Joan GÓMEZ ALEMANY & Josep Lluís GALIANA: Interaccions sonores 2.0. València: LIQUEN RECORDS • DL: V-3760-2024 • LRCD033: PVP: 20€
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Interaccions sonores 2.0 i la dissolució contínua de fronteres
Una música que no està tancada, sinó sempre en contínua evolució, una música on no és possible esbrinar què és improvisat o compost, una música que mixtura en un tot indistingible el so acústic i electrònic… Esta és la meta originària del projecte Interaccions sonores, una espècie de «sono-utopia» inabastable, en constant transformació, on el so en la seua fluida interconnexió no pot identificar els seus elements formants i nega tota frontera.
El present treball discogràfic es titula Interaccions sonores 2.0 com a continuïtat d’una primera proposta estrenada en concert el 28 de febrer de 2019 en el Teatre Círculo de València i editada també per Liquen Records (LRCD010). En les notes d’aquell disc podem llegir a Pierluigi Billone, un compositor molt influenciat per la improvisació (lliure), constatant que: «Com en un espill deformat o en un joc de «dobles» transformats, finalment no queda clar qui és la font». Esta mateixa idea ha provocat que l’originària Interaccions sonores mutara com un camaleó i esdevinguera en un nou format, que va ser estrenat en concert el 4 de maig de 2023 a la Sala SGAE Centre Cultural València. Mentres la que podríem anomenar Interaccions sonores 1.0 estava constituïda per un saxofon solista (Josep Lluís Galiana Gallach) i una electrònica fixa (Joan Gómez Alemany), en Interaccions sonores 2.0, Gómez Alemany s’incorpora també com a pianista improvisador, al costat del saxofon i l’electrònica. En crear una música que no vol limitar-se ni tancar-se, este projecte està en constant evolució i no sabem si algun dia existiran unes Interaccions sonores 3.0, 4.0, 5.0…
Com la vida mateixa, que ocorre entre la improvisació, l’atzar i alguna norma, el saxofonista improvisador Josep Lluís Galiana i el compositor Joan Gómez (però fa pocs anys també pianista improvisador) es van conéixer el 29 de juny del 2017 en la Sessió d’Improvisació Lliure #3 en l’Octubre Centre de Cultura Contemporània (OCCC) de València, on tocava Galiana al costat d’altres músics. Des d’eixe moment, ambdós no han parat de treballar junts investigant les similituds i diferències que hi ha entre ells. Tenint perfils creatius contrastants i sent de diferents generacions, la seua col·laboració sempre ha sigut com la seua música: oberta, improvisada, reflexiva, lliure… En definitiva, una deriva constant sense rumb fix. Encara que esta informació pot semblar anecdòtica o simplement biogràfica, és també musical i ens diu moltes coses sobre Interaccions sonores. Com escrivia en un text publicat en la revista Sul Ponticello el 13 de novembre de 2019 i que em va servir també per al meu Komposition Meisterarbeit (Treball de Màster de Composició) en la Kunstuniversität Graz: «Del que es tracta és de la hibridació i no delimitació, allà on normalment es parla de categories que s’exclouen i són antagòniques, però que en el fons això no és real. Interaccions sonores correspondria a processos heurístics i rizomàtics contra la idea de la filosofia clàssica del principi d’identitat i de no contradicció».
Interaccions sonores 2.0 sorgix perquè el projecte inicial va tindre bon acolliment i el disc que es va editar posteriorment va agradar molt. L’improvisador Wade Matthews el va qualificar en les seues xarxes socials com un dels millors CD que havia escoltat. El compositor Enrique Sanz Burguete va escriure en un correu electrònic: «Una altra cosa que crida l’atenció des del minut un és la perfecta simbiosi i integració de l’electrònica amb el so en viu: mai se sap, en general, on comença i/o acaba l’un o l’altra (no se sap, com ha de ser, si s’han pres «mostres» i estan processades, o si els processos són en temps real, o si es «dispara» algun d’ells, etc.). És a dir, verdaderament és un «tot», tant a nivell de «plantilla», per així dir, com estilísticament pel tipus de «materials» compositius». D’altra banda, el crític musical Paco Yáñez va escriure en una ressenya: «Un dels elements que assenten l’èxit d’Interaccions sonores com a gran forma és el seu procés de continu «contrapunt» entre saxofon i electrònica, donant lloc a estructures formals que reverberen i mirallen lo clàssic a l’hora de crear unitat i variació, desenrotllant els materials en el que és tot un viatge en el qual no resulta complex identificar al saxofon com un caminant (de nou, si a Luigi Nono ens remetem, sense camins, encara que uns certs límits prefixa la composició electrònica de Gómez Alemany) i a l’electroacústica com un mapa. Un mapa que és, al cap i a la fi, l’home mateix, perquè dels seus materials genètics en allò musical s’ha conformat». Sobre esta base i veient el potencial musical que existia en Interaccions sonores, es va decidir continuar el projecte. Per això fem una breu cronologia per a entendre com ha arribat fins ací la igualitària i republicana unió de GGGA (Galiana Gallach Gómez Alemany). Gràcies al rigorós mètode de Josep Lluís d’apuntar-se en l’agenda les reunions, sabem que la proposta comença a cristal·litzar-se el 13 de setembre del 2018, a les 11.30 hores en l’estudi de gravació de la Facultat de Belles Arts de la Universitat Politècnica de València, on Galiana realitza diverses improvisacions que són gravades. Amb este material, Joan elabora en Graz (on estava estudiant) l’electrònica i una partitura una mica oberta. Esta es va seguint gràcies a un cronòmetre durant la interpretació de l’obra, per a així generar una tensa relació dialèctica entre allò fix (composició-electrònica) i allò obert (improvisació-acústica). El 21 d’agost de 2019 en Liquen Studios (Pedralba) Interaccions sonores es va gravar en disc i va ser publicat al novembre.
Encara que la idea de continuar les interaccions i expandir-les ja va ser present quasi des del mateix inici, van haver de passar diversos anys perquè això poguera materialitzar-se. Un dels detonants va ser la creació i estrena d’un projecte en el qual Joan Gómez realitzava de nou una partitura-electrònica i Josep Lluís Galiana improvisava amb els seus saxofons. A més, se li unia interdisciplinarment la projecció de vídeo. L’11 de novembre del 2022 en la Fundación Antonio Pérez · Centro de Arte Contemporáneo de Cuenca, en el context de l’exposició Manolo Millares. Cincuenta años después, comissariada per Alfonso de la Torre, Galiana & Gómez van posar música a dos videocreacions. Una primera titulada Millares 1972-2022, creada per Gómez Alemany, i una segona, Millares 1970, creada per Elvireta Escobio i el mateix Millares. En el moment que s’escriuen estes línies, la videocreació Millares 1970 pot veure’s a la sala del Museu Valencià de la Il·lustració i la Modernitat (MuVIM), dins de l’exposició també comissariada per De la Torre, Manolo Millares, circa los cincuenta (buscando la dimensión perdida). Un altre projecte paral·lel va ser Llibertats sonores, estrenat el 16 de desembre del 2022 en l’OCCC dins del cicle Sessió d’improvisació lliure #15, casualment el mateix lloc on es van conéixer GGGA. Que el títol Llibertats sonores siga molt similar al d’Interaccions sonores no és tampoc mera casualitat. Als saxofons de Galiana i a una nova electrònica-partitura de Gómez Alemany se sumava, en esta ocasió, la percussió i l’electrònica en viu d’Avelino Saavedra. Perquè amb l’energia d’estos projectes i gràcies a que la M.I. Acadèmia de la Música Valenciana va acceptar una proposta de concert, es va poder estrenar Interaccions sonores 2.0 el 4 de maig de 2023, havent passat 4 anys des del 28 de febrer de 2019, data en què es va estrenar el projecte originari. A més, va ser el meu debut en públic com a pianista improvisador, encara que com a pianista intèrpret de composicions ja vaig fer concerts durant els meus estudis.
Les interaccions (en el seu sentit general) han sigut constants entre Gómez i Galiana. Ja es va comentar el projecte de Llibertats sonores, que també va ser editat en disc per Liquen Records (LRCD027), però a este va seguir la col·laboració amb el percussionista Jesús Gallardo, gravant un disc únicament en acústic, ENTARTETE IMPROVISATIONEN (LRCD029), en els Rockaway Studios, de Castelló, el 31 d’agost de 2023, que va ser presentat en públic el 18 abril de 2024 a la Sala de la Muralla del Col·legi Major Rector Peset de la Universitat de València. Els tres músics van tornar a tocar junts el 25 d’octubre del 2023 dins del Col·lectiu d’Improvisació Musical de Castelló (CIM.CS) en el cicle Free Impro al Museu #16, amb una llegenda de la free improvised music anglesa, el saxofonista John Butcher. Galiana & Gómez van fer la seua primera aparició a solo amb el saxo soprano i el piano en el Museu de Pontevedra l’1 de novembre del 2023 dins del Festival Vertixe 11. En 2024, el 31 de gener, la guitarra d’Amadeu Marin es va unir a l’anterior duet en el Conservatori Superior de Música Salvador Seguí de Castelló. I amb un altre convidat, el 13 de març en el Col·legi Major Rector Peset, van actuar al costat de la veu de l’improvisador, poeta i performer Bartolomé Ferrando. Estos tres últims concerts van ser motivats per la presentació de diversos llibres, una característica gens irrellevant, tenint en compte el sentit investigatiu i teòric que la improvisació ha tingut per als dos músics, que també destaquen per la seua faceta d’escriptors.
Totes estes «interaccions múltiples» de Gómez i Galiana tracen un arc que va des de l’estrena originària d’Interaccions sonores fins a la publicació en CD de la seua versió 2.0. És cert que estos concerts i esdeveniments són independents i podrien semblar que no tenen relació entre si. Però si tenim en compte les difícils i escasses oportunitats que existixen ara mateix en la nostra terra per a improvisar en públic i en condicions acceptables, podem entendre tot això com interconnectat i capaç de crear sinergies que influïxen en el dia a dia de la unitària creació de GGGA. Una utopia d’éssers sense fronteres on el so intenta expressar-se en la seua infinita transformació. Justament la improvisació es practica de la millor manera amb músics lliures en l’escenari viu i, en eixe sentit, és molt diferent d’interpretar una composició fixa. Per això, improvisar amb les mateixes persones, anar coneixent el seu estil, escoltar els seus discos, és una cosa fonamental per a entrenar i explorar les possibilitats que pot haver-hi entre els saxofons, el piano, l’electrònica i tot allò que se sume. Des d’esta investigació, que porta anys practicant-se de manera autònoma, lliure i espontània (però no per això menys seriosa i rigorosa), és com Interaccions sonores 2.0 ha arribat a existir. Definitivament este novembre del 2024 s’ha materialitzat en un nou disc de Liquen Records (LRCD034), que es va gravar el 31 d’agost de 2023 en Rockaway Studios de Castelló, durant la mateixa maratoniana sessió que també va registrar-se ENTARTETE IMPROVISATIONEN i altres músiques. Amb tot això dit, podem ja concloure recordant la referència que escrivia Paco Yáñez sobre el caminant que, com Galiana Gallach i Gómez Alemany, crea amb les seues interaccions ilimitables el mapa d’allò musical.
Joan Gómez Alemany
Interaccions sonores 2.0 y la disolución continua de fronteras
Una música que no está cerrada, sino siempre en continua evolución, una música donde no es posible averiguar qué es improvisado o compuesto, una música que mezcla en un todo indistinguible el sonido acústico y electrónico… Esta es la meta originaria del proyecto Interaccions sonores, una especie de «sono-utopía» inalcanzable, en constante transformación, donde el sonido en su fluida interconexión no puede identificar sus elementos formantes y niega toda frontera.
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El presente trabajo discográfico se titula Interaccions sonores 2.0 como continuidad de una primera propuesta estrenada en concierto el 28 de febrero de 2019 en el Teatro Círculo de València y editada también por Liquen Records (LRCD010). En las notas de aquel disco podemos leer a Pierluigi Billone, un compositor muy influenciado por la improvisación (libre), constatando que: «Como en un espejo deformado o en un juego de «dobles» transformados, finalmente no queda claro quién es la fuente». Esta misma idea ha provocado que la originaria Interaccions sonores mutara como un camaleón y deviniera en un nuevo formato, que fue estrenado en concierto el 4 de mayo de 2023 en la Sala SGAE Centre Cultural València. Mientras la que podríamos llamar Interaccions sonores 1.0 estaba constituida por un saxofón solista (Josep Lluís Galiana Gallach) y una electrónica fija (Joan Gómez Alemany), en Interaccions sonores 2.0, Gómez Alemany se incorpora también como pianista improvisador, junto al saxofón y la electrónica. Al crear una música que no quiere limitarse ni cerrarse, este proyecto está en constante evolución y no sabemos si algún día existirán unas Interaccions sonores 3.0, 4.0, 5.0…
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Como la vida misma, que ocurre entre la improvisación, el azar y alguna norma, el saxofonista improvisador Josep Lluís Galiana y el compositor Joan Gómez (pero hace pocos años también pianista improvisador) se conocieron el 29 de junio del 2017 en la Sessió d’Improvisació Lliure #3 en el Octubre Centre de Cultura Contemporània (OCCC) de València, donde tocaba Josep Lluís Galiana junto a otros músicos. Desde ese momento, Galiana y Gómez no han parado de trabajar juntos investigando las similitudes y diferencias que hay entre ellos. Teniendo perfiles creativos contrastantes y siendo de distintas generaciones, su colaboración siempre ha sido como su música: abierta, improvisada, reflexiva, libre… En definitiva, una deriva constante sin rumbo fijo. Aunque esta información puede parecer anecdótica o simplemente biográfica, es también musical y nos dice muchas cosas sobre Interaccions sonores. Como escribía en un texto publicado en la revista Sul Ponticello el 13 de noviembre de 2019 y que me sirvió también para mi Komposition Meisterarbeit (Trabajo de Máster de Composición) en la Kunstuniversität Graz: «De lo que se trata es de la hibridación y no delimitación, allí donde normalmente se habla de categorías que se excluyen y son antagónicas, pero que en el fondo esto no es real. Interaccions sonores correspondería a procesos heurísticos y rizomáticos contra la idea de la filosofía clásica del principio de identidad y de no contradicción».
