Joan GÓMEZ ALEMANY & Josep Lluís GALIANA: Interaccions sonores 2.0. València: LIQUEN RECORDS • DL: V-3760-2024 • LRCD033: PVP: 20€
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Interaccions sonores 2.0 i la dissolució contínua de fronteres
Una música que no està tancada, sinó sempre en contínua evolució, una música on no és possible esbrinar què és improvisat o compost, una música que mixtura en un tot indistingible el so acústic i electrònic… Esta és la meta originària del projecte Interaccions sonores, una espècie de «sono-utopia» inabastable, en constant transformació, on el so en la seua fluida interconnexió no pot identificar els seus elements formants i nega tota frontera.
El present treball discogràfic es titula Interaccions sonores 2.0 com a continuïtat d’una primera proposta estrenada en concert el 28 de febrer de 2019 en el Teatre Círculo de València i editada també per Liquen Records (LRCD010). En les notes d’aquell disc podem llegir a Pierluigi Billone, un compositor molt influenciat per la improvisació (lliure), constatant que: «Com en un espill deformat o en un joc de «dobles» transformats, finalment no queda clar qui és la font». Esta mateixa idea ha provocat que l’originària Interaccions sonores mutara com un camaleó i esdevinguera en un nou format, que va ser estrenat en concert el 4 de maig de 2023 a la Sala SGAE Centre Cultural València. Mentres la que podríem anomenar Interaccions sonores 1.0 estava constituïda per un saxofon solista (Josep Lluís Galiana Gallach) i una electrònica fixa (Joan Gómez Alemany), en Interaccions sonores 2.0, Gómez Alemany s’incorpora també com a pianista improvisador, al costat del saxofon i l’electrònica. En crear una música que no vol limitar-se ni tancar-se, este projecte està en constant evolució i no sabem si algun dia existiran unes Interaccions sonores 3.0, 4.0, 5.0…
Com la vida mateixa, que ocorre entre la improvisació, l’atzar i alguna norma, el saxofonista improvisador Josep Lluís Galiana i el compositor Joan Gómez (però fa pocs anys també pianista improvisador) es van conéixer el 29 de juny del 2017 en la Sessió d’Improvisació Lliure #3 en l’Octubre Centre de Cultura Contemporània (OCCC) de València, on tocava Galiana al costat d’altres músics. Des d’eixe moment, ambdós no han parat de treballar junts investigant les similituds i diferències que hi ha entre ells. Tenint perfils creatius contrastants i sent de diferents generacions, la seua col·laboració sempre ha sigut com la seua música: oberta, improvisada, reflexiva, lliure… En definitiva, una deriva constant sense rumb fix. Encara que esta informació pot semblar anecdòtica o simplement biogràfica, és també musical i ens diu moltes coses sobre Interaccions sonores. Com escrivia en un text publicat en la revista Sul Ponticello el 13 de novembre de 2019 i que em va servir també per al meu Komposition Meisterarbeit (Treball de Màster de Composició) en la Kunstuniversität Graz: «Del que es tracta és de la hibridació i no delimitació, allà on normalment es parla de categories que s’exclouen i són antagòniques, però que en el fons això no és real. Interaccions sonores correspondria a processos heurístics i rizomàtics contra la idea de la filosofia clàssica del principi d’identitat i de no contradicció».
Interaccions sonores 2.0 sorgix perquè el projecte inicial va tindre bon acolliment i el disc que es va editar posteriorment va agradar molt. L’improvisador Wade Matthews el va qualificar en les seues xarxes socials com un dels millors CD que havia escoltat. El compositor Enrique Sanz Burguete va escriure en un correu electrònic: «Una altra cosa que crida l’atenció des del minut un és la perfecta simbiosi i integració de l’electrònica amb el so en viu: mai se sap, en general, on comença i/o acaba l’un o l’altra (no se sap, com ha de ser, si s’han pres «mostres» i estan processades, o si els processos són en temps real, o si es «dispara» algun d’ells, etc.). És a dir, verdaderament és un «tot», tant a nivell de «plantilla», per així dir, com estilísticament pel tipus de «materials» compositius». D’altra banda, el crític musical Paco Yáñez va escriure en una ressenya: «Un dels elements que assenten l’èxit d’Interaccions sonores com a gran forma és el seu procés de continu «contrapunt» entre saxofon i electrònica, donant lloc a estructures formals que reverberen i mirallen lo clàssic a l’hora de crear unitat i variació, desenrotllant els materials en el que és tot un viatge en el qual no resulta complex identificar al saxofon com un caminant (de nou, si a Luigi Nono ens remetem, sense camins, encara que uns certs límits prefixa la composició electrònica de Gómez Alemany) i a l’electroacústica com un mapa. Un mapa que és, al cap i a la fi, l’home mateix, perquè dels seus materials genètics en allò musical s’ha conformat». Sobre esta base i veient el potencial musical que existia en Interaccions sonores, es va decidir continuar el projecte. Per això fem una breu cronologia per a entendre com ha arribat fins ací la igualitària i republicana unió de GGGA (Galiana Gallach Gómez Alemany). Gràcies al rigorós mètode de Josep Lluís d’apuntar-se en l’agenda les reunions, sabem que la proposta comença a cristal·litzar-se el 13 de setembre del 2018, a les 11.30 hores en l’estudi de gravació de la Facultat de Belles Arts de la Universitat Politècnica de València, on Galiana realitza diverses improvisacions que són gravades. Amb este material, Joan elabora en Graz (on estava estudiant) l’electrònica i una partitura una mica oberta. Esta es va seguint gràcies a un cronòmetre durant la interpretació de l’obra, per a així generar una tensa relació dialèctica entre allò fix (composició-electrònica) i allò obert (improvisació-acústica). El 21 d’agost de 2019 en Liquen Studios (Pedralba) Interaccions sonores es va gravar en disc i va ser publicat al novembre.
Encara que la idea de continuar les interaccions i expandir-les ja va ser present quasi des del mateix inici, van haver de passar diversos anys perquè això poguera materialitzar-se. Un dels detonants va ser la creació i estrena d’un projecte en el qual Joan Gómez realitzava de nou una partitura-electrònica i Josep Lluís Galiana improvisava amb els seus saxofons. A més, se li unia interdisciplinarment la projecció de vídeo. L’11 de novembre del 2022 en la Fundación Antonio Pérez · Centro de Arte Contemporáneo de Cuenca, en el context de l’exposició Manolo Millares. Cincuenta años después, comissariada per Alfonso de la Torre, Galiana & Gómez van posar música a dos videocreacions. Una primera titulada Millares 1972-2022, creada per Gómez Alemany, i una segona, Millares 1970, creada per Elvireta Escobio i el mateix Millares. En el moment que s’escriuen estes línies, la videocreació Millares 1970 pot veure’s a la sala del Museu Valencià de la Il·lustració i la Modernitat (MuVIM), dins de l’exposició també comissariada per De la Torre, Manolo Millares, circa los cincuenta (buscando la dimensión perdida). Un altre projecte paral·lel va ser Llibertats sonores, estrenat el 16 de desembre del 2022 en l’OCCC dins del cicle Sessió d’improvisació lliure #15, casualment el mateix lloc on es van conéixer GGGA. Que el títol Llibertats sonores siga molt similar al d’Interaccions sonores no és tampoc mera casualitat. Als saxofons de Galiana i a una nova electrònica-partitura de Gómez Alemany se sumava, en esta ocasió, la percussió i l’electrònica en viu d’Avelino Saavedra. Perquè amb l’energia d’estos projectes i gràcies a que la M.I. Acadèmia de la Música Valenciana va acceptar una proposta de concert, es va poder estrenar Interaccions sonores 2.0 el 4 de maig de 2023, havent passat 4 anys des del 28 de febrer de 2019, data en què es va estrenar el projecte originari. A més, va ser el meu debut en públic com a pianista improvisador, encara que com a pianista intèrpret de composicions ja vaig fer concerts durant els meus estudis.
Les interaccions (en el seu sentit general) han sigut constants entre Gómez i Galiana. Ja es va comentar el projecte de Llibertats sonores, que també va ser editat en disc per Liquen Records (LRCD027), però a este va seguir la col·laboració amb el percussionista Jesús Gallardo, gravant un disc únicament en acústic, ENTARTETE IMPROVISATIONEN (LRCD029), en els Rockaway Studios, de Castelló, el 31 d’agost de 2023, que va ser presentat en públic el 18 abril de 2024 a la Sala de la Muralla del Col·legi Major Rector Peset de la Universitat de València. Els tres músics van tornar a tocar junts el 25 d’octubre del 2023 dins del Col·lectiu d’Improvisació Musical de Castelló (CIM.CS) en el cicle Free Impro al Museu #16, amb una llegenda de la free improvised music anglesa, el saxofonista John Butcher. Galiana & Gómez van fer la seua primera aparició a solo amb el saxo soprano i el piano en el Museu de Pontevedra l’1 de novembre del 2023 dins del Festival Vertixe 11. En 2024, el 31 de gener, la guitarra d’Amadeu Marin es va unir a l’anterior duet en el Conservatori Superior de Música Salvador Seguí de Castelló. I amb un altre convidat, el 13 de març en el Col·legi Major Rector Peset, van actuar al costat de la veu de l’improvisador, poeta i performer Bartolomé Ferrando. Estos tres últims concerts van ser motivats per la presentació de diversos llibres, una característica gens irrellevant, tenint en compte el sentit investigatiu i teòric que la improvisació ha tingut per als dos músics, que també destaquen per la seua faceta d’escriptors.
Totes estes «interaccions múltiples» de Gómez i Galiana tracen un arc que va des de l’estrena originària d’Interaccions sonores fins a la publicació en CD de la seua versió 2.0. És cert que estos concerts i esdeveniments són independents i podrien semblar que no tenen relació entre si. Però si tenim en compte les difícils i escasses oportunitats que existixen ara mateix en la nostra terra per a improvisar en públic i en condicions acceptables, podem entendre tot això com interconnectat i capaç de crear sinergies que influïxen en el dia a dia de la unitària creació de GGGA. Una utopia d’éssers sense fronteres on el so intenta expressar-se en la seua infinita transformació. Justament la improvisació es practica de la millor manera amb músics lliures en l’escenari viu i, en eixe sentit, és molt diferent d’interpretar una composició fixa. Per això, improvisar amb les mateixes persones, anar coneixent el seu estil, escoltar els seus discos, és una cosa fonamental per a entrenar i explorar les possibilitats que pot haver-hi entre els saxofons, el piano, l’electrònica i tot allò que se sume. Des d’esta investigació, que porta anys practicant-se de manera autònoma, lliure i espontània (però no per això menys seriosa i rigorosa), és com Interaccions sonores 2.0 ha arribat a existir. Definitivament este novembre del 2024 s’ha materialitzat en un nou disc de Liquen Records (LRCD034), que es va gravar el 31 d’agost de 2023 en Rockaway Studios de Castelló, durant la mateixa maratoniana sessió que també va registrar-se ENTARTETE IMPROVISATIONEN i altres músiques. Amb tot això dit, podem ja concloure recordant la referència que escrivia Paco Yáñez sobre el caminant que, com Galiana Gallach i Gómez Alemany, crea amb les seues interaccions ilimitables el mapa d’allò musical.
Joan Gómez Alemany
Interaccions sonores 2.0 y la disolución continua de fronteras
Una música que no está cerrada, sino siempre en continua evolución, una música donde no es posible averiguar qué es improvisado o compuesto, una música que mezcla en un todo indistinguible el sonido acústico y electrónico… Esta es la meta originaria del proyecto Interaccions sonores, una especie de «sono-utopía» inalcanzable, en constante transformación, donde el sonido en su fluida interconexión no puede identificar sus elementos formantes y niega toda frontera.
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El presente trabajo discográfico se titula Interaccions sonores 2.0 como continuidad de una primera propuesta estrenada en concierto el 28 de febrero de 2019 en el Teatro Círculo de València y editada también por Liquen Records (LRCD010). En las notas de aquel disco podemos leer a Pierluigi Billone, un compositor muy influenciado por la improvisación (libre), constatando que: «Como en un espejo deformado o en un juego de «dobles» transformados, finalmente no queda claro quién es la fuente». Esta misma idea ha provocado que la originaria Interaccions sonores mutara como un camaleón y deviniera en un nuevo formato, que fue estrenado en concierto el 4 de mayo de 2023 en la Sala SGAE Centre Cultural València. Mientras la que podríamos llamar Interaccions sonores 1.0 estaba constituida por un saxofón solista (Josep Lluís Galiana Gallach) y una electrónica fija (Joan Gómez Alemany), en Interaccions sonores 2.0, Gómez Alemany se incorpora también como pianista improvisador, junto al saxofón y la electrónica. Al crear una música que no quiere limitarse ni cerrarse, este proyecto está en constante evolución y no sabemos si algún día existirán unas Interaccions sonores 3.0, 4.0, 5.0…
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Como la vida misma, que ocurre entre la improvisación, el azar y alguna norma, el saxofonista improvisador Josep Lluís Galiana y el compositor Joan Gómez (pero hace pocos años también pianista improvisador) se conocieron el 29 de junio del 2017 en la Sessió d’Improvisació Lliure #3 en el Octubre Centre de Cultura Contemporània (OCCC) de València, donde tocaba Josep Lluís Galiana junto a otros músicos. Desde ese momento, Galiana y Gómez no han parado de trabajar juntos investigando las similitudes y diferencias que hay entre ellos. Teniendo perfiles creativos contrastantes y siendo de distintas generaciones, su colaboración siempre ha sido como su música: abierta, improvisada, reflexiva, libre… En definitiva, una deriva constante sin rumbo fijo. Aunque esta información puede parecer anecdótica o simplemente biográfica, es también musical y nos dice muchas cosas sobre Interaccions sonores. Como escribía en un texto publicado en la revista Sul Ponticello el 13 de noviembre de 2019 y que me sirvió también para mi Komposition Meisterarbeit (Trabajo de Máster de Composición) en la Kunstuniversität Graz: «De lo que se trata es de la hibridación y no delimitación, allí donde normalmente se habla de categorías que se excluyen y son antagónicas, pero que en el fondo esto no es real. Interaccions sonores correspondería a procesos heurísticos y rizomáticos contra la idea de la filosofía clásica del principio de identidad y de no contradicción».
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Interaccions sonores 2.0 surge porque el proyecto inicial tuvo buena acogida y el disco que se editó posteriormente gustó mucho. El improvisador Wade Matthews lo calificó en sus redes sociales como uno de los mejores CDs que había escuchado. El compositor Enrique Sanz Burguete escribió en un correo electrónico: «Otra cosa que llama la atención desde el minuto uno es la perfecta simbiosis e integración de la electrónica con el sonido en vivo: nunca se sabe, en general, donde empieza y/o acaba uno u otra (no se sabe, como debe ser, si se han tomado «muestras» y están procesadas, o si los procesos son en tiempo real, o si se «dispara» alguno de ellos, etc.). Es decir, verdaderamente es un «todo», tanto a nivel de «plantilla», por así decir, como estilísticamente por el tipo de «materiales» compositivos». Por otro lado, el crítico musical Paco Yáñez escribió en una reseña: «Uno de los elementos que asientan el éxito de Interaccions sonores como gran forma es su proceso de continuo «contrapunto» entre saxofón y electrónica, dando lugar a estructuras formales que reverberan y espejean lo clásico a la hora de crear unidad y variación, desarrollando los materiales en lo que es todo un viaje en el que no resulta complejo identificar al saxofón como un caminante (de nuevo, si a Luigi Nono nos remitimos, sin caminos, aunque ciertas lindes prefija la composición electrónica de Gómez Alemany) y a la electroacústica como un mapa. Un mapa que es, al fin y al cabo, el hombre mismo, pues de sus materiales genéticos en lo musical se ha conformado». Sobre esta base y viendo el potencial musical que existía en Interaccions sonores, se decidió continuar el proyecto. Por eso hagamos una breve cronología para entender cómo ha llegado hasta aquí la igualitaria y republicana unión de GGGA (Galiana Gallach Gómez Alemany). Gracias al riguroso método de Josep Lluís de apuntarse en la agenda las reuniones, sabemos que la propuesta empieza a cristalizarse el 13 de setiembre del 2018, a las 11.30 horas en el estudio de grabación de la Facultad de Bellas Artes de la Universitat Politècnica de València, donde Galiana realiza varias improvisaciones que son grabadas. Con este material, Joan elabora en Graz (donde estaba estudiando) la electrónica y una partitura algo abierta. Esta se va siguiendo gracias a un cronómetro durante la interpretación de la obra, para así generar una tensa relación dialéctica entre lo fijo (composición-electrónica) y lo abierto (improvisación-acústica). El 21 de agosto de 2019 en Liquen Studios (Pedralba) Interaccions sonores se grabó en disco y fue publicado en noviembre.
