez Alemany eludeix aquest problema “dissenyant una estructura senzilla, però eficient que compleix amb les exigències tant del compositor com dels improvisadors”.

Marín cita a Derek Bailey: “la improvisació lliure és tocar sense memòria”, i assenyala que “per als improvisadors lliures, l’única guia és la seua escolta. Fan un acte de fe i accepten el risc gloriós del desconegut; salten a l’abisme de les il·limitades possibilitats dels sons en l’espai-temps”. 

A la pregunta, de qui és Llibertats sonores?, l’artista respon que “evidentment l’estructura interpretativa i la pista electroacústica pertanyen al seu compositor: Joan Gómez Alemany. Però en el moment de la seua interpretació, és evident que Galiana i Saavedra són responsables de bona part de la seua substància musical”; i subratlla, després d’assistir al concert d’estrena, que el treball “és una celebració de la generositat musical; un esforç col·lectiu exitós que subverteix vells rols i privilegis. I, el més important, un plaer escoltar-lo!”.

Música electrònica i acústica

Galiana ha manifestat que “ha sigut una gran experiència col·laborar en aquest projecte amb artistes com Saavedra i Gómez Alemany”; com a productor i músic assegura que l’àlbum “no és una proposta discogràfica massa comú. No és una composició, ni una improvisació, no és només música electrònica o acústica (amb instruments tradicionals, populars i ètnics); no és música clàssica contemporània, ni ètnica o popular…, però, segurament, és tot això i molt més”. Galiana, que ve desenvolupant una intensa activitat en l’escena internacional de la lliure improvisació, la creació electroacústica, el avant-garde jazz, i la investigació musicològica des de fa més de tres dècades; destaca que en Llibertats sonores “ens trobem davant un enregistrament, total, globalitzador, actual, que conjumina tradició i modernitat”. 

El saxofonista, compositor, escriptor, editor i gestor cultural, subratlla “que en els temes subjauen ideologies i místiques, de drets universals, cultures mil·lenàries i estètiques sonores avantguardistes, de multidisciplinarietat i d’un cert ecumenisme artístic”; i considera que la iniciativa “és una finestra oberta en el món de les músiques compostes i les improvisades, les pròximes i les més llunyanes, de textures imprevisibles, multitímbriques i de gran cromatisme, que pretenen provocar emocions oposades, inquietants, apassionades i captivadores”. 

Multi-culturalitat en llibertat

Per la seua part, Joan Gómez Alemany exposa en un article del llibret, Multi-sonoritat i multi-culturalitat en llibertat, que el disc “es construeix per capes formades a l’instant o ja preexistents”; transita “entre la improvisació i la composició, creant un híbrid igualitari que podríem anomenar «improcomposició» (demostrant una vegada més la naturalesa mestissa i sincrética de la música)”; i és “un gran puzle de materials diversos”. 

El compositor, artista visual i escriptor indica que “Galiana i Saavedra improvisen generant una música a l’instant, que en cada interpretació d’aquesta obra (siga en directe com en el seu enregistrament en estudi) mai es repeteix”. I en aquest diàleg, està la música electrònica pregravada de Gómez Alemany, “una estructuració sonora que podríem dir compositiva». Amb aquesta «partitura», apunta que “són els músics els qui interactuen lliurement sense necessitat de llegir i seguir cap notació o codi que limite els sons que han de crear”.  

El disc Llibertats sonores compta amb la col·laboració del Institut Valencià de Cultura de la Generalitat Valenciana i del Laboratori per a la Investigació de Processos Creatius Contemporanis AD LAB.

Artistes d’avantguarda

Liquen Records, creat pel músic i escriptor Josep Lluís Galiana en 2016, compta amb un equip de professionals i col·laboradors d’àmplia experiència i llarga trajectòria en el món de la música i en tasques molt diverses com són la creació i la interpretació; la programació i la gestió de festivals i cicles de concerts, i la producció i edició discogràfica, així com el màrqueting, difusió i divulgació musical. 

El segell valencià, que compta amb 27 discos editats en set anys, sorgeix de la necessitat d’impulsar i donar a conéixer als artistes situats a l’avantguarda de la creació musical així com les seues col·laboracions amb artistes d’altres països. Així mateix, distribueix i dóna difusió als projectes del seu catàleg en format físic i a través de diverses plataformes digitals a tot el món.

JOSEP LLUÍS GALIANA

Josep Lluís Galiana (València, 1961), saxofonista, improvisador, escriptor, compositor, editor i productor discogràfic, és protagonista destacat en l’escena internacional de la lliure improvisació, la creació electroacústica, l’avant-garde jazz, la investigació etno-musicològica i la divulgació de la cultura i les arts des de fa més de tres dècades. És autor de nombrosos llibres, assajos, poemaris i col·laboracions en revistes especialitzades i periòdics, com ara els llibres La libre improvisación musical: fuente inagotable de inteligencia emocional, Tiempo de reverberación. Una aproximación histórica a la música experimental valenciana…, els poemaris Haikus d’estiu i Sons compartits o l’assaig Improvisación Libre. El gran juego de la deriva sonora o Emociones sonoras. De la creación electroacústica, la improvisación libre, al arte sonoro…, entre altres. 

Així mateix, compta amb dues-centes composicions en catàleg i més de cinquanta discos publicats en diversos segells, tant en solitari com en col·laboració amb prestigiosos artistes com ara Agustí Fernández, John Butcher, Wade Matthews, Josu de Solaun, Ramón López, Carlos D. Perales, Avelino Saavedra, Jesús Gallardo, El Pricto, José Manuel Berenguer, Miguel Molina, Gregorio Jiménez, Ruiz del Puerto, Sisco Aparici, Vicent Gómez, Ferran Besalduch, Ricardo Tejero, Íñigo Ibaibarriaga, Mike Cooper, Guillermo Bazzola, Paloma Carrasco, Thomas Bjelkeborn, Adolf Murillo, Gonzalo Biffarella, Bartolomé Ferrando, Víctor Sequí o Joan Gómez Alemany, entre molts altres. La seua obra s’ha donat a conéixer en importants festivals internacionals de Portugal, França, Grècia, Itàlia, Polònia, Suècia, els EUA, la Xina, el Brasil, l’Argentina, Mèxic, Cuba i Espanya. El 2016, funda l’editorial EdictOràlia Llibres i Publicacions i el segell discogràfic Liquen Records, dedicat a les músiques improvisades i experimentals. 

En el camp de la docència, ocupa la Càtedra d’Orquestra i Cor del Conservatori Superior de Música de Castelló (2002-2003), on funda la seua Big Band. També, ha estat professor d’Història i Estètica de la Música al Conservatori Professional de València (2002) i al Conservatori Professional de Cullera (2004-2005), a més d’impartir nombrosos cursos, tallers i seminaris al voltant de la improvisació i altres qüestions musicològiques, artístiques i culturals a l’Argentina, Grècia, Suècia i Espanya.

AVELINO SAAVEDRA

Avelino Saavedra (Santiago de Compostela, 1967), és músic improvisador, percussionista, artista plàstic i performer. De formació musical no acadèmica, ha tocat en grups de diferents estils per dedicar-se els darrers anys gairebé exclusivament a l’experimentació sonora i més concretament a la improvisació lliure. El seu treball sonor recent més personal està centrat en el procés i la manipulació electrònica de la bateria, diversos instruments i objectes, mitjançant pedals d’efectes. 

Ha enregistrat per a segells com Audiotalaia, Oktober Xart, Luscinia Discos, Discordian Records, Liquen Records, Pocketfields, Mala Raça, Elefant Records, Spark i Chiennoir Netlabel. Ha participat en diversos recopilatoris d’art sonor i música experimental i actuat a festivals com Ensems, Off_Hz !, LEM, Nits D’Aielo i Art, Eufònic, Anem Anem, PinPanPun, Xamall X, Acció Mad!, Remor, Poètiques per a una Vida, Vociferi o Arriversos, entre molts altres. 

El seu treball s’ha mostrat en diversos espais oficials com el Centre d’Art Reina Sofia, Palau de la Música de València, IVAM, MUVIM, CCCC, etc., així com a diversos espais no oficials i autogestionats. La seua música s’ha difós en programes de RNE, com Segle XXI, Ars Sonora, La Libélula o Via Límit, així com en mitjans independents com els programes de ràdio Vericuetos, Llums de Tunguska, Ràdio Klara o Ràdio Kras, entre d’altres. Així mateix, ha practicat la performance o l’art d’acció regularment durant gairebé dues dècades, encara que més puntualment en l’actualitat, actuant en diversos festivals i trobades. Finalment, pinta i dibuixa des que té ús de raó, havent produït una obra plàstica considerable.

JOAN GÓMEZ ALEMANY

Joan Gómez Alemany (València, 1990) és compositor, artista visual i escriptor. Comença el Grau en Composició amb Oliver Rappoport (Conservatori del Liceu) i el finalitza amb Clemens Gadenstätter (Kunst Universität Graz). Té un Màster en Composició (KUG) amb Franck Bedrossian i un Màster en Òpera (KUG) amb Gadenstätter. També és graduat en Piano i llicenciat en Belles Arts. Actualment es troba realitzant la seua tesi doctoral a la Universitat Politècnica de València. 

Per ara el seu catàleg consta de més de 60 obres per a orquestra, òpera, ensemble, electroacústica, etc. Les seues composicions han estat encarregades o interpretades a festivals com el Darmstädter Ferienkurse, impuls (Graz), ManiFeste-IRCAM (París), reMusik.org (Sant Petersburg), Mixtur (Barcelona), Ensems (València), COMA (Madrid), Klang (Copenhaguen), Lens Dans Festival (Brussel·les), MPArt Festival (Larisa, Grècia), Mostra Sonora Sueca, Festival Contemporani d’Alacant, Àgora Actual Percussió, etc., i interpretades per músics o ensembles com Arditti, Nikel, Recherche, Multilatérale, Schallfeld, Adapter, Parcours, MCME, Delirium, Synergein Project, Grup Cosmos 21, Container, Aer Duo, IEMA, Szene Instrumental, Alxarq Percussió, BCN216, Shifter i altres. 

La seua música també ha estat estrenada per orquestres com la SWR sota la direcció de Gregor Mayrhofer i la JOGV sota la direcció de Pablo Rus Broseta. El 2022 es va estrenar la seua òpera de cambra (projecte interdisciplinari) Glücklich, die wissen, dass hinter allen Sprachen das Unsägliche steht a l’Òpera de Graz amb el director Leonhard Garms. Publica les seues partitures principalment a l’Universal Edition i per ara la seua música està editada en 8 CDs per a Liquen Records, Viajero Inmóvil Records i IBS Classical. La seua música s’ha escoltat a Alemanya, Àustria, Azerbaidjan, Bèlgica, Dinamarca, Espanya, França, Grècia, Israel, República Txeca i Rússia, i emesa a les ràdios ORF, SWR, RNE, À Punt FM, Catalunya Ràdio i Radio Círculo de Bellas Artes.

UNDÆ! Radio #285. 23/1/24

Este podcast pertenece al 13er programa (#285) de la undécima temporada (23/24) que se transmitió el pasado 23 de enero por Radio Círculo y está dedicado a LLIBERTATS SONORES, un muy interesante trabajo de Josep Lluís Galiana(saxofonista improvisador), Avelino Saavedra(percusionista improvisador) & Joan Gómez Alemany(Compositor). El disco está editado por LIQUEN RECORDS. 

“LLIBERTATS SONORES” UNA IMPROCOMPOSICIÓN

Revista-fanzine PROCEDIMENTUM, 2025

Resumen: “Llibertats sonores” es un concierto de 60 minutos sin interrupción, para saxofones (Josep Lluís Galiana), percusión y electrónica en vivo (Avelino Saavedra) y electrónica pregrabada (Joan Gómez Alemany), que explora los límites entre la improvisación y la composición. Además, su carácter de intersticio le hace explorar desde una perspectiva multicultural, la música de orígenes muy diversos. Podremos escuchar reminiscencias de la música que va del próximo y lejano oriente hasta la música africana y australiana, entre otros. Todo en una sutil mezcla que tiene como eje conductor la libre improvisación. Esta obra se estrena en un contexto global de grandes viajes y migraciones, una cultura digital que mezcla e hibrida continuamente, y un arte que potencia lo interdisciplinar diluyendo las fronteras. Por eso, “Llibertats sonores”, como su nombre indica, potencia la libertad en el sonido desde una perspectiva actual, uniendo músicos y artistas de diferentes perfiles creativos y generaciones, pero con su interés común de hacer avanzar el arte y no estancarlo en fórmulas antiguas, obsoletas y académicas.

1. Introducción. La generosidad creativa de Llibertats Sonores: una obra que desafía los límites entre composición e improvisación.

…

4. Conclusiones. Como conclusiones se puede afirmar que la obra refleja cómo las prácticas musicales actuales buscan trascender las formas tradicionales, cuestionando estructuras y rompiendo jerarquías. La música experimental aquí encuentra su anclaje en el diálogo entre artistas y públicos, en una dinámica que rechaza el espectáculo y se sumerge en lo íntimo y plural, siguiendo las ideas de figuras como John Cage, quien defendía la necesidad de “dejar que los sonidos actúen desde sus propios centros”. En este sentido, Cage plantea un arte libre de poder, que flota sin las restricciones de un lenguaje cerrado y dogmático. Esta visión se complementa con la idea del “tiempo de reverberación” en la música: igual que los sonidos en una sala se adaptan a su entorno físico, los ecos de la cultura se adaptan a su entorno social, permitiendo que la obra, en su construcción y resonancia, refleje la historia, política y diversidad de sus tiempos. Este enfoque artístico muestra cómo la música experimental puede ser una herramienta para la reflexión crítica sobre nuestras realidades sociopolíticas, superando las barreras geográficas y culturales para ofrecer un espacio de expresión libre y de creación compartida (Galiana, 2022).

Publicado el

NANUK L’ESQUIMAL. Banda Sonora de Josep Lluís Galiana & Ensemble Impromptu

Nanuk l’esquimal. Banda Sonora de Josep Lluís Galiana & Ensemble Impromptu. València: LIQUEN RECORDS. DL: V-3966-2023 • LRCD026. PVP: 20€

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ENSEMBLE IMPROMPTU
Josep Lluís Galiana
Creació d’una banda sonora per al filme
NANOOK OF THE NORTH
(Nanuk l’esquimal)
de Robert J. Flaherty (1922)

 

01. Introducció [ 5.51 ]
02. Primera conducció [ 5.08 ]
03. Nanuk i el gramòfon (silent) [ 3.21 ]
04. Nanuk va de pesca (puntillisme) [ 5.46 ]
05. Nanuk navega per la mar a la caça [ 8.03 ]
06. L’arribada de l’hivern (sons eòlics) [ 1.11 ]
07. Nanuk caça un guineu blanc [ 6.31 ]
08. Segona conducció (marxa) [ 9.33 ]
09. La família de Nanuk dins de l’iglú [ 3.10 ]
10. De matinada (solo saxo soprano) [ 8.09 ]
11. Nanuk arpona una foca (clímax) [ 13.12 ]
12. Camí cap a la tragèdia (pianissimo) [ 9.05 ]

________________

Total: 79.00

David Herrington trompeta i tuba
Jorge Gavaldá guitarra processada
Gregorio Jiménez electrònica en viu
Remigi Roca contrabaix
Osvaldo Jorge tabla índia i percussió ètnica
Josep Lluís Galiana direcció musical i saxofons
Pep Llopis direcció artística

Música composta, produïda i masteritzada per Josep Lluís Galiana
Presa de so i mescla de Pep Llopis
Imatges de Marga Ferrer i Avelino Saavedra
Disseny gràfic de J. Chagall (Cap i Cua)
Textos de Josep Lluís Galiana
© Josep Lluís Galiana 2023
© Liquen Records 2023
DL: V-3966-2023 · LRCD026
liquenrecords.com

Llibret en valencià i castellà (inclou la partitura)

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Amb el suport de

Creació instantània d’una Banda Sonora per al filme NANOOK OF THE NORTH (Nanuk l’esquimal), de Robert J. Flaherty (1922)

Encàrrec de l’Institut Valencià de la Música a Josep Lluís Galiana

Quan l’Institut Valencià de la Música, dirigit aleshores per Immaculada Tomàs, m’encarrega la creació d’una Banda Sonora per a la pel·lícula de Robert J. Flaherty NANOOK OF THE NORTH (1922) i ser estrenada per l’Ensemble Impromptu en el marc del festival dirigit pel compositor Pep Llopis l’aula d’altres músiques en l’edició de 2007, vaig pensar inevitablement en la lliure improvisació musical (free improvised music), pràctica musical de la qual aquesta formació havia fet la seua forma de vida i d’expressió.

L’experiència que em donava ser membre fundador d’aquesta agrupació de grans músics amb els que havia compartit escenari en nombroses ocasions durant uns quants anys i d’haver gravat amb ells un parell de discos facilitava molt la meua tasca de seqüenciar, organitzar i conduir aquesta nova aventura sonora. L’obra mestra de Flaherty també va facilitar-me molt les coses.

Les meues pretensions van ser assignar so, timbre i paràmetres concrets als personatges de la pel·lícula del cineasta estatunidenc Robert Joseph Flaherty (1884-1951), i no tan sols als personatges / humans sinó també als personatges / paisatges, personatges / animals, personatges / situacions, alguns d’ells recurrents durant el metratge del filme. La unitat de l’obra resideix precisament en aquesta identificació i evidentment en certs motius que es repeteixen tot al llarg de la composició / improvisació lliure i també conduïda en alguns fragments o seccions.

Un altre aspecte a destacar és la recerca i l’equilibri entre els moments més climàtics (high energy playing) amb els de màxima laxitud sonora (landscapes i atmosferes). La resta del material —eminentment indeterminat com correspon a una creació instantània— obeeix a una planificació i disposició d’eixos tonals, grafies d’estimulació que parametritzen el discurs sonor amb textures, colors, tímbriques i dibuixos preestablerts.

La partitura, doncs, és una mena de guió cronològic, minutat i seqüencial (time line), on els improvisadors entren i surten amb la finalitat de delimitar diferents associacions tímbriques i cromàtiques en funció de cada personatge i de cada secció de l’obra visual i sonora. Al mateix temps, la partitura acull una sèrie d’instruccions i/o estímuls, a més a més dels que depenen de la conducció (senyals fets als improvisadors per mi mateix en el meu doble paper de director / conductor de l’ensemble i d’intèrpret de l’obra) per a aconseguir textures, motius i efectes més o menys definits i que acoten el discurs lliure i prou idiomatitzat abocat pels improvisadors.

L’Ensemble Impromptu, el dia de l’estrena de Nanuk l’esquimal, l'1 de desembre de 2007) a l’IVAM. Foto: Marga Ferrer.

Sota la direcció artística de Pep Llopis, l’Ensemble Impromptu va estar integrat en aquella ocasió pels músics

• Josep Lluís Galiana, a la direcció musical i saxofons soprano i tenor;
• David Herrington, a la trompeta i la tuba;
• Jorge Gavaldá, a la guitarra processada;
• Gregorio Jiménez, a l’electrònica en directe i processament de so;
• Remigi Roca, al contrabaix, i
• Osvaldo Jorge, a la tabla índia i percussió ètnica.

L’estrena va tindre lloc a l’Auditori Carmen Alborch de l’Institut Valencià d’Art Modern (IVAM) l’1 de desembre de 2007 i va comptar amb la col·laboració de La Filmoteca Valenciana, l’equip tècnic de la qual va ser l’encarregat de la projecció de la pel·lícula de Flaherty. L’enregistrament del concert va estar a càrrec de Pep Llopis.

La Banda Sonora, creada ex profeso pel saxofonista, improvisador, compositor, escriptor i editor Josep Lluís Galiana per a la seua estrena amb la projecció de la pel·lícula documental NANUK L’ESQUIMAL, de Robert J. Flaherty, està disposada en 12 seqüències / peces que, amb entitat pròpia per la seua temàtica i sentit dintre del seu discurs fílmic i sense solució de continuïtat, configuren aquest disc. Es tracta d’una música per a tots els públics. És la Banda Sonora d’una pel·lícula muda, d’una música improvisada, amb electròniques, instruments tradicionals i ètnics i molta experimentació sonora. (Vegeu la partitura)

Seqüenciació de NANUK L’ESQUIMAL

00.13 · Comença la pel·lícula amb el primer rètol.
01.42 · Rètols
03.31 · Primer Pla de Nanuk, el personatge del filme.
04.11 · Canoa, escena del desembarcament de la família de Nanuk i presentació de tots els personatges de la pel·lícula: Alice, Nyla, Cunayou & Comock.
06.40 · Foc al campament.
07.09 · Fent una canoa.
07.35 · El llarg recorregut vora riu transportant la canoa.
08.10 · Travessa amb la canoa pel riu.
10.12 · Arriben al mercat de la pell.
12.00 · Nyla amb els gossos.
12.37 · Escena de Nanuk escoltant un gramòfon.
14.15 · Els fills de Nanuk mengen a l’iglú. Mal de panxa del xiquet i xarop.
15.58 · Nanuk pesca des de la canoa entre el gel.
22.36 · Carreres de canoes en la mar. Velocitat i ones. Morses. Morses descansen varades a la platja, els caçadors van a per elles sigil·losament. S’espanten i arponen una. Més morses en la mar venen a rescatar a la capturada, però finalment l’arrepleguen i la trauen del mar entre quatre esquimals. Comencen a menjar-se-la.
30.28 · L’Hivern. Vent de nit… Desolació. Més vent.
31.50 · Nanuk, la seua gent i els gossos van de cacera sobre el gel, arrossegant un trineu molt feixuc. Gran esforç. Sigil·losos van a per la presa (minut 36), que es troba sota el gel.
38.43 · El dia és curt i cerquen un lloc adient per fer un iglú i passar la nit. Mentre que Nanuk treballa tallant el gel i construint, els xiquets juguen, relliscant-se per la neu. Nanuk fa una finestra a l’iglú i trau el cap.
49.55 · Temps per a jugar amb els xiquets i ensenyar-los com arribar a ser un gran caçador com el seu pare.
52.27 · Al matí, s’aixequen, es vestixen, es renten i desdejunen.
57.48 · Es preparen per a la marxa. Treuen els gossos i se barallen. Es posen en marxa amb el trineu i fan milles.
1.01.22 · Nanuk cerca aliment, perseguint animals sota el gel. Gran batalla. Moments de gran energia: la lluita per pescar. Tota la família arrossega per tal de traure la peça: es un ós polar de gran envergadura (minut 01.07.15). Ho trossegen i els gossos ensumen la sang i la carn. Tenen fam.
Li lleven la pell en un moment. Els gossos s’impacienten. Es mengen la carn crua. Després mengen els gossos.
1.13.05 · Enfosqueix i tenen un llarg camí i els gossos estan molt nerviosos. Marxa cap al nord. S’allunyen de la imatge. Moment dramàtic. Arriben a l’iglú. Fa molt de fred. Ja estan dins i mengen quelcom. S’acomoden i els gossets també. Se giten i els gossos queden fora udolant i congelant-se. Fa molt de fred i bufa el vent gèlid.
1.23.00 – 1.23.30 · La pel·lícula finalitza amb la mort de tots.

Josep Lluís Galiana. Foto: Joan Gómez Alemany

BIOGRAFIA

Josep Lluís Galiana, nascut a la ciutat de València, és Diplomat en Estudis Avançats (DEA) per la Universitat Politècnica de València i Titulat Superior pel Conservatori Superior de Música de València. Saxofonista, compositor, escriptor, editor i gestor cultural espanyol destacat a l’escena europea de la lliure improvisació, la creació electroacústica, l’avant-garde jazz, la investigació etnomusicològica i la divulgació de la cultura i les arts, comença la seua trajectòria artística a principis de la dècada de 1980, formant part de diversos ensembles instrumentals contemporanis, col·lectius de jazz i agrupacions de música popular valenciana. Les seues composicions han estat estrenades i interpretades en importants festivals internacionals de Portugal, França, Grècia, Itàlia, Polònia, Suècia, EUA, Xina, Brasil, l’Argentina, Mèxic, Cuba i Espanya.

Fundador de l’Ensemble Impromptu el 2002, junt al pianista mallorquí Agustí Fernández i els músics improvisadors Jorge Gavaldá, Remigi Roca, Carlos Amat, Osvaldo Jorge i la participació d’altres músics com ara Liba Villavecchia, Ramón López, David Herrington i Gregorio Jiménez, l’agrupació compta amb dos produccions discogràfiques al seu catàleg:

• Ensemble Impromptu & Agustí Fernández: Instint. València: Marmita-Música Viva-MMV-001, 2005.
• Ensemble Impromptu & Ramón López: Khroma Akustikós. València: Marmita-Música Viva, 2007. MMV-004.