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Interaccions sonores 2.0 surge porque el proyecto inicial tuvo buena acogida y el disco que se editó posteriormente gustó mucho. El improvisador Wade Matthews lo calificó en sus redes sociales como uno de los mejores CDs que había escuchado. El compositor Enrique Sanz Burguete escribió en un correo electrónico: «Otra cosa que llama la atención desde el minuto uno es la perfecta simbiosis e integración de la electrónica con el sonido en vivo: nunca se sabe, en general, donde empieza y/o acaba uno u otra (no se sabe, como debe ser, si se han tomado «muestras» y están procesadas, o si los procesos son en tiempo real, o si se «dispara» alguno de ellos, etc.). Es decir, verdaderamente es un «todo», tanto a nivel de «plantilla», por así decir, como estilísticamente por el tipo de «materiales» compositivos». Por otro lado, el crítico musical Paco Yáñez escribió en una reseña: «Uno de los elementos que asientan el éxito de Interaccions sonores como gran forma es su proceso de continuo «contrapunto» entre saxofón y electrónica, dando lugar a estructuras formales que reverberan y espejean lo clásico a la hora de crear unidad y variación, desarrollando los materiales en lo que es todo un viaje en el que no resulta complejo identificar al saxofón como un caminante (de nuevo, si a Luigi Nono nos remitimos, sin caminos, aunque ciertas lindes prefija la composición electrónica de Gómez Alemany) y a la electroacústica como un mapa. Un mapa que es, al fin y al cabo, el hombre mismo, pues de sus materiales genéticos en lo musical se ha conformado». Sobre esta base y viendo el potencial musical que existía en Interaccions sonores, se decidió continuar el proyecto. Por eso hagamos una breve cronología para entender cómo ha llegado hasta aquí la igualitaria y republicana unión de GGGA (Galiana Gallach Gómez Alemany). Gracias al riguroso método de Josep Lluís de apuntarse en la agenda las reuniones, sabemos que la propuesta empieza a cristalizarse el 13 de setiembre del 2018, a las 11.30 horas en el estudio de grabación de la Facultad de Bellas Artes de la Universitat Politècnica de València, donde Galiana realiza varias improvisaciones que son grabadas. Con este material, Joan elabora en Graz (donde estaba estudiando) la electrónica y una partitura algo abierta. Esta se va siguiendo gracias a un cronómetro durante la interpretación de la obra, para así generar una tensa relación dialéctica entre lo fijo (composición-electrónica) y lo abierto (improvisación-acústica). El 21 de agosto de 2019 en Liquen Studios (Pedralba) Interaccions sonores se grabó en disco y fue publicado en noviembre.
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Aunque la idea de continuar las interacciones y expandirlas ya estuvo presente casi desde el mismo inicio, tuvieron que pasar varios años para que esto pudiese materializarse. Uno de los detonantes fue la creación y estreno de un proyecto en el que Joan Gómez realizaba de nuevo una partitura-electrónica y Josep Lluís Galiana improvisaba con sus saxofones. Además, se le unía interdisciplinarmente la proyección de vídeo. El 11 de noviembre del 2022 en la Fundación Antonio Pérez · Centro de Arte Contemporáneo de Cuenca, en el contexto de la exposición Manolo Millares. Cincuenta años después, comisariada por Alfonso de la Torre, Galiana & Gómez pusieron música a dos videocreaciones. Una primera titulada Millares 1972-2022, creada por Gómez Alemany, y una segunda, Millares 1970, creada por Elvireta Escobio y el mismo Millares. En el momento que se escriben estas líneas, la videocreación Millares 1970 puede verse en la sala del Museo Valenciano de la Ilustración y la Modernidad (MuVIM), dentro de la exposición también comisariada por De la Torre, Manolo Millares, circa los cincuenta (buscando la dimensión perdida). Otro proyecto paralelo fue Llibertats sonores, estrenado el 16 de diciembre del 2022 en el OCCC dentro del ciclo Sessió d’improvisació lliure #15, casualmente el mismo lugar donde se conocieron GGGA. Que el título Llibertats sonores sea muy similar al de Interaccions sonores no es tampoco mera casualidad. A los saxofones de Galiana y a una nueva electrónica-partitura de Gómez Alemany se sumaba, en esta ocasión, la percusión y la electrónica en vivo de Avelino Saavedra. Pues con la energía de estos proyectos y gracias a que la M.I. Academia de la Música Valenciana aceptó una propuesta de concierto, se pudo estrenar Interaccions sonores 2.0 el 4 de mayo de 2023, habiendo pasado 4 años desde el 28 de febrero de 2019, fecha en que se estrenó el proyecto originario. Además, fue mi debut en público como pianista improvisador, aunque como pianista intérprete de composiciones ya hice conciertos durante mis estudios.
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Las interacciones (en su sentido general) han sido constantes entre Gómez y Galiana. Ya se comentó el proyecto de Llibertats sonores, que también fue editado en disco por Liquen Records (LRCD027), pero a este siguió la colaboración con el percusionista Jesús Gallardo, grabando un disco únicamente en acústico, ENTARTETE IMPROVISATIONEN (LRCD029), en los Rockaway Studios de Castelló el 31 de agosto de 2023, que fue presentado en público el 18 abril de 2024 en la Sala de la Muralla del Col·legi Major Rector Peset de la Universitat de València. Los tres músicos volvieron a tocar juntos el 25 de octubre del 2023 dentro del Col·lectiu d’Improvisació Musical de Castelló (CIM.CS) en el ciclo Free Impro al Museu #16, con una leyenda de la free improvised music inglesa, el saxofonista John Butcher. Galiana & Gómez hicieron su primera aparición a solo con el saxo soprano y el piano en el Museo de Pontevedra el 1 de noviembre del 2023 dentro del Festival Vertixe 11. En 2024, el 31 de enero, la guitarra de Amadeu Marin se unió al anterior dúo en el Conservatori Superior de Música Salvador Seguí de Castelló. Y con otro invitado, el 13 de marzo en el Col·legi Major Rector Peset, actuaron junto a la voz del improvisador, poeta y performer Bartolomé Ferrando. Estos tres últimos conciertos fueron motivados por la presentación de diversos libros, una característica nada irrelevante, teniendo en cuenta el sentido investigativo y teórico que la improvisación ha tenido para los dos músicos, que también destacan por su faceta de escritores.
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Todas estas «interacciones múltiples» de Gómez y Galiana trazan un arco que va desde el estreno originario de Interaccions sonores hasta la publicación en CD de su versión 2.0. Es cierto que estos conciertos y eventos son independientes y podrían parecer que no tienen relación entre sí. Pero si tenemos en cuenta las difíciles y escasas oportunidades que existen ahora mismo en nuestra tierra para improvisar en público y en condiciones aceptables, podemos entender todo esto como interconectado y capaz de crear sinergias que influyen en el día a día de la unitaria creación de GGGA. Una utopía de seres sin fronteras donde el sonido intenta expresarse en su infinita transformación. Justamente la improvisación se practica de la mejor manera con músicos libres en el escenario vivo y, en ese sentido, es muy diferente a interpretar una composición fija. Por ello, improvisar con las mismas personas, ir conociendo su estilo, escuchar sus discos, es algo fundamental para entrenar y explorar las posibilidades que puede haber entre los saxofones, el piano, la electrónica y todo aquello que se sume. Desde esta investigación, que lleva años practicándose de manera autónoma, libre y espontánea (pero no por ello menos seria y rigurosa), es como Interaccions sonores 2.0 ha llegado a existir. Definitivamente este noviembre del 2024 se ha materializado en un nuevo disco de Liquen Records (LRCD034), que se grabó el 31 de agosto de 2023 en Rockaway Studios de Castelló, durante la misma maratoniana sesión que también registró ENTARTETE IMPROVISATIONEN y otras músicas. Con todo esto dicho, podemos ya concluir recordando la referencia que escribía Paco Yáñez sobre el caminante que, como Galiana Gallach y Gómez Alemany, crea con sus interacciones ilimitables el mapa de lo musical.
CRÈDITS
Josep Lluís Galiana, saxofons soprano i baríton
Joan Gómez Alemany, piano i composició electrònica
Tota la música composta per Joan Gómez Alemany i Josep Lluís Galiana
El disc fou enregistrat el 31 d’agost de 2023, en els Rockaway Studios, Castelló de la Plana (Espanya)
Enregistrat per Raúl Artana
Mesclat i masteritzat per Joan Gómez Alemany
Produït per Josep Lluís Galiana
Disseny gràfic de Sergi Moya (Cap i Cua)
Text de Joan Gómez Alemany
Imatges de Tato Baeza i Laura Pastor
© 2024 Josep Lluís Galiana & Joan Gómez Alemany
© 2024 Liquen Records
DL: V-3759-2024 • LRCD034 • liquenrecords.com
Llibret en valencià i castellà (inclou la partitura)
Amb el suport de
TRACKLIST
Interaccions sonores. Part I
Interaccions sonores. Part III
Interaccions sonores. Part IV
Interaccions sonores. Part VI
DOSIER DE PRENSA
Paco Yáñez, Scherzo, 8 de marzo de 2025
El binomio formado por los valencianos Josep Lluís Galiana y Joan Gómez Alemany no deja de ofrecernos continuas novedades en las diversas disciplinas que juntos abarcan, desde la edición a la pintura. Entre ellas, ha ganado un lugar muy destacado la improvisación libre, género en el que Galiana tiene una larga y reconocida trayectoria como saxofonista a la que Gómez Alemany se ha sumado, desde el piano y la electrónica, en algunos de sus últimos lanzamientos discográficos, como Entartete Improvisationen y Llibertats Sonores.
Igualmente en Liquen Records, al 2019 debemos retrotraernos para encontrar el precedente del disco que hoy presentamos, pues en ese año se grabó Interaccions sonores, un proyecto que involucró la improvisación libre para saxofón con una electrónica que servía como “partitura”.
Cuatro años más tarde, el 31 de agosto de 2023 Galiana y Alemany volvieron al estudio para grabar Interaccions sonores 2.0, una improvisación de una fuerza arrolladora en la que se percibe la experiencia aquilatada por ambos en sus conciertos en vivo, volviéndose a repetir el modelo de las primeras Interaccions, con improvisación libre para saxofón y piano sobre una base electrónica previamente compuesta para ordenar la estructura de la pieza, a modo de mapa, rompiendo el principio de identidad cerrada.
Vuelve a destacar en Interaccions sonores 2.0 la fusión entre electrónica e instrumentos acústicos (por momentos, indiferenciables), con un saxofón y un piano cuyos timbres y ataques van de asomos tonales a un tratamiento mayormente saturado, de una violencia indómita que revela la influencia de lo gestual en las artes plásticas.
La grabación es tan contundente como la propia improvisación, redondeando la edición unas notas a cargo de Gómez Alemany que describen el proceso que ha fraguado esta «sono-utopía».
Antonio Martin (Coronel Mortimer), La muerte tenía un blog, 8 de abril de 2025
Fotos: Tato Baeza
Antes de abrirnos a esta fabulosa dádiva de Interaccions Sonores 2.0 os recomendaría os hiciéseis el favor de leeros el texto de su predecesor, Interaccions Sonores (Líquen Records, 2019) más que nada para ahorrarme volver a curricular a dos grandes como Alemany / Galiana que para hacer una presentación rápida, no cabe discusión en que son dos de los principales `eje y peldaño´ de la electroacústica e improvisación ibéricas… todo dentro de una escena que evidentemente se vertebra con muchas más figuras de las que os he ido contando sobre todo en las reseñas del sello LÍQUEN RECORDS, y a su vez de ésta con la vanguardia sonora nacional.
Fiel al espíritu de la primera entrega, se juega con la cordura del oyente al que se le lleva a lo liminal… justo aun sitio donde no sabemos si lo que suena es real o utópico, electrónico, acústico o aleación de ambos. Al oyente se le vapulea y se le hace lo mismo que a los instrumentos… se lo `procesa´. En este nuevo formato (se estrena en concierto el 4 de Mayo de 2023 en la Sala SGAE Centre Cultural València) Alemany improvisa al piano y electrónica (recordemos que en el primer volumen se encargaba del procesado electrónico) y Galiana al saxo soprano y barítono. Muchas cosas pasan entre ambas grabaciones que se detallan con profusión de detalles en el magnífico libreto escrito por Alemany que acompaña a un Digipack que publica nuevamente LÍQUEN RECORDS donde podréis leer que este proyecto acaba entroncando de múltiples maneras tanto con Llibertats Sonores de 2023 (con la inclusión de Avelino Saavedra) o el fabuloso Entartete Improvisationen de 2024, esta vez junto a Jesús Gallardo.
El disco se registra el 31 de Agosto de 2023 (Rockaway Studios, Castelló de la Plana) por Raúl Artana. Mezcla y masterización son de Joan Gómez Alemany y bueno, el diseño gráfico de Sergi Moya (Cap i Cua) bajo imágenes de Tato Baeza y Laura Pastor.
Adentrándome en el aspecto musical, imagino que por cuestiones de bagajes personales, alejarme de los experimentos de AMM sobre todo en ese largo `fade in´ que hace cuerpo para ir abriendo «Interaccions sonores. Part I». Es una constante en la electroacústica y la improvisación libre sonar en los registros bajos con un espectro sonor parecido al del Dark Ambient y la electrónica. Imagino será cosa de frecuencias y ese abotargado y lento discurrir del piano preparado de Alemany donde las cuerdas casi que son pellizcadas mientras en la retaguardia el silencio lucha con algo parecido a una regurgitación in-crescendo que acaba materializándose en asordinadas trazas subrayadas del saxo (parece barítono pero como todo lo que acompañe a este disco, necesitarás meter el dedo en la llaga). Coincidan o no los instrumentos (las encarnaciones de AMM han sido varias), lo cierto es que esto suena Británico por los cuatro costados (indaguen ustedes en el fondo de catálogo ciclópeo de EMANEM o PSI de Evan Parker y ya me cuentan).
La sensación siempre es cinética. Se avanza en una suerte de espiral (para mí no un círculo porque nunca capto el cierre completo) de un minimalismo a dos bandas de un altísimo nivel de compenetración. El tono es oscuro; tanto, que ya digo que para sí lo quisieran muchos grupos del ámbito de la electrónica oscura tipo Dark Ambient. Las Glosolalias escupidas a la boquilla del saxo por Galiana son furiosos dentro de que están cortados de sus tonos agudos hasta que todo estalla en un agónico grito o nota antropomórfica que da paso a toda una plétora de clústers del piano tipo arpa de Alemany en «Interaccions Sonores. Part II». Se alternan las notas tradicionales con las vivisecciones del interior del instrumento en vivo y en directo. Me váis a perdonar que recurra a un texto de Interaccions Sonores I pero creo que define a la perfección lo que estoy escuchando ahora mismo:
`Alucinante el oscuro interludio, suerte de pútrida música o lo que es lo mismo, procesar el sonido de los gases de un cuerpo en putrefacción (¿seguro que esto no es Noise?) y pretender esbozar Free Bop por encima. El tramo final es Galiana 1 contra Galiana 2 en ignominiosa cópula hacia Galiana 3.0. Gana Alemany. Minimalismo que recuerda a Glass o Cage, pero mezclados con esos juegos de silencios propios de la Spontaneous Music Ensemble. Tal es el punto de abstracción que por determinados momentos creo estar inmerso en un disco plagado de Field Recordings (bueno, algo de eso hay) pero a la amabilidad de las notas del soprano uno siempre encuentra la salida. Por poner algún ejemplo, podría abarcar desde las más matemáticas composiciones de Braxton o Brötzmann hasta las inhumanas salvajadas crípticas de Evan Parker.´
Fantásticos exabruptos musicales donde el lado percusivo del piano contrasta con la musicalidad del saxo soprano sorprenden por sus ejercicios circulares a lo Parker remachados con ráfagas rápidas de piano rozando el Rag avanzado (no sé si eso existe). Estamos metidos de lleno en la abigarrada «Interaccions Sonores. Part III» donde la interacción se torna casi telepatía por parte de los músicos…. porque por parte del oyente, imagino que la confusión en el tramo medio de este corte será algo (el trenzado de saxo, piano y electrónica es tan cerrado que se masca la textura de hilo de cobre). Me encanta el extremismo y cómo rompen las etiquetas volcándose casi en un Harsh Noise tan y como lo hicieron en el disco anterior del que dije en su día:
`Lo barítono se ha transformado en subsónico y en sístoles y diástoles sinusoidales que van emergiendo a este lado de la realidad mediante el despojo del detritus de las notas graves. Cualquier oyente despistado podría confundir esto con la versión más amable del Harsh Noise Wall, pero afortunadamente en el minuto 2 y medio un sostenido lucha contra su propio alter ego (que ha mutado a una mezcla entre digeridoo y cuenco tibetano). Imaginad que cogéis la etapa eléctrica de Miles Davis y la destiláis molecularmente hasta quedaros con un esbozo de 8 bits… si habéis sido capaces de imaginar algo así y entenderlo… bueno, entonces sois la hostia. Electroacústica que coquetea con el Dark Ambient, libre de prejuicios.´
Volvemos a terreno conocido (con sus disonancias y atonalidades, sus ángulos y requiebros) en «Interaccions Sonores. Part IV», que de inicio suena terrenal, cercano al Don Cherry más ancestral (MU) para ir sosegándose a un diálogo puramente de Impro Jazz con ese `hum´ mántrico dando cuerpo en la retaguardia. Alucinante el cariz metálico que adquieren los soplidos del saxo y la algarabía de recursos percusivos que da el piano en sus vísceras dando la sensación agónica de Música de Cámara en la Ferretería de mi Pueblo (pero en gravedad cero), cosa que se extremiza en «Interaccions Sonores. Part V» aunque asumo que a estas alturas todos andaremos medicados con sustancias inyectadas y ya se sabe que la lisergia, con sangre entra.