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Aunque la idea de continuar las interacciones y expandirlas ya estuvo presente casi desde el mismo inicio, tuvieron que pasar varios años para que esto pudiese materializarse. Uno de los detonantes fue la creación y estreno de un proyecto en el que Joan Gómez realizaba de nuevo una partitura-electrónica y Josep Lluís Galiana improvisaba con sus saxofones. Además, se le unía interdisciplinarmente la proyección de vídeo. El 11 de noviembre del 2022 en la Fundación Antonio Pérez · Centro de Arte Contemporáneo de Cuenca, en el contexto de la exposición Manolo Millares. Cincuenta años después, comisariada por Alfonso de la Torre, Galiana & Gómez pusieron música a dos videocreaciones. Una primera titulada Millares 1972-2022, creada por Gómez Alemany, y una segunda, Millares 1970, creada por Elvireta Escobio y el mismo Millares. En el momento que se escriben estas líneas, la videocreación Millares 1970 puede verse en la sala del Museo Valenciano de la Ilustración y la Modernidad (MuVIM), dentro de la exposición también comisariada por De la Torre, Manolo Millares, circa los cincuenta (buscando la dimensión perdida). Otro proyecto paralelo fue Llibertats sonores, estrenado el 16 de diciembre del 2022 en el OCCC dentro del ciclo Sessió d’improvisació lliure #15, casualmente el mismo lugar donde se conocieron GGGA. Que el título Llibertats sonores sea muy similar al de Interaccions sonores no es tampoco mera casualidad. A los saxofones de Galiana y a una nueva electrónica-partitura de Gómez Alemany se sumaba, en esta ocasión, la percusión y la electrónica en vivo de Avelino Saavedra. Pues con la energía de estos proyectos y gracias a que la M.I. Academia de la Música Valenciana aceptó una propuesta de concierto, se pudo estrenar Interaccions sonores 2.0 el 4 de mayo de 2023, habiendo pasado 4 años desde el 28 de febrero de 2019, fecha en que se estrenó el proyecto originario. Además, fue mi debut en público como pianista improvisador, aunque como pianista intérprete de composiciones ya hice conciertos durante mis estudios.
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Las interacciones (en su sentido general) han sido constantes entre Gómez y Galiana. Ya se comentó el proyecto de Llibertats sonores, que también fue editado en disco por Liquen Records (LRCD027), pero a este siguió la colaboración con el percusionista Jesús Gallardo, grabando un disco únicamente en acústico, ENTARTETE IMPROVISATIONEN (LRCD029), en los Rockaway Studios de Castelló el 31 de agosto de 2023, que fue presentado en público el 18 abril de 2024 en la Sala de la Muralla del Col·legi Major Rector Peset de la Universitat de València. Los tres músicos volvieron a tocar juntos el 25 de octubre del 2023 dentro del Col·lectiu d’Improvisació Musical de Castelló (CIM.CS) en el ciclo Free Impro al Museu #16, con una leyenda de la free improvised music inglesa, el saxofonista John Butcher. Galiana & Gómez hicieron su primera aparición a solo con el saxo soprano y el piano en el Museo de Pontevedra el 1 de noviembre del 2023 dentro del Festival Vertixe 11. En 2024, el 31 de enero, la guitarra de Amadeu Marin se unió al anterior dúo en el Conservatori Superior de Música Salvador Seguí de Castelló. Y con otro invitado, el 13 de marzo en el Col·legi Major Rector Peset, actuaron junto a la voz del improvisador, poeta y performer Bartolomé Ferrando. Estos tres últimos conciertos fueron motivados por la presentación de diversos libros, una característica nada irrelevante, teniendo en cuenta el sentido investigativo y teórico que la improvisación ha tenido para los dos músicos, que también destacan por su faceta de escritores.
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Todas estas «interacciones múltiples» de Gómez y Galiana trazan un arco que va desde el estreno originario de Interaccions sonores hasta la publicación en CD de su versión 2.0. Es cierto que estos conciertos y eventos son independientes y podrían parecer que no tienen relación entre sí. Pero si tenemos en cuenta las difíciles y escasas oportunidades que existen ahora mismo en nuestra tierra para improvisar en público y en condiciones aceptables, podemos entender todo esto como interconectado y capaz de crear sinergias que influyen en el día a día de la unitaria creación de GGGA. Una utopía de seres sin fronteras donde el sonido intenta expresarse en su infinita transformación. Justamente la improvisación se practica de la mejor manera con músicos libres en el escenario vivo y, en ese sentido, es muy diferente a interpretar una composición fija. Por ello, improvisar con las mismas personas, ir conociendo su estilo, escuchar sus discos, es algo fundamental para entrenar y explorar las posibilidades que puede haber entre los saxofones, el piano, la electrónica y todo aquello que se sume. Desde esta investigación, que lleva años practicándose de manera autónoma, libre y espontánea (pero no por ello menos seria y rigurosa), es como Interaccions sonores 2.0 ha llegado a existir. Definitivamente este noviembre del 2024 se ha materializado en un nuevo disco de Liquen Records (LRCD034), que se grabó el 31 de agosto de 2023 en Rockaway Studios de Castelló, durante la misma maratoniana sesión que también registró ENTARTETE IMPROVISATIONEN y otras músicas. Con todo esto dicho, podemos ya concluir recordando la referencia que escribía Paco Yáñez sobre el caminante que, como Galiana Gallach y Gómez Alemany, crea con sus interacciones ilimitables el mapa de lo musical.
CRÈDITS
Josep Lluís Galiana, saxofons soprano i baríton
Joan Gómez Alemany, piano i composició electrònica
Tota la música composta per Joan Gómez Alemany i Josep Lluís Galiana
El disc fou enregistrat el 31 d’agost de 2023, en els Rockaway Studios, Castelló de la Plana (Espanya)
Enregistrat per Raúl Artana
Mesclat i masteritzat per Joan Gómez Alemany
Produït per Josep Lluís Galiana
Disseny gràfic de Sergi Moya (Cap i Cua)
Text de Joan Gómez Alemany
Imatges de Tato Baeza i Laura Pastor
© 2024 Josep Lluís Galiana & Joan Gómez Alemany
© 2024 Liquen Records
DL: V-3759-2024 • LRCD034 • liquenrecords.com
Llibret en valencià i castellà (inclou la partitura)
Amb el suport de
TRACKLIST
Interaccions sonores. Part I
Interaccions sonores. Part III
Interaccions sonores. Part IV
Interaccions sonores. Part VI
DOSIER DE PRENSA
Paco Yáñez, Scherzo, 8 de marzo de 2025
El binomio formado por los valencianos Josep Lluís Galiana y Joan Gómez Alemany no deja de ofrecernos continuas novedades en las diversas disciplinas que juntos abarcan, desde la edición a la pintura. Entre ellas, ha ganado un lugar muy destacado la improvisación libre, género en el que Galiana tiene una larga y reconocida trayectoria como saxofonista a la que Gómez Alemany se ha sumado, desde el piano y la electrónica, en algunos de sus últimos lanzamientos discográficos, como Entartete Improvisationen y Llibertats Sonores.
Igualmente en Liquen Records, al 2019 debemos retrotraernos para encontrar el precedente del disco que hoy presentamos, pues en ese año se grabó Interaccions sonores, un proyecto que involucró la improvisación libre para saxofón con una electrónica que servía como “partitura”.
Cuatro años más tarde, el 31 de agosto de 2023 Galiana y Alemany volvieron al estudio para grabar Interaccions sonores 2.0, una improvisación de una fuerza arrolladora en la que se percibe la experiencia aquilatada por ambos en sus conciertos en vivo, volviéndose a repetir el modelo de las primeras Interaccions, con improvisación libre para saxofón y piano sobre una base electrónica previamente compuesta para ordenar la estructura de la pieza, a modo de mapa, rompiendo el principio de identidad cerrada.
Vuelve a destacar en Interaccions sonores 2.0 la fusión entre electrónica e instrumentos acústicos (por momentos, indiferenciables), con un saxofón y un piano cuyos timbres y ataques van de asomos tonales a un tratamiento mayormente saturado, de una violencia indómita que revela la influencia de lo gestual en las artes plásticas.
La grabación es tan contundente como la propia improvisación, redondeando la edición unas notas a cargo de Gómez Alemany que describen el proceso que ha fraguado esta «sono-utopía».
Antonio Martin (Coronel Mortimer), La muerte tenía un blog, 8 de abril de 2025
Fotos: Tato Baeza
Antes de abrirnos a esta fabulosa dádiva de Interaccions Sonores 2.0 os recomendaría os hiciéseis el favor de leeros el texto de su predecesor, Interaccions Sonores (Líquen Records, 2019) más que nada para ahorrarme volver a curricular a dos grandes como Alemany / Galiana que para hacer una presentación rápida, no cabe discusión en que son dos de los principales `eje y peldaño´ de la electroacústica e improvisación ibéricas… todo dentro de una escena que evidentemente se vertebra con muchas más figuras de las que os he ido contando sobre todo en las reseñas del sello LÍQUEN RECORDS, y a su vez de ésta con la vanguardia sonora nacional.
Fiel al espíritu de la primera entrega, se juega con la cordura del oyente al que se le lleva a lo liminal… justo aun sitio donde no sabemos si lo que suena es real o utópico, electrónico, acústico o aleación de ambos. Al oyente se le vapulea y se le hace lo mismo que a los instrumentos… se lo `procesa´. En este nuevo formato (se estrena en concierto el 4 de Mayo de 2023 en la Sala SGAE Centre Cultural València) Alemany improvisa al piano y electrónica (recordemos que en el primer volumen se encargaba del procesado electrónico) y Galiana al saxo soprano y barítono. Muchas cosas pasan entre ambas grabaciones que se detallan con profusión de detalles en el magnífico libreto escrito por Alemany que acompaña a un Digipack que publica nuevamente LÍQUEN RECORDS donde podréis leer que este proyecto acaba entroncando de múltiples maneras tanto con Llibertats Sonores de 2023 (con la inclusión de Avelino Saavedra) o el fabuloso Entartete Improvisationen de 2024, esta vez junto a Jesús Gallardo.
El disco se registra el 31 de Agosto de 2023 (Rockaway Studios, Castelló de la Plana) por Raúl Artana. Mezcla y masterización son de Joan Gómez Alemany y bueno, el diseño gráfico de Sergi Moya (Cap i Cua) bajo imágenes de Tato Baeza y Laura Pastor.
Adentrándome en el aspecto musical, imagino que por cuestiones de bagajes personales, alejarme de los experimentos de AMM sobre todo en ese largo `fade in´ que hace cuerpo para ir abriendo «Interaccions sonores. Part I». Es una constante en la electroacústica y la improvisación libre sonar en los registros bajos con un espectro sonor parecido al del Dark Ambient y la electrónica. Imagino será cosa de frecuencias y ese abotargado y lento discurrir del piano preparado de Alemany donde las cuerdas casi que son pellizcadas mientras en la retaguardia el silencio lucha con algo parecido a una regurgitación in-crescendo que acaba materializándose en asordinadas trazas subrayadas del saxo (parece barítono pero como todo lo que acompañe a este disco, necesitarás meter el dedo en la llaga). Coincidan o no los instrumentos (las encarnaciones de AMM han sido varias), lo cierto es que esto suena Británico por los cuatro costados (indaguen ustedes en el fondo de catálogo ciclópeo de EMANEM o PSI de Evan Parker y ya me cuentan).
La sensación siempre es cinética. Se avanza en una suerte de espiral (para mí no un círculo porque nunca capto el cierre completo) de un minimalismo a dos bandas de un altísimo nivel de compenetración. El tono es oscuro; tanto, que ya digo que para sí lo quisieran muchos grupos del ámbito de la electrónica oscura tipo Dark Ambient. Las Glosolalias escupidas a la boquilla del saxo por Galiana son furiosos dentro de que están cortados de sus tonos agudos hasta que todo estalla en un agónico grito o nota antropomórfica que da paso a toda una plétora de clústers del piano tipo arpa de Alemany en «Interaccions Sonores. Part II». Se alternan las notas tradicionales con las vivisecciones del interior del instrumento en vivo y en directo. Me váis a perdonar que recurra a un texto de Interaccions Sonores I pero creo que define a la perfección lo que estoy escuchando ahora mismo:
`Alucinante el oscuro interludio, suerte de pútrida música o lo que es lo mismo, procesar el sonido de los gases de un cuerpo en putrefacción (¿seguro que esto no es Noise?) y pretender esbozar Free Bop por encima. El tramo final es Galiana 1 contra Galiana 2 en ignominiosa cópula hacia Galiana 3.0. Gana Alemany. Minimalismo que recuerda a Glass o Cage, pero mezclados con esos juegos de silencios propios de la Spontaneous Music Ensemble. Tal es el punto de abstracción que por determinados momentos creo estar inmerso en un disco plagado de Field Recordings (bueno, algo de eso hay) pero a la amabilidad de las notas del soprano uno siempre encuentra la salida. Por poner algún ejemplo, podría abarcar desde las más matemáticas composiciones de Braxton o Brötzmann hasta las inhumanas salvajadas crípticas de Evan Parker.´
Fantásticos exabruptos musicales donde el lado percusivo del piano contrasta con la musicalidad del saxo soprano sorprenden por sus ejercicios circulares a lo Parker remachados con ráfagas rápidas de piano rozando el Rag avanzado (no sé si eso existe). Estamos metidos de lleno en la abigarrada «Interaccions Sonores. Part III» donde la interacción se torna casi telepatía por parte de los músicos…. porque por parte del oyente, imagino que la confusión en el tramo medio de este corte será algo (el trenzado de saxo, piano y electrónica es tan cerrado que se masca la textura de hilo de cobre). Me encanta el extremismo y cómo rompen las etiquetas volcándose casi en un Harsh Noise tan y como lo hicieron en el disco anterior del que dije en su día:
`Lo barítono se ha transformado en subsónico y en sístoles y diástoles sinusoidales que van emergiendo a este lado de la realidad mediante el despojo del detritus de las notas graves. Cualquier oyente despistado podría confundir esto con la versión más amable del Harsh Noise Wall, pero afortunadamente en el minuto 2 y medio un sostenido lucha contra su propio alter ego (que ha mutado a una mezcla entre digeridoo y cuenco tibetano). Imaginad que cogéis la etapa eléctrica de Miles Davis y la destiláis molecularmente hasta quedaros con un esbozo de 8 bits… si habéis sido capaces de imaginar algo así y entenderlo… bueno, entonces sois la hostia. Electroacústica que coquetea con el Dark Ambient, libre de prejuicios.´
Volvemos a terreno conocido (con sus disonancias y atonalidades, sus ángulos y requiebros) en «Interaccions Sonores. Part IV», que de inicio suena terrenal, cercano al Don Cherry más ancestral (MU) para ir sosegándose a un diálogo puramente de Impro Jazz con ese `hum´ mántrico dando cuerpo en la retaguardia. Alucinante el cariz metálico que adquieren los soplidos del saxo y la algarabía de recursos percusivos que da el piano en sus vísceras dando la sensación agónica de Música de Cámara en la Ferretería de mi Pueblo (pero en gravedad cero), cosa que se extremiza en «Interaccions Sonores. Part V» aunque asumo que a estas alturas todos andaremos medicados con sustancias inyectadas y ya se sabe que la lisergia, con sangre entra.
Fulmina este excepcional disco los más de doce minutos de «Interaccions Sonores. Part VI», aguerrido destilado de todo lo anterior, con cosas que se llevan todavía más al extremo, y que no hacen más que convencerme de que al igual que su anterior volumen, es un álbum de adquisición obligada. Alucinantes loopeos, delays y ecos del saxo… sensación de que Alemany juega con el espacio / tiempo con la facilidad de un nigromante, y esa cosa que no me quito de la cabeza aunque no la he comentado antes de que los 60 minutos son la banda sonora perfecta para acompañar la lectura de La Divina Comedia… o al menos, para atraversar algún que otro de sus círculos. Música para atravesar túneles físicos o mentales… música macro o microscópica, notas que se abren cerrando puertas que a su vez abren otras en una escheriana arquitectura sonora cuya resolución sólo está al alcance de …..