Amb vora dues-centes composicions en catàleg i més d’una cinquantena de discos publicats, Josep Lluís Galiana ha gravat i col·laborat per a Canal Clàssic-RTVE-Via Digital; RNE-Ràdio Clàssica (Ars Sonora), RTVV, RNE-Radio 3 (Atmósfera, Discópolis Jazz), Ràdio Klara, els podcasts Undae Ràdio, Universos Paralelos, Jazz en el aire, Llum de Tunguska, Vericuetos-Radio Kras, Bad Music Jazz, i per els segells discogràfics Marmita-Música Viva, Artics Produccions, Intertecno 2000, Cambra Records, AMEE, Desamparats Productions, Sound In, PrimTON Berlín, Luscinia Discos, Clamshell Records, Alina Records, Seidagasa, Cilestis, ZAWP, Discordian, Viajero Inmóvil Experimental, Mute Sound i Liquen Records.

És autor del llibre TIEMPO DE REVERBERACIÓN. Una aproximación histórica a la música experimental valenciana en el contexto internacional y otros escritos sobre música y política (2022), dels poemaris HAIKUS D’ESTIU (2021) i SONS COMPARTITS. Poemes, textos i pretextos (2018); de l’assaig IMPROVISACIÓN LIBRE. El gran juego de la deriva sonora (2017) i de les recopilacions d’escrits musicals PIANOS Y PIANISTAS. Dos décadas de crítica musical y otros escritos pianísticos (2020), EMOCIONES SONORAS. De la creación electroacústica, la improvisación libre, el arte sonoro y otras músicas experimentales (2020) i ESCRITOS DESDE LA INTIMIDAD. Conversaciones, artículos de opinión, notas, reseñas y críticas musicales (2016), així com de nombrosos articles, crítiques, ponències i estudis musicològics publicats en llibres, revistes especialitzades i premsa escrita. En 2016, crea el segell editorial EdictOràlia Llibres i Publicacions, on té tots els seus llibres publicats, i la discogràfica Liquen Records, dedicada a les músiques improvisades i experimentals. És col·laborador habitual de la Revista on-line de Música i Art Sonor Sul Ponticello, des de la seva secció Plànol de immanència, així com d’altres publicacions especialitzades com el diari lasBandas, dedicat a la música i la cultura popular valencianes, des de la seua secció Temps de reverberació, i les revistes Itamar, revista d’investigació musical, Eufonía i El Cuaderno, entre d’altres.

joseplluisgaliana.com

DOSSIER DE PRENSA

Ensemble Impromptu –  «Nanuk l’esquimal» (Liquen Records; LRCD026, 2023

Por ANTONIO MARTÍN «Coronel Mortimer», La muerte tenía un blog, 26/09/2024

Nanuk el Esquimal (Nanook of the North) es un documental (casi que diría el primero de la historia) mudo rodado en 1922 por Robert J. Flaherty que se pasaría prácticamente dos años de su vida conviviendo allá por la Península de Ungava (Despeñaperros para arriba, todo recto) con Allakariallak (Nanuk) y su familia haciendo pues eso, cosas de esquimales como cazar una morsa, encender fuegos y tal. No voy a entrar en su validez como docudrama porque es un debate cinéfilo amplio y complejo con sus detractores que consideran que Flaherty reimagina `a su modo´ cómo era la vida en el Norte de Canadá pero lo cierto es que años más tarde, acaba resultando el perfecto telar de imágenes sobre el que anudar una maravillosa banda sonora que el saxofonista, compositor, escritor, editor y gestor cultural (añadiría más cosas, pero con un click accedéis a su currículum) Josep Lluís Galiana decide intervenir performáticamente para aunar música e imágenes bajo encargo del Instituto Valenciano de la Música allá por 2007.

¿Qué hace Galiana? Pues sabe perfectamente que la familia lo es todo y para ello busca a unos esquimales íberos concretos conocidos de Despeñaperros para Abajo como la ENSEMBLE IMPROMPTU (desconozco si quedan copias, pero os recomiendo contactar con Josep e indagar si Instinct de 2005 y  Khroma Akustikós de 2007 siguen disponibles porque son dos verdaderas joyas). David Herrington (trompeta y tuba), Jorge Gavaldá (guitarra procesada), Gregorio Jiménez (electrónica en vivo), Remigi Roca (contrabajo), Osvaldo Jorge (tabla india y percusión étnica), Galiana (composición, dirección musical y saxos) y Pep Llopis a la dirección artística son convocados de forma mediúmnica por el propio Llopis al festival L´aula d´altres Músiques en el Auditorio Carmen Alborch donde junto a la Filmoteca Valenciana proyectan la película mientras la Ensemble Impromptu `genera en puro directo bajo un andamiaje sutil preestablecido´ la música que la arropa. Años después, y para delicia del respetable oyente, LÍQUEN RECORDS edita este maravilloso CD de (efectivamente) 79 minutos que justos son los que dura el film de Flaherty.

A grandes rasgos y de forma general, Nanuk L´esquimal funciona perfectamente como álbum independiente de la imagen así que queda plenamente justificada su edición. La música aun perteneciendo al espectro de la libre improvisación es mucho más amable de lo habitual, con partes que rozan la Clásica Moderna, Cámara, la World Beat e incluso la música concreta de tal suerte de que una composición `en vivo y en directo´ mediante determinados parámetros. Por ejemplo, asignar sonidos y timbres a personajes o situaciones concretas (vale esto tanto para los seres humanos como para animales o situaciones) hace que se repitan a modo de `scores netamente cinematográficos´ algunas partes dando una sensación marcada de musicalidad o mejor dicho melodía. Lo abstracto y atonal se convierte en cotidiano y amable gracias a la disposición de una especie de guión musicalizado que acaba desembocando en un cromatismo cargado de atmósfera. Dicho de otra manera, la partitura musical deja los espacios libres adecuados para la improvisación como suele ser habitual en estos estilos pero de forma concentrada y quizás un pelín más restrictiva para que lo agreste sea eso… agreste y no salvaje o el fuego no se tranforme en incendio.

La banda sonora se divide en 12 bloques que un poco a vola pluma voy a iros describiendo. No creo que tenga sentido ser exhaustivo e ir tema por tema ya no sólo porque no tengamos la imagen correspondiente del documental sino porque puede ser algo tedioso. Como os comenté, se trata de música bastante comedida en lo agresivo y donde prima lo `descriptivo´. Partes solistas como esas cuerdas con arco de la apertura se unen a una percusión de corte muy étnico y tribal. Pausada, con mucha tabla india (muy buena en «Segona Conducció») y subrayados estratégicos de una tuba que está magnífica. Brillando sobre ese pasaje aparentemente sobrio (mejor dicho, asordinado) brilla el saxo de Galiana (por ejemplo en «Introducció») en su ejecución de corte casi New Thing (por alguna razón me recuerda a Archie Shepp). 

La electrónica se funde con el resto de instrumentos y por momentos me da la sensación de haber ralentizado `in extremis´ a Les Baxter o Esquivel sobre todo en los pasajes donde todos los instrumentos fluyen juntos. No es el caso por ejemplo del áspero discurrir de percusión y electrónica de «Primera Conducció» pero es magnífico como el procesado que se le ha dado tanto a la guitarra como a la electrónica permita la antropomorfización de los sonidos que se despliegan. No entramos en el Noise, pero os aseguro que sólo un puntito le falta y nos quedamos en la Concrete o, si me tiráis del pezón izquierdo en un momento de debilidad, os diré que el flotante Ambient del Cuarto Mundo de John Hassell exuda algo de su lisergia dentro Nanook of the North. 

Como suele suceder en todo aquello que se proyecta en blanco y negro, hay pasajes de los instrumentos de viento («Nanuk i el Gramofón») que son Cool Noir Jazz o incluso se roza la Cartoon Music (la puntillista, silente y con mucha sordina «Nanuk va de Pesca») aunque bien es cierto que el magnífico trabajo del contrabajo de Remigi Roca lleva al conjunto a un encomiable nivel que es algo así como añadir las cuatro cuerdas de Mingus a Don Cherry y Ed Blackwell (MU). Vuelvo a insistir con el contrabajo con la sobriedad al arco (casi Música de Cámara) y eterismo electrónico mientras arremetidas controladas de la tuba luchan contra una percusión que se va abriendo en abanico en «Nanuk Navega per la Mar a la Caça» en un bello in crescendo muy británico en ejecución (no desentonaría esto dentro del catálogo de EMANEM en las mil y una rotaciones de John Stevens / Barry Guy / Paul Rutherford / Trevor Watts o los experimentos de Evan Parker en Psy). 

Como suele ocurrir con la vida de todo esquimal que se precie, los elementos Tierra, Fuego, Aire y, sobre todo este último, será el protagonista de «L´arribada de L´hivern (sons eòlics)» que es un pequeñísimo puente minimalista. A estas alturas del disco pasa prácticamente de todo; pasajes muy sinuosos y tribales o justamente lo contrario (la ausencia de lo percusivo per sé) y así transcurre desde la monolítica y percusiva «Segona Conducció» ejemplo de lo primero a su reverso tenebroso instrospectivo como muestra de lo segundo en «La Familia de Nanuk dins de L´iglú») y aprovecho para decir que Nanook of the North es un álbum de conjunto, no de individualidades; la elección de qué instrumentos son los que tocan en cada parte es muy acertada y ya no sólo qué instrumentos, sino cual se decide dejar en un segundo plano. Un diez a la dirección musical. 

Galiana despliega sus recursos técnicos en un soliloquio de saxo soprano en «De Matinada» que como adjetivo particular, está embebido de crepuscular belleza de sutileza étnica. Transcurre en segundo plano un obsesivo contrabajo al arco y alumbrantes sonidos electrónicos incluyendo (no sé si de la guitarra o qué) motivos melódicos que recuerdan a un arpa además de la sensación de que algunas notas `van hacia atrás´ contra un río musical (el resto de notas) del mismo modo que los salmones.

Ecos a una mezcla entre las Rabih Abou-Khalil y el Klezmer radical Zorniano para la monumental de 13 minutos «Nanuk arpona una Foca»). Aquí es donde confluye de forma soberbia todos los recursos manejados por Ensemble Impromptu pero girando hacia el Free Avant Jazz. 

 

Quedan 9 minutos pero como homenaje a Nanook, me callo. 

Reseña | Nanuk l’esquimal

Por , Revista Melómano, 13/05/2024

Nanuk l’esquimal es la banda sonora de una película documental muda del cineasta Robert J. Flaherty estrenada en el Institut Valencià d’Art Modern (IVAM) en diciembre de 2007. La banda sonora fue creada por el saxofonista, compositor, improvisador, editor y escritor Josep Lluís Galiana, quien, junto al Ensemble Impromptu, ha realizado la grabación de este trabajo discográfico. La banda sonora está compuesta por doce secuencias, teniendo cada una de ellas una temática y sentido acordes al guion de la película. Este último, descrito al detalle en el libreto del disco, proporciona la información relativa al discurso de la película, y de esta manera la música es compuesta (o, mejor dicho, improvisada) en relación a lo que va sucediendo en el largometraje. Es destacable la partitura de la banda sonora, de la cual podemos ver también un ejemplo en el libreto. Lejos de parecer una partitura convencional, la disposición de la misma es muy clara y deja un gran espacio a la creatividad y a la libertad del intérprete para improvisar acorde a lo que se pide.

Respecto a las doce secuencias que aparecen en la banda sonora, todas están relacionadas con un momento concreto de la película, y no solo representan a los diferentes personajes, sino también a la relación de estos con diferentes paisajes o situaciones, por ejemplo. Como sonidos recurrentes encontramos a la percusión y al saxofón, a los que se suma la electrónica, piedra angular y eje central de las secuencias. Hay sonidos que, si bien pueden estar modificados por la electrónica, son difíciles de reconocer y de distinguir, lo cual deja al oyente intrigado y con mucha capacidad para experimentar y reconocer nuevos sonidos.

Ver cómo la música forma parte de otras manifestaciones artísticas, y que esta unión es enriquecedora además de novedosa, representa una nueva dimensión creativa que despierta los sentidos y redefine los límites de la expresión artística, sumergiendo al espectador en un viaje emocionante y transformador.

¡Gracias Ensemble Impromptu y Josep Lluís Galiana por vuestra música!

Reseña en Revista RITMO

Joan Gómez Alemany, Revista Ritmo, #1000, p. 51, 1 de diciembre de 2025

La película Nanuk el esquimal de Flaherty se convierte en un palimpsesto de sonidos gracias a la impro-composición de Josep Lluís Galiana y el Ensemble Impromptu. Estos transforman el cine mudo en magia sonora. Los saxofones de Galiana, la trompeta y tuba de David Herrington, la guitarra procesada de Jorge Gavaldá, la electrónica de Gregorio Jiménez, el contrabajo de Remigi Roca, la percusión de Osvaldo Jorge y a la dirección artística Pep Llopis crean un continuo que oscila entre la impro libre, el jazz y la música étnica. Cada motivo (personaje, paisaje o situación) se disuelve en texturas sonoras muy ricas que funcionan perfectamente sin la imagen de la película. Galiana, como director e intérprete, convierte la deriva sonora en método, gracias a la escritura de una bella y plástica partitura, que delimita el mapa temporal de las escenas y los materiales sonoros. La música no acompaña el filme, sino que lo reescribe. Frente al hielo de los esquimales, el conjunto enciende el fuego del sonido. La vigencia de este proyecto permitió verse y escucharse en director el 29 de septiembre de 2025, en el Paraninfo de Filosofía de la Universidad Complutense de Madrid, esta vez con Galiana dirigiendo al Grupo Cosmos 21. Nanuk l’esquimal es un gran trabajo muy original que está editado por el sello valenciano Liquen Records. Desde 2016 la discográfica cuenta con más de 35 producciones de la música más arriesgada y experimental que se edita en nuestro país. 

Publicado el

MÚSICA EN ROPA INTERIOR. Bartolomé Ferrando & Avelino Saavedra

Música en ropa interior. Bartolomé Ferrando & Avelino Saavedra. València: LIQUEN RECORDS. DL: V-599-2023 — LRCD025. PVP: 18€

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Un silencio se ha puesto a dudar de sí mismo y ha dejado entrar algunos ruidos: restos de papel, objetos elásticos, cuerpos blandos. El pensamiento que los rodea está todo mojado de música. Es una música agrietada e improvisada, pero llena de color por todas partes.
Llueven gotas metálicas junto a racimos de gritos en forma de lenguaje. El suelo está recubierto de pieles de sonido.

CRÉDITOS

Bartolomé Ferrando: Voz.
Avelino Saavedra: Percusión, objetos.

Producido por Josep Lluís Galiana

Grabado, mezclado y masterizado por Avelino Saavedra
en Önilewaland, Valencia 2022.

Texto y títulos por Bartolomé Ferrando.

Ilustración de portada y diseño por Avelino Saavedra.

Con la ayuda del

TRACKLIST

1. Cesta de milímetros delirantes (04.00)

2. Levantas la música y miras debajo de ella para ver lo que hay (02.48)

3. Almacén de ideas sin techo, ni paredes, ni suelo (07.53)

4. Las palabras se lanzaban a la calle por la ventana (04.20)

5 – Un montón de cristales gritando luz (06.17)

6. Música recubierta de pétalos metálicos (01.36)

7. Hay ruidos cosidos a las piedras y al agua (06.23)

DOSSIER DE PREMSA

Bartolomé Ferrando y Avelino Saavedra: las sólidas raíces de la improvisación

Paco Yáñez, Revista Scherzo, 9/8/2023

Aunque el título que Bartolomé Ferrando y Avelino Saavedra han elegido para su nuevo lanzamiento en el sello Liquen Records sea Música en ropa interior, no estamos, en absoluto, ante una música desnuda ni a medio vestir, sino ante siete improvisaciones que evidencian los materiales, los rizomas y los patrones que han influido para que el traje sonoro que ambos aquí visten haya quedado tan bien ajustado y servido en cuanto a ecos de la mejor tradición contemporánea, de la que Ferrando y Saavedra son unos lúcidos y exquisitos continuadores.

Demuestran ambos, además, que lejos están de haberse agotado las aportaciones estilísticas derivadas de los John Cage, Karlheinz Stockhausen, Luciano Berio o György Ligeti (por poner cuatro ejemplos tan diversos entre sí), aquí plenamente vivos y entrecruzados con una amplia paleta de técnicas que, en un soberbio artículo publicado el pasado mes de mayo en La muerte tenía un blog, Antonio Martín relacionaba con lo que entonces definía (en juegos de palabras tan afines al disco que hoy comentamos) como «Jazz Dadaísta Carnático», «Fluxus Improvisatorio Indostaní» o «Saeta Japonesa en clave de Free Jazz».

Estamos, por tanto, en pleno territorio de la hibridación, de la libertad, de la apertura de miras a la fértil pluralidad musical del mundo; si bien con una fidelidad al rigor en la forma y a la enjundia de los materiales, que me hacen pensar, una vez más, que la improvisación es uno de los ámbitos más serios y trascendentes de la música actual, por su forma de evidenciar dichas filiaciones estéticas, así por cómo explicita (sin trampas ni cartón y desde la iconoclastia del proceso improvisatorio) la pasta de la que está hecho cada músico.

Quienes aquí se reúnen comparten trayectorias como artistas, performers y poetas: el valenciano Bartolomé Ferrando y el gallego Avelino Saavedra, cuyo trabajo conjunto en la improvisación se remonta al año 2006, y del cual Liquen Records ya nos había dejado muestras tan fascinantes como la que Ferrando y Saavedra, junto con el saxofonista Josep Lluís Galiana, no ofrecieron en 2018 con su trío Bregues de Moixos.

Fieles al espíritu de combinar la improvisación, la poesía y el arte de acción que había protagonizado su propuesta como Bregues de Moixos, en Música en ropa interior Ferrando y Saavedra nos dejan un texto que, a modo de introducción, es toda una declaración de intenciones: «Un silencio se ha puesto a dudar de sí mismo y ha dejado entrar algunos ruidos: restos de papel, objetos elásticos, cuerpos blandos. El pensamiento que los rodea está todo mojado de música. Es una música agrietada e improvisada, pero llena de color por todas partes. Llueven gotas metálicas junto a racimos de gritos en forma de lenguaje. El suelo está recubierto de pieles de sonido».

Si el suelo se recubre, así, de «pieles de sonido», lo hace porque a través de estas siete improvisaciones el proceso artístico ha sido tan descarnado como primigenio, abriendo en canal la expresión más íntima y confesional, que se expone con un aquilatado equilibrio de nuevos recursos en cada improvisación, junto con elementos técnicos y expresivos que compactan las sucesivas piezas hasta su final, formando un todo.

En la primera de ellas, Cesta de milímetros delirantes, priman los efectos guturales, los chasquidos, los golpes de glotis, los portamenti y todo un reguero de fonemas rotos que parecen los fragmentos de un lenguaje inventado, aunque no dejen de reverberar desde el francés al japonés, ya sea por una inflexión fonética, ya por un deje teatral: parte de un trabajo vocal en el que priman el humor y una insoslayable impronta del Ligeti de las Aventures & Nouvelles Aventures (1962-65). En correspondencia, en la manipulación de objetos despliega Avelino Saavedra una paleta sonora que se acerca de tal modo al trabajo vocal de Bartolomé Ferrando, que por momentos resultará complejo discernir cuál es la fuente emisora, primando la rugosidad y unas sonoridades que hasta parecieran acuáticas, marcadas por sus glissandi y ondulaciones.

Levantas la música y miras debajo de ella para ver lo que hay incide más acusadamente en las fricciones metálicas. Frente a la hiperactiva primera improvisación, destacan aquí las texturas en tenuto, por lo que voz y objetos se complementan activando una evocadora red de armónicos y multifónicos. Ello da lugar a una intrincada conjunción de los materiales, cuyos timbres y densidades se compactan de forma que, nuevamente, llegan a resultar indiscernibles voz y percusión: tal es la plasticidad y la maleabilidad de la fonación de Bartolomé Ferrando. De hecho, en el final de esta segunda improvisación sus tan extremos cambios de registro nos harán recordar al Spyros Sakkas de Aïs (1980), partitura de Iannis Xenakis (con voz y percusión como solistas) de la cual parece embeberse Ferrando en sus contrastes tan súbitos y extremos de tesitura: portentoso.

Con sus casi ocho minutos de duración, Almacén de ideas sin techo, ni paredes, ni suelo es la improvisación más larga de este compacto y, por ello, una de las que presenta mayor heterogeneidad, si bien hay en ella una estructura circular (no estricta) que convoca ecos no sólo del Lejano Oriente, sino de compositores europeos y norteamericanos que tanto habrán influido a Ferrando y a Saavedra como Giacinto Scelsi y John Cage. Del italiano llega a esta tercera improvisación la querencia por las sonoridades tendidas en el tiempo y en el espacio, sometidas a microscópicas modulaciones de altura, ataque y registro, por lo que el pensamiento es, también, microtonal, con sus derivadas rituales y de meditación: tan del último Cage. El desarrollo de Almacén de ideas sin techo, ni paredes, ni suelo va introduciendo nuevos contrastes en las tesituras vocales, con súbitos cambios entre agudos y graves engolados que nos remiten al teatro nō, con su fusión de lo femenino y lo masculino. El manejo, por parte de Avelino Saavedra, de las percusiones metálicas, incide nuevamente en los ecos asiáticos, con una construcción de los espacios acústicos marcadamente arquitectónica: verdadera escenografía para la voz, con la que comparte una frenética articulación en el ecuador de esta tercera improvisación, con sus expresionistas y rotos ataques, a modo de clímax, antes de retornar progresivamente al ambiente más estático del comienzo, incorporando ecos espectrales que desarrollan la inicial impronta scelsiana, desbordando cierta virulencia en los últimos segundos.

En el comienzo de Las palabras se lanzaban a la calle por la ventana manda el golpeo a las membranas, con sus resonancias y glissandi como trasfondo para la voz. Reaparecen los ecos del Japón, con un punto grotesco, incorporando el aura ceremonial del gagaku, así como toda una danza chamánica. Frente a una más asertiva percusión, la voz recupera parte del crepitante universo de Cesta de milímetros delirantes, compactando materiales y dando coherencia al ciclo.

Un montón de cristales gritando luz recupera las fricciones metálicas, con su pátina de óxido y sus ecos viscerales. En correspondencia, la voz se hace rugosa, dialogando con los rebotes y los armónicos de la percusión. Hay cierto histrionismo en la obsesión por volver sobre los materiales y desdoblarlos en nuevas formas, articuladas en polirritmos. Es, por ello, que reaparece la impronta ligetiana, con su querencia por el humor y la diversidad, además de los xenakianos contrates de tesitura y hasta cierto gusto por los mecanismos y las estructuras circulares, con las vueltas sobre sí mismas y las obsesiones finales de voz y percusión, alcanzando la convulsión y el dislate.

Música recubierta de pétalos metálicos es la improvisación más breve del disco, convertido su apenas minuto y medio de duración en puro aforismo de quebrantos objetuales hechos regueros y rizomas de sonidos: rastros y señales esparcidos por el suelo para fertilizar un terreno del que brota, como sugiere el título de la pieza, la voz cual pétalos orgánicos, alimentándose de los materiales disgregados por la percusión.

Cierra este jardín de insospechadas sonoridades la séptima y última improvisación, Hay ruidos cosidos a las piedras y al agua, con sus ecos del jazz en la percusión y unos espasmos convertidos en tentativa de entablar un discurso continuamente quebrado. Esa misma percusión en la que reverberaban las músicas de raíz afroamericanas expondrá, posteriormente, ecos del flamenco, diversificando el potentísimo espectro multicultural de Música en ropa interior. Es una música, por tanto, que penetra en lo primigenio y en el inconsciente, del que desgarra continuos brotes y afloramientos. La presencia de lo que parece un lion’s roar, unido a la voz impostada, redundan en ese espacio de lo irreal, en el desbordamiento de los límites de la razón, con una música que fluctúa entre estados de trance. Las sucesiones y las superposiciones de efectos guturales en la voz, así como de rumores metálicos en la percusión, inciden en ese sumatorio de técnicas y estilos que Hay ruidos cosidos a las piedras y al agua representa en este disco, exponiendo toda una rúbrica de resonancias que se suspenden hasta su mismo final.

Como el lector supondrá, el registro de una propuesta con tales contrastes y sutilezas no es una cuestión menor; de ahí la importancia de que el propio Avelino Saavedra se haya hecho cargo de la grabación, las mezclas y el masterizado de este compacto: apartado técnico efectuado el pasado año en los estudios valencianos de Önilewaland.