Fulmina este excepcional disco los más de doce minutos de «Interaccions Sonores. Part VI», aguerrido destilado de todo lo anterior, con cosas que se llevan todavía más al extremo, y que no hacen más que convencerme de que al igual que su anterior volumen, es un álbum de adquisición obligada. Alucinantes loopeos, delays y ecos del saxo… sensación de que Alemany juega con el espacio / tiempo con la facilidad de un nigromante, y esa cosa que no me quito de la cabeza aunque no la he comentado antes de que los 60 minutos son la banda sonora perfecta para acompañar la lectura de La Divina Comedia… o al menos, para atraversar algún que otro de sus círculos. Música para atravesar túneles físicos o mentales… música macro o microscópica, notas que se abren cerrando puertas que a su vez abren otras en una escheriana arquitectura sonora cuya resolución sólo está al alcance de …..
Miguel Ángel Pérez Martín, docenotas.com, 21 de abril de 2025
Segunda entrega de una gran idea: Interaccions Sonores 0.1, que se grabó en febrero del 19. Han pasado más de cinco años y muchas cosas muy importantes, para la música y para la sociedad.
Sigo apostando por la necesidad de ofrecer al respetable una experiencia así en directo. A las que he podido asistir han resultado brutales, muy expresivas, hasta la conmoción. Pero hasta que nuestros «programadores culturales» tomen conciencia de este hecho falta mucho, así que con los discos ni tan mal.
Es cierto que hay una discusión en curso, en España, sobre si la improvisación es ya un estilo o una importante herramienta de apoyo a otros -jazz y free jazz, música experimental, rock radical, electrónica, música contemporánea atonal-. Yo me decanto, con algunos países europeos, por lo primero. No es un apoyo, es ya un estilo con sus formas y desarrollos ya probados, que funcionan. Es verdad que en otras artes aún tengo mis dudas. En el teatro por ejemplo, en las artes visuales, no así en la danza contemporánea, que a veces va unida a la improvisación musical.
En esta ocasión los «autores-interpretes” nos ofrecen seis improvisaciones cargadas de expresividad, desde algunas cumbres «noise» a la quietud lírica y apacible de las notas del piano. Instrumento que no estaba en las 1.0.
La electrónica siempre me ha gustado, por formación básica, aunque la acústica natural ha sido mi medio natural de escucha y de acción. Y aquí hay de las dos y mucho.
Sin duda, la escucha ha de ser intencionada y no casual, en este segundo caso lo más normal es que no funcione. Pero siempre será sorprendente…
Por usar un símil visual la experiencia sería la de un action painting expresionista, abstracto y radical, algo que se ofrece con cierta frecuencia en centros y museos de arte contemporáneo y actual para públicos con mente abierta a nuevas ideas y propuestas, pero que aún no ha entrado en los auditorios y lo que es peor, en conservatorios y escuelas de música actual españoles. Se priva al público de una experiencia sonora y performativa muy interesante, gestual y a veces coreografiada.
Lleva expuesta la improvisación muchos años en Europa pero en España nos cuesta incluso aceptarlo. Poco a poco, recordemos que también resultaban extraños Stockhausen o King Crimson hace décadas y ahí están ahora, asimilados por una parte importante del público musical contemporáneo y de rock.
Una petición final al respetable: ¡atrévanse! La experiencia lo merece.
Producción de lujo y edición con profusión informativa norma de la casa Liquen Records.
Si no lo encuentran en su tienda habitual pidan a liquenrecords.com y a disfrutar.
INTERACCIONS SONORES 2.0 es la continuidad de una primera propuesta estrenada por el compositor y pianista Joan Gómez Alemany y el saxofonista Josep Lluís Galiana en el Teatro Círculo de Valencia el 28 de febrero de 2019, editada tambien por Liquen Records.
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En colaboración y perfecta simbiosis desde 2017, Galiana y Gómez Alemany han publicado ocho discos y materializado otros proyectos visuales, musicales y literarios.
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Grabado en Rockaway Studios (Castelló de la Plana) el día 31 de agosto de 2023, la producción de INTERACCIONS SONORES 2.0 ha contado con el apoyo del Institut Valencià de Cultura de la Generalitat Valenciana.
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INTERACCIONS SONORES 2.0, editado por el sello valenciano dedicado a las músicas improvisadas y experimentales Liquen Records, se encuentra disponible en más de treinta plataformas digitales, así como en la web y el bandcamp del propio sello.
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Liquen Records publica el nuevo trabajo discográfico de los compositores e improvisadores valencianos Joan Gómez Alemany y Josep Lluís Galiana. INTERACCIONS SONORES 2.0 supone la continuidad de esta “especie de ‘sonoutopia’ inabarcable, en constante transformación, donde el sonido en su fluida interconexión no puede indentificar sus elementos formantes, negando toda frontera”, explica Joan Gómez Alemany en sus notas del disco.
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El presente trabajo discográfico se titula INTERACCIONS SONORES 2.0, como continuidad de una primera propuesta estrenada en concierto el 28 de febrero de 2019 en el Teatro Círculo de Valencia y editada tambien por Liquen Records (LRCD010). En las notas de aquel disco, el compositor Pierluigi Billone constató que “como en un espejo deformado o en un juego de ‘dobles’ transformados, finalmente no queda claro quien es la fuente”. Esta misma idea ha provocado que la originaria Interaccions sonores mutara como un camaleón y deviniera en un nuevo formato, que fue estrenado en concierto el 4 de mayo de 2023 en la Sala SGAE Centre Cultural València. En Interaccions Sonores 2.0, Gómez Alemany se incorpora tambien como pianista improvisador, además de compositor de la electrónica fija, junto al saxofonista improvisador Josep Lluís Galiana.
En Interaccions Sonores 2.0, de lo que se trata es de “la hibridación y la no delimitación, allá donde normalmente se habla de categorías que se excluyen y son antagónicas, pero que en el fondo eso no es real. Interaccions sonores correspondería a procesos heurísticos y rizomáticos contra la idea de la filosofía clásica del principio de identidad y de no contradicción.
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Por otra parte, el crítico musical Paco Yáñez escribió en una reseña: “Uno de los elementos que sientan el éxito de Interaccions sonores como una gran forma es su proceso de continúo ‘contrapunto’ entre el saxofón y la electrónica, dando lugar a estructuras formales que reverberan y miran lo clásico a la hora de crear unidad y variación, desarrollando los materiales en el que es todo un viaje en el cual no resulta complejo identificar el saxofón como un caminante (de nuevo, si a Luigi Nono nos remitimos, sin caminos, aunque unos ciertos límites prefija la composición electrónica de Gómez Alemany) y la electroacústica como un mapa. Un mapa que es, al final, el hombre mismo, porque sus materiales genéticos en lo musical se ha conformado”.
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Interaccions Sonores 2.0 es una compoimprovisación de 60 minutos de duración, dividida en 6 partes que, sin solución de continuidad, constituyen una obra de gran dimensión formal y una estructura en la que la electrónica y los instrumentos acústicos dialogan constantemente. La obra fue grabada en los Rockaway Studios de Castelló de la Plana el 31 de agosto de 2023, siendo el ingeniero de sonido Raúl Artana. El CD ha sido producido por Josep Lluís Galiana, las notas del disco han corrido a cargo de Joan Gómez Alemany y el diseño, Sergi Moya (Cap i Cua).
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Interaccions Sonores 2.0 se encuentra disponible en su versiónéis física en la página web de Liquen Records: https://liquenrecords.com/2024/11/28/interaccions-sonores-2-0-joan-gomez-alemany-josep-lluis-galiana/
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y en su edición digital en el bandcamps de Liquen Records: https://liquenrecords.bandcamp.com/album/interaccions-sonores-20
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y distribuido en más de treinta plataformas digitales.
Moving far past the standard reeds-piano duo with its usual emphasis on lilting melodies are these duos from northern and southern Europe who subvert expectations with extended techniques, multi-instrumental shifts and a pinch of electronics. Interaccions Sonnores 20 matches València-based academic Josep Lluís Galiana, who plays soprano and baritone saxophones here with the piano and electronics of Joan Gómez Alemany, which whom he has previously recorded in trio form. Another duo which has recorded together in the past is Krailling-based Udo Schindler, who has recorded with everyone from Paul Rogers to Olaf Rupp, and here plays B and bass clarinets, alto saxophone and tubax, and Swiss pianist Michel Wintsch, known for his music with Gerry Hemingway and Bänz Oester among others, Adding further internationalism the five selection’s titles are based on the poems of French Symbolist Stéphane Mallarmé (1842 -1898).
Working up from a near soundless piano rumbles, Interaccions Sonnores 20’s six-part suite soon blends a tincture of whooshing oscillations with crackles from inside piano strings and slaps on the instrument’s wood with pedal point keyboard discursions. Meanwhile Galiana uses his baritone to create an unyielding line whose vibrations move from nephritic snorts and honks to gaunt cries that seem to be scraped foe the side of his horn’s body tube.
With tones as often challenged as connected, the saxophonist moves between his two horns yowling, biting, moaning and whimpering as he sucks on or bites his reeds, using a variety of pitches and tempos. In contrast Alemany extrapolates two keyboard variations, as well as regularly diving inside the piano mechanism to stretch or vibrate implements on the strings or scratching those attached strings to emphasize their metallic properties. Hands on the keys, he thumps percussively, rumbles extensively, clips abrasively and pushes out torrents of emphasized patterns at prestissimo speeds. Alternately during sequences in the second and fourth tracks, he tinkles his way to pseudo romantic interludes and dexterous shakes that owe more to Swing than Serialism.
As dexterity marks the transformations from nearly impenetrable and concentrated timbres to sparse and distributed ones, both improvisers resonate tones at a variety of speeds and pitches. Eventually the final section of “Interaccions Sonnores Part V” calms down to intermittent tongue slaps, then picks up speed as the pianist extends the horizontal line to undulating ripples that reflect reed reflux. Circular breathed reed notes and high-pitched keyboard clanks finally dovetail and combine into an almost opaque undulating tone, leading to a coda consisting of a single woody piano clank.
The same sort of rotation between high and low pitches plus harsh and gentle timbres characterizes Toute L’âme résumée, with similar thick and thin patterns that encompass prickly as well as pliable timbres. At the same time the constant shifts among pitches, tempos and even instruments didn’t prevent the program from moving forward.
Although Wintsch like Alemany is no slouch when it comes to peppering his contributions with repeated percussive patterns, stopped key clips and single key emphasis, an undercurrent of melodicism pervades his playing. Almost every piece includes an interlude – often quite brief – that pivots from conflict to concord. It can be almost lyrical and melodic (“Les Sons Ne Sont Pas Trop Forts”, jolly and jerky (“Le Chœur Des Chansons”) or even approximately Bop phrasing (“De Tes Lèvres S’élève”).
This doesn’t faze Schindler though and he maintains probing reed protrusions no matter which horn he’s playing. Equivalency leads to elation as on “Le Chœur Des Chansons De”, where the thickening snorts and smears from the basement-pitched tubax alternate with altissimo screeds in order to amplify the passion engendered by the pianist’s splayed and jerky keyboard currents. In other instances like during the extended “Les Sons Ne Sont Pas Trop Forts” the dissected glissandi and tongue stops issuing from his clarinet speedily whine, bite and yowl as they arch and then slowly descend to counter Wintsch’s keyboard smashes, spiky stabs and soundboard echoes.
Schindler’s confident ability in not avoiding expressing reed flatulence from his horns means that the renal sounds create both noise provocation as well as a contorted personalization through his instruments. That the pianist can respond in kind with strings, keys, wood and pedals jolts intensifies cooperation. Unafraid of mixing harsh and ugly tones with those which extend the parameters of free expression only somewhat pinpoint the advantages of their ongoing partnership. Following their experiments and those of Alemany and Galiana is what makes both discs fascinating and should encourage others to do the same.
ENTARTETE IMPROVISATIONEN – Josep Lluís Galiana · Jesús Gallardo · Joan Gómez Alemany
Josep Lluís GALIANA, Jesús GALLARDO & Joan GÓMEZ ALEMANY: Entartete Improvisationen. València: LIQUEN RECORDS • DL: V-304-2024 • LRCD029: PVP: 18€
Gastos de envío incluidos para España / Shipping costs included for Spain; para el resto del mundo, consulte coste de envío / for the rest of the world, chek shipping cost; otros métodos de pago / other payment methods. Contacto / Contact: liquenrecords@liquenrecords.com
ENG_
ENTARTETE IMPROVISATIONEN is the conjunction of three artists coming from very different aesthetic currents of current musical creation. Three improvisers with long artistic careers and very influential in the current Spanish and European scene of free improvisation and musical experimentation. This is their first album as a trio and in it one can appreciate the unmistakable contemporary contours of a music that draws from avant-garde jazz, from the free improvisation of the European tradition and the most current contemporary composition, as well as from roots music and from Western and Eastern traditions.
CAST_
ENTARTETE IMPROVISATIONEN es la conjunción de tres artistas de muy diversas corrientes estéticas de la creación musical actual. Tres improvisadores con una larga trayectoria artística y muy influyentes en el panorama actual español y europeo de la improvisación libre y la experimentación musical. Este es su primer disco como trío y en él se pueden apreciar los inconfundibles contornos contemporáneos de una música que bebe del jazz de vanguardia, la improvisación libre de la tradición europea y la composición contemporánea más actual, así como de la música de raíz de Occidente y de tradiciones orientales.
CREDITS
All music by Josep Lluís Galiana, Jesús Gallardo & Joan Gómez Alemany
This music was recorded on Rockaway Studios (Castelló de la Plana, Spain) on August 31, 2023.