Miguel Ángel Pérez Martín, docenotas.com, 21 de abril de 2025
Segunda entrega de una gran idea: Interaccions Sonores 0.1, que se grabó en febrero del 19. Han pasado más de cinco años y muchas cosas muy importantes, para la música y para la sociedad.
Sigo apostando por la necesidad de ofrecer al respetable una experiencia así en directo. A las que he podido asistir han resultado brutales, muy expresivas, hasta la conmoción. Pero hasta que nuestros «programadores culturales» tomen conciencia de este hecho falta mucho, así que con los discos ni tan mal.
Es cierto que hay una discusión en curso, en España, sobre si la improvisación es ya un estilo o una importante herramienta de apoyo a otros -jazz y free jazz, música experimental, rock radical, electrónica, música contemporánea atonal-. Yo me decanto, con algunos países europeos, por lo primero. No es un apoyo, es ya un estilo con sus formas y desarrollos ya probados, que funcionan. Es verdad que en otras artes aún tengo mis dudas. En el teatro por ejemplo, en las artes visuales, no así en la danza contemporánea, que a veces va unida a la improvisación musical.
En esta ocasión los «autores-interpretes” nos ofrecen seis improvisaciones cargadas de expresividad, desde algunas cumbres «noise» a la quietud lírica y apacible de las notas del piano. Instrumento que no estaba en las 1.0.
La electrónica siempre me ha gustado, por formación básica, aunque la acústica natural ha sido mi medio natural de escucha y de acción. Y aquí hay de las dos y mucho.
Sin duda, la escucha ha de ser intencionada y no casual, en este segundo caso lo más normal es que no funcione. Pero siempre será sorprendente…
Por usar un símil visual la experiencia sería la de un action painting expresionista, abstracto y radical, algo que se ofrece con cierta frecuencia en centros y museos de arte contemporáneo y actual para públicos con mente abierta a nuevas ideas y propuestas, pero que aún no ha entrado en los auditorios y lo que es peor, en conservatorios y escuelas de música actual españoles. Se priva al público de una experiencia sonora y performativa muy interesante, gestual y a veces coreografiada.
Lleva expuesta la improvisación muchos años en Europa pero en España nos cuesta incluso aceptarlo. Poco a poco, recordemos que también resultaban extraños Stockhausen o King Crimson hace décadas y ahí están ahora, asimilados por una parte importante del público musical contemporáneo y de rock.
Una petición final al respetable: ¡atrévanse! La experiencia lo merece.
Producción de lujo y edición con profusión informativa norma de la casa Liquen Records.
Si no lo encuentran en su tienda habitual pidan a liquenrecords.com y a disfrutar.
INTERACCIONS SONORES 2.0 es la continuidad de una primera propuesta estrenada por el compositor y pianista Joan Gómez Alemany y el saxofonista Josep Lluís Galiana en el Teatro Círculo de Valencia el 28 de febrero de 2019, editada tambien por Liquen Records.
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En colaboración y perfecta simbiosis desde 2017, Galiana y Gómez Alemany han publicado ocho discos y materializado otros proyectos visuales, musicales y literarios.
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Grabado en Rockaway Studios (Castelló de la Plana) el día 31 de agosto de 2023, la producción de INTERACCIONS SONORES 2.0 ha contado con el apoyo del Institut Valencià de Cultura de la Generalitat Valenciana.
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INTERACCIONS SONORES 2.0, editado por el sello valenciano dedicado a las músicas improvisadas y experimentales Liquen Records, se encuentra disponible en más de treinta plataformas digitales, así como en la web y el bandcamp del propio sello.
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Liquen Records publica el nuevo trabajo discográfico de los compositores e improvisadores valencianos Joan Gómez Alemany y Josep Lluís Galiana. INTERACCIONS SONORES 2.0 supone la continuidad de esta “especie de ‘sonoutopia’ inabarcable, en constante transformación, donde el sonido en su fluida interconexión no puede indentificar sus elementos formantes, negando toda frontera”, explica Joan Gómez Alemany en sus notas del disco.
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El presente trabajo discográfico se titula INTERACCIONS SONORES 2.0, como continuidad de una primera propuesta estrenada en concierto el 28 de febrero de 2019 en el Teatro Círculo de Valencia y editada tambien por Liquen Records (LRCD010). En las notas de aquel disco, el compositor Pierluigi Billone constató que “como en un espejo deformado o en un juego de ‘dobles’ transformados, finalmente no queda claro quien es la fuente”. Esta misma idea ha provocado que la originaria Interaccions sonores mutara como un camaleón y deviniera en un nuevo formato, que fue estrenado en concierto el 4 de mayo de 2023 en la Sala SGAE Centre Cultural València. En Interaccions Sonores 2.0, Gómez Alemany se incorpora tambien como pianista improvisador, además de compositor de la electrónica fija, junto al saxofonista improvisador Josep Lluís Galiana.
En Interaccions Sonores 2.0, de lo que se trata es de “la hibridación y la no delimitación, allá donde normalmente se habla de categorías que se excluyen y son antagónicas, pero que en el fondo eso no es real. Interaccions sonores correspondería a procesos heurísticos y rizomáticos contra la idea de la filosofía clásica del principio de identidad y de no contradicción.
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Por otra parte, el crítico musical Paco Yáñez escribió en una reseña: “Uno de los elementos que sientan el éxito de Interaccions sonores como una gran forma es su proceso de continúo ‘contrapunto’ entre el saxofón y la electrónica, dando lugar a estructuras formales que reverberan y miran lo clásico a la hora de crear unidad y variación, desarrollando los materiales en el que es todo un viaje en el cual no resulta complejo identificar el saxofón como un caminante (de nuevo, si a Luigi Nono nos remitimos, sin caminos, aunque unos ciertos límites prefija la composición electrónica de Gómez Alemany) y la electroacústica como un mapa. Un mapa que es, al final, el hombre mismo, porque sus materiales genéticos en lo musical se ha conformado”.
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Interaccions Sonores 2.0 es una compoimprovisación de 60 minutos de duración, dividida en 6 partes que, sin solución de continuidad, constituyen una obra de gran dimensión formal y una estructura en la que la electrónica y los instrumentos acústicos dialogan constantemente. La obra fue grabada en los Rockaway Studios de Castelló de la Plana el 31 de agosto de 2023, siendo el ingeniero de sonido Raúl Artana. El CD ha sido producido por Josep Lluís Galiana, las notas del disco han corrido a cargo de Joan Gómez Alemany y el diseño, Sergi Moya (Cap i Cua).
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Interaccions Sonores 2.0 se encuentra disponible en su versiónéis física en la página web de Liquen Records: https://liquenrecords.com/2024/11/28/interaccions-sonores-2-0-joan-gomez-alemany-josep-lluis-galiana/
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y en su edición digital en el bandcamps de Liquen Records: https://liquenrecords.bandcamp.com/album/interaccions-sonores-20
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y distribuido en más de treinta plataformas digitales.
Moving far past the standard reeds-piano duo with its usual emphasis on lilting melodies are these duos from northern and southern Europe who subvert expectations with extended techniques, multi-instrumental shifts and a pinch of electronics. Interaccions Sonnores 20 matches València-based academic Josep Lluís Galiana, who plays soprano and baritone saxophones here with the piano and electronics of Joan Gómez Alemany, which whom he has previously recorded in trio form. Another duo which has recorded together in the past is Krailling-based Udo Schindler, who has recorded with everyone from Paul Rogers to Olaf Rupp, and here plays B and bass clarinets, alto saxophone and tubax, and Swiss pianist Michel Wintsch, known for his music with Gerry Hemingway and Bänz Oester among others, Adding further internationalism the five selection’s titles are based on the poems of French Symbolist Stéphane Mallarmé (1842 -1898).
Working up from a near soundless piano rumbles, Interaccions Sonnores 20’s six-part suite soon blends a tincture of whooshing oscillations with crackles from inside piano strings and slaps on the instrument’s wood with pedal point keyboard discursions. Meanwhile Galiana uses his baritone to create an unyielding line whose vibrations move from nephritic snorts and honks to gaunt cries that seem to be scraped foe the side of his horn’s body tube.
With tones as often challenged as connected, the saxophonist moves between his two horns yowling, biting, moaning and whimpering as he sucks on or bites his reeds, using a variety of pitches and tempos. In contrast Alemany extrapolates two keyboard variations, as well as regularly diving inside the piano mechanism to stretch or vibrate implements on the strings or scratching those attached strings to emphasize their metallic properties. Hands on the keys, he thumps percussively, rumbles extensively, clips abrasively and pushes out torrents of emphasized patterns at prestissimo speeds. Alternately during sequences in the second and fourth tracks, he tinkles his way to pseudo romantic interludes and dexterous shakes that owe more to Swing than Serialism.
As dexterity marks the transformations from nearly impenetrable and concentrated timbres to sparse and distributed ones, both improvisers resonate tones at a variety of speeds and pitches. Eventually the final section of “Interaccions Sonnores Part V” calms down to intermittent tongue slaps, then picks up speed as the pianist extends the horizontal line to undulating ripples that reflect reed reflux. Circular breathed reed notes and high-pitched keyboard clanks finally dovetail and combine into an almost opaque undulating tone, leading to a coda consisting of a single woody piano clank.
The same sort of rotation between high and low pitches plus harsh and gentle timbres characterizes Toute L’âme résumée, with similar thick and thin patterns that encompass prickly as well as pliable timbres. At the same time the constant shifts among pitches, tempos and even instruments didn’t prevent the program from moving forward.
Although Wintsch like Alemany is no slouch when it comes to peppering his contributions with repeated percussive patterns, stopped key clips and single key emphasis, an undercurrent of melodicism pervades his playing. Almost every piece includes an interlude – often quite brief – that pivots from conflict to concord. It can be almost lyrical and melodic (“Les Sons Ne Sont Pas Trop Forts”, jolly and jerky (“Le Chœur Des Chansons”) or even approximately Bop phrasing (“De Tes Lèvres S’élève”).
This doesn’t faze Schindler though and he maintains probing reed protrusions no matter which horn he’s playing. Equivalency leads to elation as on “Le Chœur Des Chansons De”, where the thickening snorts and smears from the basement-pitched tubax alternate with altissimo screeds in order to amplify the passion engendered by the pianist’s splayed and jerky keyboard currents. In other instances like during the extended “Les Sons Ne Sont Pas Trop Forts” the dissected glissandi and tongue stops issuing from his clarinet speedily whine, bite and yowl as they arch and then slowly descend to counter Wintsch’s keyboard smashes, spiky stabs and soundboard echoes.
Schindler’s confident ability in not avoiding expressing reed flatulence from his horns means that the renal sounds create both noise provocation as well as a contorted personalization through his instruments. That the pianist can respond in kind with strings, keys, wood and pedals jolts intensifies cooperation. Unafraid of mixing harsh and ugly tones with those which extend the parameters of free expression only somewhat pinpoint the advantages of their ongoing partnership. Following their experiments and those of Alemany and Galiana is what makes both discs fascinating and should encourage others to do the same.
ENTARTETE IMPROVISATIONEN – Josep Lluís Galiana · Jesús Gallardo · Joan Gómez Alemany
Josep Lluís GALIANA, Jesús GALLARDO & Joan GÓMEZ ALEMANY: Entartete Improvisationen. València: LIQUEN RECORDS • DL: V-304-2024 • LRCD029: PVP: 18€
Gastos de envío incluidos para España / Shipping costs included for Spain; para el resto del mundo, consulte coste de envío / for the rest of the world, chek shipping cost; otros métodos de pago / other payment methods. Contacto / Contact: liquenrecords@liquenrecords.com
ENG_
ENTARTETE IMPROVISATIONEN is the conjunction of three artists coming from very different aesthetic currents of current musical creation. Three improvisers with long artistic careers and very influential in the current Spanish and European scene of free improvisation and musical experimentation. This is their first album as a trio and in it one can appreciate the unmistakable contemporary contours of a music that draws from avant-garde jazz, from the free improvisation of the European tradition and the most current contemporary composition, as well as from roots music and from Western and Eastern traditions.
CAST_
ENTARTETE IMPROVISATIONEN es la conjunción de tres artistas de muy diversas corrientes estéticas de la creación musical actual. Tres improvisadores con una larga trayectoria artística y muy influyentes en el panorama actual español y europeo de la improvisación libre y la experimentación musical. Este es su primer disco como trío y en él se pueden apreciar los inconfundibles contornos contemporáneos de una música que bebe del jazz de vanguardia, la improvisación libre de la tradición europea y la composición contemporánea más actual, así como de la música de raíz de Occidente y de tradiciones orientales.
CREDITS
All music by Josep Lluís Galiana, Jesús Gallardo & Joan Gómez Alemany
This music was recorded on Rockaway Studios (Castelló de la Plana, Spain) on August 31, 2023.
Josep Lluís Galiana (soprano, tenor & baritone saxophones)
Jesús Gallardo (percussion)
Joan Gómez Alemany (expanded piano)
Mixing by Joan Gómez Alemany
Recording and mastering by Raúl Artana at Rockaway Studios, Castelló de la Plana, Spain
Video: Juan Vicent (Lluerna creació)
Graphic design: Josep Lluís Galiana
Produced by Josep Lluís Galiana for Liquen Records
© and produced by Liquen Records, 2024
TRAKCLIST
01. ENTARTETE IMPROVISATIONEN I
02. ENTARTETE IMPROVISATIONEN XII
03. ENTARTETE IMPROVISATIONEN XV
04. ENTARTETE IMPROVISATIONEN III
05. ENTARTETE IMPROVISATIONEN IV (Klavier und Percussion Duo)
06. ENTARTETE IMPROVISATIONEN X
07. ENTARTETE IMPROVISATIONEN VIII (Percussion Solo)
08. ENTARTETE IMPROVISATIONEN XIII
09. ENTARTETE IMPROVISATIONEN IX (Sopransaxophon Solo)
10. ENTARTETE IMPROVISATIONEN XIV
11. ENTARTETE IMPROVISATIONEN II
12. ENTARTETE IMPROVISATIONEN VII (Klavier Solo)
13. ENTARTETE IMPROVISATIONEN XI
14. ENTARTETE IMPROVISATIONEN V (Saxophon und Klavier Duo)
NOTA DE PRENSA
Josep Lluís Galiana, Jesús Gallardo y Joan Gómez Alemany publican su primer disco a trío, “Entartete Improvisationen”, en Liquen Records
Los compositores e improvisadores Josep Lluís Galiana, Jesús Gallardo y Joan Gómez Alemany publican su primer disco como trío en el sello discográfico valenciano Liquen Records, “Entartete Improvisationen”. Se trata de un homenaje a todas las músicas que fueron tildadas de degeneradas y perseguidas por el gobierno de la Alemania Nazi en las décadas de 1930 y 1940, durante la etapa del III Reich. Es una reivindicación de una música libre, sin fronteras territoriales, ni límites estéticos y, mucho menos, sin censuras ni persecuciones ideológicas. Es la práctica de la improvisación libre, la toma de consciencia del sonido y del silencio, y de su azaroso fluir.
Si bien el saxofonista Josep Lluís Galiana ha grabado tanto con el percusionista Jesús Gallardo —“Gallarnianas” (Liquen Records, 2021)— y con el pianista y compositor Joan Gómez Alemany —“Interaccions sonores” (Liquen Records, 2019) y recientemente “Llibertats sonores” (Liquen Records, 2023), junto al improvisador Avelino Saavedra—, “Entartete Improvisationen” es el primer disco a trío de estos tres artistas procedentes de muy diferentes corrientes estéticas de la música actual.
Galiana, Gallardo y Gómez Alemany son tres músicos con una larga trayectoria artística a sus espaldas y son muy influyentes en el actual panorama español y europeo de la improvisación libre y la música experimental. En su primer trabajo juntos se pueden apreciar los inconfundibles contornos contemporáneos de una música que bebe tanto del jazz de vanguardia como de la improvisación libre de marcada tradición europea y de la composición contemporánea, así como de la música de raíz tanto occidental como la procedente de tradiciones orientales.