La portada y el diseño del disco son obra, asimismo, de Avelino Saavedra, que con su faceta más puramente plástica redondea un nuevo ejercicio de improvisación de verdadera categoría, enriqueciendo el catálogo de uno de los sellos españoles que más está apostando por dicha improvisación en el siglo XXI, como Liquen Records.

RECENSIÓN. MÚSICA EN ROPA INTERIOR.

FERRANDO, Bartolomé y SAAVEDRA, Avelino (2024). “Recensión. Música en Ropa Interior”. Montilla (Córdoba),
España: Revista-fanzine Procedimentum nº 13. Páginas 172-176.

Un silencio se ha puesto a dudar de sí mismo y ha dejado entrar algunos ruidos: restos de papel, objetos elásticos, cuerpos blandos. El pensamiento que los rodea, está todo mojado de música. Es una música agrietada e improvisada, pero llena de color por todas partes. Llueven gotas metálicas junto a racimos de gritos en forma de lenguaje. El suelo está recubierto de
pieles de sonido.

Entre la música y la poesía sonora, gongs, instrumentos de plástico y trozos de papel se mezclan con balbuceos, glissandos, repeticiones, murmullos y variaciones vocales. Gritosmetálicos. Ruidos de letra. Una voz que habla hacia atrás e intenta captar el primitivismo originario del habla, que se enreda con sonidos y ruidos articulados, no sometidos a ningún orden rígido.

Poesía enmarañada de música. Sonoridades tejidas de voz y de gestos. Las palabras ya no hablan: sólo gimen, se deslizan, estallan o desaparecen, entre trazos sonoros y esferas de ruido.

El disco Música en ropa interior”, publicado por el sello Liquen Records, es un registro, en forma de siete improvisaciones, del tipo de material sonoro que llevamos modelando juntos desde el año 2006. Es una de las grabaciones más personales, radicales, delirantes e inclasificables que hemos tenido el placer de realizar.

En cuanto al aspecto técnico y de materiales utilizados, aparecen la  voz, papeles rasgados, arrugados y soplados, una tetera convertida mediante un globo acoplado en un arcaico y primario saxofón, un gong tocado con arco, un bombo intervenido y tocado mediante técnicas extendidas, una caja de batería, platillos, pequeñas planchas metálicas dejadas caer, vibradores y otros objetos.

“…trabajo con los sonidos producidos por objetos e instrumentos de percusión, de la misma manera que lo hago con los colores, gestos y soportes en el momento de pintar. La mayoría de las veces desconozco cuál va a ser el resultado final y eso es lo que mantiene vivo mi interés. Unos sonidos, unos colores, unas formas, conducen a otras y poco a poco la pieza va tomando apariencia y, al no actuar de forma excesivamente planificada, el éxito o el fracaso de la misma dependerá del mayor o menor acierto con que tome las decisiones según voy recibiendo los estímulos. Nunca utilizo samplers, ni pregrabaciones, si no que, para ir construyendo en directo, empleo pedales de efectos mediante los cuales proceso en tiempo real los sonidos que van surgiendo al manipular golpeando, frotando o percutiendo los distintos elementos del set de batería y objetos diversos como papeles, metales, teteras, tubos de plástico, etc… De esta forma lo que entran en juego son timbres, texturas, intervalos de sonido-silencio y dinámicas, creándose momentos en ocasiones cercanos al noise o la música concreta, que encuentran su contrapunto en pasajes más líricos” (1).

El disco fue grabado, mezclado y masterizado en los estudios Önilewaland, en Valencia por Avelino Saavedra, quien se ha encargado también de la ilustración a tinta que aparece en la portada. El título del disco, así como los textos interiores y títulos de las improvisaciones son obra de Bartolomé Ferrando.

BARTOLOMÉ FERRANDO & AVELINO SAAVEDRA – «MÚSICA EN ROPA INTERIOR»

Antonio Martín, La muerte tenía un blog, 5 de mayo de 2023

Permitidme que me repita pero es que sigue siendo todo perfectamente válido cuatro años después y la vida no está para tirar nada, y menos si es algo que ha salido de una reflexión; bien, dije exactamente de las vocalizaciones de Bartolomé Ferrando, con motivo del fabuloso Bregues de Moixos (Líquen Records, 2018) lo siguiente: 

`Lenguajes inventados al servicio de la música, lo vocal y la percusión atávica en estos dos primeros cortes del disco. Hay que sentarse y seguir cada instrumento por separado para abarcar el alcance de tanta ráfaga de percusión, sordina en los vientos, y sílabas recortadas con cuerdas vocales como pelos de acero en una fábrica de marquetería. ¿Se podría catalogar esto de Jazz Dadaísta Carnático?… ¿Fluxus Improvisatorio Indostaní?… difícil de decir porque el Teatro Japonés GAGAKU hace su acto de presencia en el segundo corte embarullando más las etiquetas. Las vocalizaciones de FERRANDO a más de uno podrían recordarle a una grotesca reinterpretación de la música cortesana japonesa en el elegante Saibara, el declamatorio Rôei o los patrones melódicos del Kagura-uta… Tsuki, Oshi, Mawasu-fushi y Ori-fushi o cómo cantar una Saeta Japonesa en clave Free Jazz´.

Bien, estamos ante una especie de continuación de aquel proyecto pero sin Galiana a los saxos. Quien sí repite (percusión y objetos) sincretizando la realidad acústica es el artista percuto-animista Avelino Saavedra… improvisador, artista plástico y mil cosas más que os sonarán a los que más o menos leéis este blog. Y digo sincretizar no solo en el sentido antropológico de la fusión (sonora, cultural, lo que sea) sino equivalente también a la `disciplina del engaño acústico´… o sea, que (ojo con compararlos a una especie de Reyes Católicos) Saavedra y Ferrando (es que rima) son los reyes de hacernos creer que se puede tocar un solo de batería golpeando las baquetas en las cuerdas vocales y cantar un aria destrozando una vieja cubertería de jarrones de la Dinastía Ming. 

¿Y quién es la punta de lanza de las Vanguardias y la escena de la improvisación en la zona de Valencia?… pues sí, LÍQUEN RECORDS edita en formato digipack esta suerte de Zarzuela Percusiva grabada, mezclada y masterizada por el propio Saavedra en Önilevvaland, además de encargarse de la portada y todo el diseño que por cierto comparte línea estilística con Bregues de Moixos. 

Haciendo un inciso en la portada, me encanta el detalle de la música despojándose del lenguaje de las palabras en un proceso deconstructivo brutalmente dadaísta. Dice Saavedra sobre sus colaboraciones con Ferrando: `Entre la poesía sonora y la música improvisada, una de las grabaciones más personales, radicales, delirantes e inclasificables que he tenido el placer de realizar´… y digo yo que no puedo estar de más de acuerdo. Por poner algunos referentes de cosas similares que he tenido el placer de reseñar, tengo que remitir los Teatrales actos Terroristas de don J.G. ENTONADO y sus Poliedro Kobold o Arín Dodó, que también gusta de moverse entre estos terrenos angulosos, poliédricos y muy, pero que muy tetánicos. Pero basta ya te preámbulos… vamos a diseccionar el artefacto o al menos intentarlo.

De la palabra se dice que entre los pueblos del África Negra aparece como el órgano productor de la palabra (lengua en sentido físico, apéndice del sistema digestivo, lo que sea…) y, en general, es interpretada desde el punto de vista de la fecundidad, por lo que se la relaciona con la lluvia, la sangre y el esperma. Por otro lado, manda cojones que en todos los sitios mienten a la palabra como LA RAZÓN ORDENADORA del cosmos. Lo digo porque en «Cesta de Milímetros Delirantes» unas regurgitaciones de índole acuosa (AGUA, que también es elemento de vida) se van abriendo paso entre algo parecido a una grabación de campo en una sesión de ordenar habitaciones en un hotel habitado por TOCS y por gente con Diógenes…. ahí, todas mezcladas. Curioso cómo algún instrumento de juguete y la entonación de Ferrando adquieren un tinte litúrgico. 

Gargarismos y lamentos se mezclan con elementos de Cartoon de Saavedra al más puro estilo de un rudimentario Esquivel. Podríamos decir que «Levantas la Música y miras debajo de ella para ver lo que hay» es Lounge logopédico y saturnal de carácter invocativo. Amenazante y bilioso, si estuviéramos en el terreno del Rock en Oposición de los Cassiber o en un subestilo yo lo llamaría Improvisación en Oposición. Sigue «Almacén de Ideas sin Techo, ni Paredes, ni Suelo» donde Saavedra sigue frotando cosas que parecen ser metálicas… un tema largo que pasa por momentos teatrales pseudo-oníricos que se deslizan en avanzadillas de minimalismo. Entran golpes de gong y la voz responde contrariada o bien reacciona de manera bioquímica / sináptica a los herzios de Avelino. Puede que esté perdiendo el norte, pero a mí me suena a «Also Sprach Zaratustra» de Strauss pero con esfacelos necróticos y teratogenia importante. Por cierto, Risperdal para tod@s, invito yo….

«Las Palabras se lanzaban a la Calle por la Ventana» es marcial.El tambor / bodrán invocando un viejo rito parecido al de los Lemmings que se tiraban por el acantilado pero aquí con palabras. Redobles y efectos percusivos en espiral añaden epicidad en determinados momentos, acompañándose todo de las deglutorias homilías Ferrandianas o estas a su vez en los arrebatos psicorrágicos del carrousel apocalíptico creado por Avelino. Si queda algo, se lo llevará por delante el peristaltismo y si por un casual eres Cenobita… hostias, estás en tu casa!. Mismos parámetros para «Un Montón de Cristales Gritando Luz» con momentos en que dudo de si hay o no algún instrumento de viento o son simples roces de goma contra metal o vaya usted a saber qué (por eso os hablaba al principio del `sincretismo musical´). 

Como el llamado `Recuerdo Proustiano´ que usa el olor o masturbaciones parecidas del Sistema Límbico, Saavedra y Ferrando ponen su ARTE en un torno que van moldeando a placer hasta que te das cuenta que el proceso es inverso… todo se ha llevado a su base, deconstruido y vuelto a montar como en una suerte de Ópera Tuneada. Que nadie te engañe, esto es «Música Recubierta de Pétalos Metálicos«.

Si más o menos has entendido todo lo que he querido decir, creo que estarás de acuerdo que te toca arriesgar y definir «Hay Ruidos Cosidos a las Piedras y al Agua»…. venga, sal de la zona de confort.

La improvisación, un misterio

Música en ropa interior. Bartolomé Fernando, voz; Avelino Saavedra, objetos y percusión. Edita: Liquenrecords,Valencia 2022

Miguel Ángel Pérez Martín, docenotas.com, 04/09/2023

¿Cuándo empezamos a improvisar sonidos los humanos? ¿Antes o después de componer sencillas melodías con instrumentos aún muy imperfectos o con nuestras voces? ¿Sabía Pitágoras algo al respecto? Preguntas.

Es un misterio. ¿Podemos realmente hablar de improvisación cuando tenemos en mente y muy interiorizadas escalas, ritmos sonidos?Siempre se ha improvisado, mucho hasta la entronización de la partitura detallada con el Clasicismo europeo.

Otras culturas musicales siguen improvisando en África, Asia…algo en América, nada en Europa salvo que los músicos provengan del jazz, el blues, el rock o se hayan salido “de la caja” y estén ya en “modo impro.”

Nos presentan los dos “sonidistas” – voz, percusión y objetos- una versión primigenia de la improvisación, sin red. Otras voces y otros objetos darían como resultado otras improvisaciones diferentes a las que ahora escucho, otros sonidos, otras dinámicas.

Una improvisación primordial, básica, primigenia. En directo la imagino con gran gestualidad y movimiento. Improvisación total, de cuando aún no se habían inventado las “redes” protectoras, las estructuras musicales, modos y armonías.

¿Lo que escuchamos es anterior a la música o posterior, cuando ya la Humanidad haya agotado esta fuente de creatividad? Más Preguntas, ni John Zorn tiene la respuesta.

No lo sé, me da que va a ser lo segundo, veremos una especie de caos armónico paralelo al caos social en el que estamos entrando.

Mientras tanto el desafío, la incógnita, está ahí…escuchemos, pensemos, disfrutemos.

Hay materia para todo eso en este cd y más.

Enhorabuena a Liquenrecords por seguir arriesgando y “acertando”. 

Muy recomendable escucha y disfrute en directo, si pueden.

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AMEE 25 Aniversario de la Asociación de Música Electroacústica de España

Varios Artistas: AMEE 25: 25 Aniversario de la Asociación de Música Electroacústica de España. Valencia: AMEE · 2012 · 15 €

Las personas interesadas en adquirir un ejemplar de este triple CD, pónganse en contacto a través de la dirección de correo electrónico: liquenrecords@liquenrecords.com

Hace 25 años, un grupo de compositores decidieron fundar la Asociación de Música
Electroacústica de España (AMEE). Durante todos estos años, la AMEE ha disfrutado de una intensa actividad en favor de la creación electroacústica y de su total consolidación como género sonoro imprescindible para nuestra sociedad. En estos 25 años, el debate, el análisis y sobre todo la creación de los compositores electroacústicos españoles han situado esta forma de expresión artística en el centro de la agitada y a veces convulsa vida
cultural de nuestro país. La AMEE con sede en Valencia desde 2006, goza de inmejorable salud y buena prueba de ello es la colección de Cds que ha publicado en los últimos años, a la que hay que añadir este que tenéis en vuestras manos. Presentado en el marco del XIX Festival Internacional de Música Electroacústica Punto de Encuentro 2012, el disco AMEE 25 años recoge 28 miniaturas electroacústicas compuestas por creadores españoles miembros de la AMEE para conmemorar esta importante efeméride.

¡Feliz Aniversario a tod@s!

Valencia, noviembre de 2012

Gregorio Jiménez (Presidente de la AMEE)

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Galiana & De Solaun. FIRST TIMES

Josep Lluís Galiana and Josu de Solaun. FIRST TIMES. València: LIQUEN RECORDS. DL: V-639-2022 — LRCD023. PVP: 20€

Gastos de envío incluidos para España / Shipping costs included for Spain; para el resto del mundo, consulte coste de envío / for the rest of the world, chek shipping cost; otros métodos de pago / other payment methods. Contacto / Contact: liquenrecords@liquenrecords.com

TRACKLIST

01. Munch-ing [ 5:16 ]
02. Sirènes [ 2:10 ]
03. Pollockiana [ 2:25 ]
04. Elegía [ 3:12 ]
05. ichi-go ichi-e [ 5:51 ]
06. Plunge [ 1:32 ]
07. Amuse-bouche [ 3:27 ]
08. Scorrevole [ 3:33 ]
09. Threshold [ 1:40 ]
10. Alleys [ 5:37 ]
11. Baciyelmo [ 2:44 ]
12. Ágora [ 6:24 ]
13. Henbruix [ 4:05 ]
14. Galdr [ 4:15 ]

Total: 52:11

Josep Lluís Galiana tenor and soprano saxophones
Josu de Solaun piano and prepared piano
Recorded live at the Teatre Auditori Catarroja Francisco Chirivella,
València (Spain), June 20, 2021
all music by Josep Lluís Galiana & Josu de Solaun
Producer: Josep lluís Galiana
sound engineer: Jorge García Bastidas
mixed and mastered by Jorge García Bastidas
liner notes: Paco Yáñez
Translation: Gary smith
Photographers: María Diez, live music valencia, Joan Gómez Alemany, Omar Daf, Alexis Moya
cover art: Omar Daf
Graphic Design: cap i cua (Alexis Moya)
© 2022 Josep lluís Galiana & Josu de solaun
© liquen Records
DL: V-639-2022. LRCD023 liquenrecords.com
Booklet in spanish and english

Josep Lluís Galiana y Josu de Solaun reivindican la improvisación libre con el disco FIRST TIMES

[in english below]

Josep Lluís Galiana y Josu de Solaun han lanzado internacionalmente FIRST TIMES, un disco en el que reivindican la improvisación libre como expresión artística y musical. El saxofonista y el pianista españoles sacan a la luz un madurado y espontáneo trabajo discográfico, editado por el sello Liquen Records, que incluye 14 temas que son un punto de encuentro sonoro que transita entre la música contemporánea y experimental y el jazz.

Galiana, compositor, escritor, editor y gestor cultural, viene desarrollando una intensa actividad en la escena internacional de la libre improvisación, la creación electroacústica, el avant-garde jazz, y la investigación musicológica desde hace más de tres décadas; y De Solaun, compositor, escritor y único español que ha ganado el Concurso Internacional de Piano de Valencia Premio Iturbi y el Concurso de Piano George Enescu de Bucarest, entre otros importantes premios; es uno de los pianistas con más proyección internacional y actúa en numerosos países de América, Asia y Europa como recitalista y solista junto a prestigiosas formaciones y directores. Ambos vienen cosechando los elogios y reconocimiento de la prensa especializada por sus trabajos discográficos y los conciertos que realizan.

Los músicos, que se conocen desde hace más de 25 años cuando Galiana programó varios conciertos de un joven De Solaun en Valencia, han labrado una gran amistad a lo largo de este tiempo y una complicidad musical, pese a proceder de universos muy diferentes, que ha cristalizado en un álbum al que aportan sinergias y la dilatada experiencia de sus respectivas trayectorias artísticas para compartir su personal paleta sonora en un acto de comunicación sincera, horizontal y sorprendente.

El resultado es el ensamblaje de dos perfiles musicales a través de la complicidad estética: Galiana con los saxofones que le acompañan desde hace más de cuatro décadas y con los que viene explorando, desde la improvisación libre, sus inabarcables posibilidades tímbricas y una amplia gama de colores y texturas que ha recogido en más de cincuenta discos como Tenor Saxophone Solos, Soprano Saxophone Solos y Electroacoustic Pieces (1999-2019), y De Solaun con una carrera asociada fundamentalmente al repertorio clásico que ha fijado en 8 trabajos, aunque con incursiones en la improvisación y el jazz como en panDEMiCity, un disco «compuesto en acto» con el que rinde homenaje a Keith Jarret y nominado en los prestigiosos Premios Interna cionales de Música Clásica (ICMA).

Complicidad musical

Galiana asegura que First Times es una muestra de absoluta libertad creativa entre dos músicos que empatizan y son cómplices tanto en lo sonoro como en lo personal desde hace mucho tiempo». El saxofonista subraya que «ha habido muchas primeras veces con Josu desde que nos conocemos (la primera vez que actuó en el Club Diario Levante, cuando se marcho a EE UU, cuando ofreció su primer concierto en el Palau de la Música, nuestros primeros poemarios, el primer disco conjunto…), y esta parece que cierra un círculo pero, en realidad, abre horizontes».

De Solaun destaca que «tocar con Josep Lluís ha sido un divertimento imprevisible, una aventura catártica que ha conectado el principio de mi trayectoria artística con mi presente como músico». El pianista indica que «mi carrera está centrada en la música clásica y en el intenso calendario de conciertos y recitales que realizo, pero reivindico los conciertos, los discos y los momentos que me ofrece la improvisación; me hacen mejor músico».

Intersección de bagajes personales

El crítico musical y escritor, Paco Yáñez, recoge en un artículo en el libreto, que lleva por título La improvisación libre, como punto de encuentro [pdf en descargar desde esta página], una afirmación de Galiana: «la improvisación ha sido desde hace muchos siglos la manifestación más importante de la música»; aunque indica que «es a partir de la década de 1960 cuando numerosos intérpretes de jazz, rock y música contemporánea recuperan esta práctica de libre y espontánea expresión sonora».

Yáñez pone de manifiesto que los dos músicos tienen «un vasto campo de intereses compartidos, que comprenden la filosofía, el arte, la poesía y la propia música», y ello, provoca «una intersección de bagajes personales, ejemplo de lo que Galiana denomina «improvisación positiva».

En relación con la grabación, realizada en el Teatre Auditori de Catarroja (Valencia) el 20 de junio de 2021, el crítico apunta que fue «una sesión de casi dos horas que dio como resultado 23 improvisaciones originales, cambiando en algunos casos su orden y buscando un discurso» para alcanzar
una propuesta que «refleja fielmente lo que es un concierto de improvisación libre de una hora de exigente escucha; una escucha que piensa, convertida en juego exploratorio del yo en el otro».

Yáñez, que describe y analiza en el artículo los temas del disco, expone que «los títulos de las piezas fueron puestos a posteriori cual pinceladas poéticas. De este modo, no conforman una base programática que haya informado a la improvisación, sino al contrario: es la música, primigenia y original, la que ha dado pie al verbo”.

Josep Lluís Galiana and Josu de Solaun champion free improvisation with the album ‘First times’

 

Josep Lluís Galiana and Josu de Solaun have launched First times internationally, an album with which they defend free improvisation as a form of artistic and musical expression. The saxophonist and pianist from Spain cast the spotlight on a mature yet spontaneous work of recording released by the Liquen Records label, which includes 14 songs that provide a meeting point for sound that shifts between contemporary and experimental music and jazz. Galiana –composer, writer, editor and cultural manager– has been working intensely on the international scene in free improvisation, electroacoustic creation, avant-garde jazz and musicological research for over three decades.

 

Meanwhile, De Solaun –composer, writer and the only Spaniard to have won the Iturbi Prize Valencia International Piano Competition, the George Enescu Piano Competition in Bucharest and other significant awards– is one of the pianists of most international renown, performing in numerous countries in America, Asia and Europe as a recitalist and soloist alongside prestigious ensembles and conductors. They have both have been reaping praise and acknowledgement from the specialist press for their album work and the concerts they give.

 

The musicians have known each other since more than 25 years ago, when Galiana programmed several concerts for a young De Solaun at the Club Diario Levante in Valencia. They have forged a great friendship throughout that time and a musical complicity, despite coming from very different worlds. This has crystallized in an album into which they have poured their synergies and the extensive experience of their artistic careers to share their personal sound palette in an act of sincere, horizontal and surprising communication.

 

The result is the union of two musical profiles through aesthetic complicity: Galiana with the saxophones that have accompanied him for over four decades and with which he has used his free improvisation to explore his boundless possibilities in timbre and a wide range of colours and textures that he has gathered on more than fifty albums such as Tenor saxophone solos and Soprano saxophone solos; and De Solaun, with a career fundamentally associated with the classical repertoire that he has applied in eight works, albeit with forays into improvisation and jazz as in panDEMiCity, an album “composed on the spot” with which he pays tribute to Keith Jarrett and was nominated for the prestigious International Classical Music Awards (ICMA).

 

Musical complicity
Galiana affirms that “First times is a sample of absolute creative freedom between two musicians who empathise and have been accomplices in terms of both sound and personally for a long time”. The saxophonist emphasizes that “there have been many first times with Josu since we met (the first time he performed at the Club Diario Levante, when he left for the USA, when he gave his first concert at the Palau de la Música in Valencia, our first collections of poems, the first album together…), and this one seems to be closing a circle but, in truth, it is opening up horizons.”

 

De Solaun underlines that “playing with Josep Lluís has been unpredictable fun, a cathartic adventure that has connected the beginning of my artistic career with my present as a musician.” The pianist points out that “my career focuses on classical music and on the frenetic calendar of performances and projects that I do (many are seeing the light now after being put off by Covid-19), but I vouch for concerts, records and the moments that improvisation gives me; they make me a better musician.”

 

An intersection of personal baggage
In an article in the libretto entitled La improvisación libre, como punto de encuentro (Free improvisation as a meeting point), the music critic and writer Paco Yáñez quotes Galiana: “Improvisation has been the most important manifestation of music for many centuries”; although he adds that “it has been since the 1960s when many performers of jazz, rock and contemporary music have recovered this practice of free and spontaneous expression of sound.”

 

Yáñez makes it clear that the two musicians have “a vast sphere of shared interests that include philosophy, art, poetry and music itself,” and this leads to “an intersection of personal baggage, an example of what Galiana calls ‘positive improvisation’.”

 

In relation to the recording made at the Teatre Auditori in Catarroja (Valencia) on 20 June 2021, the critic points out that it was “an almost two-hour session that resulted in 23 original improvisations, in some cases changing their order and seeking a discourse” to achieve a proposal that “faithfully reflects what is meant by a free improvisation concert of one hour of demanding listening; listening that thinks, turned into a game exploring oneself within the other.”

 

Yáñez, who describes and analyzes the songs on the album in the article, states that “the titles of the pieces were given a posteriori like poetic brushstrokes. By doing so, they do not create a basis for the programme to inform the improvisation, but rather the other way around: it is the music —primal and original— that has given rise to the word.”