Josep Lluís Galiana (soprano, tenor & baritone saxophones)
Jesús Gallardo (percussion)
Joan Gómez Alemany (expanded piano)
Mixing by Joan Gómez Alemany
Recording and mastering by Raúl Artana at Rockaway Studios, Castelló de la Plana, Spain
Video: Juan Vicent (Lluerna creació)
Graphic design: Josep Lluís Galiana
Produced by Josep Lluís Galiana for Liquen Records
© and produced by Liquen Records, 2024
TRAKCLIST
01. ENTARTETE IMPROVISATIONEN I
02. ENTARTETE IMPROVISATIONEN XII
03. ENTARTETE IMPROVISATIONEN XV
04. ENTARTETE IMPROVISATIONEN III
05. ENTARTETE IMPROVISATIONEN IV (Klavier und Percussion Duo)
06. ENTARTETE IMPROVISATIONEN X
07. ENTARTETE IMPROVISATIONEN VIII (Percussion Solo)
08. ENTARTETE IMPROVISATIONEN XIII
09. ENTARTETE IMPROVISATIONEN IX (Sopransaxophon Solo)
10. ENTARTETE IMPROVISATIONEN XIV
11. ENTARTETE IMPROVISATIONEN II
12. ENTARTETE IMPROVISATIONEN VII (Klavier Solo)
13. ENTARTETE IMPROVISATIONEN XI
14. ENTARTETE IMPROVISATIONEN V (Saxophon und Klavier Duo)
NOTA DE PRENSA
Josep Lluís Galiana, Jesús Gallardo y Joan Gómez Alemany publican su primer disco a trío, “Entartete Improvisationen”, en Liquen Records
Los compositores e improvisadores Josep Lluís Galiana, Jesús Gallardo y Joan Gómez Alemany publican su primer disco como trío en el sello discográfico valenciano Liquen Records, “Entartete Improvisationen”. Se trata de un homenaje a todas las músicas que fueron tildadas de degeneradas y perseguidas por el gobierno de la Alemania Nazi en las décadas de 1930 y 1940, durante la etapa del III Reich. Es una reivindicación de una música libre, sin fronteras territoriales, ni límites estéticos y, mucho menos, sin censuras ni persecuciones ideológicas. Es la práctica de la improvisación libre, la toma de consciencia del sonido y del silencio, y de su azaroso fluir.
Si bien el saxofonista Josep Lluís Galiana ha grabado tanto con el percusionista Jesús Gallardo —“Gallarnianas” (Liquen Records, 2021)— y con el pianista y compositor Joan Gómez Alemany —“Interaccions sonores” (Liquen Records, 2019) y recientemente “Llibertats sonores” (Liquen Records, 2023), junto al improvisador Avelino Saavedra—, “Entartete Improvisationen” es el primer disco a trío de estos tres artistas procedentes de muy diferentes corrientes estéticas de la música actual.
Galiana, Gallardo y Gómez Alemany son tres músicos con una larga trayectoria artística a sus espaldas y son muy influyentes en el actual panorama español y europeo de la improvisación libre y la música experimental. En su primer trabajo juntos se pueden apreciar los inconfundibles contornos contemporáneos de una música que bebe tanto del jazz de vanguardia como de la improvisación libre de marcada tradición europea y de la composición contemporánea, así como de la música de raíz tanto occidental como la procedente de tradiciones orientales.
Lanzamiento discográfico internacional en las más importantes plataformas digitales, en vídeo y edición física en CD
“Entartete Improvisationen” es fruto de una sesión de grabación en los Rockaway Studios, de Castelló de la Plana, celebrada el 31 de agosto de 2023, en la que Raúl Artana se ocupó de registrarla y de la posterior masterización. Con un lanzamiento internacional en las más importantes plataformas digitales y en el bandcamp de Liquen Records, este trabajo discográfico ha contado con la colaboración del artista visual Juan Vicent, quien ha realizado cuatro vídeos, captados durante la sesión de grabación. Asimismo, “Entartete Improvisationen” contará con una edición limitada en disco físico (CD), que saldrá a la venta durante el mes de febrero.
JOSEP LLUÍS GALIANA
Saxofonista, improvisador, escritor, compositor, editor y productor discográfico, Josep Lluís Galiana es protagonista destacado en la escena internacional de la libre improvisación, la creación electroacústica, el avant-garde jazz, la investigación etnomusicológica y la divulgación de la cultura y las artes desde hace más de tres décadas. Es autor de numerosos libros, ensayos, poemarios y colaboraciones en revistas especializadas y periódicos, como los libros La libre improvisación musical: fuente inagotable de inteligencia emocional, Tiempo de reverberación. Una aproximación histórica a la música experimental valenciana…, los poemarios Haikus d’estiu y Sons compartits o el ensayo Improvisación Libre. El gran juego de la deriva sonora o Emociones sonoras. De la creación electroacústica, la improvisación libre, al arte sonoro…, entre otros.
Asimismo, cuenta con doscientas composiciones en catálogo y más de cincuenta discos publicados en diversos sellos, tanto en solitario como en colaboración con reputados artistas como Agustí Fernández, John Butcher, Wade Matthews, Josu de Solaun, Ramón López, Carlos D. Perales, Avelino Saavedra, Jesús Gallardo, El Pricto, José Manuel Berenguer, Miguel Molina, Sisco Aparici, Vicente Gómez, Ferran Besalduch, Ricardo Tejero, Íñigo Ibaibarriaga, Mike Cooper, Carlos Galán, Paloma Carrasco, Thomas Bjelkeborn, Gonzalo Biffarella, Bartolomé Ferrando, Luz Prado, Ángel Faraldo, Lucia Martínez, Alex Reviriego o Joan Gómez Alemany, entre otros muchos. Su obra se ha dado a conocer en importantes festivales internacionales de Portugal, Francia, Grecia, Italia, Polonia, Suecia, EE.UU., China, Brasil, Argentina, México, Cuba y España. En 2016, funda la editorial EdictOràlia Llibres i Publicacions y el sello discográfico Liquen Records, dedicado a las músicas improvisadas y experimentales.
En el campo de la docencia, ocupó la Cátedra de Orquesta y Coro del Conservatorio Superior de Música de Castelló (2002-2003), donde fundó su Big Band. También, ha sido profesor de Historia y Estética de la Música en el Conservatorio Profesional de València (2002) y en el Conservatorio Profesional de Cullera (2004-2005), además de impartir numerosos cursos, talleres y seminarios en torno a la improvisación y otras cuestiones musicológicas, artísticas y culturales en Argentina, Grecia, Suecia y España.
JESÚS GALLARDO
Baterista, percusionista, compositor, improvisador y educador. Es licenciado por el Conservatorio Superior de Música de Valencia CSMV en la especialidad de Jazz y director de La Escuela de Música Mondo Rítmic de Castellón, donde imparte talleres de batería.
Ha colaborado con un gran número de artistas, tales como IVAM Big Band, Andrés Belmonte y Jazz 7, Agustí Fernández, Wade Mathews, Kirk McDonald, Fabio Miano, Jesús Santandreu, David Pastor, Perico Sambeat, Josep Lluís Galiana y más. Miembro fundador del CIM.CS (Col.lectiu d´improvisació musical de Castelló).
Actualmente, lidera Yei Yi & Co, un cuarteto de jazz con el que ha publicado Aaah!!! Lemon Song s 2006, Otro Muro Sobre El Ladrillo Lemon Song s 2007, Vorte Er Ca Contraseña Records 2010, Mull Lemon Songs 2016, Aleatorio Lemon Song s 2019, A l´Espai Nivi Lemon Song s 2021 y Curry Sessions 2023
1er Premio en el CS 2009 JZZ organizado por la Universitat Jaume 1er de Castelló.
JOAN GÓMEZ ALEMANY
Joan Gómez Alemany (València, 1990) es compositor, artista visual y escritor. Comienza el Grado en Composición con Oliver Rappoport (Conservatori del Liceu) y lo finaliza con Clemens Gadenstätter (Kunst Universität Graz). Tiene un Máster en Composición (KUG) con Franck Bedrossian y un Máster en Ópera (KUG) con Gadenstätter. También es graduado en Piano y licenciado en Bellas Artes. Actualmente se encuentra realizando su tesis doctoral en la Universitat Politècnica de València. Por ahora su catálogo consta de más de 60 obras para orquesta, ópera, ensemble, electroacústica, etc.
Sus composiciones han sido encargadas o interpretadas en festivales como el Darmstädter Ferienkurse, impuls (Graz), ManiFeste-IRCAM (París), reMusik.org (San Petersburgo), Mixtur (Barcelona), Ensems (València), COMA (Madrid), Klang (Copenhague), Lens Dans Festival (Bruselas), MPArt Festival (Larisa, Grecia), Mostra Sonora Sueca, Festival Contemporani d’Alacant, Àgora Actual Percussió, etc., e interpretadas por músicos o ensembles como Arditti, Nikel, Recherche, Multilatérale, Schallfeld, Adapter, Parcours, MCME, Delirium, Synergein Project, Grupo Cosmos 21, Container, Aer Duo, IEMA, Szene Instrumental, Alxarq Percussió, BCN216, Shifter y otros.
Su música también ha sido estrenada por orquestas como la SWR bajo la dirección de Gregor Mayrhofer y la JOGV bajo la dirección de Pablo Rus Broseta. En 2022 se estrenó su ópera de cámara (proyecto interdisciplinario) Glücklich, die wissen, dass hinter allen Sprachen das Unsägliche steht en la Ópera de Graz con el director Leonhard Garms. Publica sus partituras principalmente en la Universal Edition y por ahora su música está editada en 8 CDs para Liquen Records, Viajero Inmóvil Records e IBS Classical. Su música se ha escuchado en Alemania, Austria, Azerbaiyán, Bélgica, Dinamarca, España, Francia, Grecia, Israel, República Checa y Rusia, y emitida en las radios ORF, SWR, RNE, À Punt FM, Catalunya Ràdio y Radio Círculo de Bellas Artes.
Entartete Improvisationen en YouTube
DOSSIER DE PRENSA
Paco Yáñez, Scherzo, abril 2024
Con una larguísima trayectoria como saxofonista e improvisador, que incluye más de treinta lanzamientos fonográficos, Josep Lluís Galiana se ha embarcado, con los también compositores e improvisadores Joan Gómez Alemany y Jesús Gallardo, en el que es su primer disco conjunto como trío, titulado Entartete Improvisationen en homenaje a las músicas calificadas como “degeneradas” en el periodo nazi, convirtiéndose este nuevo compacto del sello Liquen en lo que sus creadores dicen “reivindicación de una música libre, sin fronteras territoriales, ni límites estéticos y, mucho menos, sin censuras ni persecuciones ideológicas”, algo tan actual hoy en Europa.
Partiendo de este planteamiento, Josep Lluís Galiana, en los saxofones soprano, tenor y barítono; Joan Gómez Alemany, en el piano extendido; y Jesús Gallardo, en la percusión, registraron el 31 de agosto de 2023, en los Rockaway Studios de Castellón, una sesión conformada por dieciséis improvisaciones libres no dispuestas en este disco por estricto orden de creación, sino combinadas buscando una mayor musicalidad y contraste. Sólo se ha conservado el orden original para la primera y la decimosexta, conformándose el global por tres improvisaciones solistas, dos dúos con piano y once tríos.
Estamos ante un trabajo que profundiza en las inconfundibles señas de identidad de estos tres improvisadores, sirviendo de ágora estética en la que resuenan desde la avantgarde europea al free jazz estadounidense, pasando por ecos del flamenco y de la música árabe. Una de las novedades, aquí, es el trabajo como aglutinador armónico y fuente de inauditas sonoridades ruidistas realizado por Joan Gómez, que confiere al trío una radical modernidad y el inconformismo que suele caracterizar a su creación artística y musical. La grabación de Raúl Artana les hace plena justicia.
Antonio Martín, La muerte tenía un blog, 20 mayo 2024
Los rangos estilísticos de ENTARTETE IMPROVISATIONEN son tan amplios que difuminan por completo cualquier atisbo de encasillamiento en escuelas, estilos, atildamientos varios o clasificación académica. Cuando los vientos de Josep Lluís Galiana van zajando espacio (el aire es la carne del cosmos, y Galiana la corta como un bisturí) uno puede correr el riesgo de decir que esto es Impro pura y dura pero escasos segundos después, a la par que extremos tonos barítonos barren el polvo de vuestras casas la atención se me va a una percusión brutalmente versátil, sincopada, y con cierto regusto orientalizante que aunque esté inmersa en el exquisito caos sí que parece responder a patrones compositivos no sé si estudiados de antemano, pero posiblemente expuestos en consideración en ese telón de fondo pineal que tenemos en el frontispicio interno de la frente de nuestros entrecejos.
Quizás me he dejado llevar por la pasión y os ruego me disculpéis. Estoy hablando de un fabuloso nuevo trío (Galiana, Gallardo, Alemany) que ha editado un yunque en forma de disco (grabación y mezcla por Raúl Artana en Rockaway Studios) a través de LÍQUEN RECORDS. He empezado la casa por el tejado ya que bien pensado, si ellos no han tenido compasión con el oyente, por qué voy a tenerla yo con el lector… es más, tampoco entiendo por qué las casas tienen que tener tejados.
Conforme avanza el disco los motivos percusivos se ven todavía más reforzados con la maestría de Joan Gómez Alemany y su piano expandido y aquí parad las máquinas un momento. La pregunta no es QUÉ porque sabemos de qué trata un ‘piano expandido’; la clave radica en ‘HASTA DÓNDE lo ha expandido’ a tenor de la apabullante glosolalia de motivos melódicos que van desde espectrales y agudos golpeteos de timbres Gamelan a atonales y dismórficos usos de corcheas a lo Cage. Por otro lado tenemos la fuerza a la batería de Jesús Gallardo, de una inventiva expansiva (algo así como baquetas de punta hueca como las balas) que nos hace olvidar la ausencia de un bajo. Pica, repica, recontrapica, taladra y emulsiona a placer mientras Galiana (me remito por ejemplo al epílogo de «Entartete Improvisationen I») se suelta un larguísimo ejercicio respiratorio en circular que quita el hipo.
Escuchado este primer corte una y otra vez, no consigo decidirme si ponerlo en ese post Coltraniano submundo ultra Free Jazz de Charles Gayle (lo primero que se me viene a la cabeza en cuanto a intensidad controlada) o en la escuela de improvisación de Jazz a la Británica de Evan Parker (intensidad de ‘control descontrolado’) pero sí que me doy cuenta de que quizás buscar un referente sea un craso error en el disco que hoy os presento. Es decir; si yo fuera un trazo de un lápiz en vez de un ser humano, no sería capaz de separar los términos Free, Avant, Contemporary y demás sino que preferiría hacerme el loco, no señalarme y ser por tanto tan recto y sutil como un encefalograma plano. ¿Cuál es la moraleja? que ENTARTETE IMPROVISATIONEN están curtidos y su música no tiene lo que se llama ‘solución de continuidad’ porque es fluida, coherente y bebe de todo y de nada a la vez.
El minimalismo de «Entartete Improvisationen XII» subyuga por sus ásperos tonos abstractos exigiendo al oyente toda su atención para separar piano de batería dentro de un microcosmos Drone asordinado con puntos en común con la tradición del Free a la británica (podéis recurrir a EMANEM del recién fallecido Martin Davidson y el bastísimo catáloco de la Spontaneous Music Ensemble). Esas cascadas de los saxos son Coltranianas a mi humilde entender y cuando emulsionan con la batería y los angulares tonos del piano (quizás Cecil Taylor es una referencia no en cuanto a estilo evidentemente, sino en cuanto a FUERZA VITAL) que a veces caen como plomiza lluvia que empapa todo el engranaje que usa Gallardo (por ejemplo en la ferretería que despliega en «Entartete Improvisationen III» o en el solo para percusión «Entartete Improvisationen VIII»). Que Galiana haya decidido moverse entre los diversos timbres posibles (soprano, tenor y barítono) refuerza y amplía la gama de tonalidades haciendo más atractivo navegar por un álbum que se va a los 80 minutos de duración. Aunque no me atreva a ponerlo a la ligera, fraseos obsesivos del saxo tenor remiten al Spiritual Jazz de Pharoah Sanders pero pasado por un filtro obsesivamente contemporáneo.