Lanzamiento discográfico internacional en las más importantes plataformas digitales, en vídeo y edición física en CD
“Entartete Improvisationen” es fruto de una sesión de grabación en los Rockaway Studios, de Castelló de la Plana, celebrada el 31 de agosto de 2023, en la que Raúl Artana se ocupó de registrarla y de la posterior masterización. Con un lanzamiento internacional en las más importantes plataformas digitales y en el bandcamp de Liquen Records, este trabajo discográfico ha contado con la colaboración del artista visual Juan Vicent, quien ha realizado cuatro vídeos, captados durante la sesión de grabación. Asimismo, “Entartete Improvisationen” contará con una edición limitada en disco físico (CD), que saldrá a la venta durante el mes de febrero.
JOSEP LLUÍS GALIANA
Saxofonista, improvisador, escritor, compositor, editor y productor discográfico, Josep Lluís Galiana es protagonista destacado en la escena internacional de la libre improvisación, la creación electroacústica, el avant-garde jazz, la investigación etnomusicológica y la divulgación de la cultura y las artes desde hace más de tres décadas. Es autor de numerosos libros, ensayos, poemarios y colaboraciones en revistas especializadas y periódicos, como los libros La libre improvisación musical: fuente inagotable de inteligencia emocional, Tiempo de reverberación. Una aproximación histórica a la música experimental valenciana…, los poemarios Haikus d’estiu y Sons compartits o el ensayo Improvisación Libre. El gran juego de la deriva sonora o Emociones sonoras. De la creación electroacústica, la improvisación libre, al arte sonoro…, entre otros.
Asimismo, cuenta con doscientas composiciones en catálogo y más de cincuenta discos publicados en diversos sellos, tanto en solitario como en colaboración con reputados artistas como Agustí Fernández, John Butcher, Wade Matthews, Josu de Solaun, Ramón López, Carlos D. Perales, Avelino Saavedra, Jesús Gallardo, El Pricto, José Manuel Berenguer, Miguel Molina, Sisco Aparici, Vicente Gómez, Ferran Besalduch, Ricardo Tejero, Íñigo Ibaibarriaga, Mike Cooper, Carlos Galán, Paloma Carrasco, Thomas Bjelkeborn, Gonzalo Biffarella, Bartolomé Ferrando, Luz Prado, Ángel Faraldo, Lucia Martínez, Alex Reviriego o Joan Gómez Alemany, entre otros muchos. Su obra se ha dado a conocer en importantes festivales internacionales de Portugal, Francia, Grecia, Italia, Polonia, Suecia, EE.UU., China, Brasil, Argentina, México, Cuba y España. En 2016, funda la editorial EdictOràlia Llibres i Publicacions y el sello discográfico Liquen Records, dedicado a las músicas improvisadas y experimentales.
En el campo de la docencia, ocupó la Cátedra de Orquesta y Coro del Conservatorio Superior de Música de Castelló (2002-2003), donde fundó su Big Band. También, ha sido profesor de Historia y Estética de la Música en el Conservatorio Profesional de València (2002) y en el Conservatorio Profesional de Cullera (2004-2005), además de impartir numerosos cursos, talleres y seminarios en torno a la improvisación y otras cuestiones musicológicas, artísticas y culturales en Argentina, Grecia, Suecia y España.
JESÚS GALLARDO
Baterista, percusionista, compositor, improvisador y educador. Es licenciado por el Conservatorio Superior de Música de Valencia CSMV en la especialidad de Jazz y director de La Escuela de Música Mondo Rítmic de Castellón, donde imparte talleres de batería.
Ha colaborado con un gran número de artistas, tales como IVAM Big Band, Andrés Belmonte y Jazz 7, Agustí Fernández, Wade Mathews, Kirk McDonald, Fabio Miano, Jesús Santandreu, David Pastor, Perico Sambeat, Josep Lluís Galiana y más. Miembro fundador del CIM.CS (Col.lectiu d´improvisació musical de Castelló).
Actualmente, lidera Yei Yi & Co, un cuarteto de jazz con el que ha publicado Aaah!!! Lemon Song s 2006, Otro Muro Sobre El Ladrillo Lemon Song s 2007, Vorte Er Ca Contraseña Records 2010, Mull Lemon Songs 2016, Aleatorio Lemon Song s 2019, A l´Espai Nivi Lemon Song s 2021 y Curry Sessions 2023
1er Premio en el CS 2009 JZZ organizado por la Universitat Jaume 1er de Castelló.
JOAN GÓMEZ ALEMANY
Joan Gómez Alemany (València, 1990) es compositor, artista visual y escritor. Comienza el Grado en Composición con Oliver Rappoport (Conservatori del Liceu) y lo finaliza con Clemens Gadenstätter (Kunst Universität Graz). Tiene un Máster en Composición (KUG) con Franck Bedrossian y un Máster en Ópera (KUG) con Gadenstätter. También es graduado en Piano y licenciado en Bellas Artes. Actualmente se encuentra realizando su tesis doctoral en la Universitat Politècnica de València. Por ahora su catálogo consta de más de 60 obras para orquesta, ópera, ensemble, electroacústica, etc.
Sus composiciones han sido encargadas o interpretadas en festivales como el Darmstädter Ferienkurse, impuls (Graz), ManiFeste-IRCAM (París), reMusik.org (San Petersburgo), Mixtur (Barcelona), Ensems (València), COMA (Madrid), Klang (Copenhague), Lens Dans Festival (Bruselas), MPArt Festival (Larisa, Grecia), Mostra Sonora Sueca, Festival Contemporani d’Alacant, Àgora Actual Percussió, etc., e interpretadas por músicos o ensembles como Arditti, Nikel, Recherche, Multilatérale, Schallfeld, Adapter, Parcours, MCME, Delirium, Synergein Project, Grupo Cosmos 21, Container, Aer Duo, IEMA, Szene Instrumental, Alxarq Percussió, BCN216, Shifter y otros.
Su música también ha sido estrenada por orquestas como la SWR bajo la dirección de Gregor Mayrhofer y la JOGV bajo la dirección de Pablo Rus Broseta. En 2022 se estrenó su ópera de cámara (proyecto interdisciplinario) Glücklich, die wissen, dass hinter allen Sprachen das Unsägliche steht en la Ópera de Graz con el director Leonhard Garms. Publica sus partituras principalmente en la Universal Edition y por ahora su música está editada en 8 CDs para Liquen Records, Viajero Inmóvil Records e IBS Classical. Su música se ha escuchado en Alemania, Austria, Azerbaiyán, Bélgica, Dinamarca, España, Francia, Grecia, Israel, República Checa y Rusia, y emitida en las radios ORF, SWR, RNE, À Punt FM, Catalunya Ràdio y Radio Círculo de Bellas Artes.
Entartete Improvisationen en YouTube
DOSSIER DE PRENSA
Paco Yáñez, Scherzo, abril 2024
Con una larguísima trayectoria como saxofonista e improvisador, que incluye más de treinta lanzamientos fonográficos, Josep Lluís Galiana se ha embarcado, con los también compositores e improvisadores Joan Gómez Alemany y Jesús Gallardo, en el que es su primer disco conjunto como trío, titulado Entartete Improvisationen en homenaje a las músicas calificadas como “degeneradas” en el periodo nazi, convirtiéndose este nuevo compacto del sello Liquen en lo que sus creadores dicen “reivindicación de una música libre, sin fronteras territoriales, ni límites estéticos y, mucho menos, sin censuras ni persecuciones ideológicas”, algo tan actual hoy en Europa.
Partiendo de este planteamiento, Josep Lluís Galiana, en los saxofones soprano, tenor y barítono; Joan Gómez Alemany, en el piano extendido; y Jesús Gallardo, en la percusión, registraron el 31 de agosto de 2023, en los Rockaway Studios de Castellón, una sesión conformada por dieciséis improvisaciones libres no dispuestas en este disco por estricto orden de creación, sino combinadas buscando una mayor musicalidad y contraste. Sólo se ha conservado el orden original para la primera y la decimosexta, conformándose el global por tres improvisaciones solistas, dos dúos con piano y once tríos.
Estamos ante un trabajo que profundiza en las inconfundibles señas de identidad de estos tres improvisadores, sirviendo de ágora estética en la que resuenan desde la avantgarde europea al free jazz estadounidense, pasando por ecos del flamenco y de la música árabe. Una de las novedades, aquí, es el trabajo como aglutinador armónico y fuente de inauditas sonoridades ruidistas realizado por Joan Gómez, que confiere al trío una radical modernidad y el inconformismo que suele caracterizar a su creación artística y musical. La grabación de Raúl Artana les hace plena justicia.
Antonio Martín, La muerte tenía un blog, 20 mayo 2024
Los rangos estilísticos de ENTARTETE IMPROVISATIONEN son tan amplios que difuminan por completo cualquier atisbo de encasillamiento en escuelas, estilos, atildamientos varios o clasificación académica. Cuando los vientos de Josep Lluís Galiana van zajando espacio (el aire es la carne del cosmos, y Galiana la corta como un bisturí) uno puede correr el riesgo de decir que esto es Impro pura y dura pero escasos segundos después, a la par que extremos tonos barítonos barren el polvo de vuestras casas la atención se me va a una percusión brutalmente versátil, sincopada, y con cierto regusto orientalizante que aunque esté inmersa en el exquisito caos sí que parece responder a patrones compositivos no sé si estudiados de antemano, pero posiblemente expuestos en consideración en ese telón de fondo pineal que tenemos en el frontispicio interno de la frente de nuestros entrecejos.
Quizás me he dejado llevar por la pasión y os ruego me disculpéis. Estoy hablando de un fabuloso nuevo trío (Galiana, Gallardo, Alemany) que ha editado un yunque en forma de disco (grabación y mezcla por Raúl Artana en Rockaway Studios) a través de LÍQUEN RECORDS. He empezado la casa por el tejado ya que bien pensado, si ellos no han tenido compasión con el oyente, por qué voy a tenerla yo con el lector… es más, tampoco entiendo por qué las casas tienen que tener tejados.
Conforme avanza el disco los motivos percusivos se ven todavía más reforzados con la maestría de Joan Gómez Alemany y su piano expandido y aquí parad las máquinas un momento. La pregunta no es QUÉ porque sabemos de qué trata un ‘piano expandido’; la clave radica en ‘HASTA DÓNDE lo ha expandido’ a tenor de la apabullante glosolalia de motivos melódicos que van desde espectrales y agudos golpeteos de timbres Gamelan a atonales y dismórficos usos de corcheas a lo Cage. Por otro lado tenemos la fuerza a la batería de Jesús Gallardo, de una inventiva expansiva (algo así como baquetas de punta hueca como las balas) que nos hace olvidar la ausencia de un bajo. Pica, repica, recontrapica, taladra y emulsiona a placer mientras Galiana (me remito por ejemplo al epílogo de «Entartete Improvisationen I») se suelta un larguísimo ejercicio respiratorio en circular que quita el hipo.
Escuchado este primer corte una y otra vez, no consigo decidirme si ponerlo en ese post Coltraniano submundo ultra Free Jazz de Charles Gayle (lo primero que se me viene a la cabeza en cuanto a intensidad controlada) o en la escuela de improvisación de Jazz a la Británica de Evan Parker (intensidad de ‘control descontrolado’) pero sí que me doy cuenta de que quizás buscar un referente sea un craso error en el disco que hoy os presento. Es decir; si yo fuera un trazo de un lápiz en vez de un ser humano, no sería capaz de separar los términos Free, Avant, Contemporary y demás sino que preferiría hacerme el loco, no señalarme y ser por tanto tan recto y sutil como un encefalograma plano. ¿Cuál es la moraleja? que ENTARTETE IMPROVISATIONEN están curtidos y su música no tiene lo que se llama ‘solución de continuidad’ porque es fluida, coherente y bebe de todo y de nada a la vez.
El minimalismo de «Entartete Improvisationen XII» subyuga por sus ásperos tonos abstractos exigiendo al oyente toda su atención para separar piano de batería dentro de un microcosmos Drone asordinado con puntos en común con la tradición del Free a la británica (podéis recurrir a EMANEM del recién fallecido Martin Davidson y el bastísimo catáloco de la Spontaneous Music Ensemble). Esas cascadas de los saxos son Coltranianas a mi humilde entender y cuando emulsionan con la batería y los angulares tonos del piano (quizás Cecil Taylor es una referencia no en cuanto a estilo evidentemente, sino en cuanto a FUERZA VITAL) que a veces caen como plomiza lluvia que empapa todo el engranaje que usa Gallardo (por ejemplo en la ferretería que despliega en «Entartete Improvisationen III» o en el solo para percusión «Entartete Improvisationen VIII»). Que Galiana haya decidido moverse entre los diversos timbres posibles (soprano, tenor y barítono) refuerza y amplía la gama de tonalidades haciendo más atractivo navegar por un álbum que se va a los 80 minutos de duración. Aunque no me atreva a ponerlo a la ligera, fraseos obsesivos del saxo tenor remiten al Spiritual Jazz de Pharoah Sanders pero pasado por un filtro obsesivamente contemporáneo.
No hace falta decir que en las partes más duras se roza, se frota, se pulsa, tensa, destensa y asordina todo lo habido y por haber hasta el punto de que la confusión de lenguas de BABEL fue simplemente una anécdota sin importancia. «Entartete Improvisationen IV» es un cara a cara sin piedad entre batería y piano preparado con ausencia de vientos pero de algún modo recreando el submundo agreste de Cherry y Blackwell en MU o más acertadamente y gracias a los momentos más mistéricos de Alemany esas bellezas intransigentes con la melodía de los Helliocentric Worlds de la Sun Ra Arkestra. No todo en el disco corta y produce tetania; hay momentos para lo lírico en el piano y una excelsa batería Jazz Noir de Gallardo («Entartete Improvisationen X») sobre la que campean introspectivos saxos baladescos y Blues (el lento tempo casi litúrgico de «Entartete Improvisationen XIV»).
Exquisito Free Jazz de alta alcurnia con «Entartete Improvisationen XIII» en modo trío avasallador de inusitada ferocidad (insisto en el acierto de sustituir al bajo por un piano preparado) con cada instrumento conectado espiritualmente a los dos restantes para crear una molécula jazzística indivisible y de pesadísima masa molecular (permitidme la osadía de llamarla algo así como ENTARTETE MOLECULAREN). Los solos lejos de aburrir están perfectamente insertados en el tracklist y al anterior de Gallardo sigue un bellísimo solo al soprano de Galiana (un instrumento que me encanta) en «IX» o un fascinante despliegue de recursos de Alemany («VII») donde ocurre esa magia del sincretismo en la que lo que son cuerdas transmutan en teclados electrónicos y recursos de toda índole se quitan la máscara para transitar desde la electroacústica a momentos cercanos al Noise (cosa que se acentúa en un atonal dúo entre saxo y piano preparado («V»).
Afortunadamente, tengo aquí al lado una gran cisterna de la que tiro y por la que se va todo el academicismo de rancio abolengo. Tras liberarme de mis cadenas dogmáticas, me propongo a abrazar con todo mi ser los 12 últimos minutos («XVII» y «XVI»); saxos que resuenan como paquidermos desbocados, gárgaras magmáticas que producen un miasma esputado y que hierve en el frío metal de Gallardo, que lo monta a punto de nieve. Alemany ha sido elegido protagonista en una nueva película de Cronemberg y los clavijeros, arpas, cuerdas y apagadores lo abrazan en un Bondage percusivo que ríase usted de los Cenobitas (nota mental: preguntar a los cenobitas por la Improvisación Libre).
No voy a añadir más. DISCAZO RECOMENDADÍSIMO para gente a la que guste de perder su esmalte dental rozando dientes.
Ken Waxman, New Jazz Word, January 13, 2025
Strangely absent when creative music is discussed, Spain includes a goodly number of free improvisers, but somehow misses exposure on the wider stage. It may be because in the post-Franco environment emphasis has been on education with many of the players with advanced degrees and/or involved in academe. Which brings us to this more than 79-minute, demonstration of how the players and academics dub Entartete Improvisationen or “degenerate improvisations” can sound.