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DOSIER DE PRENSA

MELÓMANO DE ORO

Joan Gómez Alemany, Revista Melómano, 1 de diciembre de 2022

Lo primero que llama la atención al leer las biografías de Josep Lluís Galiana (saxofón) y Josu de Solaun (piano) es la dispar procedencia de ambos. Los dos protagonizan el disco First Times, con música que podemos catalogar dentro de la improvisación libre. El disco ha sido editado por la discográfica valenciana Liquen Records, especializada en esta música y otras contemporáneas. Leyendo sus biografías, además de constatar la consagrada trayectoria de ambos, nos damos cuenta de que el saxofonista procede del ámbito de la free impro y el jazz, pero también es compositor, escritor literario y musicológico; mientras que el pianista es de procedencia clásica, dominando un repertorio muy original y diverso, también compositor, y en donde la improvisación no queda excluida, todo lo contrario. ¿Son dispares o concomitantes estos dos músicos? He ahí el dilema que tanto tiempo ha recorrido y sigue recorriendo la historia de la música. ¿Qué hay en la música de fijo y volátil, de escritura e imaginación instantánea, de hechizo repetible o de magia fugaz y vaporosa? ¿Ser improvisador o compositor? Esa es la cuestión, ser músico y demás…

De Solaun y Galiana forman un conjunto muy original por su difícil similitud con otros. Si este disco ha sido grabado en Valencia, cerca, en Cataluña, destaca también otro dúo con relaciones próximas al anterior, pero a su vez también diferente y entre perfiles contrastantes. Agustí Fernández y Hèctor Parra han desarrollado una serie de obras (entre la improvisación y la composición) tituladas FREC, que también indagan entre esas rarezas que la mejor música puede aportarnos y quiere explorar. Pero si vamos algo más atrás en el tiempo, podemos encontrar también perfiles de lo más interesantes y contrastantes colaborando, como el de un Penderecki y un Don Cherry, como también Don Cherry y Terry Riley.

Lo que está claro es que, escuchando First Times, nadie puede dudar de que las sinergias han polarizado en su lado positivo y las diferencias, más que crear conflicto o discrepancia, han hecho lo que siempre deben hacer: enriquecer y generar nuevos rizomas para expandir la experiencia y el conocimiento. First Times nos propone explorar por primera vez (como indica su nombre) una indagación entre los originales mundos sonoros de Josep Lluís Galiana y Josu de Solaun. En el fondo, poco importa su procedencia y sus perfiles, estatus y títulos académicos, porque lo que de verdad importa es que su creación sonora sea buena. Cualquiera que escuche este disco (con catorce pistas generalmente intensas y breves) lo comprobará inmediatamente. Este va acompañado de un libreto con un excelente texto, extenso y muy detallado, a cargo de Paco Yáñez; destacado escritor tanto en su vertiente de crítica musical, como en la literaria. No es casual que el autor explore los intersticios entre las artes y, por ello, ha resaltado esta cualidad en el disco.

Mientras escuchábamos First Times, nuestros dedos, al igual que los de los músicos (pero en nuestro caso en el teclado del ordenador), pintaron las frases que el sonido nos brindaba. Una interacción metafórica, que no es ni anecdótica, ni ornamental, sino plenamente estructural y poética, como escribe sabiamente Yáñez en el libreto: ‘No es baladí, la continua referencia al mundo de las artes plásticas, pues con la música actual comparten una intencionalidad que redunda en un sonido muy textural por parte de dos improvisadores que asumen la visceralidad del trazo pictórico, en la que el gesto deviene proceso y producto’. Observamos un común gusto por las artes visuales, como también por la poesía, tanto sonora, como literaria (Galiana y De Solaun han publicado libros en este género). Por ello, tampoco son músicos tan diferentes entre sí, como a primera vista pudiera parecer. La prueba está en este exitoso y rico disco. Añadir finalmente su obvia recomendación, porque en la producción discográfica habitual, este brilla por su total originalidad, tanto en el panorama nacional como internacional.

First Times: complicidad e improvisación con Josu De Solaun y Josep Lluis Galiana

Alba María Yago Mora, Codalario, 24 de octubre de 2022

Un juego exploratorio del yo en el otro

El pianista Josu De Solaun, único español que ha ganado el Concurso Internacional de Piano de Valencia Premio Iturbi en 2006 y el Concurso de Piano George Enescu de Bucarest en 2014, entre otros importantes premios, junto con Josep Lluís Galiana,  saxofonista, compositor, escritor y editor que desarrolla una intensa actividad en la escena internacional de la libre improvisación, la creación electroacústica y el avant-garde jazz, lanzan un instintivo trabajo con temas que llevan al límite las capacidades expresivas del piano y el saxofón. 

 

Ambos artistas llevan forjando su amistad desde hace más de veinte años, cuando Galiana programó varios conciertos a un joven De Solaun. Aunque procedentes de diferentes cosmos, aúnan sus prolijas trayectorias y presentan sinergias para compartir el resultado de este proceso creativo, esta especie de «conversación», como un juego entre dos amigos que se materializa en un fructífero, natural y desenvuelto trabajo discográfico.

 

La grabación se llevó a cabo en el Teatre Auditori de Catarroja (Valencia) el 20 de junio de 2021, durante una sesión de varias horas, y que tuvo como resultado veintitrés improvisaciones originales, de las cuales solo catorce vienen recogidas en este compacto. «La improvisación libre como punto de encuentro» es el título que da el crítico musical y escritor Paco Yáñez al artículo que acompaña el libreto, en él describe y analiza los temas del disco, y cuenta cómo los títulos de las piezas fueron puestos a posteriori cual pinceladas poéticas, siendo la música «primigenia y original, la que da pie al verbo».

 

Munch-ing, la primera de las improvisaciones, es puro grito de angustia. El saxofón de Galiana desata este aullido, naciendo un exaltado punto de encuentro para dos exploraciones que convergen desde orígenes diversos y que se convierten en toda una declaración de intenciones de lo que es el propio álbum. En esta, el piano pinta un paisaje de fondo tejiendo una inteligente red armónica, que hace que el paisaje que pinta De Solaun vaya ganando colores y peso progresivamente. Llegados a este punto de encuentro, nos topamos con Sirènes, con un carácter más luminoso y melódico, aunque insinuante y sin destino claro, como indican sus intérpretes. Su interpretación es enredadora e inquieta en cuanto a planos sonoros. Hacia el final, la rotura en los agudos del saxofón y el lóbrego descenso del piano, nos evocan a las color field paintings de Mark Rothko en lugar de al impresionista que evoca el título de la improvisación, Claude Debussy.

 

El álbum es una constante referencia a las artes plásticas, y es que en la tercera improvisación, Pollockiana -sugiriendo explícitamente al expresionismo abstracto-, ambos intérpretes, mediante el uso de modernos recursos – la percusión de llaves, el flujo de aire sin tono en el saxofón y la activación del cordal en el piano- nos aproximan al subterfugio de Jackson Pollock. El juego entre ambos intérpretes crea una improvisación esbelta y perspicaz. En Elegía, el saxofón hace uso de cilindros de cartón en el interior de la campana, dotándolo de una textura más ronca o rugosa. Surge así una improvisación en la que De Solaun parece buscar un timbre similar, mediante ritmos estáticos de notas severas. La lentitud en su interpretación desgarra el discurso surgido, simulando el avance de un cortejo fúnebre. Las modulaciones microtonales a manos de Galiana rematan los realces de este desconsuelo.

 

Llegado el turno de la sordina, en Ichi-go ichi-e, el tenor logra una sonoridad centelleante. De Solaun reacciona al recurso del saxofonista buscando otro color para darle respuesta, adoptando semejanzas con un arpa tradicional -y es que en este trabajo se aprecian aromas orientales-. En esta improvisación, como ocurre en otras, el único acuerdo es quién tocará primero…con un final que incorpora texturas metálicas y un piano encolerizado, llegamos a otros temas como Plunge, donde Galiana vuelve a hacer uso del tenor para viajar por la bóveda que De Solaun traza con gran virtuosismo.

 

En Amuse-bouche el saxofón tenor usa recursos como los slaps y otros efectos para conseguir transmitir ese «juego» de palpitaciones, de pulsos y señales. Junto con el golpeo del cordal del piano, se consigue un «miniaturismo ruidista y vibrátil». El uso de multifónicos del saxofón y el martellato del piano nos guía hasta Scorrevole, un solo de saxofón soprano en sordina que revierte el final de la anterior improvisación, y que despliega una progresiva materialización del sonido que culmina con un crescendo que lleva al soprano de Galiana a su evaporación.

 

Études de György ligeti e improvisaciones de Keith Jarrett se intuyen en Threshold, solo de piano iniciado con un contundente acorde inicial y en el que De Solaun abarca diferentes velocidades, armonías y direccionalidades. En Alleys, la fricción entre piano y saxofón da lugar a melodías que se interpelan, siguiendo con el «juego» en el que ambos intérpretes se esparcen durante todo este trabajo. Al final de esta improvisación, vemos como se trata de encontrar un punto de sincronía -para ser dos, al tiempo que uno-. Mediante la prolongación de los ecos de Threshold por parte del piano, Baciyelmo es otra buena muestra de cómo estas improvisaciones dialogan entre sí. La sonoridad metálica de las cuerdas junto con el saxofón soprano, entran de nuevo en el «juego» dialéctico. Se perciben también rasgos jazzísticos que nos conducen a Ágora, cuyo inicio está liderado por el pizzicato del piano, y en el que más tarde se incorpora Galiana con una impecable respiración circular. Es en esta improvisación donde De Solaun y Galiana interpretan los pasajes más agitados y desasosegados. De Solaun alcanza sus límites, jugando al traspaso melódico con Galiana, cuya estructura provoca reminiscencias clásicas.

 

Henbruix ocupa el penúltimo lugar de este magnífico trabajo que es First Times. La mezcla de melodía de intervalos paramétrica, a la que se incorpora, en frullati y armónicos, el saxofón soprano, junto con la ganancia de texturas que supone el uso de sordinas, hace que experimentemos la pura renovación del lenguaje musical. En Galdr, última improvisación de este compacto, convergen ecos del resto de piezas. Las microtonalidades, los cambios de color del saxofón soprano y la recuperación por parte del piano de un pizzicato muy pronunciado, crean el escenario perfecto para que el saxofón entone su canto prosódico hacia el éxtasis. 

 

Este disco es la unión de dos músicos, dos almas, dos artistas, que a pesar de contar con diferentes trayectorias, conciben un punto de encuentro y muestran esa absoluta libertad creativa -tal y como subraya Galiana-, con empatía y complicidad tanto en lo sonoro como en lo personal, abriendo horizontes a futuros proyectos que seguro nos dejarán tan deslumbrados como First Times. Si una cosa nos queda clara después de la escucha atenta de este trabajo, es que seguro habrá un nuevo punto de encuentro en el que ambos artistas volverán a experimentar, vibrando y respirando juntos, creando una eufonía embriagadora.

GALIANA & DE SOLAUN (FIRST TIMES; LIQUEN RECORDS LRCD023; 2022)

Antonio Martín «Coronel Mortimer», La muerte tenía un blog, martes, 26 de julio de 2022

¿Cómo presentaros este texto sin que parezca un decrépito plagio de lo que tan maravillosamente escribe Paco Yañez largo y tendido en las liner notes de First Times, a la sazón nuevo trabajo de mi ya bien conocido Josep Lluís Galiana, esta vez con el reputadísimo De Solaun?. Partiendo de la base de que el álbum es una Piedra Griálica sonora para el degustador de exquisiteces de la Improvisación Libre y el (aquí menos citado, Jazz), al menos dejo claro desde un inicio que para una opinión seria, veraz, profunda y bellamente escrita acudáis al texto de Yañez que no solo reseña sino que abre en canal cada corte, profundizando en sus contextos (literarios, plásticos, culturales…) haciendo imposible que el que esto os cuenta pueda siquiera poner nada sin que resulte plagio. Por tanto, como no tengo esa presión mediática que pueden tener otras publicaciones me armo de mis membranas timpánicas para lanzarme machete en oídos a adaptar el sonido a lo que mis neurotransmisores indican, cerrando a cal y canto en el fondo de mi psique lo leído en el (reitero, maravilloso) texto de Yañez y allá que me voy.

Quiero comenzar por Josu de Solaun (piano, piano preparado). Pianista, compositor y muy dentro de los cortinajes del academicismo, sorprende por sus incursiones en la Improvisación libre (panDEMiCity). El potentísimo currículum no voy a reproducirlo aquí porque sería esto bastante denso pero digamos que si algo prima en su carrera es la parte Clásica y Música de Cámara, con esporádicas y creo que menos rupturas abruptas con todo lo anterior mediante improvisaciones muy virtuosas y cargadas de abstracción. Hasta ahí, estoy tremendamente de acuerdo con Yañez al sacar a la palestra a alguien como Keith Jarrett (su conocido periplo casi que en paralelo entre el Jazz y lo Clásico). Hago la pregunta que me retuerce desde dentro: ¿Por qué improvisa Josu de Solaun?. Y mi respuesta es (posiblemente no coincida con la suya) POR LIBERTAD. 

¿Por qué Coleman rupturó las bases del Bop y las llevó y empujó a un límite desoladoramente anti-comercial?. ¿Por fama?… está claro que no. Su raza, oprimida y tocando en garitos y lofts como entretenimiento y subsistencia, se rifaban la muerte de la heroína en noches interminables. Los académicos querían el Swing y aceptaron con resistencias el Bop, y los Boperos casi se inmolaron cuando empezó a surgir el Avantgarde. Si nos vamos al piano, Sun Ra esgrimía su Afrofuturismo con tintes políticos para pedir LIBERTAD a su raza bajo un rocambolesco regreso a las estrellas y enroque con Egipto. No estoy diciendo que Jazz e Improvisación sean la misma cosa pero la palabra LIBERTAD es la más escrita en la literatura de estos estilos solo que generalmente el enfoque para mí no es el adecuado. Cuando se crea en Chicago la Association for the Advancement of Creative Musicians (AACM), tendrían que salir de la cerrada sociedad Americana para buscar refugio en Europa o París siendo ya en los 70 cuando su valor y potencial musical y social ganó fama en América. LIBERTAD en plena Guerra de Vietnam, lucha por los derechos civiles en una sociedad de corte racista. Quizás donde menos cohibidos estaban (igualmente faltándoles el pan) era en Inglaterra con los Barry Guy, los Evan Parker, la Spontaneous Music Ensemble y demás llevando curiosamente muchas (cientos) de sus composiciones a la London Symphony Orchestra en una simbiosis posiblemente impensable por otras latitudes. Para mí, estos otros lo hacía por el PLACER DE LA LIBERTAD.

Una caída libre cargadísima de tintes sociales en el Jazz que a la vez denota furia guerrera con las huestes Alemanas de jóvenes greñudos que luchan contra la Beatlemanía y el pastoral Schlager, saliéndose por la tangente hasta llegar a eso llamado Kraut, Kosmische o lo que fuere. Una Plastic People of the Universe claustrofóbicamente asediada por el Comunismo junto a DG307 y muchas más bandas (también a la literatura, al cine, la poesía o la pintura) toca en pos de la ansiada LIBERTAD incorporando instrumentos musicales autóctonos y Folk (violines y otros) diciendo que vale, que no renuncian al pasado, pero ellos quieren LIBERTAD. Surge el Free porque la estructura convencional oprime al músico (en muchos casos de formación Clásica) y este necesita un oxígeno musical que no haya en otro sitio, empachado de formas ternarias, standards de rancio abolengo y de aburridos cánones.

Me siento muy tentado de escribir (joder, lo estoy haciendo) que Josu de Solaun es un gran improvisador porque por un lado es un gran pianista pero sobre todo porque es un gran destructor de los Andamios que hay que deformar para salir de la zona de confort. Por tanto, escucho en First Times a un pianista a caballo entre los aguerridos sones de combate de Cecil Taylor y los preciosismos de McCoy Tyner… capaz de mimetizarse en los pasajes más angulares con Cornelius Cardew de AMM pero sin perder el Swing. Cuando el pianista dice un `hasta aquí ha llegado´ a la unión entre los dos hemisferios, y la mano derecha se emancipa de la izquierda, acaba convirtiéndose en un sujeto sonoramente impredecible pero sobre todo, LIBRE.

Josep L. Galiana (tenor, soprano) parece lo contrario. Digamos que si uno tiene dudas de cómo se creó el mundo (que si el Big Bang, que si lo evolucionista versus creacionismo), yo te aseguro que Galiana nació por Improvisación (retirad del medio las connotaciones sexuales). Galiana es uno con su instrumento en todas las disciplinas que toca, desde la electroacústica y las partes más melódicas, además de profundo en sus escritos en la vertiente periodística y musicológica. He escrito tanto sobre su figura que prefiero hoy no biografiar demasiado. LIBERTAD para el que escribe esto también.

Fruto de una sesión de improvisación del 20 de Junio de 2021 en el Teatre Auditori de Catarroja de más de dos horas de duración se sacan 23 cortes que acaban en 14 tras diversos procesos de despiece y que lejos de Golemizar el asunto, suena más que coherente y con hilo conductor. Escuchas sucesivas a los 53 minutos del álbum denotan varias cosas que se hacen muy patentes; una, que Galiana tiene una técnica al saxo (tenor o soprano) que para mi gusto es prácticamente incomparable en este país (quizás otras grandes figuras como Tejero al alto), y la otra, que De Solaun se ha divertido de lo lindo convirtiendo su piano en una máquina de guerra orientalizante que lo mismo transita por terrenos japoneses cortesanos (Gagaku) que nos hipnotiza con ominosas cadencias Gamelan, para pasar por clústeres meteóricos, notas sueltas que quedan eternizadas como la luz tras los párpados cuando uno mira directamente al sol y una atemporal forma de tocar que juro que me cuesta discernir si (vuelvo a lo mismo) no estoy escuchando al ya maduro Cecil Taylor de los 80 mezclado con los delicados tonos de piano de Alice Coltrane y es que para mi gusto cuando el Free o la Impro se tornan aguerridos y apretados, se convierten en Música de Cámara para gente Insana sin Cordura (relacionad con el Rock en Oposición, Univers Zero y Magma si les apetece tiren para el rock).

Me resultaría imposible analizar corte por corte First Times porque Yañez ha puesto toda la carne en el asador y si algo no me gusta, es el corta y pega. Para datos de los significados de los títulos (puestos a posteriori) y mil cosas más, insisto leerse las 21 páginas (mitad español, mitad inglés) pero para dejarse llevar un poco, permaneced todavía por estos lares que vamos a hacer un vuelo rasante.

Desde esa densa apertura con abigarrados diálogos entre el piano desnudo y el saxo, se pasa a opresivos descensos en los que se aborda la parte preparada de un piano que se lleva al extremo percusivo y se lo despoja de vértebra al reducirlo a cuerdas en modo arpa. En simbiosis perfecta, con un Galiana tocando en zonas muy altas y rozando el sibilante toque de una flauta, hasta otros cortes en los que el soprano se vuelve Noir y mistérico. Charolado como esas ciudades nocturnas eternamente mojadas que reflejan carteles de neón. Preciosas notas desnudas de piano contrastan con los vientos ejerciendo sensación de danza, real o psíquica (¿quizás el Cortejo?) aparecen y desaparecen como motivos de un film compuesto no por fotogramas sino por pinturas. Las sordinas de Galiana unas veces suenan glosolálicas, regurgitantes y anti peristálticas, reflejando quizás el acto agresivo del pintor batiéndose en duelo con el lienzo («Pollockiana» es un ejemplo clarísimo) mientras que en otras se viste de vibrátil plástico alcanzando el retumbar del trombón (cierto deje metálico) que junto a las cuerdas minimalistas del piano de De Solau nos lanzan a terrenos más propios de la electroacústica (al menos en cuanto a vértebra). Se recurre a cierto Dadaísmo contenido (autolimitado me gusta más) que provoca que la música en ocasiones se convierta en lluvia que cae, volutas de un pebetero o fisión de neutrinos contra plancha metálica en Re Menor. 

De Solaun se transforma en una bestia de tiempos pretéritos, destensa cuerdas y las golpea a martillazos para provocar la verborrea en cascada de Galiana en unos crescendos que se mezclan con un aroma a World Beat muy sutil que me recuerda a los galimatías juguetones de Esquivel («Ichi-Go Ichi-E»). El tempo por lo general es rápido en todo el minutaje, y por momentos la intensidad es tan alta que me recuerda a esos ataques de Brotzmann o Evan Parker en sus años mozos y cuando hay que ir más lento es para volverlo todo más caleidoscópico si cabe, huyendo de baladismos. Terroríficos momentos como ese diálogo entre el tenor y las cuerdas del piano tocadas en slap en «Amuse-Buche»… devastadores efectos para el oyente auguro. Si bien este corte es la disolución del todo a la nada, «Scorrevole» hace lo contrario a través del solo de soprano de Galiana que se encarga de recoger todo y poner las cosas tal y como estaban minutos antes…. ah!, y joder, el tipo se acuerda de dónde iba cada cosa. Fantástica la comparativa con Escher de Yañez para describir el breve puente-solo «Threshold», esos acatarrados clústeres de notas de piano, con puntito juguetón y que también coincido con sus toques tangenciales con Ligeti en el segundo tramo. Ya sea tocando muy juntos o bien todo lo contrario, First Times habla de justo lo contrario… esto no parece un primer acercamiento sino un saber estar/tocar/sincretizarte de toda la vida… una oda a esa LIBERTAD que contábamos arriba que una vez despojada del cariz sociopolítico, de lo opresivo (a veces el régimen más dictatorial, juez y señor, es el propio Academicismo) y quizás de lo innovador tras 60 años existiendo el género, nos queda el Humanismo puro y duro de dos músicos vibrando en la misma longitud de onda, comunicándose e invitando al oyente a participar de una conversación a priori difícil de seguir pero que a poco que logres consultar el índice onomástico un par de veces, serás otro ADICTO MÁS.

Por cierto, edita como siempre en precioso digipack LIQUEN RECORDS revestido con unos motivos pictóricos de Omar Daf que reflejan a la perfección la música. Insisito, lo demás, el libreto de Paco Yañez. 

SUBLIMEMENTE LIBRE.

Revista-fanzine PROCEDIMENTUM

FIRST TIMES_recensión, 2026

Assaig general_Catalunya Ràdio. Josep Lluís Galiana: "En la improvisació lliure es tracta de conversar amb l'altre i de compartir", 19/09/2022

El saxofonista Josep Lluís Galiana i el pianista Josu de Solaun, tots dos també compositors, ens han parlat del seu treball discogràfic «First times» que han publicat aquest estiu i que van presentar en un concert a principis de setembre a la Sociedad de Artistas AIE de Madrid. Es tracta d’un àlbum, editat pel segell Liquen Records, amb 14 temes que són un punt de trobada sonora que transita entre la música contemporània i experimental i el jazz. Galiana desenvolupa una intensa activitat en l’escena internacional de la lliure improvisació, i De Solaun, que és l’únic espanyol que ha guanyat el Premi Iturbi i el George Enescu de Bucarest, és un dels pianistes amb més projecció internacional.

Musica Viva_RNE (RTVE)

José Luis Besada_6 de noviembre de 2022

En la agenda, Josep Lluís Galiana nos desvela los secretos de su tándem colaborativo con Josu de Solaun.

El club de las primeras veces

Miguel Ángel Pérez Martín – docenotas.com, 19/08/2022

Siempre hay una primera vez, y a veces es la última. Esto es la IMPROVISACION.

La improvisación puede ser musical, teatral, danzística, visual. Hay muchas variantes creativas en marcha. Soy muy aficionado a la primera y la tercera – danza-. La primera la practico todo lo que puedo con la guitarra.

Vuelvo a aclarar: la improvisación es una herramienta “sónica”, musical por tanto. La utilizan muchos estilos: el Jazz de forma profusa, el estilo barroco, la música contemporánea, el rock, el “noise” sea electrónico o no, pero en los últimos años se está definiendo como un gran estilo en sí misma. Tiene sus reglas y acuerdos que conocen/comparten los intérpretes, pero nadie conoce de antemano el resultado final, ellos tampoco.

En el disco que nos ocupa se juntan dos de la media docena de grandes “improvisadores” de la Península Ibérica, hayles también en Portugal. Josu de Solaun, un gran intérprete de música clásica (ver https://www.docenotas.com/162973/canon-musical-europeo/ en estas páginas) y gran solista de piano con base en la improvisación (https://www.docenotas.com/160521/descenso-sin-paracaidas/- también en estas páginas) y juzguen.

El segundo es Josep Lluís Galiana, improvisador y animador de la escena musical de vanguardia en Valencia y en el resto de la península. Editor de Liquen Records y EdictOralia . Lean de nuevo https://www.docenotas.com/156028/mineria-sonora/.