No hace falta decir que en las partes más duras se roza, se frota, se pulsa, tensa, destensa y asordina todo lo habido y por haber hasta el punto de que la confusión de lenguas de BABEL fue simplemente una anécdota sin importancia. «Entartete Improvisationen IV» es un cara a cara sin piedad entre batería y piano preparado con ausencia de vientos pero de algún modo recreando el submundo agreste de Cherry y Blackwell en MU o más acertadamente y gracias a los momentos más mistéricos de Alemany esas bellezas intransigentes con la melodía de los Helliocentric Worlds de la Sun Ra Arkestra. No todo en el disco corta y produce tetania; hay momentos para lo lírico en el piano y una excelsa batería Jazz Noir de Gallardo («Entartete Improvisationen X») sobre la que campean introspectivos saxos baladescos y Blues (el lento tempo casi litúrgico de «Entartete Improvisationen XIV»).
Exquisito Free Jazz de alta alcurnia con «Entartete Improvisationen XIII» en modo trío avasallador de inusitada ferocidad (insisto en el acierto de sustituir al bajo por un piano preparado) con cada instrumento conectado espiritualmente a los dos restantes para crear una molécula jazzística indivisible y de pesadísima masa molecular (permitidme la osadía de llamarla algo así como ENTARTETE MOLECULAREN). Los solos lejos de aburrir están perfectamente insertados en el tracklist y al anterior de Gallardo sigue un bellísimo solo al soprano de Galiana (un instrumento que me encanta) en «IX» o un fascinante despliegue de recursos de Alemany («VII») donde ocurre esa magia del sincretismo en la que lo que son cuerdas transmutan en teclados electrónicos y recursos de toda índole se quitan la máscara para transitar desde la electroacústica a momentos cercanos al Noise (cosa que se acentúa en un atonal dúo entre saxo y piano preparado («V»).
Afortunadamente, tengo aquí al lado una gran cisterna de la que tiro y por la que se va todo el academicismo de rancio abolengo. Tras liberarme de mis cadenas dogmáticas, me propongo a abrazar con todo mi ser los 12 últimos minutos («XVII» y «XVI»); saxos que resuenan como paquidermos desbocados, gárgaras magmáticas que producen un miasma esputado y que hierve en el frío metal de Gallardo, que lo monta a punto de nieve. Alemany ha sido elegido protagonista en una nueva película de Cronemberg y los clavijeros, arpas, cuerdas y apagadores lo abrazan en un Bondage percusivo que ríase usted de los Cenobitas (nota mental: preguntar a los cenobitas por la Improvisación Libre).
No voy a añadir más. DISCAZO RECOMENDADÍSIMO para gente a la que guste de perder su esmalte dental rozando dientes.
Ken Waxman, New Jazz Word, January 13, 2025
Strangely absent when creative music is discussed, Spain includes a goodly number of free improvisers, but somehow misses exposure on the wider stage. It may be because in the post-Franco environment emphasis has been on education with many of the players with advanced degrees and/or involved in academe. Which brings us to this more than 79-minute, demonstration of how the players and academics dub Entartete Improvisationen or “degenerate improvisations” can sound.
The sardonic title can only be taken with a full saltshaker since the improvising on these 14-tracks is as genuine as that from any other improvising trio. The degenerates on this disc are all veterans, and in the case of València-based soprano, tenor and baritone saxophonist Josep Lluís Galiana, who has played with Wade Matthews and Ramón López among others, have recorded frequently. His debased associates here are Joan Gómez Alemany who elsewhere uses samples and electronics and here plays so-called expanded piano and percussionist Jesús Gallardo, who has worked with Agustí Fernández
Except for solo or duo tracks, the three players’ interaction involves thrusting extended techniques projections of from all the trio members. Gallardo is probably the most restrained. His strategy involves tough ruffs, rumbles, echoing rebounds and cymbal scratches with the occasional plastic bottle-like clanks, tambourine shudders and bell-tree shakes used to break up the interface. Moving among his three saxophones Galiana’s expositions and amplifications are more extended. Capable of creating a nasal oboe-like yelp or high-energy snorts, he connects with the others using thin, high-pitched flutters or basement-level resonating honks. Disassociated split tones, note stretching, tongue stops and slaps also intersect with the others, especially Alemany’s inner string strums or pumping keyboard chording. On a track like “Entartete Improvisationen XV” Galiana balances stopped-key pressure with affiliated spetrofluctuation.
However Alemany’s note bending and affiliations are the centre of many of the pieces however. Just as Galiana is able to dig deep inside his horns’ body tubes to source unexpected timbres, Alemany has both the outer piano keys to stop, clip and pattern and the inner strings to strum, twang and frail with suggestions of harp, dulcimer, and on “Entartete Improvisationen XII”, guitar. Additionally while his contributions include heavy pounding, percussive inner piano rumbles and clanks from both sides of the keyboard, lyricism is also featured. This is especially obvious on “Entartete Improvisationen XIV”. Expressing both relaxed keyboard tinkles and pedal point strength, the pianist draws out the narrative further with a melodic comping even drawing in Galiana as he vibrates a single tone up and down.
Defined with different tempos, pitches, noises and note-bending, these degenerate improvisers’ program resolve around paying close attention to sound variations without the necessity of a defined conclusion. It also confirms the skills of at least one set of Spanish improvisers.
JOSEP LLUÍS GALIANA
Entartete Improvisationen • Textures
Martí Farré, Revista 440_Enderrock, 28 de juny 2025
El prolífic improvisador valencià Josep Lluís Galiana ha publicat dos discos amb formacions diverses, però amb un seguit de trets en comú com són l’exploració tímbrica i climàtica, el viatge i la solidesa dels intèrprets com a creadors d’universos sonors tan efímers com embriagadors, als antípodes de la placidesa, o no. Al primer treball, Entartete Improvisationen, s’ajunta amb dos músics que, com ell, presenten una folgada trajectòria en diverses escoles experimentals. Presentat com un trajecte llarg, intens i per parts —setze talls numerats de manera, en aparença, desendreçada—, inclou des de fragments de fúria desbocada fins a altres d’exploració penetrant i expectant; contrastos climàtics, en sintonia amb el bo i millor de l’experimentació acústica i amb moments, també, de lluïment en format de duet —piano estès i percussió— i a solo —de saxo i percussió—. A banda del contrast entre unes peces i altres, cal destacar la seva extraordinària comenetració amb Jesús Gallardo i Joan Gómez Alemany, que per primer cop signen una obra a trio. Caldrà parar atenció a la continuïtat d’aquest grup, com a la del duet entre Josep Lluís Galiana i Amadeu Marín. En aquest cas, es tracta d’un encontre que fa honor al títol del disc; un joc de textures sorprenents, quasi màgiques, una mostra de ‘sons no visibles’, en paraules de Gómez Alemany a les notes del disc. Galiana i Marín estableixen un diàleg a partir de timbres sovint tna poc convencionals com complementaris. Un exemple paradigmàtic d’aquesta dinàmica es troba en peces com «Glazy Slide». A Textures hi ha vibracions llargues, com les de «Coarsely Earthy», que es contraposen a l’estira-i-arronsa de «Tactile Filigree» o «Sparsely Bouncy», i peces amb desenvolupaments tan interessants com «Granular Multilayer». Una gran entesa de Galiana amb els comanys de viatge.
Miguel Ángel Pérez Martín, docenotas.com, 29/04/2024
Al parecer era esa la recomendación de Cecil Taylor cuando alguien le preguntaba por el arte de la improvisación
Es ya un estilo musical por derecho propio y lo suficiente alejado del jazz, del rock, de la música contemporánea, del noise…es «improvisación», composición instantánea lo denominaban los ingleses.
Si el lector frecuenta mis páginas y los discos que reseño verá que abogo por dar rienda suelta y valor a los músicos que se atreven con la improvisación sin red. Sin apenas un esquema.
Me parece un arte ciertamente difícil. Si yo leo una partitura y «ensayo» acabo montando ese tema, esa canción y no influye tanto mi pericia con el instrumento. Aquí sí, has de conocer hasta la extenuación lo que tienes “entre manos” aunque luego solo uses un bajo porcentaje de sus posibilidades.
Has de escuchar, has de apreciar musical y personalmente a tus compañeros, algo que no se da a veces en otros estilos musicales, aquí la empatía es fundamental como relata Josep Lluis Galiana en sus escritos.
¿Que nos ofrecen ahora estás tres luminarias de la improvisación española? De partida un disco con un sonido excepcional, se encerraron un día de agosto en un estudio, tocaron y después mezclaron y editaron, éxito de sonido casi asegurado.
El resultado: catorce secciones con un fluir sonoro e interplay excepcional.
Como siempre adelanto: la dimensión visual y gestual en esta música se diluye, pero se gana en concentración en la escucha y en limpieza de sonido frente al directo y sus impurezas, tan interesantes también en algunas ocasiones, no siempre.
La vertiente noise de la improvisación a veces es complicada de escuchar, precisa de mucho volumen, esta muestra está más cerca, por instrumentación, del free jazz y solo precisa de atención, tiempo y oído un tanto educado para estos sonidos.
Hay momentos hasta relajantes por ayudarte a mantener distancia con otras realidades.
Una escucha muy placentera e interesante, siempre.
Atrévanse a pedirlo y abran sus orejas a experiencias musicales no habituales.
Parcours: NOVES TRADICIONS
Parcours: NOVES TRADICIONS. Obres de Voro Garcia, Joan Gómez Alemany i Marc Garcia Vitòria. València: LIQUEN RECORDS. DL: V-2685-2020 — LRCD018. PVP: 18€
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NOVES TRADICIONS
Música contemporània valenciana per a saxofon, percussió i electrònica interpretada per PARCOURS
( versión en castellano abajo & english version below )
Aquesta producció reuneix per primera vegada diverses obres de tres compositors valencians —Marc Garcia Vitòria, Voro Garcia i Joan Gómez Alemany— interpretades pel grup PARCOURS i es basa en dues idees fonamentals: la unió de la música «tradicional» des d’un llenguatge contemporani junt a la música més «tecnològica i de nova creació» a través del so electrònic. La primera idea es veu reflectida en els dos duets del disc. En el primer d’ells, Immagine sonora di Tarab II (dedicat a PARCOURS), explica el seu compositor en les notes de la partitura: «El terme Tarab (en àrab «arravatament», també «estat extàtic», «embadaliment místic») va donar origen a la paraula trobador. Tarab s’emprava en al-Andalus per designar el cant. No es tracta d’una recreació sonora de temps i espais passats, presos en aquest cas de la cultura àrab. […] Es tracta de desenvolupar una gramàtica que té a la perspectiva acústica com a tema central i crear un paisatge sonor en contínua «evolució». Dit d’una altra manera, l’elaboració d’un discurs sonor a través de la deconstrució d’un altre. Sense ànim de literalitat, més aviat com una font d’inspiració que, en el resultat sonor final, pot diferir completament de l’estímul primari.»
Per altra banda i també des d’un plantejament similar, el segon duet es titula Azhan (encarregat per i dedicat a PARCOURS). Dividit en dues parts relacionades parteix, com l’obra anterior, d’una música «tradicional» sense voler recrear aquesta, per poder reflexionar des de la contemporaneïtat. La font d’inspiració és un viatge a Terra Santa que va realitzar el compositor entre finals del 2017 i inicis del 2018, poc després de la Tercera Intifada. Allà vaig poder apreciar la mixtura cultural de les tres religions monoteistes (islam, judaisme i cristianisme) en la seua convivència i tensió. L’obra s’inspira sobretot en el cant àrab, però també en una relectura del instrument jueu xofar, de la mateixa manera que en la sonoritat de la campana associada a les esglésies cristianes. Tot i que aquests elements sonors són un punt de partida, les noves tècniques instrumentals i la improvisació tenen un paper molt important.
Al mateix temps, les dues peces per a instrument solista i electrònica aprofundeixen sobre la idea de la tecnologia aplicada al procés musical. La primera d’elles, The P Project (dedicat a Adrien Lajoumard i escrita a l’IRCAM) du a terme una forta simbiosi del so acústic del saxofon amb el so d’origen electrònic, retro-alimentant-se mútuament. L’obra es una espècie de simulació d’un conjunt de jazz en el que els sons del saxofon recreen els rols que podrien tindre una bateria o un baix, i l’electrònica està programada per a que reaccione al que seria una «improvisació escrita per a saxofon».
En refeèrencia a la segona obra solista, Microscopi 2b (dedicada a Miquel Vich), la transparència de la seua escriptura ens permet apreciar l’evolució de les cèl·lules rítmiques i els motius de manera quasi científica. A la vegada, aquestes miniatures formants són sintetitzades per l’electrònica en camps sonors que les engloben i fusionen en un gran conjunt. Totes les obres incloses (que han estat enregistrades per primera vegada en un CD per PARCOURS) volen crear una original integració de temps, tecnologies, cultures i llenguatges sonors, des de la visió local d’uns compositors valencians que es relacionen igualment amb allò global (unió que conforma el que recentment s’ha anomenat com a «glocal»). Així confrontar i veure quins són els punts d’unió entre dues idees a priori antagòniques, com és el cas de «tradició» i «modernitat».
Joan Gómez Alemany
CRèDiTs_
edició: JOAN GÓMEZ ALEMANY
producció: PARCOURS i JOAN GÓMEZ ALEMANY
enregistrament i postproducció: NACHO GASCÓN (1-3), PARCOURS i MARC GARCIA VITÒRIA (4-5)
disseny gràfic: J. CHAGALL / Gestionarama
fotografia interior: MIQUEL ÀNGEL VICH BONADA
agraïments: GERARD VALVERDE, RAMON TORRAMILANS, ESMUC, AXIMUSICA
© p 2020 Liquen Records
depòsit legal: V-2685-2020 · LRCD018 · liquenrecords.com
Amb el suport de
i la col·laboració de
TRaCkLiST_
noves tradicions
Immagine sonora di Tarab II (2006, rev. 2020) · saxofon soprano i percussió [ 8:20 ]
VORO GARCIA
Azhan I (2018) · saxofon alt i percussió [ 12:57 ]
Azhan II (2018) · saxofon alt i percussió [ 15:09 ]
JOAN GÓMEZ ALEMANY
The P Project (2010) · saxofon baríton i electrònica [ 5:46 ]
Microscopi 2b (2008, rev. 2020) · vibràfon i electrònica [ 6:04 ]
MARC GARCIA VITÒRIA
helena otero correa (saxofons) · PARCOURS · miquel vich vila (percussions)
Notes a les obres
1 Immagine sonora di Tarab 2 (2006, rev. 2020) – saxofon soprano i percussió – Voro García. Com diu el compositor a les notes de la partitura: “El terme Tarab (en àrab ‘arravatament’, també ‘estat extàtic’, ‘embadaliment místic’) va donar origen a la paraula trobador. Tarab s’emprava en al-Andalus per designar el cant. No es tracta d’una recreació sonora de temps i espais passats, presos en aquest cas de la cultura àrab. […] Es tracta de desenvolupar una gramàtica que té a la perspectiva acústica com a tema central i crear un paisatge sonor en contínua ‘evolució’. Dit d’una altra manera, l’elaboració d’un discurs sonor a través de la deconstrució d’un altre. Sense ànim de literalitat, més aviat com una font d’inspiració que, en el resultat sonor final, pot diferir completament de l’estímul primari.” La primera versió d’aquesta obra està dedicada a Marcus Weiss i Christian Dierstein. La segona versió que s’inclou en aquest CD a PARCOURS.