The sardonic title can only be taken with a full saltshaker since the improvising on these 14-tracks is as genuine as that from any other improvising trio. The degenerates on this disc are all veterans, and in the case of València-based soprano, tenor and baritone saxophonist Josep Lluís Galiana, who has played with Wade Matthews and Ramón López among others, have recorded frequently. His debased associates here are Joan Gómez Alemany who elsewhere uses samples and electronics and here plays so-called expanded piano and percussionist Jesús Gallardo, who has worked with Agustí Fernández
Except for solo or duo tracks, the three players’ interaction involves thrusting extended techniques projections of from all the trio members. Gallardo is probably the most restrained. His strategy involves tough ruffs, rumbles, echoing rebounds and cymbal scratches with the occasional plastic bottle-like clanks, tambourine shudders and bell-tree shakes used to break up the interface. Moving among his three saxophones Galiana’s expositions and amplifications are more extended. Capable of creating a nasal oboe-like yelp or high-energy snorts, he connects with the others using thin, high-pitched flutters or basement-level resonating honks. Disassociated split tones, note stretching, tongue stops and slaps also intersect with the others, especially Alemany’s inner string strums or pumping keyboard chording. On a track like “Entartete Improvisationen XV” Galiana balances stopped-key pressure with affiliated spetrofluctuation.
However Alemany’s note bending and affiliations are the centre of many of the pieces however. Just as Galiana is able to dig deep inside his horns’ body tubes to source unexpected timbres, Alemany has both the outer piano keys to stop, clip and pattern and the inner strings to strum, twang and frail with suggestions of harp, dulcimer, and on “Entartete Improvisationen XII”, guitar. Additionally while his contributions include heavy pounding, percussive inner piano rumbles and clanks from both sides of the keyboard, lyricism is also featured. This is especially obvious on “Entartete Improvisationen XIV”. Expressing both relaxed keyboard tinkles and pedal point strength, the pianist draws out the narrative further with a melodic comping even drawing in Galiana as he vibrates a single tone up and down.
Defined with different tempos, pitches, noises and note-bending, these degenerate improvisers’ program resolve around paying close attention to sound variations without the necessity of a defined conclusion. It also confirms the skills of at least one set of Spanish improvisers.
JOSEP LLUÍS GALIANA
Entartete Improvisationen • Textures
Martí Farré, Revista 440_Enderrock, 28 de juny 2025
El prolífic improvisador valencià Josep Lluís Galiana ha publicat dos discos amb formacions diverses, però amb un seguit de trets en comú com són l’exploració tímbrica i climàtica, el viatge i la solidesa dels intèrprets com a creadors d’universos sonors tan efímers com embriagadors, als antípodes de la placidesa, o no. Al primer treball, Entartete Improvisationen, s’ajunta amb dos músics que, com ell, presenten una folgada trajectòria en diverses escoles experimentals. Presentat com un trajecte llarg, intens i per parts —setze talls numerats de manera, en aparença, desendreçada—, inclou des de fragments de fúria desbocada fins a altres d’exploració penetrant i expectant; contrastos climàtics, en sintonia amb el bo i millor de l’experimentació acústica i amb moments, també, de lluïment en format de duet —piano estès i percussió— i a solo —de saxo i percussió—. A banda del contrast entre unes peces i altres, cal destacar la seva extraordinària comenetració amb Jesús Gallardo i Joan Gómez Alemany, que per primer cop signen una obra a trio. Caldrà parar atenció a la continuïtat d’aquest grup, com a la del duet entre Josep Lluís Galiana i Amadeu Marín. En aquest cas, es tracta d’un encontre que fa honor al títol del disc; un joc de textures sorprenents, quasi màgiques, una mostra de ‘sons no visibles’, en paraules de Gómez Alemany a les notes del disc. Galiana i Marín estableixen un diàleg a partir de timbres sovint tna poc convencionals com complementaris. Un exemple paradigmàtic d’aquesta dinàmica es troba en peces com «Glazy Slide». A Textures hi ha vibracions llargues, com les de «Coarsely Earthy», que es contraposen a l’estira-i-arronsa de «Tactile Filigree» o «Sparsely Bouncy», i peces amb desenvolupaments tan interessants com «Granular Multilayer». Una gran entesa de Galiana amb els comanys de viatge.
Miguel Ángel Pérez Martín, docenotas.com, 29/04/2024
Al parecer era esa la recomendación de Cecil Taylor cuando alguien le preguntaba por el arte de la improvisación
Es ya un estilo musical por derecho propio y lo suficiente alejado del jazz, del rock, de la música contemporánea, del noise…es «improvisación», composición instantánea lo denominaban los ingleses.
Si el lector frecuenta mis páginas y los discos que reseño verá que abogo por dar rienda suelta y valor a los músicos que se atreven con la improvisación sin red. Sin apenas un esquema.
Me parece un arte ciertamente difícil. Si yo leo una partitura y «ensayo» acabo montando ese tema, esa canción y no influye tanto mi pericia con el instrumento. Aquí sí, has de conocer hasta la extenuación lo que tienes “entre manos” aunque luego solo uses un bajo porcentaje de sus posibilidades.
Has de escuchar, has de apreciar musical y personalmente a tus compañeros, algo que no se da a veces en otros estilos musicales, aquí la empatía es fundamental como relata Josep Lluis Galiana en sus escritos.
¿Que nos ofrecen ahora estás tres luminarias de la improvisación española? De partida un disco con un sonido excepcional, se encerraron un día de agosto en un estudio, tocaron y después mezclaron y editaron, éxito de sonido casi asegurado.
El resultado: catorce secciones con un fluir sonoro e interplay excepcional.
Como siempre adelanto: la dimensión visual y gestual en esta música se diluye, pero se gana en concentración en la escucha y en limpieza de sonido frente al directo y sus impurezas, tan interesantes también en algunas ocasiones, no siempre.
La vertiente noise de la improvisación a veces es complicada de escuchar, precisa de mucho volumen, esta muestra está más cerca, por instrumentación, del free jazz y solo precisa de atención, tiempo y oído un tanto educado para estos sonidos.
Hay momentos hasta relajantes por ayudarte a mantener distancia con otras realidades.
Una escucha muy placentera e interesante, siempre.
Atrévanse a pedirlo y abran sus orejas a experiencias musicales no habituales.
PIANO SOUNDS (1983-2020). Obra pianística de Emilio Calandín
Piano Sounds (1983-2020). Obra pianística del compositor Emilio Calandín. Antonio Morant Albelda, Bartomeu Jaume & Diego Fernández Magdaleno. València: LIQUEN RECORDS. DL: V-2682-2020 — LRCD015. PVP: 18€
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PIANO SOUNDS
Bartomeu Jaume, Diego Fernández Magdaleno i Antonio Morant Albelda interpreten la integral de l’obra per a piano del compositor valencià Emilio Calandín
( versión en castellano abajo )
PIANO SOUNDS (1983-2020) és un CD monogràfic on es recull l’obra integral per a piano d’un dels compositors valencians més significatius de les últimes dècades. Emilio Calandín Hernández (València, 1958) és un músic amb una llarga trajectòria artística i constitueix, sens dubte, un referent en l’àmbit musical contemporani espanyol.
Les obres per a piano sol recopilades en PIANO SOUNDS abasten un arc temporal de quasi 40 anys de producció. Des del seu primerenc Preludi de 1983 fins a la partitura més recent del seu catàleg, Fuga sobre el nom de Francisco Llácer Pla (2020), es pot apreciar l’evolució tant tècnica com estètica d’aquest compositor, així com els diferents estímuls que han motivat obres molt diferents entre sí. En totes elles s’aprecia un vertader interès per enriquir la creació pianística actual.
Aquest projecte, a més de mostrar la contribució d’Emilio Calandín a la creació pianística valenciana, reuneix a tres intèrprets que, encara que procedents de diferents generacions, compten amb una àmplia i contrastada trajectòria artística internacional. Els pianistes Bartomeu Jaume (Llucmajor, Mallorca, 1957), Diego Fernández Magdaleno (Medina de Rioseco, Valladolid, 1971) i Antonio Morant Albelda (València, 1991) aborden amb absoluta solvència interpretativa aquesta imprescindible integral pianística, contribuint a una millor comprensió dels darrers quaranta anys del pianisme contemporani valencià.
Cal assenyalar que les composicions interpretades per Bartomeu Jaume —Voci del fiume i Acróstico— i per Diego Fernández Magdaleno —Preludi— foren enregistrades en concert. Les dues primeres ho van ser a la Sala Joaquín Rodrigo del Palau de la Música de València el 4 de juny de 2008 i la tercera, a l’Auditori Nacional (Madrid) el 14 de desembre de 2009. Es tracta, doncs, de gravacions històriques que han estat rescatades per a l’edició d’aquest disc. La resta de composicions, interpretades pel jove pianista valencià Antonio Morant Albelda, han estat enregistrades al Laboratori de Electroacústica del Conservatori Superior de València durant el mes de novembre de 2020.
CRÈDITS
Intèrprets: Antonio Morant Albelda (pistes 2, 5, 6 i 7), Bartomeu Jaume (pistes 3 i 4) i Diego Fernández Magdaleno (pista 1).
Gravació i mescles: Paz Guillén Martín i Ximo Calatayud Buñuel.
Masterització: Enrique Soriano / Crossfade Mastering
Producció: Josep Lluís Galiana.
Obra portada: Victoria Cano.
Disseny gràfic: J. Chagall / Gestionarama
© Emilio Calandín
© 2020 Liquen Records
Depòsit Legal: V-2682-2020 · LRCD015 · liquenrecords.com
Amb el suport de
i la col·laboració de
RELACIÓ d’OBRES ENREGISTRADES
1. PRELUDI (1983), RIFLESSI E TRASPARENZE (rev. 2016)_3:06
2. RICERCARE (1989)_5:36
3. VOCI DEL FIUME (1993)_8:47
4. ACRÓSTICO (1995)_15:25
5. TRES NAIPES DEL I CHING (2008)
I. Ch’ien (lo creativo)_2:43
II. Kuan (la contemplación)_3:28
III. Sung (el conflicto)_1:5
6. EPITAFIO (2009)_3:34
7. FUGA (2020)_2:08
NOTES AL VOLTANT DE LES OBRES
La primera obra amb què ens trobem, el Preludi de 1983 data de l’època d’estudiant del compositor, qui realitza en ella un homenatge al compositor francès Erik Satie i més concretament a les seues Gymnopedie. Està dedicada al pianista i pedagog valencià Vicente Roncero, qui la va estrenar en la Societat Coral El Micalet, de València. Més tard, Calandín va reutilitzar els materials d’aquella obra per a compondre un nou Preludi, Riflessi e trasparenze (2016) que va acompanyar les exposicions pictòriques de l’artista romana Germana Galdi, autora del projecte Riflessi e Trasparenze (1996).
El Ricercare, compost en 1989, està dedicada al seu mestre Francisco Llácer Pla i en ella Calandín comença a explorar el món aleatori, la superposició de blocs i l’elasticitat de l’aleatorietat controlada en una cerca de la “quasi” improvisació per part de l’intèrpret. L’obra fou encàrrec del compositor Ramón Ramos i va ser estrenada a la sala del Club Diario Llevant de València pel pianista Miguel Álvarez Argudo.
Voci del fiume, de 1993, va ser un encàrrec del pianista Miguel Álvarez Argudo, qui va ser l’encarregat d’estrenar-la en el Palau de la Música de València dins del Festival ENSEMS. En aquesta partitura, el compositor continua utilitzant procediments aleatoris sempre a la recerca de potenciar la participació de l’intèrpret en el procés creatiu. L’obra troba la seua inspiració en el llibre d’Hermann Hesse, Siddharta, i en la sèrie d’harmònics naturals sobre 5 notes: mi, sol, do, fa i si.
En Acróstico, dos Renga amb dedicatòria, de 1995, Calandín posa en pràctica per primera vegada una tècnica per a generar els materials que després utilitzarà sovint, com després comprovarem. Encàrrec del pianista xilè Humberto Quagliata, està basada en la poesia japonesa o haiku, i aquesta “poesia del flaix” serveix d’articulació formal a cada peça amb el seu sistema d’organització de les síl·labes: 5, 5, 7; 5, 7, 5; 7, 5, 5. Les notes musicals que componen l’obra sorgeixen de la traducció de les lletres dels diferents haikus a notes musicals. L’obra la va estrenar Miguel Álvarez Argudo en el Festival Internacional de Música d’Alacant.
Des de la composició d’Acròstic, en 1995, i la següent obra per a piano, Tres naipes del I Ching, de 2008, s’aprecia que passen uns quants anys en què Calandín es dedica a compondre per a altres formacions o instruments solistes. Obra encàrrec de l’Institut Valencià de la Música per al Concurs Internacional de Piano José Iturbi, presenta una elevada complexitat tècnica i interpretativa, sent estrenada per la pianista russa Ksenia Dyachenco a la sala de la SGAE de València.
Epitafi, Raó i Desencantament, de 2009, va ser un encàrrec del pianista Diego Fernández Magdaleno per a homenatjar el músic i intel·lectual espanyol Ramón Barce, qui va desaparèixer el 2008. Com en Acròstic, tots els materials tant rítmics com melòdics i harmònics sorgeixen del nom de l’homenatjat. La va estrenar Fernández Magdaleno a l’Auditori de Música de Madrid.
L’última peça que fins al moment de realitzar aquest projecte ha compost Emilio Calandín per a piano és Fuga sobre el nom de Francisco Llácer Pla (2020). Es tracta d’una revisió pianística de la fuga per a guitarra que apareix en la seua obra Ressonàncies, tres murals sonants, encàrrec de CulturArts (Generalitat Valenciana) per a commemorar el centenari d’uns dels compositors valencians més importants i, en aquell temps, mestre de Calandín: Francisco Llácer Pla. Dedicada a aquest compositor clau per a la història de la música valenciana del segle XX, tot el material de la fuga: subjecte, resposta, contrasubjecte…, així com totes les veus lliures estan extretes del nom del músic homenatjat, traduint les lletres a notes musicals, com ja va fer en Acròstic o Epitafi. Aquesta obra encara es troba sense estrenar en públic, perquè va ser composta durant el període de confinament com a conseqüència de la pandèmia provocada pel COVID 19.
BIOGRAFIES
BARTOMEU JAUME. Nascut a Llucmajor (Mallorca) el 1957, està en possessió dels premis Unió Musical Espanyola (València, 1982), López Chavarri (València, 1982) i Yamaha a Espanya (Madrid, 1982). Ha tocat en escenaris d’Espanya, França, Romania, Itàlia, els Estats Units, Portugal, Anglaterra, Alemanya i diferents països de Sud-Amèrica. El seu repertori és molt extens, abastant des del classicisme fins a la música de nova creació, a la qual sempre ha tingut present en els seus programes. Desenvolupa una labor intensa no sols com a solista sinó com a membre de grups de cambra de diferents formacions. En el seu haver compta amb més d’una vintena de CD, on cal destacar les integrals de Fernando Remacha, Vicente Asencio o José Báguena Soler. Ha sigut professor dels cursos internacionals de Bunyol, Morella i Santanyí. Membre del jurat dels concursos internacionals de Carlet, Xàtiva i Capdepera. Col·laborador habitual de solistes, destaquen, entre d’altres, Ivry Gitlis, Agustín León Lara, Isabel Rey, Itxaro Mentxaka, Joan E. Lluna, etc. En l’àmbit acadèmic, és Doctor per la Universitat de València, Catedràtic del Conservatori Superior de València, professor convidat del Conservatori Superior de les Illes Balears i Acadèmic de número de la Reial Acadèmia de Belles Arts de Sant Carles.
DIEGO FERNÁNDEZ MAGDALENO. Va nàixer a Medina de Rioseco el 1971. Actualment, és professor del Conservatori de Música de Valladolid, del qual va ser director durant quatre anys, i membre de número de la Reial Acadèmia de Belles Arts de la Puríssima Concepción, en la qual va ingressar amb un discurs centrat en la música espanyola actual. Al novembre de 2010 li va ser concedit el Premi Nacional de Música. Diversos són els vessants que es desenvolupen en la trajectòria musical del pianista Diego Fernández Magdaleno, però totes conflueixen en la seua permanent dedicació a la música espanyola contemporània, sent en l’actualitat una indubtable referència interpretativa i un estímul constant per a la composició de noves obres que augmenten el patrimoni musical del nostre país.