A veces se parte de una anotación escrita o simplemente visual entre ellos y dejan evolucionar la “pieza”, no es el caso, nuestros interpretes se lanzan a la improvisación sin red, sin ningún acuerdo aunque sea subliminal. Llegan a un resultado determinado que, como todo, se agota. Usan la creación instantánea con su instrumento y las particularidades sónicas que encuentren (piano preparado, golpes en las zapatas y registros de los saxos, saturaciones de sonido en ambos casos) para crear atmósfera musicales indeterminadas de antemano.

En manos de intérpretes inexpertos el experimento es peligroso, pero en manos de grandes instrumentistas el experimento es gozoso en lo musical y en directo en lo visual (gestual, movimientos, puesta en escena) y el resultado concreto son catorce piezas de una gran intensidad, variedad y talento creativo-interpretativo. Algunas nos acercan al noise directamente, otras al jazz más free o a la improvisación rock-blues cuasi-hendrixiana.

Siento sana envidia por los posibles espectadores de esta grabación en el Teatre Auditori de Catarroja Francisco Chirivella el pasado 20 de junio de 2021, justo cuando empezábamos a despertar de la pandemia-siesta en que nos sumió el virus.

Piano solo, saxos solo o la suma de los dos instrumentos se valen para componer piezas que llevarían años de idear y meses ensayos para conseguir resultados y dinámicas de sonido similares, y dudo que se pudiera alcanzar la misma intensidad y organicidad.

Muchas y muy poliédricas escuchas son posibles en estos días de calima extrema.

Como con algunos de los discos de esta serie: ¡se hace historia!.

Lo mejor es callarse, escuchar…y dejar que se organicen los sonidos en nuestra mente.

Magnífica edición y presentación, con un trabajo visual de Alexis Moya y notas de Paco Yáñez.

Pedidos a liquenrecords.com y a “viajar”.

Radio KRAS_Vericuetos 477 (23-08-22)

Josep Lluís Galiana i Josu de Solaun presenten en concert el seu disc ‘First times’ en la Societat d’Artistes AIE de Madrid

lasBandas, 12 de septiembre de 2022

En l’acte, el saxofonista i el pianista valencians van estar acompanyats per Miguel Álvarez-Fernández, musicòleg, artista sonor i director del programa Ars Sonora en RNE Ràdio Clàssica; i Carlos Galán, compositor, director, pianista i catedràtic d’Improvisació del Real Conservatori Superior de Música de Madrid. Després de la presentació, Galiana i De Solaun van oferir un breu concert.

 

En la conversa es va abordar un treball discogràfic que transita entre la música contemporània i experimental i el jazz en el qual els autors reivindiquen la improvisació lliure com a expressió artística i musical. Els músics, que van llançar el disc al juliol passat, inclouen 14 temes en l’àlbum, fruit de l’amistat cultivada durant 25 anys, la complicitat i el compromís musical de Galiana, des del món de la improvisació, i De Solaun, amb una carrera dedicada al repertori clàssic.

 

Galán va subratllar que First times és “un disc únic i imprescindible”, i considera que “estem davant d’una ocasió extraordinària d’assistir al que aquesta complexa pràctica sonora pot aconseguir quan es fa des del virtuosisme instrumental, la imaginació desbordant, la sensibilitat més exquisida i el compromís estètic més actual”. El catedràtic afirma que “la improvisació està mal vista en aquest país”, i apunta al fet que “probablement incomoda i desconcerta, i amb això es tanquen les oïdes a una disciplina els resultats de la qual poden ser esplèndids”.

 

Álvarez-Fernández va indicar que les notes de les peces “ens contagien d’una efervescència tan mediterrània com eixe barroquisme valencià que tendeix a la saturació i al desbordament. Formes apropiades per a celebrar una reunió ajornada durant massa temps”. El musicòleg pensa que “ha d’escoltar-se com una reivindicació de la trobada”, perquè és “una reivindicació de l’amistat, també una celebració, o fins i tot un fetitxe”.

 

El crític musical i escriptor, Paco Yáñez, exposa en un article en el llibret, que porta per títol La improvisació lliure, com a punt de trobada, que els dos músics tenen “un vast camp d’interessos compartits, que comprenen la filosofia, l’art, la poesia i la pròpia música”, i això, provoca “una intersecció de bagatges personals”. Yáñez apunta que la proposta “reflecteix fidelment el que és un concert d’improvisació lliure d’una hora d’exigent escolta; una escolta que pensa, convertida en joc exploratori del jo en l’altre”.

Grans improvisadors 

 

Les primeres crítiques de First times exposen que en aquest disc “s’ajunten dos de la mitja dotzena de grans improvisadors de la Península Ibèrica”, un experiment “gojós en lo musical” amb obres “d’una gran intensitat, varietat i talent creatiu-interpretatiu” que portaria “anys d’idear i mesos d’assajos per a aconseguir resultats i dinàmiques de so similars”.

 

En relació amb els músics, la premsa especialitzada destaca que “Galiana té una tècnica al saxo (tenor o soprano) pràcticament incomparable en aquest país”, i De Solaun “és un gran improvisador perquè d’una banda és un gran pianista però sobretot és un gran destructor de les bastides que cal deformar per a eixir de la zona de confort”, per la qual cosa el treball no sembla un primer acostament “sinó un saber estar/tocar/sincretizar-te de tota la vida”.

 

Galiana, compositor, escriptor, editor i gestor cultural, ve desenvolupant una intensa activitat en l’escena internacional de la lliure improvisació, la creació electroacústica, el avant-garde jazz, i la investigació musicològica des de fa més de tres dècades; i De Solaun, compositor, escriptor i únic espanyol que ha guanyat el Concurs Internacional de Piano de València Premi Iturbi i el Concurs de Piano George Enescu de Bucarest, entre altres importants premis; és un dels pianistes amb més projecció internacional i actua en nombrosos països d’Amèrica, Àsia i Europa com recitalista i solista al costat de prestigioses formacions i directors. Tots dos vénen recabant els elogis i reconeixement de la premsa pels seus treballs discogràfics i els concerts que realitzen.

De izquierda a derecha, Carlos Galán, Josep Lluís Galiana, Miguel Álvarez-Fernández y Josu de Solaun en el Auditorio de la Sociedad de Artistas AIE en Madrid.

Josep Lluís Galiana y Josu de Solaun presentan su disco «First times» en Madrid

Editado por el sello Liquen Records, el auditorio de la Sociedad de Artistas fue el lugar escogido

Los músicos valencianos Josep Lluís Galiana y Josu de Solaun presentaron su disco First times [Primeras veces], editado por el sello Liquen Records, en el Auditorio de la Sociedad de Artistas AIE, el pasado jueves. En el acto, el saxofonista y el pianista, estuvieron acompañados por Miguel Álvarez-Fernández, musicólogo, artista sonoro y director del programa Ars Sonora en RNE Radio Clásica; y Carlos Galán, compositor, director, pianista y catedrático de Improvisación del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. Tras la presentación, Galiana y De Solaun ofrecieron un breve concierto.

En la conversación se abordó un trabajo discográfico que transita entre la música contemporánea y experimental y el jazz, en el que los autores reivindican la improvisación libre como expresión artística y musical. Los músicos, que lanzaron el disco en julio pasado, incluyen 14 temas en el álbum, fruto de la amistad cultivada durante 25 años, la complicidad y el compromiso musical de Galiana, desde el mundo de la improvisación, y De Solaun, con una carrera dedicada al repertorio clásico.

Galán subrayó que First times es «un disco único e imprescindible», y considera que «estamos ante una ocasión extraordinaria de asistir a lo que esta compleja práctica sonora puede alcanzar cuando se hace desde el virtuosismo instrumental, la imaginación desbordante, la sensibilidad más exquisita y el compromiso estético más actual». El catedrático afirma que «la improvisación está mal vista en este país}, y apunta a que «probablemente incomoda y desconcierta, y con ello se cierran los oídos a una disciplina cuyos resultados pueden ser espléndidos».

Álvarez-Fernández indicó que las notas de las piezas «nos contagian de una efervescencia tan mediterránea como ese barroquismo valenciano que tiende a la saturación y al desbordamiento. Formas apropiadas para celebrar una reunión aplazada durante demasiado tiempo». El musicólogo piensa que debe escucharse como una reivindicación del encuentro, porque es «una reivindicación de la amistad, también una celebración, o incluso un fetiche».

El crítico musical y escritor, Paco Yáñez, expone en un artículo en el libreto, que lleva por título La improvisación libre, como punto de encuentro, que los dos músicos tienen «un vasto campo de intereses compartidos, que comprenden la filosofía, el arte, la poesía y la propia música», y ello, provoca «una intersección de bagajes personales». Yáñez apunta que la propuesta refleja lo que es un concierto de improvisación libre de una hora de exigente escucha. «Una escucha que piensa, convertida en juego exploratorio del yo en el otro», señala.

 

Galiana, compositor, escritor, editor y gestor cultural, viene desarrollando una intensa actividad en la escena internacional de la libre improvisación, la creación electroacústica, el avant-garde jazz, y la investigación musicológica desde hace más de tres décadas.

De Solaun, compositor, escritor y único español que ha ganado el Concurso Internacional de Piano de Valencia Premio Iturbi y el Concurso de Piano George Enescu de Bucarest, entre otros importantes premios; es uno de los pianistas con más proyección internacional y actúa en numerosos países de América, Asia y Europa como recitalista y solista junto a prestigiosas formaciones y directores. Ambos vienen cosechando los elogios y reconocimiento de la prensa por sus trabajos discográficos y los conciertos que realizan.

El saxofonista Josep Lluís Galiana y el pianista Josu de Solaun presentan su disco First Times en Pegando La Hebra

La improvisación musical libre  de dos grandes de la música en un disco joya

Cuando el amor a la música, a la poesía, al arte, a la cultura a la vida, cuando el amor a la amistad confluye en dos grandes creadores, surge una magia especial muy difícil de explicar, pero muy fácil de sentir a través de la obra que crean juntos con una extraordinaria complicidad estética.  Este es el caso de  Josep Lluis Galiana, saxofonista, y Josu de Solaun, pianista, que han creado un disco en el que hacen un canto a como expresión artística y musical, lanzado internacionalmente el pasado julio: First times [Primeras veces]. Un madurado y espontáneo trabajo discográfico editado por el sello Liquen Records, con 14 temas que son un punto de encuentro sonoro que transita entre la música contemporánea y experimental y el jazz,  con un hermoso libreto de Paco Yañez y portada de Omar Daf. Este exquisito y cuidadísimo disco joya, se lo han dedicado a Alexis Moya, a quien también queremos mucho en PLH, que ha acompañado esta noche  Josep Lluís Galiana y Josu de Solaun en su presentación en PLH de este disco joya. “First times es una muestra de absoluta libertad creativa entre dos músicos que empatizan y son cómplices tanto en lo sonoro como en lo personal desde hace muchos años”.

Galiana viene explorando durante más de cuatro décadas, con los saxofones, desde la improvisación libre, las infinitas posibilidades tímbricas y una amplia gama de colores y texturas que ha ido recogiendo en una cincuentena de discos como Tenor Saxophone Solos, Soprano Saxophone Solos o Electroacoustic Pieces 1999-2019. Josep Lluís Galiana despliega desde hace muchos años una intensa actividad cultural como gestor y divulgador cultural periodista, saxofonista, compositor, docente, escritor y poeta, editor, crítico musical, literario y de arte.

De Solaun, panista, compositor y poeta, su carrera  está  fundamentalmente  asociada al repertorio clásico, aunque con incursiones en la improvisación y el jazz como en panDEMiCity, un disco “compuesto en acto” con el que rinde homenaje a Keith Jarret y ha obtenido la nominación en los prestigiosos Premios Internacionales de Música Clásica (ICMA). Ha publicado 8 álbumes y es el único español que ha ganado el Premio Iturbi y el George Enescu de Bucarest. Es uno de los pianistas con más proyección internacional, aclamado por la prensa internacional por su “poético sentido del sonido, visión artística y brillante virtuosismo, enteramente al servicio de las obras que se ejecutan”. Nikolaus Frey, Fuldaer Zeitung.

Escucharles conversar sobre su creación conjunta, ha sido un privilegio para los sentidos y para el alma. Nos ha hablado de sus muchas “primeras veces” juntos y por separado. Son dos artistas de la palabra, el pensamiento, la poesía, la música… Si escuchan la entrevista comprobarán que son seres excepcionales y dos grandes amigos.

Pegando la Hebra, dirige y presenta, María Vicenta Porcar, control de sonido, Juan Lafuente y Arturo Delgado. 99.9 Plaza Radio, 99.9 FM Valencia y  www.999plazaradio.es.  Podcast en la web de la emisora, Ivoox, Spotify, Youtube, etc.

Publicado el

JOAN GÓMEZ ALEMANY. 7 works for chamber music and ensemble

NOMINAT ALS PREMIS CARLES SANTOS 2022

Joan Gómez Alemany. 7 WORKS FOR CHAMBER MUSIC AND ENSEMBLE. València: LIQUEN RECORDS. DL: V-638-2022 — LRCD021. PVP: 20€

Gastos de envío incluidos para España / Shipping costs included for Spain; para el resto del mundo, consulte coste de envío / for the rest of the world, chek shipping cost; otros métodos de pago / other payment methods. Contacto / Contact: liquenrecords@liquenrecords.com

TRACKLIST

1. String Quartet Nº 1 (átanoSonata) (2017) · 10:38
Arditti Quartet
2. Lo duro y lo blando (2017) · 10:52
Ensemble Multilatérale, Léo Warynski
3. La religión del sonido (2016) · 10:33
Schallfeld Ensemble, Leonhard Garms
4. 4 Disparates de Goya (2018) · 7:40
BCN 216, Francesc Prat
5. eros-tans-tngi-ugog-celö-esel (2019) · 12:43
Schallfeld Ensemble
6. Una Tierra fragmentada (2020) · 12:26
Shifter Ensemble
7. TV (TeleVision) = TN (TransNacional) = TNT
(TurnerNetworkTelevision) (TriNitroToulene) (2019) · 8:42
Container Ensemble

 

Total Time: 73:34

All music composed by Joan Gómez Alemany
Mastered by Julio Valdeolmillos (Shark Estudios)
Produced by Josep Lluís Galiana
Pictures and design concept by Joan Gómez Alemany
Graphic design by J. Chagall
Text by Paco Yáñez
Thanks Vicent Alberola, Clemens Gadensttäter, Myriam García, Voro Garcia, Haize Lizarazu,
Demian Luna, Giuseppe Mennuti, Ute Pinter, Oliver Rappoport, Yann Robin, Oriol Saladrigues…
© 2022 Liquen Records

Aquesta producció discogràfica ha rebut una ajuda del

We would like to thank our sponsor / supporter Österreichische HochschülerInnenschaft an der Kunstuniversität Graz (ÖH-KUG) and thank all the musicians and festivals.

1. String Quartet Nº1 (átanoSonata) (2017) (Universal Edition)

 

Arditti Quartet

Irvine Arditti – violin I
Ashot Sarkissjan – violin II
Ralf Ehlers – viola
Lucas Fels – cello

 

Recording: 07/10/2020, Reiterkaserne, Kunstuniversität Graz. Sound and editing: Joan Gómez Alemany

2. Lo duro y lo suave (2017)

 

Ensemble Multilatérale

Alain Billard – bass clarinet
Aurélie Saraf – harp
Pablo Tognan – cello
Nicolas Crosse – double bass
Léo Warynski – conductor

 

Live recording: 16/07/2017, Eglise Notre-Dame de l’Assomption, Saint-Martin-Vèsubie. Sound engineer: Camille Giuglaris

3. La religión del sonido (2017)

 

Schallfeld Ensemble

Elisa Azzarà – flute
Szilárd Benes – clarinet
Matej Bunderla – saxophone
Lorenzo Derinni – violin
Myriam García Fidalgo – cello
Margarethe Maierhofer-Lischka – double bass
Maria Flavia Cerrato – piano
Manuel Alcaraz Clemente – percussion
Leonhard Garms – conductor

 

Live recording: 17/02/2017, impuls Festival, György Ligeti Saal MUMUTH, Graz. Sound engineer: Peter Venus

4. 4 Disparates de Goya (2018)

 

BCN216

Xavi Castillo – clarinet
Erica L. Wise – cello
Jordi Masó – piano
Miquel Vich – percussion
Frédéric Le Bel – electronic diffusion
Francesc Prat – conductor

 

Live recording: 17/05/2018, Fundación Phonos, Barcelona. Sound engineer: Frédéric Le BelVideo: https://youtu.be/UJDXpt298LQ

5. eros-tans-tngi-ugog-celö-esel (2020)

 

Schallfeld Ensemble

Audrey G. Perreault – flute
Johannes Feuchter – clarinet
Patrick Skrilecz – piano
Lorenzo Derinni – violin
Myriam García Fidalgo – cello

 

Live recording: 18/09/2020, impuls Festival, Barocksaal, Priesterseminar, Graz. Sound engineer: Stefan Warum

Video: https://www.youtube.com/watch?v=Cz14iijlXi8&t=11s

 

This piece was commissioned by impuls – Verein zur Vermittlung zeitgenössischer Musik for “Text im Klang”

6. Una Tierra fragmentada (2020) (Universal Edition)

 

Shifter Ensemble

Francesco Palmieri – guitar I
Pietro Paolo Dinapoli – guitar II
Ruben Mattia Santorsa – guitar III
Giuseppe Mennuti – guitar IV

 

Recording: 30/07/2021, Sound, editing and studio: Erwin Fonseca, Colectivo La Pataconera, Berna

7. TV (TeleVision) = TN (TransNacional) = TNT (TurnerNetworkTelevision) (TriNitroToulene) (2019)

 

Container Ensemble:
Jacobo Hernández – violin
Leo Morello – cello
Joan Jordi Oliver – saxophone
Carlo Siega – electric guitar
Miguel Ángel García – percussion I
Roberto Maqueda – percussion II
Víctor Barceló – percussion III

 

Live recording: 06/05/2019, Ensems Festival, Palau de la Música, Valencia. Sound engineer: Contra Vent i Fusta.

Live concert video: https://www.youtube.com/watch?v=GkIHQpg6lbo&t=2s
Video projection version: https://youtu.be/btXObLLbmsE

 

This piece was commissioned by the Institut Valencià de Cultura for the Ensems Festival in collaboration with the Mixtur Festival

Joan Gómez Alemany in his exhibition Between the visual and the sound. Reappropriation of matter and material at La Posta Foundation

BIOGRAFÍA

Joan Gómez Alemany (Valencia, 1990). Inicia el Grado en Composición con Oliver Rappoport (Conservatori del Liceu) y lo termina con Clemens Gadenstätter (Kunst Universität Graz). Es Máster en Composición (KUG) con Franck Bedrossian y Máster en Ópera y Musik-Theater (KUG) con Gadenstätter. Además es Título Superior de Piano, iniciándolo en el Conservatorio Superior de Música Joaquín Rodrigo y terminándolo en el Conservatori del Liceu y Licenciado en Bellas Artes (Universitat Politècnica de València). Actualmente está doctorándose (UPV) con una tesis sobre la interdisciplinariedad artística. Recibió lecciones individuales con los compositores Mark Andre, Pierluigi Billone, Raphaël Cendo, Brian Ferneyhough, Ashley Fure, Dmitri Kourliandski, José Manuel López López, Michael Maierhof, Hèctor Parra, Alberto Posadas, Jorge Sánchez-Chiong, Yann Robin, Rebecca Saunders, Mauricio Sotelo, entre otros.

Gómez Alemany compagina la creación musical, las artes visuales y el cine, en continuo diálogo, con la escritura de ensayo y crítica principalmente sobre música y arte. Sus composiciones han sido encargadas o interpretadas en festivales como el Darmstädter Ferienkurse, impuls, ManiFeste-IRCAM, reMusik.org, Ensems, Mixtur, Mostra Sonora Sueca, etc., e interpretadas por músicos o ensembles como Arditti, Nikel, Recherche, Multilatérale, Schallfed, Adapter, Parcours, MCME, Container, Aer Duo, IEMA, Szene Instrumental, BCN216, entre otros. También han estrenado música suya las orquestas como la SWR bajo la dirección de Gregor Mayrhofer y JOGV bajo la dirección de Pablo Rus Broseta. En 2022 estrenó su primera ópera de cámara (proyecto interdisciplinar) en la Ópera de Graz bajo la dirección de Leonhard Garms.

Algunas de sus composiciones están publicadas por la editorial BabelScores y editadas por la discográfica Liquen Records. Ha escrito en diversas revistas especializadas destacando Sul Ponticello, donde mensualmente desde 2018 escribe en su sección propia Interacciones. Ha sido coordinador y escritor del libro Valencia y la abstracción, construcciones con geometría y color. Trayectoria vital y creativa del artista Vicente Gómez García (1926-2012) y ha escrito junto a Alfonso de la Torre Cartas en torno a Manolo Millares y Pablo Palazuelo, ambos publicados por EdictOràlia. También ha sido coordinador del libro digital A book about Festival Mixtur para la conmemoración de su décimo aniversario. Su obra cinematográfica consta hasta la fecha de cuatro largometrajes, tres mediometrajes y once cortometrajes. Algunos de sus trabajos sonoros y visuales se han mostrado en museos como el Centro Pompidou, IVAM, CCCC Centro del Carmen, Fundación Luis Seoane destacando su exposición individual titulada Entre lo visual y lo sonoro. Reapropiación de la materia y el material en la Fundación la Posta.

BIOGRAPHY

Joan Gómez Alemany (Valencia, 1990). He begins the Bachelor in Composition with Oliver Rappoport (Conservatori del Liceu) and finishes it with Clemens Gadenstätter (Kunst Universität Graz). He has a Master’s in Composition (KUG) with Franck Bedrossian and a Master’s in Opera and Musik-Theater (KUG) with Gadenstätter. He also has a Degree in Piano, starting at the Joaquín Rodrigo Superior Conservatory of Music and finishing at the Conservatori del Liceu and a Degree in Fine Arts (Universitat Politècnica de València) . He is currently making a PhD (UPV) with a thesis on artistic interdisciplinarity. He received individual lessons with composers Mark Andre, Pierluigi Billone, Raphaël Cendo, Brian Ferneyhough, Ashley Fure, Dmitri Kourliandski, José Manuel López López, Michael Maierhof, Hèctor Parra, Alberto Posadas, Jorge Sánchez-Chiong, Yann Robin, Rebecca Saunders, Mauricio Sotelo, among others.

Gómez Alemany combines musical creation, visual arts and cinema, in continuous dialogue, with writing essays and criticism mainly on music and art. His compositions have been commissioned or performed by festivals such as the Darmstädter Ferienkurse, impuls, ManiFeste-IRCAM, reMusik.org, Ensems, Mixtur, Mostra Sonora Sueca, etc., and performed by musicians or ensembles such as Arditti, Nikel, Recherche, Multilatérale, Schalfed, Adapter, Parcours, MCME, Container, Aer Duo, IEMA, Szene Instrumental, BCN216, among others. His music has also been premiered by the orchestras such as SWR under the direction of Gregor Mayrhofer and JOGV under the direction of Pablo Rus Broseta. In 2022 he premiered his first chamber opera (interdisciplinary project) at the Graz Opera the direction of Leonhard Garms.

Some of his compositions are published by the BabelScores and edited by the Liquen Records. He has written in several specialized magazines, highlighting Sul Ponticello, where he writes monthly since 2018 in his own in his own section Interacciones. He has been coordinator and writer of the book Valencia y la abstracción, construcciones con geometría y color. Trayectoria vital y creativa del artista Vicente Gómez García (1926-2012) and has written together with Alfonso de la Torre Cartas en torno a Manolo Millares y Pablo Palazuelo, both published by EdictOràlia. He has also been coordinator of the digital book A book about Festival Mixtur for the commemoration of its tenth anniversary. To date, his cinematographic work consists of four long films, three medium-length films and eleven short films. Some of his sound and visual works have been shown in museums such as the Pompidou Center, IVAM, CCCC Centro del Carmen, Fundación Luis Seoane highlighting his individual exhibition entitled Between the visual and the sound. Reappropriation of matter and material at the Fundación la Posta.

Download the extended booklet in Spanish and English:
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DOSSIER DE PRENSA

Un retrato de Juan Gómez Alemany

Ismael G. Cabral, SCHERZO, 27/02/2023

El Cuarteto de cuerdas nº 1 (átanoSonata) (2017) de Joan Gómez Alemany (1990) es áspero y crespo como una arpillera de Millares. Los Ardittis parecen pasárselo en grande con esta obra de joven pluma heredera de Lachenmann y amplificadora de las mayores rugosidades de aquel. El proceso de deformación del material es tal que, más allá de música concreta instrumental, podríamos evocar el noise y lo industrial. La no-escuela de un Maurizio Bianchi se contagia irradiándose en las suciedades texturales de esta colección de piezas de cámara de una manera mucho más evidente incluso que en un disco precedente centrado en la creación electroacústica del valenciano.