2 Azhan I (2018) – saxofon alt i percussió – Joan Gómez Alemany. Azhan és la fórmula que es fa servir en l’Islam per convocar els fidels a l’oració. Usualment la recita el muetzí des del minaret de la mesquita. Esta obra parteix d’una música “tradicional” sense voler recrear aquesta, per poder reflexionar des de la contemporaneïtat. La font d’inspiració d’aquest treball és un viatge a Terra Santa que va realitzar el compositor, entre finals del 2017 i inicis del 2018, poc després de la Tercera Intifada. Allà va poder apreciar la mixtura cultural de les tres religions monoteistes (islam, judaisme i cristianisme) en la seua convivència i tensió. L’obra s’inspira sobretot en el cant àrab, però també en una relectura del instrument jueu xofar, de la mateixa manera que en la sonoritat de la campana associada a les esglésies cristianes. Tot i que aquests elements sonors són un punt de partida, les noves tècniques instrumentals i la improvisació tenen un paper molt important. Aquesta obra ha estat escrita expressament i dedicada a PARCOURS.
3 Azhan II (2018) – saxofon alt i percussió – Joan Gómez Alemany. Segon moviment de l’obra anterior que també pot interpretar-se de forma aïllada. En aquest segon moviment destaca una part improvisada pel saxofon a partir d’unes fórmules, que el relaciona amb les practiques no escrites de la tradició àrab i altres músiques no escrites.
4 The P Project (2010) – saxofon baríton i electrònica – Marc Garcia Vitòria. Peça escrita durant el Cursus 1 al IRCAM dedicada a Adrien Lajoumard, du a terme una forta simbiosi del so acústic del saxofon amb el so d’origen electrònic, retro-alimentant-se mútuament. L’obra es una espècie de simulació d’un conjunt de jazz en el qual els sons del saxofon recreen els rols que podrien tindre una bateria o un baix, i l’electrònica està programada per a que reaccione al que seria una “improvisació escrita per a saxofon”.
5 Microscopi 2b (2008, rev. 2020) – percussió i electrònica – Marc Garcia Vitòria. La transparència de la seua escriptura ens permet apreciar l’evolució de les cèl·lules rítmiques, creades a partir del tradicional Bolero de L’Alcúdia, i els motius de manera quasi científica. A la vegada, aquestes miniatures formants són sintetitzades per l’electrònica en camps sonors que les engloben i fusionen en un gran conjunt. Aqueta obra està dedicada a Miquel Vich, percussionista de PARCOURS.
BioGrafies
Voro Garcia (Sueca, València, 1970), titulat en diferents especialitats musicals, amplia la seua formació amb Mauricio Sotelo i José Manuel López, entre altres. Doctor en Música per l’UPV. Ha rebut encàrrecs de diferents institucions i intèrprets com l’INAEM, JONDE, CDMC, IVC, Auditorio Nacional, Festclásica, Ensems, Mixtur, Ascolta Ensemble o Ministeri de Cultura Francès. Entre els guardons aconseguits destaca el Premi de l’Institut Nacional de la Joventut (2004). Les seues obres han sigut interpretades en diferents festivals per prestigiosos intèrprets i grups. Fundador i creador de l’Ensemble Espai Sonor. en 2003. En la seua faceta de director, ha realitzat l’estrena absoluta i/o en Espanya de multitut d’obres. Compositor resident del Grup Instrumental (2001-02), JONDE (2006-07), MNCARS (2009), JOGV (2009-10), SOMELGRUP (2013), SBALZ (2018) i AGORA (2019). Director artístic de la Mostra Sonora de Sueca (2005-2017). En l’actualitat és catedràtic de composició al Conservatori Superior de Música de València i director artístic d’Ensems. Més informació en: http://www.vorogarcia.com/es/
Joan Gómez Alemany (València, 1990) inicia els seues estudis de composició amb Oliver Rappoport en el Conservatori de Liceu i continua en la Kunstuniversität Graz amb Clemens Gadenstätter i Franck Bedrossian, on finalitza el grau en composició, el máster de composició i màster d’òpera i tratre-musical. També és graduat en piano i llicenciat en Belles Arts per la UPV. Ha rebut classes individuals dels compositors com Mark André, Pierluigi Billone, Raphaël Cendo, Brian Ferneyhough, Ashley Fure, Alberto Posadas, Stefan Prins, Yann Robin, Rebecca Saunders i Mauricio Sotelo entre d’altres. Ha rebut encàrrecs de festivals com Impuls, Ensems, Internationales Musikinstitut Darmstadt i l’Horta Sonora. Les seues obres s’han estrenat en altres festivals com reMusik (Sant Petersburg) Mixtur (Barcelona), Manifeste-IRCAM (París), etc. La seua música ha estat interpretat per orquestres com la SWR i JOGV i per Ensembles i solistes com Multilatérale, Nikel, Adapter, Schallfed, PARCOURS, Container, BCN216, Josep Lluís Galiana, Arturo Barba Sevillano, etc. S’ha retransmès per la ràdios de la À Punt, ORF, SWR, UNDAE Círculo Bellas Artes entre altres. Actualment es troba composant una òpera de cambra que s’estrenarà en l’Òpera de Graz (Àustria) el 2022 baix la direcció de Beat Furrer.
Marc Garcia Vitòria (Castelló de Rugat, 1985), estudia al Conservatori Professional d’Ontinyent, a l’Esmuc de Barcelona, a la HEM de Ginebra i a l’Ircam de París. Desenvolupa una carrera de compositor a nivell europeu, que li ha valgut premis com el de la Fundació SGAE i la Universitat d’Aberdeen, i encàrrecs de diverses orquestres i grups com la BBC Scottish Symphony Orchestra, l’Ensemble Intercontemporain o l’Ernst von Siemens Musikstiftung. Després de ser assistent de composició i professor de contrapunt a la HEM de Ginebra, i professor de composició al Conservatori Superior de Música d’Alacant, actualment és professor de composició i orquestració al Conservatori Superior de Música de València. Més informació en: https://garcia-vitoria.com/
PARCOURS, format per Helena Otero Correa (saxos) i Miquel Vich Vila (percussió), neix de la voluntat de crear una proposta artística amb un marcat caràcter expressiu i innovador. Els programes que s’aborden aspiren a ser tota una experiència sonora per al públic, un desafiament per als intèrprets i una oportunitat per donar veu a nous compositors.
El grup es forma durant l’etapa d’estudis dels seus components a l’ESMUC i des de 2014 ha participat en les edicions de 2015 i 2017 del festival internacional de música contemporània IMPULS (Graz, Àustria) on s’han format amb el prestigiós grup de cambra Trio Accanto (Marcus Weiss, Christian Dierstein i Nicholas Hodge), han estat finalistes del Tribuna Sax Ensemble, tocant en els festivals de música de Tres Cantos 2018 i el festival Música para el Tercer Milenio 2018, i han participat al Festival Barcelona Modern 2019.
Apassionats de les músiques de nova creació i de la música de cambra, els membres de PARCOURS formen part d’altres projectes i ensembles (FRAMES PERCUSSION, Duo Dimensiones, Crossing Lines ensemble, asLan ensemble, etc.), cosa que els ha portat a tocar en importants cicles i festivals com l’Ensems de València, “Jóvenes Intérpretes” de la Fundación Juan March de Madrid, Prototype VI de la Foundation Royaumont de París o Sampler Sèries de Barcelona.
Les ganes d’explorar altres possibilitats expressives i de comunicació més enllà del format de concert ha portat el grup a crear l’espectacle [IM]Perceptions que han tocat en els festivals Detours de Babel de 2018 (Grenoble) i What’s Up? 2019 (Lió), a participar en el cicle «Música i Cinema» (2018) del Prat de Llobregat col·laborant amb l’artista «c r n d s» o ha ofert un taller/concert sobre noves músiques al Conservatori Professional de Música de Lugo el 2017.
Els membres del grup han treballat amb compositors i compositores d’àmbit nacional i internacional com són Pablo Carrascosa, Joan Gómez Alemany i Manuel Rodríguez-Valenzuela (València); Gemma Rodríguez, Gerard Valverde Ros, Luis Codera Puzo (Catalunya); Núria Giménez-Comas, Hèctor Parra i Sirah Martínez (Catalunya/França); Rocío Cano Valiño i Demian Rudel Rey (Argentina/França), Philippe Hurel (França), Rebecca Saunders (UK), Elena Rykova (EEUU/Rússia) o Alberto Bernal i Jose Manuel López-López (Madrid).
NOVES TRADICIONS
Música contemporánea valenciana para saxofón, percusión y electrónica interpretada por PARCOURS
Esta producción reúne por primera vez varias obras de tres compositores valencianos interpretadas por el grupo PARCOURS y se basa en dos ideas fundamentales: la unión de la música «tradicional» desde un lenguaje contemporanio junto con la música más «tecnológica y de nueva creación» a través del sonido electrónico. La primera idea se ve reflejada en los dos duos del disco. En el primero de ellos, Immagine sonora di Tarab II (dedicado a PARCOURS), explica su compositor en las notas de la partitura: » El término Tarab (en árabe «arrebato», también «estado extático», «embeleso místico»), dio origen a la palabra trovador. Tarab se empleaba en al-Andalus para designar el canto. No se trata de una recreación sonora de tiempos y espacios pasados, tomados en este caso de la cultura árabe. […] Se trata de desarrollar una gramática que tiene a la perspectiva acústica como tema central y crear un paisaje sonoro en continua “evolución”. Dicho de otro modo, la elaboración de un discurso sonoro a través de la deconstrución de otro. Sin ánimo de literalidad, más bien como una fuente de inspiración que, en el resultado sonoro final, puede diferir completamente del estímulo primario.» Por otra parte, el segundo dúo se titula Azhan (encargado por y dedicado a PARCOURS). Dividido en dos partes relacionadas, que como la obra anterior también parte de una música «tradicional» sin querer recrear esta, para poder reflexionar desde la contemporaneidad. La fuente de inspiración de este trabajo es un viaje a Tierra Santa que realizó el compositor, entre finales del 2017 e inicios del 2018, poco después de la Tercera Intifada. Allí pudo apreciar la mixtura cultural de las tres religiones monoteístas (islam, judaísmo y cristianismo) en su convivencia y tensión. La obra se inspira sobre todo en el canto árabe, pero también en una relectura del instrumento judío shofar, del mismo modo que en la sonoridad de la campana asociadas a las iglesias cristianas. Aunque estos elementos sonoros son un punto de partida, las nuevas técnicas instrumentales y la improvisación tienen un papel muy importante. Por otra parte, las dos piezas para instrumento solista y electrónica profundizan sobre la idea de la tecnología aplicada al proceso musical. La primera de ellas, The P Project (dedicada a Adrien Lajoumard y escrita en el IRCAM), lleva a cabo una fuerte simbiosis del sonido acústico del saxofón con el sonido de origen electrónico, retro-alimentándose mutuamente. La obra es una especie de simulación de un conjunto de jazz en el que los sonidos del saxofón recrean los roles que podrían tener una batería o un bajo, y la electrónica está programada para que reaccione a lo que sería una «improvisación escrita para saxofón». En referencia a la segunda obra solista, Microscopio 2b (dedicada a Miquel Vich), la transparencia de su escritura nos permite apreciar la evolución de las células rítmicas, creadas a partir del tradicional Bolero de Alcudia, y los motivos de manera casi científica. A la vez, estas miniaturas formantes son sintetizadas por la electrónica en campos sonoros que las engloban y fusionan en un gran conjunto. Todas las obras incluidas (que han sido grabadas por primera vez en un CD por PARCOURS) quieren crear una original integración de tiempos, tecnologías, culturas y lenguajes sonoros, desde la visión local de unos compositores valencianos que se relacionan igualmente con lo global (unión que conforma lo que recientemente se ha denominado como «glocal»). Así confrontar y ver cuáles son los puntos de unión entre dos ideas a priori antagónicas, como es el caso de «tradición» y «modernidad».
Joan Gómez Alemany
Notas a las obras
1 Immagine sonora di Tarab II (2006, rev. 2020) – saxofón soprano y percusión – Voro Garcia. Como dices el compositor a las notas de la partitura: «El término Tarab (en árabe ‘arrebato’, también estado extático’,’embeleso místico’) dio origen a la palabra trovador. Tarab se empleaba en al-Andalus para designar el canto. No se trata de una recreación sonora de tiempos y espacios pasados, tomados en este caso de la cultura árabe. […] Se trata de desarrollar una gramática que tiene la perspectiva acústica como tema central y crear un paisaje sonoro en continua ‘evolución’. Dicho de otro modo, la elaboración de un discurso sonoro a través de la deconstrución de otro. Sin ánimo de literalidad, más bien como una fuente de inspiración que, en el resultado sonoro final, puede diferir completamente del estímulo primario.» La primera versión de esta obra está dedicada a Marcus Weiss y Christian Dierstein. La segunda versión que se incluye en este CD a PARCOURS.
2 Azhan I (2018) – saxofón alto y percusión – Joan Gómez Alemany. Azhan es la fórmula que se utiliza en el Islam para convocar a los fieles a la oración. Usualmente la recita el muecín desde el minarete de la mezquita. Esta obra parte de una música «tradicional» sin querer recrear esta, para poder reflexionar desde la contemporaneidad. La fuente de inspiración de este trabajo es un viaje a Tierra Santa que realizó el compositor, entre finales del 2017 e inicios del 2018, poco después de la Tercera Intifada. Allí pudo apreciar la mixtura cultural de las tres religiones monoteístas (islam, judaísmo y cristianismo) en su convivencia y tensión. La obra se inspira sobre todo en el canto árabe, pero también en una relectura del instrumento judío shofar, del mismo modo que en la sonoridad de la campana asociada a las iglesias cristianas. Aunque estos elementos sonoros son un punto de partida, las nuevas técnicas instrumentales y la improvisación tienen un papel muy importante. Esta obra ha sido escrita expresamente y dedicada a PARCOURS.
3 Azhan II (2018) – saxofón alto y percusión – Joan Gómez Alemany. Segundo movimiento de la obra anterior que también puede interpretarse de forma aislada. En este segundo movimiento destaca una parte improvisada por saxofón a partir de unas fórmulas, que lo relaciona con las prácticas no escritas de la tradición árabe y otras músicas no escritas.
4 The P Project (2010) – saxofón barítono y electrónica – Marc Garcia Vitoria. Pieza escrita durante el Cursus 1 al IRCAM dedicada a Adrien Lajoumard, lleva a cabo una fuerte simbiosis del sonido acústico del saxofón con el sonido de origen electrónico, retro-alimentándose mutuamente. La obra es una especie de simulación de un conjunto de jazz en el que los sonidos del saxofón recrean los roles que podrían tener una batería o un bajo, y la electrónica está programada para que reaccione a lo que sería una «improvisación escrita para saxofón».
5 Microscopio 2b (2008, rev. 2020) – percusión y electrónica – Marc Garcia Vitoria. La transparencia de su escritura nos permite apreciar la evolución de las células rítmicas, creadas a partir del tradicional Bolero de Alcudia, y los motivos de manera casi científica. A la vez, estas miniaturas formantes son sintetizadas por la electrónica en campos sonoros que las engloban y fusionan en un gran conjunto. Esta obra está dedicada a Miquel Vich, percusionista de PARCOURS.