Fernández Magdaleno ha protagonitzat més de 300 estrenes absolutes de música espanyola per a piano de més de setanta compositors. A més, ha rescatat nombroses partitures d’autors espanyols oblidats injustament, presentant integrals de músics com Félix-Antonio, Enrique Villalba, Jacinto Ruiz Manzanares, etc.
És autor de Creació Musical Contemporània. El compositor Pedro Aizpurua (1999), El compositor Félix Antonio (2001), Duo Frechilla-Zuloaga (2003), El piano en l’obra de Josep Soler (2009), a més d’obres com El temps incinerat (2005), Llibre de la por (2006) i Raó i desencantament (2008).
Ha realitzat enregistraments per a Ràdio Nacional d’Espanya (Ràdio 1, Ràdio Clàssica, Ràdio 5…), France Musique, RAI, BBC, Antena 3 i Televisió Espanyola, i ha enregistrat música de Aizpurua, García Álvarez, Grèbol i Soler.
Diego Fernández Magdaleno ha sigut guardonat en nombroses ocasions, entre les quals cal citar: Premio Racimo de Música de la Fundació Serrada (2009), Membre d’Honor d’EPTA-Espanya (2009), Premio «Un diez para diez» (2011), Premio Servir de Rotary (2012), Hijo Predilecto de Medina de Rioseco (2013)…
ANTONIO MORANT ALBELDA. Nascut a la ciutat de València el 1991, inicia els seus estudis musicals als sis anys sota la direcció de Jorge Blom-Dahl i, posteriorment, amb Carlos Apellániz i Juana Blanco. En 2013, finalitza els seus estudis superiors amb les més altes qualificacions en el Conservatori Superior de Música Salvador Seguí, de Castelló, amb el concertista venecià Brenno Ambrosini, mentor d’Antonio des de llavors i qui ha seguit la seua formació directament fins al dia de hui. En 2015, es gradua en Història i Ciències de la Música (Musicologia) en la Universitat de La Rioja, i en 2018 finalitza els seus estudis de Pedagogia del Piano, així com Màster en Interpretació i Investigació per la Valencian International University (VIU). Des de 2016, exerceix com a professor de repertori amb piano en el Conservatori Superior de Música de Castelló, i en l’actualitat imparteix al seu torn, piano i piano i orquestra.
Durant cinc anys, Moral Albelda es forma en la Universitat de Música Frederic Chopin, de Varsòvia (Polònia), amb el concertista Piotr Paleczny i la seua assistenta Karolina Nadolska, realitzant els seus estudis de Màster i Postgrau. P. Paleczny, guardonat en el prestigiós Concurs Chopin de Varsòvia i el qual va estar en contacte amb A. Rubinstein i W. Lutoslabski, ha influït altament en la personalitat artística d’Antonio.
Ha participat en diversos cursos de perfeccionament musical de piano i rebut consells de professors de la talla de Joaquín Soriano, Oxana Yablonskaya, France Clidat, Eugen Indjic, Jorge Luís Prats, Igor Cognolato, Ludmil Angelov, Graham Jackson, Carles Marín, Claudio Martínez-Mehner, entre altres, així com en diversos festivals de música i realitzat nombrosos concerts i recitals, actuant en sales a Espanya, Itàlia, Alemanya, Polònia, Sèrbia, Holanda, entre altres. En l’àmbit cambrístic, destaquen les seues actuacions al costat de solistes internacionals, com el trompetista Serguei Nakariakov, el clarinetista Enrique Pérez o la pianista Ksenia Dyachenko.
Guardonat en nombrosos concursos com ara el Concurs de Piano Mestre Serrano (edicions X, XI, XIV, XVII, XXX), Concurs Internacional Rotary-Rotarac (Palma), Concurs Internacional de Piano Ars Nova —premio Paolo Spincich (Trieste, Itàlia), Concurs d’Interpretació Musical L’Arjau (Barcelona), Concurs Ciutat de Llíria, Concurs Ciutat de Xàtiva, Concurs de Sevilla Julio García Casas, Concurs Internacional Esteban Sánchez (Càceres), Concurs Internacional de Piano Alfred Schnittke (Hamburg), entre altres.
Algunes dels seus enregistraments s’han pogut escoltar en F Ràdio València o TV3. El compositor Juan Bautista Meseguer li va dedicar, el 2015, la seua tercera sonata per a piano.
EMILIO CALANDÍN HERNÁNDEZ. Nascut a la ciutat de València el 20 de desembre de 1958 en una família amb tradició artística: el seu avi patern fou escultor i pintor contemporani de Sorolla i Benlliure; el seu pare actor professional, director de teatre i professor d’art dramàtic i declamació; la seua mare pianista, actriu i professora de solfeig.
Precisament amb la seua mare comença els estudis de música en la Societat coral El Micalet, de València on cursa el grau elemental de guitarra. Posteriorment cursa grau mitjà de guitarra en el Conservatori de València. Els graus mitjà i superior de composició els estudia en els conservatoris de València, Alacant, Carcaixent i Meliana.
Ha obtingut diverses beques entre les quals cal destacar la rebuda pel Ministeri d’Afers exteriors per a residir en l’Acadèmia d’Espanya a Roma (Itàlia) durant el curs acadèmic 1997-1998.
Paral·lelament, als seus estudis oficials de música rep classes d’harmonia, composició i anàlisi dels compositors valencians José Báguena Soler i Francisco Llácer *Plá. La seua relació amb aquest últim és fonamental per a la seua posterior orientació estètica.
Al llarg de la seua carrera, ha tingut contacte amb els compositors Cristóbal Halffter, Luis de Pablo, Carmelo Bernaola, Tomás Marco o Helmut Lachenmann, entre altres.
En l’actualitat, compta amb un catàleg que supera les 80 obres per a diverses formacions (es pot consultar en la web de l’autor en: www.emiliocalandin.com). La seua activitat professional es desenvolupa en la càtedra de Composició del Conservatori Superior de Música de Castelló. En 2017, obté la distinció de Doctor en Música per la Universitat Politècnica de València. Publica el seu llibre Compromís amb la modernitat. Obra i estètica musical de Francisco Llácer Pla, editat per l’editorial valenciana EdictOràlia Llibres i Publicacions.
VERSIÓN EN CASTELLANO
PIANO SOUNDS
Los pianistas Bartomeu Jaume, Diego Fernández Magdaleno y Antonio Morant Albelda interpretan la integral de la obra para piano del compositor Emilio Calandín
PIANO SOUNDS (1983-2020) es un CD monográfico donde se recoge la obra integral para piano de uno de los compositores valencianos más significativos de las últimas décadas. Emilio Calandín Hernández (València, 1958) es un músico con una larga trayectoria artística y constituye, sin duda alguna, un referente en el ámbito musical contemporáneo español.
Las obras para piano solo recopiladas en PIANO SOUNDS abarcan un arco temporal de casi 40 añs de producción. Desde su primerizo Preludi de 1983 hasta la partitura más reciente de su catálogo, Fuga sobre el nombre de Francisco Llácer Pla (2020), se puede apreciar la evolución tanto técnica como estética de este compositor, así como los diferentes estímulos que han motivado obras muy diferentes entre sí. En todas ellas se aprecia un verdadero interés por enriquecer la creación pianística actual.
Este proyecto, además de mostrar la contribución de Emilio Calandín a la creación pianística valenciana, reúne a tres intérpretes que, aunque procedentes de diferentes generaciones, cuentan con una amplia y contrastada trayectoria artística internacional. Los pianistas Bartomeu Jaume (Llucmajor, Mallorca, 1957), Diego Fernández Magdaleno (Medina de Rioseco, Valladolid, 1971) y Antonio Morant Albelda (València, 1991) abordan con absoluta solvencia interpretativa esta imprescindible integral pianística, contribuyendo a una mejor comprensión de los últimos cuarenta años del pianismo contemporáneo valenciano.
Cabe señalar que las composiciones interpretadas por Bartomeu Jaume —Voci del fiume y Acróstico— y por Diego Fernández Magdaleno —Preludio fueron grabadas en concierto. Las dos primeras lo fueron en la Sala Joaquín Rodrigo del Palau de la Música de Valencia el 4 de junio de 2008 y la tercera, en el Auditorio Nacional (Madrid) el 14 de diciembre de 2009. Se trata, pues, de grabaciones históricas que han sido rescatadas para la edición de este disco. El resto de composiciones, interpretadas por el joven pianista valenciano Antonio Morant Albelda, han sido grabadas en el Laboratorio de Electroacústica del Conservatorio Superior de Música de Valencia durante el mes de noviembre de 2020.
NOTAS SOBRE LAS OBRAS
La primera obra con la que nos encontramos, el Preludio de 1983, corresponde a la época de estudiante del compositor, quien realiza en ella un homenaje al compositor francés Erik Satie y más concretamente a sus Gymnopédie. Está dedicada al pianista y pedagogo valenciano Vicente Roncero, quien la estrenó en la Sociedad Coral El Micalet, de Valencia. Más tarde, Calandín reutilizó los materiales de aquella obra para componer un nuevo Preludio: Riflessi e Trasparenze (2016) que acompañó las exposiciones pictóricas del artista romana Hermana Galdi, autora del proyecto Riflessi e Trasparenze (1996).
El Ricercare, compuesto en 1989, está dedicada a su maestro Francisco Llácer Pla y en ella Calandín empieza a explorar el mundo aleatorio, la superposición de bloques y la elasticidad de la aleatoriedad controlada en una búsqueda de la «casi» improvisación por parte del intérprete. La obra fue encargo del compositor Ramón Ramos y fue estrenada en la sala del Club Diario Levante (Valencia) por el pianista Miguel Álvarez Argudo.
Voci del fiume, de 1993, fue un encargo del pianista Miguel Álvarez Argudo, quien fue el responsable de estrenarla en el Palau de la Música de Valencia dentro del Festival ENSEMS. En esta partitura, el compositor sigue utilizando procedimientos aleatorios siempre en busca de potenciar la participación del intérprete en el proceso creativo. La obra encuentra su inspiración en el libro de Hermann Hesse, Siddharta, y en la serie de armónicos naturales sobre 5 notas: mi, sol, do, fa y si.
En Acróstico, dos Renga con dedicatoria, de 1995, Calandín pone en práctica por primera vez una técnica para generar los materiales que luego utilizará a menudo, como después comprobaremos. Encargo del pianista chileno Humberto Quagliata, está basada en la poesía japonesa o haiku, y esta «poesía del flash» sirve de articulación formal a cada pieza con su sistema de organización de las sílabas: 5, 5, 7; 5, 7, 5; 7, 5, 5. Las notas musicales que componen la obra surgen de la traducción de las letras de los diferentes haikus a notas musicales. La obra la estrenó Miguel Álvarez Argudo en el Festival Internacional de Música de Alicante.
Desde la composición de Acróstico, en 1995, y la siguiente obra para piano, Tres Naipes del I Ching, de 2008, se aprecia que pasan varios años en que Calandín se dedica a componer para otras formaciones o instrumentos solistas. Obra encargo del Instituto Valenciano de la Música para el Concurso Internacional de Piano José Iturbi, presenta una elevada complejidad técnica e interpretativa, siendo estrenada por la pianista rusa Ksenia Dyachenco en la sala de la SGAE de Valencia.
Epitafio, Razón y Desencanto, de 2009, fue un encargo del pianista Diego Fernández Magdaleno para homenajear al músico e intelectual español Ramón Barce, quien desapareció en 2008. Como en Acróstico, todos los materiales tanto rítmicos como melódicos y armónicos surgen del nombre del homenajeado. La estrenó Fernández Magdaleno en el Auditorio de Música de Madrid.
La última pieza que hasta el momento de editar este disco ha compuesto Emilio Calandín para piano es Fuga sobre el nombre de Francisco Llácer Pla (2020). Se trata de una revisión pianística de la fuga para guitarra que aparece en su obra Resonancias, tres murales sonantes, encargo de Culturarts (Generalitat Valenciana) para conmemorar el centenario de uno de los compositores valencianos más importantes y, a la sazón , maestro de Calandín: Francisco Llácer Pla. Dedicada a este compositor clave para la historia de la música valenciana del siglo XX, todo el material de la fuga: sujeto, respuesta, contrasujeto…, así como todas las voces libres están extraídas del nombre del músico homenajeado, traduciendo las letras a notas musicales, como ya hizo en Acróstico o Epitafio. Esta obra aún se encuentra sin estrenar en público, porque fue compuesta durante el periodo de confinamiento como consecuencia de la pandemia provocada por Covid 19.
Lista de composiciones grabadas
1. PRELUDI (1983), RIFLESSI E TRASPARENZE (rev. 2016)_3:06
2. RICERCARE (1989)_5:36
3. VOCI DEL FIUME (1993)_8:47
4. ACRÓSTICO (1995)_15:25
5. TRES NAIPES DEL I CHING (2008)
II. Kuan (la contemplación)_3:28
6. EPITAFIO (2009)_3:34
7. FUGA (2020)_2:08
BARTOMEU JAUME
Nacido en Llucmajor (Mallorca) en 1957, está en posesión de los premios Unión Musical Española (Valencia, 1982), López Chavarri (Valencia, 1982) y Yamaha en España (Madrid, 1982). Ha tocado en escenarios de España, Francia, Rumanía, Italia, Estados Unidos, Portugal, Inglaterra, Alemania y diferentes países de Sudamérica. Su repertorio es muy extenso, abarcando desde el clasicismo hasta la música de nueva creación, a la que siempre ha tenido presente en sus programas. Desarrolla una labor intensa no sólo como solista sino como miembro de grupos de cámara de diferentes formaciones.
En su haber cuenta con más de una veintena de CD, donde cabe destacar las integrales de Fernando Remacha, Vicente Asencio o José Báguena Soler. Ha sido profesor de los cursos internacionales de Buñol, Morella y Santanyí. Miembro del jurado de los concursos internacionales de Carlet, Xàtiva y Capdepera. Colaborador habitual de solistas, destacan, entre otros, Ivry Gitlis, Agustín León Lara, Isabel Rey, Itxaro Mentxaka, Joan E. Luna, etc.
En el ámbito académico, es Doctor por la Universitat de Valencia, Catedrático del Conservatorio Superior de Valencia, profesor invitado del Conservatorio Superior de las Islas Baleares y Académico de número de la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos.
DIEGO FERNÁNDEZ MAGDALENO
Nació en Medina de Rioseco en 1971. Actualmente, es profesor del Conservatorio de Música de Valladolid, del que fue director durante cuatro años, y miembro de número de la Real Academia de Bellas Artes de la Purísima Concepción, en la que ingresó con un discurso centrado en la música española actual. En noviembre de 2010 le fue concedido el Premio Nacional de Música.
Varios son las vertientes que se desarrollan en la trayectoria musical del pianista Diego Fernández Magdaleno, pero todas confluyen en su permanente dedicación a la música española contemporánea, siendo en la actualidad una indudable referencia interpretativa y un estímulo constante para la composición de nuevas obras que aumentan el patrimonio musical de nuestro país. Fernández Magdaleno ha protagonizado más de 300 estrenos absolutos de música española para piano de más de setenta compositores.
Además, ha rescatado numerosas partituras de autores españoles olvidados injustamente, presentando integrales de músicos como Félix-Antonio, Enrique Villalba, Jacinto Ruiz Manzanares, etc. Es autor de Creación Musical Contemporánea. El compositor Pedro Aizpurua (1999), El compositor Félix Antonio (2001), Duo Frechilla-Zuloaga (2003), El piano en la obra de Josep Soler (2009), además de obras como El tiempo incinerado (2005), libro del miedo (2006) y Razón y desencanto (2008).