 

Lo duro y lo blando (1917) pone al Multilatérale ante un fresco en el que la saturación adquiere una densidad casi espiritual, como un Scelsi puesto de esteroides. La música de Gómez Alemany es incómoda y gresca, estupenda medicina para los agoreros que llevan queriendo matar una idea de la vanguardia tan vigente ahora como hace cincuenta años. La religión del sonido (2016) es una declaración de intenciones, una guía para que los visitantes se atengan a las consecuencias. Como prueba de una actitud todavía en formación, una obra como TV=TN=TNT (2019), con sus intersticios de ruido blanco y crítica a los mass media, tira por otro derrotero estético de exploración multimedia.

 

La indagación fonética se hace pertinente en eros-tans-tngi-ugog-celö-esel (2019) con instrumentos resonadores de resuellos y alientos y la firmeza de pluma y el control del material —el compositor sabe perfectamente cerrar las obras, no dilatándolas inútilmente— lo vemos en 4 disparates de Goya (2018). Un retrato de gran valor, asumiendo las diferentes calidades de registros tan dispares. Queda pendiente seguir escrutando en el futuro próximo hacia que inestabilidades se va decantando su autor.

Reseña | Joan Gómez Alemany: 7 works for chamber music and ensemble

Sergio Blardony, melomanodigital.com, 10 de agosto de 2022

No es algo nuevo la relación de la música con las artes plásticas. Nos referimos a la plenamente consciente, que indaga desde la intencionalidad, el sentido. Esto se da, sobre todo, a partir de la segunda mitad del siglo XX, y no ha dejado de constituir un espacio de interés para muchos compositores. En el caso de Joan Gómez Alemany que, además, tiene la ventaja de participar también de la actividad plástica, esta búsqueda sobre lo plástico en la música resulta bastante especial. Su interés por lo textural en un Millares o un Pollock no deja de lado otros artistas muy diferentes en su concepción de lo matérico, como Palazuelo o Vicente Gómez García, donde la forma adquiere un carácter más geométrico. Su música, en apariencia, se nos muestra más cerca de los primeros, utilizando lo que podríamos llamar ‘tímbrica textural’, trabajando sobre los instrumentos con intervenciones y técnicas extendidas, de forma natural, orgánica, sin artificiosidad. Hay un predominio de la rugosidad, incluso cuando toma el pasado, como es el caso de Goya, donde Gómez Alemany escoge los Disparates, serie de grabados donde lo textural juega un papel importante. Esto no quiere decir que la obra de este autor valenciano obedezca únicamente a una intención matérica o de saturación. Por el contrario, en este disco publicado por Liquen Records puede observarse muy bien que cada una de las piezas mantiene una tensión con los diferentes aspectos que las conforman, indagando tanto en aspectos constructivos y de movimiento, lo geométrico y palindrómico (String Quartet No. 1 y Una Tierra fragmentada), el trabajo sobre lo ceremonial (La religión del sonido), lo fonético (eros-tans-tngi-ugog-celö-esel), o el mundo onírico (los ya citados 4 Disparates de Goya). Por otro lado, la música de Gómez Alemany hace un uso del silencio que toma su herencia de autores como Nono o Scelsi, reinterpretados y actualizados. Respecto a la interpretación, son grupos de primer nivel los que podemos escuchar en estas grabaciones: Arditti Quartet, Ens. Multilatérale, Schallfeld Ens., BCN216, Shifter Ens. o Container Ens. Interpretaciones que aumentan, si cabe, el grado de interés que suscita este nuevo registro.

El ruido y las nueces

Miguel Ángel Pérez Martín – docenotas.com, 27/06/2022

Joan Gomez Alemany: 7 works for chamber music and ensemble. Obras de Joan Gómez Alemany interpretadas por: Arditti Quartet, Ensemble Multilaterale, Schallfeld Ensemble, BCN216, Shifter Ensemble, Container Ensemble. Edita: Liquen Records, Valencia 2022

Antes de comenzar la reseña propiamente dicha vaya una breve “filípica” teórica, un mero mapa de ideas para transitar mejor por estos caminos, nada complicados por otra parte.

Estamos todos de acuerdo que el “universo sonoro” se compone de sonido y silencios, su combinación intencionada o aleatoria sería “el ritmo”. De igual manera esto que denomino “sonido” para nuestro interés serían las “notas” y los “ruidos”.

Notas: frecuencias determinadas en una escala con sus correspondientes armónicos (múltiplos) que escribimos ya con cierta facilidad y capacidad de reconocimiento por parte de oídos entrenados y “ruidos”: amalgama caótica de frecuencias que a veces producen extrañamiento en nuestra escucha.

Hasta la Segunda Escuela de Viena, incluida, se trabajó fundamentalmente con “las notas” y sus jerarquías, pero con la entrada en escena de la electrónica (Cage, Stockhausen) o los Futuristas antes de la Primera Guerra Mundial, lo que denominamos “ruido” saca entonces la patita y empieza a ser un elemento muy importante.

En el jazz y el rock, por ejemplo, hablamos incluso de “guitarristas ruidistas” improvisadores o no.

En la denominada “música contemporánea” (facción díscola y respondona del sistema clásico, sus jerarquías y notación) desde el final de la Segunda Guerra Mundial se ve la producción de ruidos-notas como un buen objetivo y para ello se usan los instrumentos acústicos habituales y sus formaciones tradicionales: desde el solista hasta la orquesta de cámara. Especialmente en el ámbito geográfico centroeuropeo, Francia, Gran Bretaña. Desde Zimmermann a Lachemann, el espectralismo francés o la “saturación sonora” que representa en este caso Joan Gómez Alemany. Se construye un nuevo espacio de juego, más conceptual, de búsqueda expresiva, más matérico – se trabaja sobre la sonoridad y el timbre de los instrumentos-. Un buen símil sería la pintura de Tapies y sus maderas y arpilleras coloreadas, o la saturación de grises y negros de los grabados de Goya. ¿Expresionismo musical? Puede, no sería mala aproximación, o Pollock.

Las piezas reflejan este deseo de contar, narrar, con sonidos que provienen de instrumentos tradicionales, “otras historias”, lo que la música mainstream a veces nos impide. Otros universos quizá ocultos pero que están con nosotros como las sombras alargadas de las ramas al caer de la tarde…todo esto lo resume bien el tema que escucho mientras escribo: La religión del sonido.

Joan Gómez Alemany trabaja fundamentalmente en Austria-Alemania-Suiza lugares donde se practica este tipo de experiencias sonoras radicales – hemos reseñado en estas páginas dos de sus obras anteriores: Electroacustic Works e Interaccions Sonores– y hemos podido asistir en directo a conciertos en Berlín que nos exponen directamente a este tipo de experiencias.

Esto último es importante para entender estas obras: el directo. Todas están grabadas en directo lo que seguro que añade signos y gestos visuales que completan las obras y ayudan a comprender en su totalidad formas expresivas que en estudio serían complicadas de percibir: ecos, distancias, interacciones sonoras y entre los intérpretes.

Las obras abarcan el periodo entre 2017 y 2020 y por mi afición a la guitarra eléctrica- muy utilizada en la música que llamamos contemporánea- la que más he repetido es Tierra Fragmentada para cuatro guitarras eléctricas con afinaciones alteradas, muy interesante e imagino que endiablada de conjuntar.

La obra final, TV=TN=TNT refleja con claridad el dominio sobre las conciencias y la sociedad que están aplicando los mass-media y el complejo industrial-tecnológico, ha sido grabada en Valencia en el Festival Ensems, por cierto, acogido en uno de los templos de la “academia” y del establishment clásico: Palau de la Música. Interpreta el Container Ensemble, formación a seguir.

¿Obras para expertos y conocedores? Yo creo que no, se trata de un compendio de investigaciones musicales y sonoras, conceptuales por tanto, que tendrán en breve reflejo en los avances de esta disciplina musical y que pueden llegar fácilmente en directo a públicos más amplios. Lo vemos cada año en muestras y festivales, aún en los márgenes por desgracia para la formación musical de nuestros públicos.

Muy recomendable: escuchas y reflexionas a la vez.

JOAN GÓMEZ ALEMANY – «7 WORKS FOR CHAMBER MUSIC AND ENSEMBLE» (LIQUEN RECORDS LRCD021, 2022)

Antonio Martín, La muerte tenía un blog, miércoles, 27 de septiembre de 2023

Con vuestro permiso o sin él, me vais a permitir una serie de licencias literarias y estilísticas a la hora de abordar el impresionante 7 Works for Chamber Music and Ensemble del valenciano Joan Gómez Alemany. Y con esto quiero decir que voy a intentar sintetizar y llevarme a mi terreno lo que en el fabuloso ensayo de Paco Yáñez se explica académicamente con pelos y señales, en profundidad y con una sapiencia descomunal, cargadísima de rigor y calidad y que bueno, no tendréis pérdida porque el texto de Yáñez es el que acompaña al libreto del digipack que como siempre en estas lides sonoras es editado por LIQUEN RECORDS de Josep Galiana (garantía de ruptura abrupta de sinapsis neuronales), además con apartado gráfico del propio Alemany.

Eso sí, antes de proseguir os emplazo a las anteriores reseñas recogidas por un servidor sobre la música de Alemany donde ya presentaba profusamente al genial y jovencísimo artista valenciano: Interacions Sonores (2019, con Josep Lluís Galiana), Electroacustic Works 2016-19 o el fabuloso proyecto Parcours (2020, junto a Voro García y Marc García Vitòria). En el apartado técnico de 7 Works for Chamber Music and Ensemble destacar la magnífica masterización de Julio Valdeolmillos (Shark Estudios) que le da una pátina mate oscura fabulosa al asunto. No hay creo que ahondar en que los siete temas son composiciones de Joan Gómez Alemany.

Y diréis… ¿por qué no sigues el texto de Yañez que es garantía de éxito? Pues básicamente porque los 73 minutos del álbum suenan lo suficientemente oscuros, abruptos y claustrofóbicos como para poder llevarlos al cien por cien a mi zona de confort. Aunque tema equivocarme, no menos cierto es que la música admite numerosos acercamientos y es que pocas veces la Música de Cámara fermenta y metastasia tan a la perfección con los acetábulos que articulan primero hacia el minimalismo y la música Concreta, posteriormente al Noise o al Industrial (imaginad a Throbbing Gristle con instrumentos de orquesta analógicos); pocas veces lo marcial irrumpe dentro de la clásica con tantísima epicidad y sobre todo, pocas veces un disco de estas características trasciende el terreno autolimitado de lo académico para embeberse de connotaciones cinematográficas verdaderamente funcionales (desde Basil Poledouris hasta referencias ineludibles como Penderecky, Xenakis, Cage o Riley). Además, y no puedo evitarlo porque voy a reventar, tengo que traer a colación los poliédricos submundos del Downtown Neoyorquino Zorniano (Cobra, Hemophiliac) e invocar una suerte de Lounge Esquiveliano pasado por el filtro de lo camaretístico. Lo mejor es que empecemos:

«String Quartet Nº1 (átanoSonata)» son 11 fastuosos minutos interpretados por el aclamado Arditti Quartet (Irvine Arditti, Ashot Sarkissjan a los violines // Ralf Ehlers a la viola y Lucas Fels al cello). Omito un poco los datos técnicos de fechas y lugar de grabación para hacer el texto mas ágil. Al más puro Industrial, los instrumentos de cuerda fabrican ruedas y engranajes sonoros que chirrían dentro de la más pura atonalidad. Desmesuradas sordinas que limitan al extremo la sonoridad de instrumentos que de por sí debieran ser recorridos en toda su extensión con los arcos, son por el contrario reducidos a múltiples y acortados embites como puñaladas. Lentamente, una poderosa decrepitud se va instalando y se pasa del minimalismo y la Concrete Music a una amenazante atmósfera muy deudora tanto de Penderecki como de Bernard Herrman. 

Es tanta la intensidad que me atrevería a decir que los músicos entran en un nivel de conciencia mediúmnico donde los instrumentos son catalizados con violencia a través de lo psicorrágico. Si creéis que esto no es Noise o Industrial, simplemente os emplazo a los dos últimos minutos.

Sigue «Lo Duro y lo Suave», otros 11 minutos de una versión reducida de la Ensemble Multilatèrale (Alain Billard al clarinete bajo, Aurélie Saraf al arpa, Pablo Tognan al cello, Nicolas Crosse al contrabajo y Léo Warynski como conductor). Nuevamente texturas muy apelmazadas y atonales pero dentro de un tempo lento y sugerente, cargado de cromatismo y que es imposible separar del Noise. Drones densos y muy lúgubres de las cuerdas conviven con soplos casi etéricos del clarinete que intenta dialogar a base de cortas ráfagas espaciadas propias de la Improvisación Libre. Por cierto, fabulosa la original manera de introducir lo percusivo donde aparentemente no lo hay y fabuloso igualmente como se pasa tras un largo silencio de lo genuinamente abstracto inicial a líneas mucho más harmónicas en la parte final (lo duro y lo suave…). Imaginad un cruce entre la Spontaneous Music Ensemble, Univers Zero y por supuesto, la Clásica Contemporánea.

«La Religión del Sonido» es interpretada por la austríaca Schallfeld Ensemble (Elisa Azzará a la flauta, Szilárd Benes al clarinete, Matej Bunderla al saxofón, Lorenzo Derinni al violín, Myriam García Fidalgo al cello, Margarethe Maierhofer-Lischka al contrabajo, María Flavia Cerrato al piano, Manuel Alcaraz Clemente a la percusión y la batuta de Leonhard Garms).

Una poliinstrumentada formación que permite llevar la música a un terreno bastante colorido, cargado de expresión y sin duda cinematográfico. Es curioso como la poderosa percusión puede recordar a unos Popol Vuh pasados de rosca en las bandas sonoras de Herzog, aunque quizás la referencia más clara sería Poledouris. Lo mistérico y hermético se abre paso con pasajes procesionarios con cierto regusto litúrgico pasándose con facilidad pasmosa de lo a penas insinuado a momentos que me atrevería a citar como cruce entre el Morricone de la Nuova Consonanza y el Dark Ambient puro y duro. Arriesgado, pero si le quitas la portada al álbum y los créditos y haces un estudio ciego con oyentes posiblemente nos llevaríamos una sorpresa mayor. Fabuloso el fin de fiesta con el saxofón abriendo tímpanos con la afilada presteza de un cirujano sonoro en agudísimas notas mantenidas y las elongadas notas de un piano que parece metido dentro del Doom Jazz de los Bohren and der Club of Gore o nuevamente las psicológicas caídas en picado de Bernard Herrman.

Siguen «4 Disparates de Goya», interpretada por la longeva BCN 216 (Xavi Castillo al clarinete, Erica L. Wise al cello, Jordi Masó al piano, Miquel Vich a la percussion, Frédéric Le Bel a la difusión electrónica y Francesc Prat como conductor). Nuevamente una abigarrada composición que es una versión de la ya recogida en versión electroacústica en la referencia de Liquen Records 008. Espectro sonoro bastante vibrátil y oscuro con intrusiones electrónicas que recuerdan a las primeras grabaciones en música Clásica con las Ondas Martenot. Magníficas ecolalias antropomórficas de voces que vienen de Detrás del Umbral y que bien pudieran haber sido las mismas que dialogaban con la particular psique de Goya.

La espectral sonoridad del clarinete junto al piano preparado altera la realidad construyendo una suite que ataca los tímpanos de forma frontal sumiendo al oyente en una malsana y oscura recreación sonora de la realidad del genial artista aragonés.

Repite la Schallfeld Ensemble con «eros​-​tans​-​tngi​-​ugog​-​celo​̈​-​esel» que toma su nombre de un texto del escritor austríaco Thomas Antonic pero para qué os voy a engañar… yo he pensado en algo Lovecraftiano así de sopetón. 13 minutos de cuasi ruidismo con brillos de la sobriedad de la Cámara. Lo cierto es que es un corte que no termina de enclavarse en un estilo en concreto y muta continuamente como si de un virus multiresistente se tratara…. desde partes más Pendereckianas a momentos a lo Cage o Schaffer aunque quizás con momentos donde hay mucha preponderancia de los vientos. Por cierto la formación aquí varía y la Schafeld Ensemble son Audrey G. Perreault a la flauta, Johannes Feuchter al clarinete, Patrick Skrilecz al piano, Lorenzo Derinni al violín y Myriam García Fidalgo al cello. 

Si la Música de Cámara siempre tiene algo de suspense, aquí se lleva sin duda al terreno de lo Noir ya no solo por las melodías en sí sino por los usos del silencio y la espaciosidad entre notas de viento y piano. Además sin duda, el sustrato que se posa con la flauta y lo tribal es terreno del maravilloso MU de Don Cherry / Blackwell con ligeras especias aromatizadas del Cuarto Mundo de Jon Hassell.

Cuatro (Francesco Palmieri, Pietro Paolo Dinapoli, Ruben Mattia Santorsa y Giuseppe Mennuti) de las seis guitarras del Shifter Sextet forman el Shifter Ensemble que se encargan de interpretar «Una Tierra Fragmentada». Microtonalidades, clústeres imposibles y el espíritu inmanente de Ribot, Frith o los Cassiber se encargan de transformar y evolucionar la antigua pieza «Un Fragmento de Tierra» de (2017). Armonía basada en mini bloques o microtonalidades que bien podrían también recordar a Derek Bailey pero expandido en abanico hasta que las posibilidades son tantas, los tempos tan varios y los recursos tan ilimitados que las composiciones de Alemany aquí suenan brutalmente Zornianas (Naked City por ejemplo). Para que me entendáis, vendría a ser el equivalente musical de estilo `puntillista´ pictórico. 

Notas que caen y crean estalagtitas / estalagmitas sonoras, cuerdas que emulan vibráfonos, asomos desérticos, oxímorons guitarreros y estructuras palindrómicas. Resultado… densidad cuasi metalera en las partes intensas (incluso casi diría que tienen la mántrica insistencia del tribalismo americano) y sensación ritualística en las más lentas. Soberbio.

El disco lo cierra «TV (TeleVision) = TN (TransNacional) = TNT (TurnerNetworkTelevision) (TriNitroToulene)» interpretada por Container Ensemble (Jacobo Hernández al violín, Leo Morello al cello, Joan Jordi Oliver al saxofón, Carlo Siega a la guitarra eléctrica y Miguel Ángel García, Roberto Maqueda y Víctor Barceló a las percusiones). Con trasfondo social al que os podéis hacer una idea por el título y que es de largo la más electrónica de las piezas. Acoples diversos de jacks en cópula divagan junto a un saxofón áspero como el primer Free Jazz mientras sonoridades electroacústicas de ruido puro irrumpen desde la realidad que habita al otro lado del ruido blanco televisivo. Difícil saber qué es parte de la guitarra eléctrica (la sexta cuerda está manipulada y crea una retroalimentación ruidista tremenda) y cual proviene de las cuerdas tocadas en agudos extremos.

Sea lo que fuere, el resultado es desangelante como pocos. Experimental, Avantgarde y apabullantemente imaginativo, convive lo analógico con la electrónica (inclusive partes vocales de diversas procedencias). La composición de Alemany llega al punto álgido y recorre el camino inverso a través de una des-composición en cascada efervescente (burbujas pseudo industriales que estallan y se vuelven a generar), violenta y con espíritu Lo-Fi. Como una grabación de campo en una emisión porno ilegal captada a través de lóbregas antenas conectadas por radio al mismísmo Proyecto Seti.

Poco más que añadir. DISCO ABSOLUTAMENTE IMPRESCINDIBLE.

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Entrevista

"L'art és un valor en ell mateix"

Joan Gómez Alemany

Pepa Úbeda, Tornaveu, divendres, 26 de juny de 2022

 

Joan Gómez Alemany (València, 1990) és un artista multidisciplinar especialitzat en música i arts visuals; de trajectòria força productiva malgrat la seua joventut. És llicenciat en Belles Arts per la Universitat Politècnica de València (UPV) i graduat en piano pel Conservatori del Lliceu de Barcelona i en composició per la Kunst Universität Graz (Àustria). En l’actualitat està doctorant-se sobre interdisciplinarietat artística per la UPV. En el seu catàleg musical hi ha més de mig centenar de composicions per a tots els gèneres. Ha publicat ja quatre CD amb Liquen Records. Ha col·laborat musicalment amb uns quants creadors i la seua música ha aparegut en curtmetratges internacionals. Com a artista visual, està especialitzat en cinema, fotografia i pintura. El passat 24 de maig va estrenar la seua primera òpera a Graz.

Per què ets músic?

No sabria dir-te molt bé per què. Segurament, es tracta d’una necessitat interior o, tal vegada, com crec que se’m dóna bé, estic dedicant-m’hi… En síntesi, potser perquè m’aporta un enriquiment sensible i espiritual  com poques coses en aquest món. 

Quan hi vares començar i per què?

La meua mare em va apuntar a classes de piano als 9 anys. Es tracta d’una casualitat o element atzarós perquè no hi ha cap familiar proper que se n’hi dedique. En tot cas, ella va rebre classes de piano de menuda, però no hi va continuar. Per altra banda, el meu pare és un gran apassionat de la música i el meu avi patern, també. Amb tot, ells es van dedicar a les arts plàstiques, no pas sonores. No obstant això, el pare del meu avi va ser afinador d’instruments. Tal vegada siga aquesta la meua “genealogia musical”…

Com és possible que, essent tan jove, hages ja creat més de mig centenar de composicions musicals?

Treballant molt, de manera ben organitzada i, sobretot, amb la passió que les arts m’inspiren.

Creus que hi ha algun nexe comú entre elles?

En general, la meua música s’estructura mitjançant tres eixos recurrents.  El primer és el treball interdisciplinari, que fa dialogar el so amb les arts visuals, literàries i cinematogràfiques en igualtat de condicions i sense les jerarquies habituals que trobem en l’art convencional.

El segon és la investigació sonora a l’hora d’explorar les possibilitats instrumentals, més enllà del seu ús corrent; com també el treball matèric o escultòric que el so pot aportar. Això fa que la meua música estiga influenciada per la improvisació lliure i es fusione amb músiques d’altres cultures no occidentals, folklòriques o les que estudia l’etnomusicologia, ja que tenen una qualitat sonora diferent a l’habitual, gens acadèmica o que busque un so pur ideal. Aquestes influències fa que algunes de les meues obres també tinguen un caràcter ritual i que reflexionen sobre la transcendència del so.

Finalment, el tercer eix és el treball amb la història de la música, atès el context actual del paradigma de l’arxiu que ha generat Internet. Per això, algunes de les meues composicions dialoguen i reflexionen mitjançant l’ús de materials històrics i cites sobre el passat de la música o de la història de l’art.

També em sembla molt interessant que t’hages dedicat a la creació de peces musicals, quan hui hi ha molts músics que interpreten però que no creen…

Sí, hi ha molt més intèrprets. En general, estan millor valorats, tenen més treball i estan millor remunerats que els compositors.

Tanmateix, a mi sempre m’ha atret la creació i l’he trobada més complexa i enriquidora que la interpretació. Tinc el grau superior en interpretació al piano i he fet alguns concerts, per això crec que puc valorar bé les dues modalitats.

Amb tot el respecte, la interpretació se’m feia personalment massa redundant, repetitiva i poc original. Per això vaig deixar de tocar el piano i renunciar a una carrera d’intèrpret o concertista i vaig apostar per la creació. Molt més arriscada, menys valorada i més marginada, però, per a mi, més original, enriquidora i emancipadora.

A quines tradicions et sents vinculat?

En síntesi, a les tradicions centreeuropees, molt més que no pas a les mediterrànies. Per això, tant musicalment com literària i artística, les prenc  de la tradició austro-alemanya o francesa.

Òbviament, això no vol dir que siga eurocentrista o menyspree la nostra riquesa local o universal, ans al contrari. Sempre busque els millors i més interessants resultats que qualsevol cultura puga aportar. Per a mi, és molt important un pensament multicultural, que enllace allò global amb allò de local. Escolte molta música japonesa, àrab, hindú, etc. A més, he llegit sobre la seua filosofia i les seues arts. No obstant això, no és la meua cultura propera i no puc tindre un contacte directe i profund tal com voldria.

Per altra banda, la tradició nord-americana, amb un pensament imperialista i uniformador, propagador d’una cultura de l’entreteniment i el consum, que, malauradament, hui és omnipresent a tot arreu, no m’interessa en absolut. Tot i que té moltes més connexions amb el nostre context històric que no pas les cultures llunyanes.