BioGrafías
Voro Garcia (1970, Sueca), titulado en diferentes especialidades musicales. Amplía su formación con Mauricio Sotelo y José Manuel López, entre otros. Doctor en Música por la UPV. Ha recibido encargos de diferentes instituciones e intérpretes, como INAEM, JONDE, CDMC, IVC, Auditorio Nacional, Festclásica, Ensems, Mixtur, Ascolta Ensemble o Ministerio de la Cultura Francés. Entre los galardones obtenidos destaca el premio del Instituto Nacional de la Juventud (2004). Sus obras han sido interpretadas en diferentes festivales por prestigiosos intérpretes y grupos. Fundador y creador del Ensemble Espai Sonor en 2003. En su faceta de director ha realizado el estreno absoluto y/o en España de multitud de obras. Compositor residente del Grup Instrumental (2001/02), JONDE (2006/07), MNCARS (2009), JOGV (2009/10), SOMELGRUP (2013), SBALZ (2018) y AGORA (2019). Director artístico de la Mostra Sonora de Sueca (2005-2017). En la actualidad es catedrático de composición en el Conservatorio Superior de Música de València y director artístico de Ensems. Más información en: http://www.vorogarcia.com/
Joan Gómez Alemany (1990, Valencia), inicia sus estudios de composición con Oliver Rappoport en el Conservatorio de Liceu y continúa en la Kunstuniversität Graz con Clemens Gadenstätter y Franck Bedrossian, donde finaliza el grado en composición, el máster de composición y máster de ópera y teatro-musical. También es graduado en piano y licenciado en Bellas Artes por la UPV. Ha recibido clases individuales de los compositores como Mark André, Pierluigi Billone, Raphaël ceniza, Brian Ferneyhough, Ashley Fure, Alberto Posadas, Stefan Prins, Yann Robin, Rebecca Saunders y Mauricio Sotelo entre otros. Ha recibido encargos de festivales como Impuls, Ensems, Internationales Musikinstitut Darmstadt y l’Horta Sonora. Sus obras se han estrenado en otros festivales como reMusik (San Petersburgo) Mixtur (Barcelona), Manifieste-IRCAM (París), etc. Su música ha sido interpretado por orquestas como la SWR y JOGV y por Ensembles y solistas como Multilatérale, Nikel, Adapter, Schallfed, PARCOURS, Container, BCN216, Josep Lluís Galiana, Arturo Barba Sevillano, etc. Se ha retransmitido por la radios de la À Punto, ORF, SWR, UNDAE Círculo Bellas Artes entre otras. Actualmente se encuentra componiendo una ópera de cámara que se estrenará en la Ópera de Graz (Austria) en 2022 bajo la dirección de Beat Furrer.
Marc Garcia Vitòria (1985, Castelló de Rugat), estudia en el Conservatorio Profesional de Ontinyent, en la Esmuc de Barcelona, en la HEM de Ginebra y al Ircam de París. Desarrolla una carrera de compositor a nivel europeo, que le ha valido premios como el de la Fundación SGAE y la Universidad de Aberdeen, y encargos de varias orquestas y grupos como la BBC Scottish Symphony Orchestra, el Ensemble Intercontemporain o el Ernst von Siemens Musikstiftung. Tras ser asistente de composición y profesor de contrapunto a la HEM de Ginebra, y profesor de composición en el Conservatorio Superior de Música de Alicante, actualmente es profesor de composición y orquestación en el Conservatorio Superior de Música de Valencia. Más información en: https://garcia-vitoria.com/
PARCOURS, formado por Helena Otero Correa (saxos) y Miquel Vich Vila (percusión), nace de la voluntad de crear una propuesta artística con un marcado carácter expresivo e innovador. Los programas que abordan aspiran a ser toda una experiencia sonora para el público, un desafío para los intérpretes y una oportunidad para dar voz a nuevos compositores. El grupo se forma durante la etapa de estudios de sus componentes en la ESMUC y desde 2014 ha participado en las ediciones de 2015 y 2017 del festival internacional de música contemporánea IMPULS (Graz, Austria) donde se han formado con el prestigioso grupo de cámara Trío Accanto (Marcus Weiss, Christian Dierstein y Nicholas Hodge), han sido finalistas del Tribuna Sax Ensemble, tocando en los festivales de música de Tres Cantos 2018 y el festival música para el Tercer Milenio 2018, y han participado en el Festival Barcelona Moderno 2019. Apasionados de las músicas de nueva creación y de la música de cámara, los miembros de PARCOURS forman parte de otros proyectos y ensembles (FRAMES PERCUSSION, Duo Dimensiones, Crossing Lines ensemble, Aslan ensemble, etc.), lo que les ha llevado a tocar en importantes ciclos y festivales como el Ensems de Valencia, «Jóvenes Intérpretes» de la Fundación Juan March de Madrid, Prototype VI de la Foundation Royaumont de París o Sampler Series de Barcelona. Las ganas de explorar otras posibilidades expresivas y de comunicación más allá del formato de concierto ha llevado al grupo a crear el espectáculo [IM] Perceptions que han tocado en los festivales Detours de Babel de 2018 (Grenoble) y What ‘s Up? 2019 (Lyon), a participar en el ciclo «Música y Cine» (2018) de El Prat colaborando con el artista «crnds» o ha ofrecido un taller / concierto sobre nuevas músicas en el Conservatorio Profesional de Música de Lugo el 2017. Los miembros del grupo han trabajado con compositores y compositoras de ámbito nacional e internacional como son Pablo Carrascosa, Joan Gómez Alemany y Manuel Rodríguez-Valenzuela (Valencia); Gemma Rodríguez, Gerard Valverde Ros, Luis Codera Puzo (Cataluña); Nuria Giménez-Comas, Héctor Parra y Sirah Martínez (Cataluña / Francia); Rocío Cano Valiño y Demian Rudel Rey (Argentina / Francia), Philippe Hurel (Francia), Rebecca Saunders (UK), Elena Rykov (EEUU / Rusia) o Alberto Bernal y José Manuel López-López (Madrid).
NOVES TRADICIONS
Contemporary Valencian music for saxophone, percussion and electronics performed by PARCOURS
This production brings together for the first time several works by three Valencian composers performed by the PARCOURS group and is based on two fundamental ideas: the union of «traditional» music from a contemporary language together with the most «technological and new music» through electronic sound. The first idea is reflected in the two duos on the album. In the first of them, Immagine sonora di Tarab II (dedicated to PARCOURS), the composer explains in the notes of the score: «The term Tarab (in Arabic «rapture», also «ecstatic state»,»mystical rapture»), gave rise to the word troubadour. Tarab was used in al-Andalus to designate the song. It is not a sound recreation of past times and spaces, taken in this case from Arab culture. […] It is about developing a grammar that has the acoustic perspective as its central theme and creates a soundscape in continuous “evolution.” In other words, the elaboration of a sound discourse through the deconstruction of another. Without the intention of literality, rather as a source of inspiration that, in the final sound result, can be completely different from the primary stimulus.» On the other hand, the second duo is titled Azhan (commissioned by and dedicated to PARCOURS). Divided into two related parts, which, like the previous work, also start from a «traditional» music without wanting to recreate it, to be able to reflect from contemporary times. The source of inspiration for this work is a trip to the Holy Land that the composer made, between late 2017 and early 2018, shortly after the Third Intifada. There he was able to appreciate the cultural mixture of the three monotheistic religions (Islam, Judaism and Christianity) in their coexistence and tension. The work is inspired above all by Arabic singing, but also by a rereading of the Jewish instrument shofar, in the same way as by the sonority of the bell associated with Christian churches. Although these sound elements are a starting point, new instrumental techniques and improvisation play a very important role. On the other hand, the two pieces for soloist and electronic instrument delve into the idea of technology applied to the musical process. The first of them, The P Project (dedicated to Adrien Lajoumard and written at IRCAM), carries out a strong symbiosis of the acoustic sound of the saxophone with the sound of electronic origin, mutually feeding back. The work is a kind of simulation of a jazz ensemble in which the sounds of the saxophone recreate the roles that a drums or bass could have, and the electronics are programmed to react to what would be an «improvisation written for saxophone». In reference to the second solo work, Microscopio 2b (dedicated to Miquel Vich), the transparency of his writing allows us to appreciate the evolution of the rhythmic cells, created from the traditional Bolero of Alcudia, and the motifs in an almost scientific way. At the same time, these formative miniatures are synthesized by electronics in sound fields that encompass them and fuse them into a great whole. All the works included (which have been recorded for the first time on a CD by PARCOURS) want to create an original integration of times, technologies, cultures and sound languages, from the local vision of some Valencian composers who are also related to the global (union which makes up what has recently been called «glocal»). Thus, to confront and see what are the points of union between two antagonistic a priori ideas, as is the case of «tradition» and «modernity».
Joan Gómez Alemany
Program notes
1 Immagine sonora di Tarab II (2006, rev. 2020) – soprano saxophone and percussion – Voro Garcia. the composer explains in the notes of the score:: «The term Tarab (in Arabic ‘rapture’, also ‘ecstatic state’,’mystical rapture’) gave rise to the word troubadour. Tarab was used in al-Andalus to designate the song. It is not about a sound recreation of past times and spaces, taken in this case from Arab culture. […] It is about developing a grammar that has the acoustic perspective as its central theme and creating a continuous soundscape ‘evolution’. In other words, the elaboration of a sound discourse through the deconstruction of another. Without the intention of literality, rather as a source of inspiration that, in the final sound result, may completely differ from the primary stimulus.» The first version of this work is dedicated to Marcus Weiss and Christian Dierstein. The second version that is included in this CD to PARCOURS.
2 Azhan I (2018) – alto saxophone and percussion – Joan Gómez Alemany. Azhan is the formula used in Islam to summon the faithful to prayer. It is usually recited by the muezzin from the minaret of the mosque. This work starts from a «traditional» music without wanting to recreate this, to be able to reflect from the contemporaneity. The source of inspiration for this work is a trip to the Holy Land that the composer made, between late 2017 and early 2018, shortly after the Third Intifada. There he was able to appreciate the cultural mixture of the three monotheistic religions (Islam, Judaism and Christianity) in their coexistence and tension. The work is inspired above all by Arabic singing, but also by a rereading of the Jewish instrument shofar, in the same way as by the sonority of the bell associated with Christian churches. Although these sound elements are a starting point, new instrumental techniques and improvisation play a very important role. This work has been expressly written and dedicated to PARCOURS.
3 Azhan II (2018) – alto saxophone and percussion – Joan Gómez Alemany. Second movement of the previous work that can also be interpreted alone. In this second movement, a part improvised by saxophone based on formulas stands out, which relates it to the unwritten practices of the Arab tradition and other unwritten music.
4 The P Project (2010) – baritone and electronic saxophone – Marc Garcia Vitoria. Piece written during Cursus 1 at IRCAM dedicated to Adrien Lajoumard, it carries out a strong symbiosis of the acoustic sound of the saxophone with the sound of electronic origin, feeding back each other. The work is a kind of simulation of a jazz ensemble in which the sounds of the saxophone recreate the roles that a drums or bass could have, and the electronics are programmed to react to what would be an «improvisation written for saxophone».
5 Microscopio 2b (2008, rev. 2020) – percussion and electronics – Marc Garcia Vitoria. The transparency of his writing allows us to appreciate the evolution of the rhythmic cells, created from the traditional Bolero of Alcudia, and the motifs in an almost scientific way. At the same time, these formative miniatures are synthesized by electronics in sound fields that encompass them and fuse them into a great whole. This work is dedicated to Miquel Vich, PARCOURS percussionist.
BioGraphies
Voro Garcia (1970, Sueca), graduated in different musical specialties. He attended master classes of composition with Mauricio Sotelo and José Manuel López, among others. Doctor of Music from the Polytechnic University of Valencia (UPV). He has been commissioned by different institutions and interpreters, such as INAEM, JONDE, CDMC, IVC, Auditorio Nacional, Festclásica, Ensems Mixtur, Ascolta Ensemble or Ministère de la Culture et de la Communication French. Award from the National Youth Institute (2004). His works have been performed in different festivals by prestigious performers and groups. Founder and creator of the Ensemble Espai Sonor in 2003. In his role as director has made the absolute premiere and / or in Spain of many works. He has been composer-in-residence of the Group Instrumental (2001-02), JONDE (2005-06), MNCARS (2009), JOGV (2009/10) SOMELGRUP (2013), SBALZ (2018) and AGORA (2019). Artistic director of the Mostra Sonora in Sueca (2005-2017). He is currently a composition teacher at the Higher Conservatory of Valencia and artistic director of the Ensems. More information at: http://www.vorogarcia.com/
Joan Gómez Alemany (1990, Valencia), he began his composition studies with Oliver Rappoport at the Liceu Conservatory and continued at the Kunstuniversität Graz with Clemens Gadenstätter and Franck Bedrossian, where he completed a degree in composition, a master in composition and a master in opera and musical-theater. He is also piano graduate and graduate in Fine Arts from the UPV. He has received individual lessons from composers such as Mark André, Pierluigi Billone, Raphaël Ash, Brian Ferneyhough, Ashley Fure, Alberto Posadas, Stefan Prins, Yann Robin, Rebecca Saunders and Mauricio Sotelo among others. He has received commissions from festivals such as Impuls, Ensems, Internationales Musikinstitut Darmstadt and l’Horta Sonora. His works have been premiered at other festivals such as reMusik (Saint Petersburg), Mixtur (Barcelona), Manifeste-IRCAM (Paris), etc. His music has been performed by orchestras such as SWR and JOGV and by Ensembles and soloists such as Multilatérale, Nikel, Adapter, Schallfed, PARCOURS, Container, BCN216, Josep Lluís Galiana, Arturo Barba Sevillano, etc. It has been broadcast on the radio stations of À Punto, ORF, SWR, UNDAE Círculo Bellas Artes among others. He is currently composing a chamber opera that will be premiered at the Graz Opera (Austria) in 2022 under the direction of Beat Furrer.
Marc Garcia Vitoria (1985, Castelló de Rugat), he studied at the Professional Conservatory of Ontinyent, at Esmuc in Barcelona, at HEM in Geneva and at Ircam in Paris. He develops a career as a composer at a European level, which has earned him awards such as the SGAE Foundation and the University of Aberdeen, and commissions from various orchestras and groups such as the BBC Scottish Symphony Orchestra, the Ensemble Intercontemporain or the Ernst von Siemens Musikstiftung . After being a composition assistant and counterpoint teacher at the HEM in Geneva, and a composition teacher at the Alicante Conservatory of Music, he is currently a composition and orchestration teacher at the Valencia Conservatory of Music. More information at: https://garcia-vitoria.com/
PARCOURS, formed by Helena Otero Correa (saxophones) and Miquel Vich Vila (percussion), was born from the desire to create an artistic proposal with a marked expressive and innovative character. The programs they address aspire to be a whole sound experience for the public, a challenge for the performers and an opportunity to give voice to new composers. The group was formed during the study stage of its components at ESMUC and since 2014 it has participated in the 2015 and 2017 editions of the international contemporary music festival IMPULS (Graz, Austria) where they have been trained with the prestigious chamber group Trío Accanto (Marcus Weiss, Christian Dierstein and Nicholas Hodge), have been finalists of the Tribuna Sax Ensemble, playing at the 2018 Tres Cantos music festivals and the 2018 Music for the Third Millennium festival, and have participated in the 2019 Barcelona Modern Festival. Passionate about new music and chamber music, the members of PARCOURS are part of other projects and ensembles (FRAMES PERCUSSION, Duo Dimensions, Crossing Lines ensemble, Aslan ensemble, etc.), which has led them to play in important cycles and festivals such as the Ensems of Valencia, «Young Interpreters» of the Juan March Foundation in Madrid, Prototype VI of the Foundation Royaumont in Paris or Sampler Series in Barcelona. The desire to explore other expressive and communication possibilities beyond the concert format has led the group to create the show [IM] Perceptions that they have played at the 2018 Detours de Babel festivals (Grenoble) and What ‘s Up? 2019 (Lyon), to participate in the cycle «Music and Cinema» (2018) of El Prat collaborating with the artist «crnds» or has offered a workshop / concert on new music at the Professional Conservatory of Music of Lugo in 2017. The members of the group have worked with national and international composers such as Pablo Carrascosa, Joan Gómez Alemany and Manuel Rodríguez-Valenzuela (Valencia); Gemma Rodríguez, Gerard Valverde Ros, Luis Codera Puzo (Catalonia); Nuria Giménez-Comas, Héctor Parra and Sirah Martínez (Catalonia / France); Rocío Cano Valiño and Demian Rudel Rey (Argentina / France), Philippe Hurel (France), Rebecca Saunders (UK), Elena Rykov (USA / Russia) or Alberto Bernal and José Manuel López-López (Madrid).