Ha realizado grabaciones para Radio Nacional de España (Radio 1, Radio Clásica, Radio 5 …), France Musique, RAI, BBC, Antena 3 y Televisión Española, y ha grabado música de Aizpurua, García Álvarez, Grèbol y Soler. Diego Fernández Magdaleno ha sido galardonado en numerosas ocasiones, entre las que cabe citar: Premio Racimo de Música de la Fundación Serrada (2009), Miembro de Honor de EPTA-España (2009), Premio «Un diez para diez» (2011 ), Premio Servir de Rotary (2012), Hijo Predilecto de Medina de Rioseco (2013) …
ANTONIO MORANT ALBELDA
Nacido en la ciudad de Valencia en 1991, inicia sus estudios musicales a los seis años bajo la dirección de Jorge Blom-Dahl y, posteriormente, con Carlos Apellániz y Juana Blanco. En 2013, finaliza sus estudios superiores con las más altas calificaciones en el Conservatorio Superior de Música Salvador Seguí, de Castellón, con el concertista veneciano Brenno Ambrosini, mentor de Antonio desde entonces y quien ha seguido su formación directamente hasta el día de hoy. En 2015, se gradúa en Historia y Ciencias de la Música (Musicología) en la Universidad de La Rioja, y en 2018 finaliza sus estudios de Pedagogía del Piano, así como Master en Interpretación e Investigación por la Valencian International University (VIU). Desde 2016, ejerce como profesor de repertorio con piano en el Conservatorio Superior de Música de Castellón, y, en la actualidad, imparte a su vez, piano y piano y orquesta.
Durante cinco años, Moral Albelda se forma en la Universidad de Música Federico Chopin, de Varsovia (Polonia), con el concertista Piotr Paleczny y su asistenta Karolina Nadolska, realizando sus estudios de Master y Postgrado. P. Paleczny, galardonado en el prestigioso Concurso Chopin de Varsovia y el que estuvo en contacto con A. Rubinstein y W. Lutoslabski, ha influido altamente en la personalidad artística de Antonio. Ha participado en diversos cursos de perfeccionamiento musical de piano y recibido consejos de profesores de la talla de Joaquín Soriano, Oxana Yablonskaya, France cálidas, Eugen Indjic, Jorge Luís Prats, Igor Cognolato, Ludmila Angelov, Graham Jackson, Carlos Marín, Claudio Martínez Mehner, entre otros, así como en diversos festivales de música y realizado numerosos conciertos y recitales, actuando en salas en España, Italia, Alemania, Polonia, Serbia, Holanda, entre otros.
En el ámbito camerístico, destacan sus actuaciones junto a solistas internacionales, como el trompetista Serguei Nakariakov, el clarinetista Enrique Pérez o la pianista Ksenia Dyachenko. Galardonado en numerosos concursos como el Concurso de Piano Maestro Serrano (ediciones X, XI, XIV, XVII, XXX), Concurso Internacional Rotary-Rotarac (Palma), Concurso Internacional de Piano Ars Nova-Premio Paolo Spincich (Trieste, Italia), concurso de Interpretación Musical L’Arjau (Barcelona), concurso Ciudad de Liria concurso Ciudad de Xàtiva, concurso de Sevilla Julio García Casas, concurso Internacional Esteban Sánchez (Cáceres), concurso Internacional de Piano Alfred Schnittke (Hamburgo), entre otros. Algunas de sus grabaciones se han podido escuchar en F Radio Valencia o TV3. El compositor Juan Bautista Meseguer le dedicó, en 2015, su tercera sonata para piano.
EMILIO CALANDÍN HERNÁNDEZ
Nacido en la ciudad de Valencia el 20 de diciembre de 1958 en una familia con tradición artística: su abuelo paterno fue escultor y pintor contemporáneo de Sorolla y Benlliure; su padre actor profesional, director de teatro y profesor de arte dramático y declamación; su madre pianista, actriz y profesora de solfeo. Precisamente con su madre comienza los estudios de música en la Sociedad coral El Micalet, de Valencia donde cursa el grado elemental de guitarra.
Posteriormente cursa grado medio de guitarra en el Conservatorio de Valencia. Los grados medio y superior de composición los estudia en los conservatorios de Valencia, Alicante, Carcaixent y Meliana. Ha obtenido varias becas entre las que cabe destacar la recibida por el Ministerio de Asuntos Exteriores para residir en la Academia de España en Roma (Italia) durante el curso académico 1997-1998. Paralelamente, a sus estudios oficiales de música recibe clases de armonía, composición y análisis de los compositores valencianos José Báguena Soler y Francisco Llácer Pla. Su relación con este último es fundamental para su posterior orientación estética.
A lo largo de su carrera, ha tenido contacto con los compositores Cristóbal Halffter, Luis de Pablo, Carmelo Bernaola, Tomás Marco o Helmut Lachenmann, entre otros. En la actualidad, cuenta con un catálogo que supera las 80 obras para diversas formaciones (se puede consultar en la web del autor en: www.emiliocalandin.com). Su actividad profesional se desarrolla en la cátedra de Composición del Conservatorio Superior de Música de Castellón.
En 2017, obtiene la distinción de Doctor en Música por la Universidad Politécnica de Valencia. Publica su libro Compromiso con la modernidad. Obra y estética musical de Francisco Llácer Pla, editado por la editorial valenciana EdictOràlia Libros y Publicaciones.
RESEÑAS Y CRÍTICAS
Piano Sounds, nueva edición dentro del catálogo de Liquen Records (Valencia), explora la obra pianística compositiva de Emilio Calandín (Valencia, 1958) abarcando un periplo que va desde inicios de los 80 hasta el presente. Generalmente, los discos de piano solista suelen atascárseme bastante a la hora de reseñarlos y creo que la razón primordial es mi falta de acervo musical; si son de base jazzística conecto mejor con las referencias pero en el caso de Calandín es la Clásica Contemporánea lo que abunda en su obra, terreno que controlo bastante menos. Pero claro, hay un detalle en las composiciones de Calandín que no puedo dejar pasar por alto; compone como un pintor y pinta notas como un poeta japonés compone Haikus. Dicho de otro modo, su por lo general aletargado tempo, su comedido uso del silencio y sus explosivos contrastes entre glissandos o clústeres de notas provocan en el oyente una compleja sensación de plenitud y casi de vértigo, de introspección y choque, de caída inversa…, pero no quiero adelantar demasiado. Lo que sí os pido es que perdonéis mi falta de conocimiento a la hora de expresar las técnicas y los posibles fallos que pueda cometer al describirlas.
Cualquier atisbo de academicismo en mi prosa es pura coincidencia. Para cualquier duda, consulte en su Asklepeion más cercano. Sobrepasar las dosis, SIEMPRE.
Piano Sounds se edita en formato digipack con grabación / mezcla de Paz Guillem Martín y Ximo Calatayud Buñuel, siendo la masterización obra de Enrique Soriano que por cierto ha conseguido una consistencia y prístino sonido muy encomiables (creo que los detalles más concretos podéis leerlos mejor aquí). En los ropajes, maravilloso dibujo de Victoria Cano (os dejo enlace a su página). Para terminar los créditos, son los pianistas Antonio Morant Albelda, Bartomeu Jaume y Diego Fernández Magdaleno los encargados de dar vida a las composiciones de Calandín y os vuelvo a remitir al enlace a Liquen Records para que ahondéis en sus currículums y detalles de la obra, así no repito conceptos que puedan hacer muy farragosa la lectura.
Diego Fernández Magdaleno abre con «Preludi, Riflesi e Trasparenze», dos obras en sí mismas, «Preludio», homenaje evidente a Erik Satie de 1983 y luego refundida en «Preludi, Riflesi e Transparenze» años más tarde para acompañar la exposición pictórica de la artista romana Hermana Galdi. Maravillosos tres minutos obsesivos y andantes, con ese regusto balsámico de las obras de Satie (Gymnopédie) pasada por cierto aire soñador, profundamente mediterráneo a la italiana hasta el punto de que me cuesta no pensar que podría haber adornado cualquier pasaje de Sacco y Vanzetti y aunque salvando las distancias, la composición exhala esa desenvoltura casi `de la infancia´ de las composiciones menos rocambolescas de Morricone (ese piano obsesivo en «Chi Mai»). Romanticismo e impresionismo dibujando en un lienzo musical al pie de un acantilado plagado de casitas encaladas, mediterráneo amable y tan transparente que el azul del cielo anula el horizonte.
A continuación Antonio Morant hace lo propio con «Ricercare» (1989), pieza que ya deja entrever la vanguardia de lo aleatorio en Calandín. Salto bastante contrastado con la primera pieza debido a la tremenda libertad que da Calandín a Morant a la hora de improvisar unas líneas lentas por lo general, rozando la música concreta y minimalista (estoy tentado de decir que usa recursos de la electroacústica), pero que de repente se ven subrayadas por exabruptos, caídas y movimientos juguetones, radicales y con notas tan cortas que parecen cuerdas pellizcadas. Es como si se le arrebatara la vibración a la nota antes de tiempo para que el efecto percusivo sea mayor. Maravilloso.
Bartomeu Jaume se encarga del bloque compuesto por «Voci del Fiume» (1993) y «Acróstico» (1995), de 9 y 15 minutos de duración respectivamente. «Voci del Fiume» se inspira en el Siddharta de Hesse y nos vuelve a mostrar a un Calandín que deja al intérprete espacio para hacer suya la obra. Sigue la pauta estilística del corte anterior pero quizás acentuando más ese toque sinusoidal (armónicos) de las notas, casi vibrafónicas y con un deje oriental no exento de cierta épica en los momentos en los que líneas más graves acechan los agudos… una especie de amenaza se cierne sobre el oyente que ve cómo la estructura se rompe y es agitado en un oleaje de notas donde vuelve a brillar la aleatoriedad. Mano derecha e izquierda dialogan en dos idiomas diferentes pero que pueden entenderse perfectamente el uno al otro, demostrando que la música en estado puro se mueve por sendas anti Babelianas. «Acróstico» sin embargo ya muestra un cambio de estilo importante; estructuralmente vertebrado a partir de traducir las notas a la poesía tradicional japonesa (Haiku), asistimos por tanto a pequeñas y reiteradas escalas que ascienden, paran y se puntúan por obsesivos juegos de dos notas y vuelta a las escalas en ascenso.
El conjunto posee mucha carga dramática y resulta bastante exigente para el intérprete, que afortunadamente (Jaume) no solo la aborda a la perfección sino que la dota de una pasmosa fluidez. Los silencios, muy marcados, y el contraste muy evidente entre lentitud y bloques explosivos muy cortos definen sobre todo la composición a partir del minuto 7. El Haiku es silencioso por naturaleza pero Calandín lo pela como una fruta y lo lleva a un terreno distinto, como si hubiera resuelto algún tipo de enigma o enredo mental.
Damos un salto a 2008 con «Tres Naipes del I Ching», dividida en 3 secciones cortas interpretadas por Antonio Morant. Abre «Ch´ien (lo creativo)», con mistérica apertura de cinco pellizcos del cordal que explotan en un agresivo vuelco sobre el teclado a lo Messiaen, dando una sensación de celeridad (lo creativo) a base de notas que estallan en contrapartida de otras que se ven arrasadas por golpes secos de la otra mano. Genial el cambio de registro en «Kuan (la contemplación)», cargada de cierta pesadumbre acaracolada, continuada por una incesante sucesión de notas agudas y todo un cortejo de recursos para finalizar con templanza y sosiego. Para terminar este bloque, «Sung (el conflicto)» se viste de abstracción y se torna mucho más orientalizante que las previas. Por cierto, maravillosa esa nota serrada con sordina que pone punto y final a cada episodio; una nota para el primer naipe (Ch´ien), dos para Kuan y tres para Sung.
Sigue Morant en «Epitafio» (2009), homenaje póstumo a Ramón Barce y de tono bastante fúnebre. Se usa el pedal y la resonancia como fondo para que esquirlas agudas y espaciadas de la mano derecha reciten su particular homilía de respeto al difunto. La última pieza, también interpretada por Morant, y de 2020, es un homenaje al que fuere profesor de Calandín, Francisco Llácer y como su nombre indica, «Fuga» derrama sus notas tal y como un pintor lleva su pincel cada vez más lento a ese lugar donde todo confluye.
Paco Yáñez, mundoclasico.com, lunes, 22 de febrero de 2021
El pasado lunes concluimos nuestra reseña de la edición discográfica de las Wittener Tage füe neue Kammermusik 2019 afirmando que no estaban los tiempos para florituras; al menos, en el terreno de las grabaciones discográficas de música actual. Si esto es tristemente válido para el conjunto de Europa, qué decir de una España cuya escasa producción en este ámbito casi ha desaparecido, quedando por el camino iniciativas (de corto o largo recorrido) tan valiosas como Verso o Anemos: dos de las aventuras fonográficas que, ya en la tercera década del siglo XXI, se cuentan como ejemplos de una industria cultural que, al menos en lo que se refiere a la música actual, en España es, en 2021, un verdadero páramo.
Es por ello que nos hemos de felicitar porque un sello como Liquen Records, nacido en Valencia en el año 2016, siga, cuando se cumple su primer lustro de existencia, con tal pujanza y ritmo de publicación de compactos: un catálogo que aúna la música experimental, la contemporánea y la improvisación, y en el que se presta una especial atención a los compositores valencianos, aunque su atención trascienda las fronteras de dicho territorio, así como las de nuestro tiempo, habiendo sido publicadas en Liquen grabaciones que van de la música de Hildegard von Bingen a la de Karlheinz Stockhausen, pasando por la de John Cage o la de Thomas Bjelkeborn.
Nos centramos hoy en el núcleo fundamental de Liquen Records: el de los compositores valencianos, pues entre ellos se cuenta Emilio Calandín (Valencia, 1958), de quien Liquen presenta su integral para piano, compuesta entre los años 1983 y 2020: un conjunto de partituras que dan buena fe de su evolución estética, así como de muchas de las corrientes pianísticas que han surgido a lo largo de los últimos siglos, buena parte de las cuales encuentran un eco en las partituras de Calandín. Lo hacen, sin duda, en la temprana Preludio (1983), pieza compuesta en sus años de estudiante, como homenaje a Erik Satie y a sus Gymnopédies (1888), y que cinco años atrás (precisamente, cuando nacía Liquen Records) Calandín rescató para reconvertirla en Preludio: Riflessi e trasparenze (2016), obra (tan en línea con Satie) concebida para acompañar las exposiciones de la artista romana Germana Galdi —a quien la partitura está dedicada—, autora del proyecto Riflessi e trasparenze. Como la pintura de Galdi, estos reflejos y transparencias a modo de preludio pianístico resultan muy sutiles y evocadores, cargados de aromas de un mundo antiguo y mediterráneo, con sus auras melódicas y su bello colorido.
Es por ello que el contraste con la segunda partitura aquí recogida, Ricercare (1989), es realmente acusado, adentrándose Calandín, por medio de esta pieza, en la aleatoriedad controlada y su elasticidad, así como en la superposición de bloques y en lo que define como una «casi» improvisación por parte del intérprete. A pesar de las libertades que Calandín concede al pianista (o, quizás, gracias a ello; al menos, en la lectura que aquí escuchamos), Antonio Morant Albelda construye una versión especialmente acerada, robusta y estructural, en la que se combinan ecos del sólido pianismo de la Segunda Escuela de Viena con dejes juguetones y melódicos, sincopados y saltarines, que nos conducen a través de una inquieta búsqueda de desarrollos musicales, continuamente renovados: aquí, de un modo más moderno que en la partitura que abría el compacto.
Voci del fiume (1993) procede a un nuevo salto estilístico, ya desde su gesto inicial, tan poderoso y extendido, de dejar caer la tapa del piano con el pedal de resonancia activado, para que así reverberen —de tres a cinco segundos, según indica la partitura— las resonancias del cordal. Tras tan poderoso comienzo, Emilio Calandín procede a un juego de ecos y contrastes muy acusado, que arranca con una serie de alternancias entre lo súbito y lo «lento y cristalino» que evocará las brillantes constelaciones sciarrinianas. Inspirada en la novela Siddhartha (1922), de Hermann Hesse, y en la serie de armónicos naturales sobre las notas mi-sol-do-fa-si, Voci del fiume vuelve a habilitar procedimientos aleatorios para potenciar la participación del intérprete; en este caso, el pianista Bartomeu Jaume, músico que aquí introduce ecos del siglo XX que van de Pierre Boulez a Karlheinz Stockhausen, por su sentido tan sólido y contrastante de los bloques pianísticos, si bien hasta en dichos pasajes se asoma un poso del pianismo más tradicional, cual si las referencias más vanguardistas y aristadas fuesen visitadas por el universo de un Mompou, sintetizando corrientes estilísticas e integrándolas: una de las señas de identidad por antonomasia de Emilio Calandín. De este modo, Voci del fiume es todo un diálogo de ¿opuestos?, así como un juego de centelleos y campanadas que se van ampliando hasta ofrecernos un piano de amplio vuelo sinfónico, muy espacial, en el que adquiere gran importancia el peso del silencio, aunque, como tal, apenas lo escuchemos, si bien su presencia está siempre ahí, ejerciendo de marco y delimitador a las bien señaladas capas que Calandín superpone, repletas de ataques que rompen y complejizan el discurso, asediando un progresivo serenamiento de raigambre postimpresionista que choca con ese universo más vanguardista y acerado.