Darrerament, treballes a la ciutat austríaca de Graz. Amb Viena, és l’única ciutat austríaca progressista que vota partits molt esquerrans, mentre que la resta del país, fortament agrària, és molt conservadora. Creus que aquest progressisme incideix en la cultura i les arts en general i en la música en particular?

Sens dubte. Una cultura progressista, renovadora, il·lustrada, laica, que busque l’avantguarda i els resultats més acords amb un món canviant i amb ànims de justícia social és l’única possible que pot conviure i enriquir-se amb una política autènticament esquerrana.

La “mentalitat agrària i rural”, netament conservadora i reaccionària, està molt lligada, encara que semble mentida, a un pensament medieval i religiós. No s’ha enriquit amb les noves idees del pensament il·lustrat, urbà i revolucionari. Aquesta mentalitat segueix tancada en una tradició  còmoda i obsoleta. A Àustria, el catolicisme i el pensament conservador estan fortament vinculats fora de les principals urbs del país, com son Viena i Graz. Actualment, a Viena governa el Partit Socialista (SPÖ) i a Graz el més esquerrà Partit Comunista (KPÖ). La dualitat entre allò urbà i allò de rural no és res nou. En la nostra Guerra Civil, coneguda com la “Guerra d’Espanya” fora, els qui van donar suport a Franco van ser, sobretot, les zones rurals o les ciutats xicotetes. En canvi, les zones més avançades i progressistes, les gran ciutats, com ara València, Barcelona o Madrid, van donar suport a la República.

Les teues composicions han estat encarregades o interpretades per músics de prestigi internacional en festivals de renom. Podries enumerar-nos-en algunes?

Pel que fa als festivals, en el Darmstädter Ferienkurse (Darmstadt, Alemània), Impuls (Graz), ManiFeste-IRCAM (París), reMusik.org (San Petersburg), Ensems (València), Mixtur (Barcelona), KLANG Avantgarde Music Festival (Copenhagen), etc.

Quant als músics que han interpretat alguna composició meua, destacaria les agrupacions o ensembles com Arditti, Nikel, Recherche, Multilatérale, Schallfed, Adapter, Parcours, MCME, Container, Aer Duo, IEMA, Szene Intrumental, BCN216, entre altres.

Com és possible sobreviure malgrat la brutal pressió de les multinacionals que potencien una  música “moderna” plena de vacuïtat?

Es tracta d’un tema força complex.  La música de nova creació o música contemporània de qualitat és molt minoritària i poc coneguda. Entre altres raons, perquè no es fomenta ni rep ajudes i, amb prou feines, és programada pels auditoris principals.

A més a més i per la seua banda, les multinacionals pressionen tot potenciant una cultura fàcil i buida de l’entreteniment que neutralitza les persones lliures i amb una mentalitat emancipadora i contestatària.  És així com converteixen un repertori clàssic en un producte banal de fàcil compravenda, en lloc de donar suport al de major profunditat, exigència intel·lectual i potència enriquidora. Justament, la música actual més compromesa està en contra de l’art com a “bagatel·la de consum” i, en conseqüència, s’oposa i enfronta a la “cultura” dominant.

Com poden sobreviure, en aquestes condicions, una música digna, tant culta com popular?

Crec que la resistència al poder hegemònic i la creació d’espais lliures i alternatius és, ara per ara, l’única manera que donar a conèixer la música i l’art més interessants. Sense oblidar que un suport públic i desinteressat, allunyat de la rendibilitat fàcil i del “fonamentalisme” del mercat, serien fonamentals per a  engrandir la música del nostre temps.

L’art és un valor en ell mateix, lliure i autònom, no pas un instrument per a enriquir les multinacionals i manipular la gent. Sols així l’art autèntic, allunyat de tota mercaderia, podrà sobreviure, ser conegut i arribar a molta més gent del que arriba actualment.

A Graz en particular i a Viena en general, s’ajuda els artistes?

Sí, moltíssim més que no pas ací. És la causa principal de “l’exili” de molts artistes. L’educació pública és de gran qualitat i pràcticament gratuïta. Les polítiques neoliberals que potencien la privatització, les retallades i l’austeritat, tot i que han arribat a tot Europa, a Àustria no són tan fortes, afortunadament, com ho son malauradament al sud d’Europa.

Quin tipus d’ajut hi ha?

De molts tipus i públics. Hi fomenten la iniciativa personal i alternativa. A més a més, els tràmits burocràtics no son tan complexos ni exigents com en altres llocs.

On s’ha publicat la teua música?

Algunes de les meues partitures, en BabelScores.  Alguns textos musicals o reflexius, en la revista digital Sul Ponticello  i en l’editorial EdictOràlia.  Pel que fa als CDs, tinc unes quantes composicions en 4 CDs de Liquen Records i, ara mateix, està produint-se un en IBS Classical i un altre en la discogràfica de la Kunst Universität Graz (KUG).  

Amb qui has col·laborat?

Com que seria massa llarg, només n’esmentaré uns quants… Musicalment, he col·laborat amb l’improvisador Josep Lluís Galiana en nombrosos actes, presentacions i concerts. També amb directors musicals que han dirigit la meua música com Leonhard Garms, Pablo Rus Broseta i Gregor Mayrhofer. Amb Alfonso de la Torre en propostes musicals per a les exposicions que ha comissariat, com ara “Reinas negras” de la Fundación Martín Chirino, “Arte y espiritualidad. Imaginar lo extraordinario” de la colecció BBVA  i “WITH HANDS, SIGNS GROW” de la la 59ª Biennale di Venezia.

Pel que fa al cinema, relacionat amb música, he col·laborat amb el director de cinema Peter Tscherkassky fent-li la banda sonora d’un curtmetratge. Per altra banda, posant música a un curtmetratge meu, he col·laborat amb els compositors Alberto Arroyo, Alberto Bernal, Sergio Blardony, Manuel Sánchez García, Carles Rojo, José Mª Sánchez-Verdú i l’ensemble Continuum XXI. Finalment, he col·laborat amb el poeta Manel Rodríguez-Castelló, que va recitar uns poemes de Miguel Hernández per a un curtmetratge que vaig fer, i amb el crític musical Paco Yáñez en unes quantes videocartes. 

Per què vas estudiar Belles Arts?

Supose que és perquè tinc uns quants referents familiars molt directes. Tant el meu pare com el meu avi patern van estudiar Belles Arts. De fet, el meu avi —Vicente Gómez García— ha estat un destacat pintor —encara que, malauradament, poc conegut— de l’avantguarda valenciana, junt als seus companys i amics —molt més coneguts que no pas ell—, com ara Juan Genovés, Joaquim Michavila i Eusebi Sempere.

Amb bons quadres a casa, sentint constantment converses sobre art i tenint des de menut facilitat per a la pintura i el dibuix, vaig poder compaginar-les amb els meus estudis musicals. A més a més, l’obra abstracta de Vicente Gómez García és força musical. A la fi, doncs, tant  les arts visuals com les sonores estan en estreta relació.

En què t’hi has especialitzat?

Vaig començar amb la pintura i el dibuix, però vaig anar derivant cap a la fotografia i el cinema. Ara bé, també he utilitzat la vessant plàstica en la creació de  partitures gràfiques.

Per què?

La pintura i el dibuix em venen donades pel llegat familiar, així que era fàcil que les reprenguera. Ara bé, com son disciplines prou clàssiques, he anat derivant cap a mitjans més actuals, com el cinema i la fotografia. No obstant això, sempre intente cuidar molt la imatge i reprendre la tradició pictòricac per crear un híbrid entre disciplines. Pel mateix motiu, els coneixements que vaig aprendre a Belles Arts sobre el color i els gest m’han servit per a crearer algunes partitures gràfiques que potencien aquestes qualitats.

Què podries dir-nos de la generació musical a la qual pertanys?

És un tema molt ampli, així que simplificaré moltíssim. Bàsicament, l’actualitat musical es divideix en partidaris de les últimes tecnologies amb el seu component fortament visual, la cultura digital i la de masses.  Per altra banda, n’hi ha qui potencia el so per ell mateix, però tampoc no neguen el potencial tecnològic actual. Així, no s’hi esclavitzen perquè en fan un ús controlat que no depèn d’una cultura de consum que la fomenta per tal de crear una música alternativa i allunyada del context mercantil. 

El passat 24 de maig es va estrenar a Graz la teua òpera. Podries parlar-nos-en?

El seu llarg i, tal vegada, complex títol és “Glücklich, die wissen, dass hinter allen Sprachen das Unsägliche steht” (Feliços els que saben que darrere de tots els llenguatges es troba allò que és indicible).  Es tracta d’una cita de la novena elegia de Rilke.

Per què t’interessa l’òpera?

Perquè sempre m’ha agradat molt. Hi he vist moltes representacions, sobretot en DVD, i he estudiat moltes partitures i llibrets. La unió de totes les arts que Wagner va veure en l’òpera és fonamental per a mi; com el meu interés a potenciar la interdisciplinarietat. Per això, junt al cinema, l’òpera és un camp artístic immens per a explorar la hibridació artística.

Què penses de l’escenografia?

És una part fonamental que condiciona l’escolta de la música i l’enteniment del llibret. Ara bé, crec que, malauradament, la majoria d’escenografies que es fan en els teatres operístics —incloent-hi els que tenen més mitjans— son prou dolentes, perquè estan centrades en un pensament prou banal i amb poca profunditat artística.  Les escenografies que solen interessar-me son aquelles que crea un bon artista visual o un cineasta. El  resultat sol ser molt reeixit.

Quines influències operístiques n’hi ha en la teua?

He de dir que el meu llibret no és narratiu i està format per textos d’alguns autors que van del segle XV al XX. Ara bé, les influències són prou concretes, ja que el plantejament avantguardista és molt escàs en l’òpera, no pas en la literatura.

El compositor Luigi Nono, un dels més destacats compositors de música contemporània i d’òpera, n’és una clara referència. En algunes de les seues òperes, utilitza aquest plantejament que potencia el collage i una dramatúrgia reflexiva i crítica, no pas una narració melodramàtica, com és l’habitual.

Beat Furrer, un compositor viu actualment, també és molt destacat en el camp operístic i, en algunes òperes, utilitza aquest plantejament.

No obstant això, també he pres i he estudiat en la meua òpera referents clàssics, com ara algunes òperes de Wagner (especialment el “Tristan und Isolde” i la tetralogia), Puccini (sobretot “Tosca”) i Alban Berg (que fa un ús pioner del cine en “Lulú” i les tècniques de “muntatge musical” en “Wozzeck”).

Què has potenciat  en la teua òpera?

La ruptura de la causalitat narrativa, el muntatge i l’obertura de tots els elements amb una lectura ambigua i no reductiva (com sol ser l’habitual).

El tema del cinema és fonamental. Concretament, l’he considerada òpera-cine, ja que ambdues disciplines es combinen en termes d’igualtat i es retroalimenten. La projecció d’imatges a l’escenari és un altre protagonista i no està supeditat al llibret ni és una il·lustració efectista, com sol ocórrer. El cinema amb la seua estructura quant al muntatge en potencia també el musical mitjançant la inclusió de nombroses cites del repertori operístic dins de la composició. A més a més, en comptes de crear un desenvolupament orgànic i narratiu del sons, solc utilitzar una estratègia contrària: els sons “topen” entre ells i generen situacions de canvis bruscos que trenquen la “comoditat habitual” del públic a fi que es posicione com a espectador de manera activa i reflexiva davant una de passiva i contemplativa.

Què tens en preparació? 

Ara mateix, estic treballant en una obra per a clarinet i electrònica anomenada “Hurlements en faveur de Sade, parce que le cri est mon esprit”.  La primera part del títol fa referència a una obra cinematogràfica de Guy Debord que és sonorament citada en l’electrònica. La segona part  correspon al material sonor principal de la composició, que és el crit. Per això son citades també referències sonores d’Artaud i Henri Chopin.

També estic  acabant un llargmetratge titulat “Temps i espai” amb el pintor Josep-Marí Gómez Lozano, a qui he filmat durant anys repintat un quadre de Vicente Gómez García per a l’exposició “La Casa de Ciutat i el Bon Govern”, en la Sala d’Exposicions de l’Ajuntament de València.

Com poden connectar els nostres lectors amb tu?  

En Internet hi ha unes quantes obres meues, sobretot musicals, com ara YouTube. Però, sobretot, en el meu compte en Soundcloud: https://soundcloud.com/joan-g-mez

Descripción de ESTRICTAMENT CONFIDENCIAL - Joan Gomez Alemany músico y artista . 03/07/2022

Pepa Úbeda, estrictament confidencial

Entrevista al artista multidisciplinar JOAN GOMEZ ALEMANY (Valencia, 1990). A pesar de su juventud, estrenó el 24 de mayo de 2022 una innovadora ópera en Graz (Austria). Nuestro entrevistado cuenta con un prolífico historial creativo: está especializado en música y artes visuales. Es licenciado en BBAA por la Universidad Politécnica de Valencia, graduado en piano por el Conservatorio del Liceo de Barcelona y graduado en composición por la Kunst Universität Graz de Austria, donde realizó dos másteres, uno en composición y otro en ópera. En la actualidad está doctorándose sobre el tema la interdisciplinariedad artística por la UPV.

Joan Gómez Alemany: "Diverses de les obres del meu disc estan fetes amb un so que s'esculpeix"

Assaig General_Catalunya Ràdio, 07/10/2022

El compositor valencià de 32 anys Joan Gómez Alemany ens ha presentat el seu nou disc, "7 works for chamber music and ensemble", que ha publicat Liquen Records. Conté set composicions de cambra seves, interpretades per diferents grups i formacions de música de cambra: l'Arditti Quartet; l'Ensemble Multilaterale, dirigit per Léo Warynski; el Schallfeld Ensemble, dirigit per Leonhard Garms; el BCN 216, dirigit per Francesc Prat; el Shifter Ensemble, i l'Ensemble Contenidor. Gómez Alemany combina la creació musical amb les arts plàstiques i el cinema, en diàleg continu, i també amb l'escriptura d'assaigs i crítica, sobretot sobre música i art.
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RUIZ DEL PUERTO. Camins de corda i fusta

Camins de corda i fusta. José Luis Ruiz del Puerto (guitarra). València: LIQUEN RECORDS. DL: V-3182-2021 — LRCD020. PVP: 18€

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NOTES DEL DISC

[CAT] Parlar de guitarra és parlar inevitablement d’un dels tresors patrimonials més excel·lents de la cultura valenciana. Negar o desconéixer aqueixa evidència és negar bona part de la millor cultura musical d’aquesta terra. Ningú com el poble valencià ha cultivat i potenciat l’art de la corda premuda al llarg de la història. Allunyats estem dels temps en els quals el mestre Lluís Milà, allà pel segle XVI, prestigiava amb el seu talent creador en la cort del Duc de Calàbria, a la viola de mà, instrument que forma part de la històrica família de la guitarra i és la seua més brillant antecessora en el temps.

Des d’aquell segle fins als nostres dies, de manera assossegada però contínua, la guitarra ha sigut un instrument que, a València i en el seu llarg caminar, han succeït alguns dels esdeveniments més importants de la seua història. Potser el més important era el naixement en 1852 a Vila-real (Castelló) de Francesc Tàrrega Eixea. El seu humil entorn familiar no presagiava que seria el vertader representant de la moderna escola de la guitarra, la qual cosa alguns teòrics han vingut a qualificar com a «pare de la guitarra moderna».

La seua importància és vital en la història de la guitarra, no sols pel seu exemple interpretatiu, sinó pels avanços tècnics i riquesa musical que representen les seues obres i transcripcions i per haver sabut guanyar-se el prestigi i admiració d’un grup d’excel·lents alumnes que, seguint els seus ensenyaments, van formar en el seu conjunt la millor escola moderna d’aquest instrument i gràcies a ells, principalment, va passar a ocupar un primer pla en el segle XX, època en la qual va viure, sens dubte, el seu vertader segle d’or.

Compositors valencians universals com Joaquín Rodrigo van ser decisius per a afermar definitivament la fama i difusió internacional de la guitarra per tot el món. L’inspirat i conegudíssim Concert d’Aranjuez és una de les obres més interpretades de la música clàssica de tots els temps, per damunt fins i tot de grans noms com Mozart o Beethoven. Altres històrics creadors valencians com Vicente Asencio, Manuel Palau, Oscar Esplá o Eduardo López Chavarri van dedicar pàgines molt importants a la guitarra. Mestres internacionals com el que va ser deixeble directe d’Andrés Segòvia: José Tomás, catedràtic del Conservatori Superior de Música d’Alacant o el Mestre José Luis González a Alcoi, van ser vertaders centres neuràlgics de l’ensenyament de la guitarra i van atraure a guitarristes de tot el món a la recerca dels seus ensenyaments.

També cal ressaltar que el País Valencià és el lloc amb el major nombre d’artesans i empreses dedicades a la construcció de guitarres; bressol de nombroses orquestres de guitarra i rondalles; una de les quals ofereixen una major oferta cultural quant a festivals i esdeveniments relacionats amb ella; la que acull l’única empresa autòctona que fabrica cordes especifiques per a la guitarra o la que gaudeix de l’associació guitarrística més antiga d’Europa, que recentment ha complit el seu 70 Aniversari: Amics de la Guitarra de València. La vena creadora mediterrània no ha parat d’augmentar el repertori guitarrístic i el nombre d’intèrprets i estudiants que es dediquen musicalment a aquesta disciplina instrumental és enorme en tot el territori valencià.

Entre la generació de concertistes de guitarra del nostre entorn destaca la figura de José Luis Ruiz del Puerto, valencià d’adopció i formació musical. Va estudiar a València i es va perfeccionar a Alacant, París i Salzburg amb grans mestres que van anar polint no sols la seua tècnica instrumental, sinó el seu refinat gust musical. El compositor Francisco Llácer Pla, que li va impartir durant anys classes d’anàlisi musical i tècniques de composició, li va descobrir no sols als grans polifonistes o principals autors barrocs i clàssics, sinó, i sobretot, als compositors contemporanis que amb el seu llegat creatiu van apostar per la modernitat, per l’experimentació i l’evolució musical. D’aquesta manera, Ruiz del Puerto, atret i apassionat per la contemporaneïtat, va començar a dedicar el seu treball artístic a la interpretació de la música actual. Va contactar amb molts compositors als quals va anar incitant a compondre obres per a guitarra, va crear diverses col·leccions de guitarra contemporània dedicades a Francesc Tàrrega, Federico García Lorca o Andrés Segòvia i la Col·lecció de Guitarra Contemporània Espanyola, que forma part del prestigiós Concurs Internacional de Guitarra Alhambra. La Col·lecció per a guitarra Sons de Dona és la seua última aposta, en aquest cas dedicada a la creació musical de dones compositores.

Aquesta àmplia dedicació es veu reflectida en les més de quaranta obres per a guitarra sola, els sis concerts per a guitarra i orquestra o les diverses obres cambrístiques que ha estrenat d’autors espanyols, amb els quals ha pogut treballar directament en la interpretació de les seues creacions musicals.

L’ampli bagatge i dedicació artística que representa tot això li ha valgut, per exemple, perquè la prestigiosa revista anglesa Clasical Guitar li qualificara com «un vertader ambaixador cultura espanyol».

El 16 de desembre de 1981, Ruiz del Puerto va realitzar el seu primer concert públic en la localitat valenciana de Benetússer. Inevitable era, doncs, que dissenyara algun projecte que marcara aqueixos quaranta anys d’activitat en els escenaris que es compleixen en aquest 2021.

El present CD naix precisament d’aquesta idea i en ell s’inclouen alguns dels autors valencians més pròxims que han influït en el seu discórrer musical com ara Vicent Garcés Queralt, Francisco Llácer Pla, Mariángeles Sánchez Benimeli, Ramón Ramos, José Antonio Orts, Enrique Sanz Burguete, Emilio Calandín, Claudia Montero, Vicente Roncero i el propi Ruiz del Puerto.

No pretén ser un registre discogràfic commemoratiu, sinó un repàs històric, un destacar la memòria musical d’anys dedicats a la nova creació i, molt especialment, un profund agraïment als autors que, amb les seues obres, han enriquit enormement el repertori guitarrístic del nostre temps.

El disc fa un recorregut per alguns enregistraments que Ruiz del Puerto ha realitzat al llarg dels anys i també obres gravades especialment per a aquest projecte. Recull alguns enregistraments en primícia mundial com els Tres preludis de Ramón Ramos o el Tiento de Ruiz del Puerto i aporta nova difusió a la Cançó i Dansa de Vicent Garcés, autor pertanyent al denominat Grup dels Cinc, creat en 1934 i integrat també per Lluís Sánchez, Emili Valdés, Ricard Olmos i Vicent Asencio, compositors que aspiraven a «la realització d’un art musical valencià vigorós i ric a l’existència d’una escola valenciana fecunda i múltiple».

Segons paraules del propi intèrpret: «Aquest CD és un repàs a través de la meua trajectòria artística, dedicada especialment a la nova creació. Un agraïment a l’amistat i a l’aprenentatge que l’estudi de les obres, i les converses amb els autors, m’ha aportat a la meua sensibilitat i ha suposat, en el seu conjunt, el millor regal musical que crec que pot rebre un intèrpret».

 

José Luis Ruiz del Puerto és considerat des de fa anys un dels més ferms valors del panorama guitarrístic contemporani espanyol. La seua àmplia i singular dedicació a la difusió de la música espanyola li ha valgut el reconeixement internacional arribant fins i tot a aconseguir que la prestigiosa revista especialitzada anglesa Classical Guitar diguera d’ell: «És un vertader ambaixador cultural espanyol».

Ha actuat a Espanya, Mèxic, França, Suïssa, Bèlgica, Itàlia, Àustria, Romania, Anglaterra, Portugal, Irlanda, Alemanya, Slovakia, Turquia, Rússia i el Marroc, participant en importants festivals i auditoris, rebent sempre un gran acolliment de públic i crítica:

Les virtuoses obres dedicades a Lorca van ser interpretades amb una musicalitat i una tècnica excepcional (Akustik Gitarre).

Labor encomiable de Ruiz del Puerto que ens convenç des de la lírica i bellíssima “El bon amor” amb què comença el recital (Revista Scherzo).

Sorprèn la neteja d’execució i el bell so de Ruiz del Puerto (Revista Ritmo).

Les versions són excel·lents. El guitarrista Ruiz del Puerto posseeix un so i una neteja d’execució envejables (Revista CD Compact).

La figura del compositor Llácer Pla, amb el qual va estudiar anàlisi musical i tècniques de composició, va exercir una notable influència en el seu desenvolupament estètic i musical i va despertar el seu interès cap a la música contemporània.

En aquest terreny ha collit importants èxits sent, des del principi de la seua carrera professional, pioner i un actiu promotor de la creació de nous repertoris per a la guitarra, treballant amb els més destacats compositors del nostre país, sol·licitant-los obres que han enriquit de manera notable el catàleg guitarrístic actual.

Ha realitzat l’estrena absoluta de més de 40 obres per a guitarra sola, 6 concerts com a solista amb orquestra i diverses obres cambrístiques de compositors espanyols contemporanis, havent realitzat també el primer enregistrament de moltes d’elles.

Al novembre de 2017 va estrenar en el Palau de la Música de València, al costat de l’Orquestra de València i Virgínia Martínez com a directora, el concert de Claudia Montero: Llums i Ombres, guardonat amb un Grammy Llatí. A més ha treballat al costat de directors com Enrique García Asencio, Manuel Galduf o Sergio Alapont.

Va nàixer a la província de Còrdova i va estudiar guitarra en el Conservatori Superior de Música de València amb Mª Ángeles Abad i Mª Rosa Gil Bosque amb qui va finalitzar brillantment la carrera. Va perfeccionar els seus estudis a Alacant, París i Salzburg amb José Tomás, Alberto Ponce i Eliot Fisk, respectivament. També ha rebut masterclass de mestres i concertistes com David Russell, Leo Brouwer, José Miguel Moreno o Manuel Barrueco.

Ha gravat per a la ràdio i televisió romanesa, RNE, EGT, IVC, Columna Música i Ars Harmonica. Té editat, en el segell discogràfic Columna Música, un Cd dedicat a la música per a guitarra i veu i guitarra de Miguel Asins Arbó i en el segell Ars Harmonica, un Cd: 75é Aniversari de F. García Lorca. La mirada contemporània, amb obres contemporànies per a guitarra sola dedicades al poeta granadí. Recentment ha aparegut en el segell mexicà Tempus Clàssic el seu últim CD: «Sonidos de Mujer» dedicat a la creació musical femenina amb diverses primícies mundials.

Actualment, és també docent del Departament de Guitarra del Conservatori José Iturbi, de València.

Ruiz del Puerto toca amb una Guitarra Alhambra model José Miguel Moreno i entenimentades Sonata Forté de RC Strings. 

Producció: Josep Lluís Galiana

Enregistrament i postproducció: Julio Valdeolmillos (Shark Estudios)

Disseny gráfic: Carmina Andrés

Amb el suport de

I la col·laboració de Guitarras Alhambra

Relació d’obres

  1. Acusmática, d’Enrique Sanz Burguete (9:19)
  2. Meditación, de José Antonio Orts (7:04)
  3. Elegía y Danza. Elegía, de Vicente Roncero (5:45)
  4. Elegía y Danza. Danza, de Vicente Roncero (4:08)
  5. Tres preludis, de Ramón Ramos (2:59)
  6. Cançó i Dansa, de Vicent Garcés Queralt (3:23)
  7. Suite Melódica. Introducción, de Mariángeles Sánchez Benimeli (1:29)
  8. Suite Melódica. Canto-Llamada, de Mariángeles Sánchez Benimeli (3:41)
  9. Tres Colores Porteños. I. Azul, de Claudia Montero (3:24)
  10. Tres Colores Porteños. II. Gris, de Claudia Montero (3:01)
  11. Tres Colores Porteños. I. Rojo, de Claudia Montero (4:24)
  12. Simbolismos. Seis Poemas Nocturnos. Silencio, d’Emilio Calandín (0:42)
  13. Simbolismos. Seis Poemas Nocturnos. El Grito, d’Emilio Calandín (1:28)
  14. Simbolismos. Seis Poemas Nocturnos. Camino, d’Emilio Calandín (2:16)
  15. Simbolismos. Seis Poemas Nocturnos. Danza, d’Emilio Calandín (2:24)
  16. Simbolismos. Seis Poemas Nocturnos. Noche, d’Emilio Calandín (2:27)
  17. Simbolismos. Seis Poemas Nocturnos. Las Seis Cuerdas, d’Emilio Calandín (1:07)
  18. Come Ouverture Alla Italiana, de Francisco Llácer Pla (10:04)
  19. Tiento, de José Luis Ruiz del Puerto (7:28)

CAMINS DE CORDA I FUSTA es pot escoltar en las principals plataformes digitals i en el bandcamp de Liquen Records

https://liquenrecords.bandcamp.com/album/camins-de-corda-i-fusta

 

[CAST] Hablar de la guitarra es hablar inevitablemente de uno de los tesoros patrimoniales más excelentes de la cultura musical valenciana, el cual queda reflejado en nombres como Tárrega, Rodrigo, Asencio, Palau, Esplá, Chavarri, José Tomás o José Luis González, compositores y maestros que dejaron extraordinarios testigos y páginas memorables para la historia de la guitarra.

Entre la generación de concertistas de nuestro entorno destaca la figura de Ruiz del Puerto, valenciano de adopción y formación musical, que ha desarrollado una anchísima carrera artística, destacando especialmente en la investigación e interpretación de nuevos repertorios.

Ha estrenado más de cuarenta obras para guitarra sola, seis conciertos para guitarra y orquesta y varias obras camerísticas de autores españoles, con los cuales ha podido trabajar personalmente en la interpretación de sus creaciones musicales.

Ahora que se cumple el 40 cumpleaños de su carrera artística nace este disco, no solo con la pretensión de ser un registro discográfico conmemorativo, sino un repaso histórico, destacando la memoria musical de años dedicados a la nueva creación y, muy especialmente, a un grupo de compositores valencianos que, con sus obras, han enriquecido enormemente el repertorio guitarrístico de nuestro tiempo. Camins de corda i fusta recoge obras originales de los más representativos autores valencianos del siglo XX como Sanz Burguete, Orts, Garcés Queralt, Llácer Pla, Roncero, Calandín, las compositoras Claudia Montero y Mariángeles Sánchez Benimeli, y una obra del propio Ruiz del Puerto, Tiento, que junto a la de Ramón Ramos, Tres preludios, conocen en este álbum su primera grabación.

En palabras de Ruiz del Puerto, «este disco es un agradecimiento a la amistad y al aprendizaje que el estudio de las obras y las conversaciones con sus autores han aportado a mi sensibilidad y ha supuesto, en su conjunto, el mejor regalo musical que todo intérprete puede desear y recibir».

José Luis Ruiz del Puerto es considerado desde hace años uno de los más firmes valores del panorama guitarrístico contemporáneo español. Su amplia y singular dedicación a la difusión de la música española le ha valido el reconocimiento internacional llegando incluso a conseguir que la prestigiosa revista especializada inglesa Classical Guitar dijera de él: «Es un verdadero embajador cultural español».

Ha actuado en España, México, Francia, Suiza, Bélgica, Italia, Austria, Rumanía, Inglaterra, Portugal, Irlanda, Alemania, Slovakia, Turquía, Rusia y Marruecos, participando en importantes festivales y auditorios, recibiendo siempre una gran acogida de público y crítica:

Las virtuosas obras dedicadas a Lorca fueron interpretadas con una musicalidad y una técnica excepcional (Akustik Gitarre).

Labor encomiable de Ruiz del Puerto que nos convence desde la lírica y bellísima “El buen amor” con que empieza el recital (Revista Scherzo).

Sorprende la limpieza de ejecución y el bello sonido de Ruiz del Puerto (Revista Ritmo).

Las versiones son excelentes. El guitarrista Ruiz del Puerto posee un sonido y una limpieza de ejecución envidiables (Revista CD Compact).

La figura del compositor Llácer Pla, con el cual estudió análisis musical y técnicas de composición, ejerció una notable influencia en su desarrollo estético y musical y despertó su interés hacia la música contemporánea.

En este terreno ha cosechado importantes éxitos siendo, desde el principio de su carrera profesional, pionero y un activo promotor de la creación de nuevos repertorios para la guitarra, trabajando con los más destacados compositores de nuestro país, solicitándolos obras que han enriquecido de manera notable el catálogo guitarrístico actual.

Ha realizado el estreno absoluto de más de 40 obras para guitarra sola, 6 conciertos como solista con orquesta y varias obras camerísticas de compositores españoles contemporáneos, habiendo realizado también la primera grabación de muchas de ellas.

En noviembre de 2017 estrenó en el Palau de la Música de València, junto a la Orquesta de València y Virgínia Martínez como directora, el concierto de Claudia Montero, Luces y Sombras, galardonado con un Grammy Latino. Asimismo, ha trabajado junto a directores como Enrique García Asencio, Manuel Galduf o Sergio Alapont.

Nació en la provincia de Córdoba y estudió guitarra en el Conservatorio Superior de Música de Valencia con Mª Ángeles Abad y Mª Rosa Gil Bosque con quien finalizó brillantemente la carrera. Perfeccionó sus estudios en Alicante, París y Salzburgo con José Tomás, Alberto Ponce y Eliot Fisk, respectivamente. También ha recibido clases magistrales de maestros y concertistas como David Russell, Leo Brouwer, José Miguel Moreno o Manuel Barrueco.

Ha grabado para la radio y televisión rumana, RNE, EGT, IVC, Columna Música, Ars Harmonica y Liquen Records. Tiene editado, en el sello discográfico Columna Música, un CD dedicado a la música para guitarra y voz y guitarra de Miguel Asins Arbó y, en Ars Harmonica, el CD 75º Cumpleaños de F. García Lorca. La mirada contemporánea, con obras contemporáneas para guitarra sola dedicadas al poeta granadino. Recientemente ha aparecido en el sello mexicano Tempus Clásico su CD Sonidos de Mujer, dedicado a la creación musical femenina con varias primicias mundiales.

Actualmente, es docente del Departamento de Guitarra del Conservatorio José Iturbi, de Valencia.

Ruiz del Puerto toca con una Guitarra Alhambra modelo José Miguel Moreno y cuerdas Sonata Forté de RC Strings.

DOSIER DE PRENSA 

Parlem del videoclip ‘Granaïna 2.0’ de Tesa, entrevistem el psicòleg especialitzat en artistes musicals Guillermo Dalia, repassem la trajectòria del mític grup Orxata Sound System, i coneixem el treball ‘Camins de corda i fusta’ de l’artista José Luis Ruiz del Puerto.

Con su disco, “Camins de corda i fusta”, publicado en Liquen Records y producido por Josep Lluís Galiana, celebra sus 40 años en la música

María Vicenta Porcar, Plaza Radio_99.9, 3 febrero de 2022

Recibir esta noche a José Luis Ruiz del Puerto, concertista de guitarra, ha sido todo un placer. En sus palabras hemos percibido la voz de un poeta que eligió ser guitarrista al escuchar tocar este instrumento a su primo, cuando venía de Francia. Nos ha hablado con amor, de cómo ha surgido el disco que acaba de publicar en Liquen Records, el sello de Josep Lluís Galiana, ese artista inclasificable salvo que le califiquemos de “hombre del Renacimiento”, que ha sido, además, el productor de este álbum exquisito de principio a fin, incluido el título elegido: “Camins de corda i fusta”, caminos de cuerda y madera, los materiales de  los que está hecha una guitarra. Un disco en el que, José Luis Ruiz del Puerto, hace un homenaje a los algunos de los compositores valencianos que han influido en su carrera y celebra los 40 años de la misma.

Ruiz el Puerto es uno de los más reconocidos intérpretes del panorama guitarrístico contemporáneo español. Ha actuado con gran éxito en festivales y auditorios de Europa y América. La crítica destaca su versatilidad y pluralidad estética, la limpieza de su sonido, su musicalidad y técnica excepcional. Es director Artístico de las Jornadas Internacionales de Guitarra de Valencia y del Concurso Internacional de Guitarra Alhambra. Como docente, es profesor en el Conservatorio José Iturbi de Valencia e imparte master class y conferencias sobre guitarra contemporánea.

Para cerrar la entrevista ha interpretado la deliciosa obra, “La noche”, de Emilio Calandín, inspirada el poema de Lorca del mismo nombre, y `Rojo´, de “Tres colores porteños”, de la añorada compositora argentina, Claudia Montero. Una exquisitez de interpretación. Ya estamos deseando que vuelva para escucharle hablar e interpretar a la guitarra con “una musicalidad y una técnica excepcional”.

Memoria viva de la guitarra actual

Miguel Ángel Pérez Martín, docenotas.com, 17/01/2022

José Luis Ruiz del Puerto: Camins de Corda i Fusta. José Luis Ruiz del Puerto, guitarra. Edita liquen Records, Valencia 2021

Estamos ante uno de esos discos sobre los que no comienzo a escribir con solo tres o cuatro escuchas. Lleva sonando en mi casa una semana a diario.

Ruiz del Puerto es un gran intérprete de guitarra, cordobés educado musicalmente en Valencia, Alicante, París y Salzburgo. Conocedor de la gran tradición guitarrística de esa tierra: Tárrega, Rodrigo, Llácer y tantos otros. Se ha especializado en la guitarra contemporánea de la que conoce toda su potencialidad, desde la calidez lírica al ruido y la percusión, pasando por paisajes atonales y repetitivos.

El disco discurre por estos “camins”, unos tranquilos y otros más convulsos y desasosegados. En su haber está el estreno de más de cuarenta obras actuales para guitarra.

La nómina de compositores es inmensa: Enrique Sanz Burguete, José Antonio Orts, Vicente Roncero, Ramón Ramos, Vicent Garcés Queralt, Mariángeles Sánchez Benimeli, Claudia montero, Emilio Calandín –trabajo de piano ya revisado en estas páginas– Francisco Llácer Pla y el propio Ruiz del Puerto.

Todos los temas tienen una personalidad enorme, propia. Imposible compararles y mucho menos establecer un ranking, son como los paisajes de todo un continente.

En el momento que escribo esto hay tres que me han llegado especialmente: Acusmática de Sanz Burguete, Rojo de Claudia Montero y la serie completa Simbolismos: Seis poemas nocturnos por el uso de la “guitarra expandida y preparada”…un instrumento percusivo y melódico por igual, como puedo comprobar por mi afición a tañer las distintas formas históricas de este instrumento. Mañana serán otros, seguro. El disco termina con un homenaje propio al maestro Llácer, Tiento. Bien traído.

Un disco lleno de ideas, es un placer enorme escucharlo en toda su amplitud sonora en el equipo de sonido y no a través de un ordenador como es costumbre ahora.

Una nota final: ¿Cómo es posible que un proyecto de este calado artístico no tenga su recorrido en conciertos por, al menos, los conservatorios superiores de España? ¿Tanto hemos retrocedido?

Muy recomendable. Si no lo tiene su tienda de discos habitual ya sabe: liquenrecords.com y a disfrutar.

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LA PAELLA SÒNICA. Una creació multidisciplinar d’Adolf Murillo

LA PAELLA SÒNICA. Una creació multidisciplinar d’Adolf Murillo. València: LIQUEN RECORDS. DL: V-3452-2019 — LRDVD014. PVP: 20€

Gastos de envío incluidos para España / Shipping costs included for Spain; para el resto del mundo, consulte coste de envío / for the rest of the world, chek shipping cost; otros métodos de pago / other payment methods. Contacto / Contact: liquenrecords@liquenrecords.com

La paella sònica. Creació multidisciplinar i col·laborativa

El diumenge, 20 d’octubre de 2019, al Centre Cultural de Canals (València) es va gaudir molt en els assajos i en l’estrena de la proposta multidisciplinar «La Paella Sònica», de l’artista i pedagog valencià Adolf Murillo i Ribes. Amb un públic atent i encuriosit s’explicà al debat posterior al concert que, sens dubte, una escolta acurada, detallista i ben entrenada ens permet traslladar-nos cap altres territoris de la sensibilitat i connectar la nostra imaginació d’una forma totalment sinestèsica.

Aquest exercici d’escolta, la cerimònia de germanor que implica menjar paella i les converses amb el nostre estimat escriptor Josep Piera al voltant de la seua darrera obra «El llibre daurat, la història de la paella com no s’ha contat mai», van ser el detonant d’aquesta proposta artística fronterera i atrapada en una partitura poc convencional plena de formes que ens recorden sovint a certs elements que intervenen en l’acte de cuinar la paella i per altres moments a un quadre abstracte que uneix colors i traços amb l’única intenció d’estimular la imaginació sonora dels músics.

Colps de perols i objectes de cuina als preparatius; sons curts, granularitats, al sofregit; xup-xup de l’aigua i clímax sonor, al bull, i delicades i orgàniques sonoritats, al remat, conformen les quatre parts d’aquesta creació sonora on, a més a més, es combinen imatges de l’acte de fer la paella i una posada en escena marcada pel set de percussió que representa una cuina en la seua màxima extensió.

Als fogons Sònics: Joan Soriano (percussions), Rosa Soler (flautes), Josep Lluís Galiana (saxofons i producció), Pere Vicalet (visuals i mastering), Adolf Murillo (live electrònic) i arrodonint l’equip Giannino Clemente (electrònica, enregistrament i mescla de so) i Àlex Garzó (direcció i producció audiovisual). “La Paella Sònica” ens porta a un viatge sonor a través d’una estructura inspirada en els moments claus de la realització d’una paella: preparatius, sofregit, bull i remat.

En la seua concepció conceptual aquesta peça sonora explora elements subjectius que conformen part del ritus o cerimònia de cuinar i menjar una paella i una mirada més objectiva que explora les possibilitats sonores.

LA PAELLA SÒNICA

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El poeta i escriptor valencià Josep Piera

LA PAELLA VALENCIANA

Per als valencians, la paella no és únicament un plat saborós i tradicional que desperta els sentits i captiva el paladar; és més que això: és un menjar de festa, un ritual social, i un provocador de memòries i sensacions col·lectives. Per això, se l’ha convertit en un senyal identitari, en una metàfora feliç.

La paella valenciana convoca a la festa col·lectiva, a compartir la joia de viure, per això sovint va unida a la música, siga la d’una banda que crida al comboi festiu, la d’un acordió que convoca el ball i la dansa o desperta cançons, siga la d’un aparell que reprodueix melodies com si es tractara de la banda sonora del festí paeller.

La paella valenciana, per tant, és molt més que un plat suculent i vistós que es presenta a taula per a satisfer la gana dels comensals. Això ho sabem ben rebé tots aquells que n’hem menjat i viscut en celebracions familiars (bodes, batejos, etc.), en combois amicals al camp o a la mar (les paelles de pasqua, les eixides a la mar d’estiu… i també, clar, en altres tipus de reunions socials, com actes polítics, àpats de negocis, menjars amorosos…

Vull dir que la paella és una obra d’art efímer, una obra que ens convoca a gaudir de la vida, que ens permet sentir l’exaltació del present, com ho fa la música, per exemple; un pot ser-ne el guisador-paeller, l’artista que interpreta la peça, mentre els altres en són els gaudidors, els destinataris del treball de l’artista, els que regalen sentit i raó al treball artístic.

Per tot això, i per història, per tradició, per gust, la paella valenciana mereix ser coneguda en tota la seua amplitud de sentits. És un plat feliç, una joia gastronòmica, un ritu antropològic, una festa. I més. Molt més.

Josep Piera

FITXA ARTÍSTICA

Creació multidisciplinar d’ADOLF MURILLO

Direcció i producció audiovisual d’ÀLEX GARZÓ

Flautes: ROSA SOLER
Saxofons: JOSEP LLUÍS GALIANA
Percussions: JOAN SORIANO
Vídeo: PERE VICALET
Electròniques: ADOLF MURILLO i GIANNINO CLEMENTE

La Paella Sònica_digipack

FITXA TÈCNICA

Durada: 43:09 · Picture Format: Mpeg-2 · Aspect Ratio: 16:9 · Menu Screens: 1 · Disc Formats: DVD-5 · Audio Format: PCM · Subtítols: castellà i anglès
© 2019 Liquen Records
DL: V-3452-2019
ISAN 0000-0005-8F12-0000-D-0000-0000-Z

LA PAELLA SÒNICA al HOSTES 2021

Teatre Raval de Gandia (València)

Dissabte, 30 de gener de 2021

Flautes: Rosa Soler

Saxofons: Josep Lluís Galiana

Percussions: Joan Soriano

Vídeo: Pere Vicalet

Electròniques: Adolf Murillo

Realització del vídeo: Suso Melo (Impacto Music)

Tècnic de so: Josep Maravilla

 

LA PAELLA SÒNICA. Una creació multidisciplinar d’Adolf Murillo València: LIQUEN RECORDS. DL: V-3452-2019 · LRDVD014

DOSSIER DE PREMSA

Article d'opinió del poeta valencià Josep Piera al diari Levante-EMV, 12 de gener de 2020.
Article d'Adolf Murillo publicat al periòdic lasBandas, febrer de 2020

LA PAELLA SÒNICA. L’UNIVERS SONOR DE LA PAELLA

Segurament estarem d’acord que un dels trets que ens defineix com a valencians és eixa filosofia tan nostra del pensat i fet i que ens porta a desafiar qualsevol tipus de repte que ens proposem.

Així doncs, beneïts per un mestre de les paraules com es l’escriptor i poeta Josep Piera, al comboi d’una paella i una bona conversa, dissenyàrem aquest projecte de La Paella Sònica.

Poques setmanes després del comboi i amb una xicoteta ajuda de l’Institut Valencià de Cultura teníem ja els ingredients per tirar endavant el projecte.

Un grup de músics conformat per Josep Lluís Galiana, als saxos; Pere Vicalet, als visuals; Rosa Soler, a les flautes; Joan Soriano, a la percussió, i jo mateix, fent l’electrònica en viu, donàrem forma sonora i enregistràrem un DVD en un concert al Centre Cultural Papa Calixte III, de Canals, junt al tècnic de so Giannino Clemente i el documentalista audiovisual i escriptor Àlex Garzó.

Si entrem als preparatius, tal vegada a més d’una persona, el nom de paella sònica li sonarà una mena de broma graciosa o, potser, una extravagància de músics i creadors d’aquests anomenats moderns. Si li afegim que ni té partitura, almenys de les convencionals, qualsevol oient poc acostumat li pot suposar un autèntic galimaties.

Hi trobe tantes relacions amb els processos creatius de la creació musical amb l’escriptura literària, la cuina que plantejar aquesta situació i forçar els límits de la imaginació a través del diàleg dels llenguatges ha estat una vegada més un desbordar de sorpreses i sobretot la possibilitat de recórrer un espai d’experiències que ens reconcilien amb la creativitat.

Repensar sobre les sonoritats quotidianes com ha estat el fet d’escoltar la paella, el nostre plat més universal, es pot convertir en un exercici d’introspecció auditiva i imaginativa que ens apropa a uns universos sonors fascinants.

Hem tingut que desenvolupar la sensibilitat per trobar les connexions i les possibilitats plàstiques del so. Rebuscar a les zones frontereres, escoltar-nos i descobrir-nos sonorament i visualment els músics, pensar i posar per davant el plaer artístic, a costa de no ser compresos o acceptats com ho són altres estils i músiques socialment acceptades. Per no parlar d’altres formes de risc a les quals malauradament la consciència cultural d’aquest país ens afegeix.

I és que vivim en la societat d’allò ràpid, allò viscut en càpsules o píndoles que altres dissenyen per ser consumides in fast moment, segons Steiner:

«Els usos i valors predominants en les societats de consum d’Occident són avui els oposats dels existents a la imaginària comunitat de l’immediat. Abunda el secundari i el parasitari. La humanitat instruïda es veu abordada diàriament per milions de paraules, impreses, emeses per ràdio o televisió, que al·ludeixen a llibres que mai s’obriran, música que mai s’escoltarà, obres d’art sobre les quals mai es posarà mirada alguna. Un perpetu murmuri de comentaris estètics, judicis improvisats i pontificacions enllaunades omplen l’aire. És de suposar que la major part del discurs artístic o del reportatge literari, de les ressenyes musicals o de la crítica de ballet es fulleja més que es llegeix, se sent més que s’escolta.»

N’estic cada vegada més convençut de que crear, i si és de forma col·lectiva millor,  és una de les formes de sentir-nos més vius i connectats a la vida. Sovint massa vegades nosaltres els músics i altres especies d’artistes hem estat subjectes a regles i prohibicions que durant anys han anant modelant-nos i fent-nos éssers rígids, amb respostes quasi a presses, que ens deixen poc marge per poder jugar, experimentar y explorar noves possibilitats, amb la nostra matèria primera: el so.

El que tenim molt clar és que l’art ens pot apropar a experiències humanes que difícilment podem aconseguir des d’altres territoris del coneixement.

En aquesta experiència sonora-visual de La Paella Sònica aquesta necessitat d’alliberament, moure’ns als límits de les normes, del trencament amb allò convencional, potser, ha estat el denominador comú, de les ànimes que compartirem taula-escenari per jugar a fer sons.

Sincerament, no m’agrada massa revelar amb explicacions prèvies quines han estat les formules, girs, convencions, consensos, decisions, intuïcions, que han estat el fet determinant que ens ha dut a una acció inspiradora, però, davant d’aquest text revelador de Steiner, he de reconèixer que al calor de les brases enceses del concert on els sentiments i les impressions estan tan a flor de pell és molt més senzill connectar amb el públic i compartir i fer la nostra experiència, també seua.

La música contemporània està en moltes ocasions òrfena de propostes pedagògiques que faciliten als nouvinguts de l’art sonor contemporani a desenvolupar noves actituds i escoltes davant processos de creació. Aquesta conversa entre públic i músics ens fa sincronitzar la sensibilitat humana i va obrir un nou pont per la compressió i acceptació d’aquestes músiques, sovint, marginals.

En La Paella Sònica, escoltar o veure, o les dues coses al mateix temps, suposen endinsar-se en un experiència sinestèsica, i sens dubte, és una clara invitació a abandonar-nos a un exercici d’escolta inusual si tenim en compte el poc temps que dediquem a escoltar allò que ens envolta i fins i tot a escoltar-nos. Les tendències fast d’aquesta societat de consum aporten experiències encapsulades de ràpida digestió. I és que la cultura cada cop es xopa d’eixes formes comercials que ens venen experiències extrasensorials en un tancar d’ulls.

Així doncs, escoltar i participar de La Paella Sònica és descobrir en primera persona un territori sonor que com deia el públic que ens va escoltar per primera vegada a Canals: «potser mai hauria escoltat o pensat sobre el so d’una paella de no ser per aquesta proposta sònica». Podreu imaginar ara mateix quan territoris ens queden per descobrir i compartir. Potser plantejar-nos noves escoltes de situacions quotidianes que no mai havíem pensat resulta ser un exercici d’allò senzill i sanador que ens reconcilia amb un temps de quietud i reflexió.

Informació publicada al periòdic lasBandas, gener de 2020

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