Por tanto, y en la década final del siglo XX, en el piano de Emilio Calandín se condensan las corrientes que le llegan desde Debussy y Schönberg, con Mompou enriqueciendo sus sucesivos capítulos de desarrollo, así como mostrando el carácter mediterráneo de su pianismo, tan cargado de luz, sensualidad, color y pervivencia de la melodía; una melodía enmarcada entre un tenso cromatismo impresionista y un acerado estructuralismo: procesos que en los clústeres cromáticos encuentran algunos de sus más bellos puntos de síntesis. En este sentido, la partitura constituye, asimismo, todo un ejercicio de afirmación y hasta supervivencia del yo, de un estilo propio, en medio de tan poderosas corrientes estéticas. Voci del fiume compacta, incluso, partituras precedentes (pues algo del germinal Preludio del año 1983 se deja entrever aquí), antes de que la pieza se cierre de forma prácticamente circular, con un hermoso y lento glissando en el cordal que preludia un gesto final que es eco silente del que diera inicio a la pieza, con la bajada de la tapa del piano: carpetazo sobre el que aún resonarán los ecos del arpa vibrando en el cordal desde el glissando previo.
Acróstico, dos Renga con dedicatoria (1995) está basada en los haikus nipones, cuyas estructuras métricas sirven a Calandín para articular formalmente cada pieza en lo que al sistema de organización de sílabas se refiere (5, 5, 7; 5, 7, 5; 7, 5, 5). De este modo, Calandín nos indica que las notas musicales de este Acróstico surgen de la traducción a la notación occidental de las letras de los propios haikus, creando un intricado universo poético-musical. Es, de nuevo, el pianista mallorquín Bartomeu Jaume quien da cuenta de una partitura cuyo comienzo porta ecos de Liszt y Scriabin, con un virtuosismo que es digno heredero del aquél del siglo XIX. De este modo, las numerosas escalas ascendentes se convierten en verdaderas escaleras que interconectan el pasado y el presente, volviendo a mostrarnos un piano que abarca y sintetiza, como el conjunto de este disco, tres siglos de música. En todo caso, y pese a tan rocosos precedentes pianísticos como los citados, que aquí se manifiestan, asimismo, en nuevos bloques que contrastan y chocan entre sí, bajo este Acróstico subyace una búsqueda de un silencio esencial que es buena muestra de la inspiración de Emilio Calandín en los haikus japoneses, por lo que su partitura se va progresivamente despojando, conquistando ese silencio denso y elocuente en los compases finales.
Si Acróstico dialogaba con la cultura japonesa, los Tres Naipes del I Ching (2008) lo hacen con la china, por medio de las cartas que articulan estos tres naipes musicales; respectivamente: CH’IEN (Lo Creativo), KUAN (La Contemplación) y SUNG (El Conflicto), con sus correspondientes textos de Confucio, recogidos por Emilio Calandín en su partitura junto con una signografía especialmente pertinente por los verdaderos rituales acústico-poéticos que estos Tres Naipes nos proponen. Más allá de su apertura en pizzicati sobre el cordal, no estamos ante unas piezas que presenten técnicas extendidas, como algunas de las anteriores, y en ellas lo que prima es un inquieto manejo del ritmo que es deudor, entre otros, de un Olivier Messiaen que también fue un compositor atento a las culturas orientales, además de un virtuoso al piano, como en este compacto Antonio Morant Albelda, músico que da cuenta de estas tres piezas. Como Messiaen, Antonio Morant también destaca aquí el cromatismo y hasta, de nuevo, ecos de Skriabin, si bien el discurso es centelleante en todo momento; incluso, en la contemplativa KUAN.
Epitafio: razón y desencanto fue compuesta en los meses de enero y febrero de 2009, a modo de homenaje póstumo a Ramón Barce, fallecido el 14 de diciembre de 2008. La pieza, de 3:34 minutos de duración, está basada, rítmica, melódica y armónicamente, en el nombre del homenajeado, así como en una frase de Bertolt Brecht utilizada por Barce en su libro Tiempo de tinieblas y algunas sonrisas (1992), una frase que reza así: «Vosotros, que surgiréis del marasmo en el que nosotros nos hemos hundido, cuando habléis de vuestras debilidades, pensad también en los tiempos sombríos de los que habéis escapado». Con estos ingredientes, nos encontramos con una partitura muy sentida e intimista, aunque pocas novedades aporta, en cuanto a su forma, con respecto a algunas de las obras precedentes, de estética más avanzada. Su tono luctuoso y fúnebre viene especialmente dado por una mano izquierda que afianza un registro grave con profusión de pedal y resonancias, aspecto que nos recordará al último Feldman, aunque el trabajo de Emilio Calandín no se desarrolle mediante el juego de patrones y simetrías quebradas típicas del genio norteamericano. Sobre este fondo, que podríamos asociar, siguiendo el título de la pieza, al desencanto, a la pesadumbre y a la presencia, transversal a toda la pieza, de la muerte, se dibujan frases en registro agudo que centellean intentando exponer motivos que, de nuevo siguiendo el título de la partitura, podrían rescatar esa lógica a modo de conversaciones ya sin respuesta, si bien es el desencanto, esa pátina obscura de fondo, lo que lo tiñe todo en el momento del adiós; por tanto, más desencanto que razón, pues el tenuto en registro grave manda, con sus densas y luctuosas resonancias. El joven pianista valenciano Antonio Morant Albelda da perfecta cuenta de estos paisajes de la desolación, conjugando técnica y una sentida expresividad.
La última pieza aquí reunida es, asimismo, la última partitura para piano compuesta, a día de hoy, por Emilio Calandín, su Fuga sobre el nombre de Francisco Llácer Pla (2020), página dedicada a quien fuera su profesor, el compositor y profesor valenciano Francisco Llácer. Esta Fuga pianística está basada en la fuga para guitarra incluida en Resonancias, tres murales sonantes (2018-19), partitura para orquesta de cuerda, guitarra amplificada solista y percusión compuesta, igualmente, como homenaje a Francisco Llácer; en aquella ocasión, con motivo del centenario de su nacimiento. Las notas del compacto nos indican que «todo el material de la fuga: sujeto, respuesta, contrasujeto…, así como todas las voces libres están extraídas del nombre del músico homenajeado, traduciendo las letras a notas musicales, como ya hizo en Acróstico o Epitafio». Como en el caso de Epitafio, estamos ante una pieza de estética más conservadora, que expone desarrollos entre la mano izquierda y la derecha, en cuanto a los materiales fugados, un tanto de recetario musical, simplificando el discurso sin mayor vuelo personal ni creativo, por lo que, en conjunto, es muy preferible remitirnos a piezas como Voci del fiume para encontrarnos con lo mejor de este disco, por su mayor modernidad, frente a otras partituras (destacadamente, las dos últimas), de sabor un tanto añejo. De nuevo es Antonio Morant Albelda quien se hace cargo de una interpretación aquí grabada antes de que la propia partitura viviese su estreno en sala de conciertos, debido a la irrupción de la pandemia que aún nos azota.
Por lo que a las grabaciones se refiere, éstas son, en general, notables, aunque la de Preludio: Riflessi e trasparenze, efectuada en vivo en el Auditorio Nacional de Madrid, pierde bastante en timbre y armónicos, mientras que los registros realizados en las dependencias del Conservatorio Superior de Valencia, en condiciones de estudio, son bastante mejores, así como las tomas de Voci del fiume y Acróstico, también registradas en directo, pero de mucho mejor sonido que la pieza que habría el disco (en todo caso, estas tres grabaciones en vivo son calificadas de «históricas» por Emilio Calandín; de ahí, su interés por incluirlas en esta edición). Como en anteriores lanzamientos de Liquen Records, el propio cartón del compacto incluye unas muy sucintas notas, a modo de introducción, si bien en este caso disponemos de un código QR que nos enlazará con la página web del sello discográfico, donde encontraremos unas notas más detalladas (en valenciano y castellano) que incluyen textos explicativos de cada obra, así como un enlace a la partitura de las piezas aquí registradas (excepto la Fuga final): enlaces a los que en esta misma reseña pueden acceder. Un formato, sin duda, muy a tener en cuenta en unos tiempos que, como decíamos al comienzo de esta reseña, no son, ni mucho menos, halagüeños para las grabaciones de música actual. Al menos, el trabajo de Liquen Records mantiene un hilo de esperanza en nuestro territorio.
Liquen Records publica l’obra per a piano del compositor valencià Emilio Calandín
El disc “Piano Sounds (1983-2020)”, interpretat per Antonio Morant Albelda, Bartomeu Jaume i Diego Fernández Magdaleno, abasta quasi 40 anys de producció pianística
Piano Sounds (1983-2020) és un disc monogràfic on es recull l’obra integral per a piano d’un dels compositors valencians més significatius de les últimes dècades. Emilio Calandín Hernández (València, 1958) és un músic amb una llarga trajectòria artística i constitueix, sens dubte, un referent en l’àmbit musical contemporani espanyol. Les obres per a piano sol recopilades en aquesta nova producció de Liquen Records abasten un arc temporal de quasi 40 anys de producció musical. Des del seu primerenc Preludi de 1983 fins a la partitura més recent del seu catàleg, Fuga sobre el nom de Francisco Llácer Pla (2020), encara no estrenada davant el públic per haver estat composta durant el confinament com a conseqüència de la pandèmia provocada per la Covid 19, es pot apreciar l’evolució tant tècnica com estètica d’aquest compositor fonamental per entendre la més recent història de la música valenciana, així com els diferents estímuls que han motivat obres molt diferents entre sí. En totes elles s’aprecia un vertader interès per enriquir la creació pianística actual.
A més a més de mostrar la contribució d’Emilio Calandín a la creació pianística valenciana, Piano Sounds (1983-2020) reuneix a tres intèrprets que, encara que procedents de diferents generacions, compten amb una àmplia i contrastada carrera artística internacional. Els pianistes Bartomeu Jaume (Llucmajor, Mallorca, 1957), Diego Fernández Magdaleno (Medina de Rioseco, Valladolid, 1971) i Antonio Morant Albelda (València, 1991) aborden amb absoluta solvència interpretativa aquesta imprescindible integral pianística, contribuint a una millor comprensió dels darrers quaranta anys del pianisme contemporani valencià.
Una de les particularitats d’aquesta nova producció discogràfica del segell valencià Liquen Records s’hi troba en el fet que les composicions interpretades pels pianistes Bartomeu Jaume —Voci del fiume i Acróstico— i Diego Fernández Magdaleno (Premi Nacional de Música 2010) —Preludi— foren enregistrades en concert. Es tracta, per tant, de gravacions històriques que han estat rescatades dels arxius per a l’edició d’aquest disc. La resta de composicions, interpretades pel jove pianista valencià Antonio Morant Albelda, han estat enregistrades al Laboratori de Electroacústica del Conservatori Superior de Música de València durant el mes de novembre de 2020, gràcies a la col·laboració dels alumnes de Sonologia de l’esmentat centre Paz Guillén Martín i Ximo Calatayud Buñuel. El disc ha estat produït per Josep Lluís Galiana i ha comptat amb la participació de l’artista Victoria Cano, amb l’obra que il·lustra la portada del disc, del dissenyador gràfic J. Chagall i d’Enrique Soriano, en la masterització.
Amb el suport de l’Institut Valencià de Cultura de la Generalitat Valenciana i la col·laboració del Conservatori Superior de València, Piano Sounds (1983-2020) recull set composicions d’Emilio Calandín, entre les quals destaquen importants partitures com ara els Tres naipes del I Ching (2008), obra encàrrec de l’Institut Valencià de la Música per al Concurs Internacional de Piano José Iturbi. Una obra que presenta una elevada complexitat tècnica i interpretativa i que va ser estrenada per la pianista russa Ksenia Dyachenco a la sala de la SGAE de València. També mereix especial menció Epitafi, Raó i Desencantament (2009), que va ser un encàrrec del pianista Diego Fernández Magdaleno per a homenatjar el músic i intel·lectual espanyol Ramón Barce, qui va desaparèixer el 2008. Com en Acròstic (1995), també arreplegada al disc, tots els materials tant rítmics com melòdics i harmònics sorgeixen del nom de l’homenatjat. La partitura va ser estrenada pel propi Fernández Magdaleno a l’Auditori Nacional de Música de Madrid.
Piano Sounds (1983-2020) acull l’obra Ricercare, composta en 1989. Dedicada al seu mestre Francisco Llácer Pla, en ella Calandín comença a explorar el món aleatori, la superposició de blocs i l’elasticitat de l’aleatorietat controlada en una cerca de la “quasi” improvisació per part de l’intèrpret. L’obra fou encàrrec del compositor Ramón Ramos (1954-2012) i va ser estrenada a la sala del Club Diario Llevant de València pel pianista Miguel Álvarez Argudo, qui quatre anys més tard li va encarregar Voci del fiume (1993) i que va estrenar-la en el Palau de la Música de València en el marc del Festival ENSEMS eixe mateix any. En aquesta partitura, Calandín continua utilitzant procediments aleatoris sempre a la recerca de potenciar la participació de l’intèrpret en el procés creatiu. L’obra troba la seua inspiració en el llibre d’Hermann Hesse, Siddharta, i en la sèrie d’harmònics naturals sobre 5 notes: mi, sol, do, fa i si.
Miguel Ángel Pérez Martín – docenotas.com – 21/01/2021
Tres magníficos pianistas interpretan estas nueve piezas para piano escritas entre 1983 y 2020, periodo que abarca los cuarenta años de composición para piano de Emilio Calandín, compositor valenciano que está interesado en hacer evolucionar la composición y la técnica pianística contemporánea desde posiciones no únicamente serialistas.
Se reconocen en sus desarrollos referencias a módulos melódicos que evolucionan en el desarrollo de la pieza, o remiten a entornos minimalistas como en la pieza que abre el disco – registrada en concierto – y que es magníficamente interpretada por mi paisano Diego Fernández Magdaleno, que, dicho sea de paso, está haciendo una magnífica labor de difusión de la obra contemporánea española para piano.
Todas las piezas exhiben una gran amplitud tonal y sonora, así como un uso extensivo de los recursos armónicos y rítmicos del piano, imponiendo a los instrumentistas una expresividad muy fuerte y unas dinámicas sonoras sorprendentes, como en Acróstico interpretada por Bartomeu Jaume, por ejemplo.
Antonio Morant Albelda se encarga de seis de las nueve piezas grabadas en el Laboratorio de Electroacústica del Conservatorio Superior de Música de Valencia con una magnífica toma de sonido, especialmente en los dos temas finales del disco: Epitafio con la sonoridad del piano en su total plenitud, con los graves resonando hasta la extinción de la onda, majestuoso tema y Fuga, el más reciente, de 2020, más optimista, casi farsesco y juguetón con mucha ironía sonora a pesar del año que hemos pasado todos, resumido al final en un pasaje más tranquilo.
Una gran música que merece disfrutarse en directo. Animo a cualquiera de los tres intérpretes a montar un recital con estas piezas, el gesto también es muy importante en la música actual. Muy recomendable.
Pedidos a Liquen Records y evitamos dar vueltas por las tiendas de discos, eso si en su localidad queda alguna.
Joan Gómez Alemany, Sul Ponticello, 1 de febrero de 2021
La primera producción de Liquen Records que esta nueva temporada presenta es PIANO SOUNDS (1983-2020). Un CD monográfico (LRCD015 número de catálogo en la discográfica) donde se recoge la obra integral para piano de uno de los compositores valencianos más significativos de las últimas décadas. Emilio Calandín Hernández (Valencia, 1958) es un músico con una larga trayectoria artística y constituye, sin duda, un referente en el ámbito musical contemporáneo español. Las obras para piano solo recopiladas en PIANO SOUNDS abarcan un arco temporal de casi 40 años de producción por lo que nos encontramos realmente con un CD de grandes dimensiones, casi podríamos decir como un auténtico legado artístico del compositor.