PREmsa : PReSS : prENsa
Tiempos y ecos de un Mediterráneo musical
Paco Yáñez, mundoclasico, lunes, 29 de marzo de 2021
Fiel a su corta pero ya sólida trayectoria, el sello Liquen Records nos vuelve a ofrecer una nueva muestra de la mejor música actual valenciana; en este caso, abriendo, desde tierras de Levante, sus sonidos hacia un entorno artístico y cultural, el del Mediterráneo, que resuena a través de distintos tiempos históricos en las cinco partituras que conforman este compacto; todas ellas, interpretadas por el conjunto instrumental Parcours, ya sea en su formación básica de dúo para saxofón y percusión, ya como solistas en diálogo con la electrónica.
El primero de estos dúos es Immagine sonora di Tarab II (2006, rev. 2020), partitura para saxofón soprano y percusión de Voro García (Sueca, 1970), compositor que sobre esta pieza nos informa que «el término Tarab (en árabe ‘arrebato’, también ‘estado extático’, ‘embeleso místico’) dio origen a la palabra trovador. Tarab se empleaba en al-Andalus para designar el canto. No se trata de una recreación sonora de tiempos y espacios pasados, tomados en este caso de la cultura árabe. […] Se trata de desarrollar una gramática que tiene la perspectiva acústica como tema central y crear un paisaje sonoro en continua ‘evolución’. Dicho de otro modo, la elaboración de un discurso sonoro a través de la deconstrucción de otro. Sin ánimo de literalidad, más bien como una fuente de inspiración que, en el resultado sonoro final, puede diferir completamente del estímulo primario».
Ese impulso llegado a Immagine sonora di Tarab II desde el pasado resulta más que evidente ya desde los primeros compases de la obra, en los que subyace una danza arcaica, atávica y primigenia, si bien muy espaciada y deconstruida hasta alcanzar sus unidades básicas, por lo que un sentido estructural weberniano se palpa en el modo en que Voro García reduce el discurso y lo entrevera con el silencio, con apariciones que, pese a su extrema concisión, aportan una enorme fuerza. Son pasajes, estos iniciales, en los que se funden muy diversas técnicas instrumentales: desde las extendidas (como el rumor de aire sin tono en el saxofón, o los roces de apariencia electrónica en la percusión) a las que, asentadas en un lenguaje de alturas, despliegan melodías que evocan esa antigüedad: más salmodiada, en el saxofón; de ecos flamencos, en la percusión.
En su conformación de este dúo cual ágora de tiempos y espacios, Voro García va otorgando a su partitura una tensión progresivamente creciente, siendo así que, desde los paisajes más deconstruidos y silentes que abrían esta pieza, hemos ido evolucionando hacia la ilusión acústica de todo un ensemble: tal es la profusión de técnicas, líneas y sonidos que va creciendo a lo largo de Immagine sonora di Tarab II. En los compases finales se asoma, asimismo, el recitado fonético, de corte muy rítmico y, de nuevo, evocador de ese pasado andalusí, por medio de las reminiscencias flamencas, lo que multiplica las capas que complejizan la partitura, otorgándole peso y presencia. Con una estupenda toma de sonido, la lectura de la saxofonista Helena Otero Correa y del percusionista Miquel Vich Vila es estupenda, marcada por un arrebatador poderío rítmico, tanto en lo puramente instrumental como en unos recitados que parecen fundirse con sus propios instrumentos, dando nuevas vueltas de tuerca a estos ritmos de una prosodia tan arcaica.
El segundo compositor presente en este compacto es Joan Gómez Alemany (Valencia, 1990), un creador que une a su faceta más puramente musical su trabajo en el campo de las artes, así como su muy interesante escritura ensayística. Joan Gómez ya visitó nuestra sección discográfica en distintas ocasiones, bien en solitario -con su compacto de música electrónica para Liquen Records (LRCD008)-, bien a dúo con el productor de dicha discográfica, Josep Lluís Galiana (LRCD010), ofreciendo siempre unas partituras de alta calidad. La primera de las dos composiciones de Joan Gómez aquí reunidas es Azhan I (2018), un dúo para saxofón alto y percusión sobre el que las notas de esta edición nos dicen que «Azhan es la fórmula que se utiliza en el islam para convocar a los fieles a la oración. Usualmente la recita el muecín desde el minarete de la mezquita. Esta obra parte de una música «tradicional» sin querer recrear esta, para poder reflexionar desde la contemporaneidad. La fuente de inspiración de este trabajo es un viaje a Tierra Santa que realizó el compositor, entre finales del 2017 e inicios del 2018, poco después de la Tercera Intifada. Allí pudo apreciar la mixtura cultural de las tres religiones monoteístas (islam, judaísmo y cristianismo) en su convivencia y tensión. La obra se inspira sobre todo en el canto árabe, pero también en una relectura del instrumento judío shofar, del mismo modo que en la sonoridad de la campana asociada a las iglesias cristianas. Aunque estos elementos sonoros son un punto de partida, las nuevas técnicas instrumentales y la improvisación tienen un papel muy importante».
Si bien técnicamente resuelta en claves muy distintas de las escuchadas en Immagine sonora di Tarab II, persiste en Azhan I una referencia a lo arcaico, a lo atávico y a un (im)pulso musical que se ligaría, reverberando de extremo a extremo el Mediterráneo, con lo flamenco; especialmente, por medio de la percusión, aquí tan rítmica y esencializada como violenta. Esa violencia primordial es tanto desgarro como mecanismo, por lo que Joan Gómez consigue en su dúo algo tan propio de György Ligeti como el pasar de lo secuencial y rígido a las nubes sonoras de forma sutil. Mientras, el saxofón representa otro universo muy distinto, en el que se intuye una impronta no menor del compositor italiano Pierluigi Billone, por la tan obsesiva exploración del sonido (de un solo sonido, en muchos casos) que Joan Gómez realiza. Ello no impide el que en la tan diversa paleta de recursos técnicos y estilísticos que el compositor valenciano despliega no se asomen rasgos más saturados, por lo que la estela de Franck Bedrossian es evidente, con un mayor desagarro, como los que tiende a exponer aquí la percusión; si bien la línea general de Azhan I es de una delicadeza en el cuidado del sonido muy destacable. De ello es un estupendo ejemplo el uso de aire sin tono, que unido al multifónico alcanza síntesis impactantes con la percusión, cual tendiendo haces de luz: materiales sonoros que se encuentran, escuchan y con-funden en nuestra audición, pese a su tan diferente naturaleza tímbrica. En esos paisajes hay, desde su billoneana modernidad, algo irrefutablemente antiguo (siguiendo la pista sugerida en las notas del compacto, con esos ecos de Tierra Santa), explicitado en diversos momentos en un dúo cuyo canto llega a ser ronco y monocorde, cual los instrumentos de una sola cuerda en diversas culturas ancestrales. Desde ese canto arcaico, Azhan I llega a sonar en diversos momentos como un rumor de tiempo: un mantra que elude o trasciende los espacios concretos para establecerse en la pura duración, como vibración suspendida; una duración que, al regresar a los paisajes desde los que la obra había nacido, abole la temporalidad lineal, convocando la circularidad propia de la concepción del tiempo en oriente. Escrita para el dúo Parcours y estrenada por ellos mismos, su lectura es, aquí, magnífica.
Aunque en este compacto se presenten como dos piezas independientes (si bien, en continuidad), si atendemos a lo que nos cuentan las notas al programa, Azhan II (2018) sería el «segundo movimiento de la obra anterior que también puede interpretarse de forma aislada. En este segundo movimiento destaca una parte improvisada por saxofón a partir de unas fórmulas, que lo relaciona con las prácticas no escritas de la tradición árabe y otras músicas no escritas». Por tanto, seguimos en ese espacio cultural y religioso del Mediterráneo, en el que Joan Gómez desata ahora una música más agitada y tensa, con una mayor conexión con ese mundo atávico y primordial ya convocado por Voro García. En todo caso, en Azhan II nos volveremos a sumergir en pasajes de gran recogimiento, silencio e introspección, con ecos que nos remiten a culturas más allá del propio Mediterráneo, pues resuenan las percusiones tibetanas y niponas, así como las campanas ortodoxas (cuestión, esta última, en absoluto baladí, si pensamos que Joan Gómez es un tarkovskiano de pro, y, sin duda, algún eco de los tañidos escuchados en Андрей Рублёв (Andréi Rubliov, 1966) se habrá descolgado desde el fonograma de la excepcional cinta tarkovskiana hasta esta partitura).
Completando este tan intrincado dúo, en el saxofón asistimos, de nuevo, a un refinadísimo estudio de sus materiales, cual si Joan Gómez nos adentrara en los diferentes estados, pesos y texturas de un grito: desde lo callado a lo explosivo, pasando por lo ronco, lo sordo, o lo extáticamente abrasado (se unen, aquí, los ecos de la mística al cinematógrafo de José Val del Omar); todo ello, construido mediante una prolija red de multifónicos, de diferentes ataques y de cambiantes embocaduras, así como de juegos de llaves y armonías microtonales. Como Azhan I, esta segunda parte de la obra concluye con un viaje al silencio, en el que implosionan los materiales previos encontrando un nuevo estado de ¿equilibrio? que sugiere ulteriores metamorfosis de la materia, autónomamente, cuando nosotros ya hayamos abandonado la audición. Como los procesos históricos y culturales en la cuenca Mediterránea, sus desarrollos se hilvanan en largos matices y contrastes que superan, por la longitud de sus trazos, cualquier contingencia de una vida humana, aunque aquí sea, tan sólo, el limitado hecho de un ejercicio de audición.
Es, igualmente, desde el silencio y la quietud desde donde brota The P Project (2010), partitura para saxofón barítono y electrónica de Marc Garcia Vitòria (Castelló de Rugat, 1985) que «lleva a cabo una fuerte simbiosis del sonido acústico del saxofón con el sonido de origen electrónico, retroalimentándose mutuamente. La obra es una especie de simulación de un conjunto de jazz en el que los sonidos del saxofón recrean los roles que podrían tener una batería o un bajo, y la electrónica está programada para que reaccione a lo que sería una «improvisación escrita para saxofón»». Es por ello que la serenidad inicial pronto se ve truncada, como el monolitismo tímbrico del propio saxofón, lanzado a desdoblar a todos esos instrumentos que lo acompañarían en un ensemble jazzístico. Esa conquista de otras personalidades instrumentales se produce, en todo caso, de forma gradual y a través de toda una metamorfosis tímbrica. En sus primeros estadios, se asienta en una oscilación de corte sinusoidal, desde la que el saxofón va alumbrando sus dobles (o sombras) con apoyo de la electrónica. Asumiendo modos de ataque de otros instrumentos de ese ensemble remedado en el propio saxofón, el golpeo de las llaves evocará -por tomar un ejemplo muy evidente- a la propia percusión; mientras que diversas técnicas, como los slaps, convocarán ecos de los pizzicati en el contrabajo: instrumento que, asimismo, se cuela en la naturaleza acústica del saxofón por medio de la sombría gravedad de sus constructos armónicos más obscuros, con tendencia a un multifónico en el que resuenan las capas armónicas del contrabajo. Por tanto, todo un saxofón-ensemble que, en su multiplicidad de capas, técnicas y timbres, es desdoblado, en esta grabación, por la saxofonista gallega Helena Otero de un modo impresionante.
Cierra este compacto una partitura, Microscopi 2b (2008, rev. 2020), que evidencia la fuerte impronta que en Marc Garcia Vitòria ha tenido su paso por el IRCAM (si bien es obvio que cuando un compositor como Garcia Vitòria decide optar por el centro parisino para culminar sus estudios, es porque hay una filiación estética ya evidente a la hora de tomar tal dirección). De Microscopi 2b leemos, en la edición digital de las notas, que «la transparencia de su escritura nos permite apreciar la evolución de las células rítmicas, creadas a partir del tradicional Bolero de Alcudia, y los motivos de manera casi científica. A la vez, estas miniaturas formantes son sintetizadas por la electrónica en campos sonoros que las engloban y fusionan en un gran conjunto». En global, estamos ante una partitura más convencional y menos imaginativa que las anteriores, muy apegada a ese universo ircamniano, así como a los ecos de la relación acústico-electrónica en Karlheinz Stockhausen. En todo caso, el dedicatario de la obra, el percusionista Miquel Vich, da cuenta de ella con enorme precisión y vivacidad rítmica, completando un gran ramillete de interpretaciones a cargo del dúo Parcours.
Por lo que a las grabaciones se refiere, las tomas de sonido son todas ellas muy buenas, de estupenda presencia y espacialización. Una vez más, y como ya explicamos en nuestra reseña del compacto de Emilio Calandín publicado por Liquen Records (LRCD015), en el cartón del disco se incluye una presentación general de lo que es este proyecto (a cargo de Joan Gómez Alemany), si bien disponemos de un código QR que nos enlazará con la página web del sello discográfico, donde encontraremos unas notas más detalladas (en inglés, valenciano y castellano) sobre cada obra, así como la biografía de los músicos y de los compositores. Todo ello redondea una muy atractiva invitación a escuchar los tiempos históricos y las músicas que resuenan a orillas del Mediterráneo: una llamada a la comprensión de otras culturas tan importante ya no solo en un mundo cuya globalización parece hoy en crisis, sino en una España en la que vuelven a crecer negras y voxciferantes sombras que, con inquietud, nos recuerdan momentos del pasado en los que se erradicó inquisitorialmente de nuestro suelo el crisol cultural que, en algún momento de nuestra historia, fue (con sus dificultades y desequilibrios) mínimamente posible.
Este disco ha sido enviado para su recensión por Liquen Records
«noves tradicions» y las últimas producciones discográficas de Liquen Records
Crítica sobre las últimas producciones del sello discográfico Liquen Records, cuatro CDs que se han publicado entre final del 2020 e inicios del 2021, lo que constituye todo un record editorial, si tenemos en cuenta que se trata de un sello independiente.
Joan Gómez Alemany, Sul Ponticello, 1 de febrero de 2021
Noves tradicions (LRCD018) reúne por primera vez varias obras de tres compositores valencianos interpretadas por el grupo PARCOURS y se basa en dos ideas fundamentales: la unión de la música «tradicional» desde un lenguaje contemporáneo junto con la música más «tecnológica y de nueva creación» a través del sonido electrónico. La primera idea se ve reflejada en los dos duos del disco. En el primero de ellos, Immagine sonora di Tarab II (dedicado a PARCOURS), explica su compositor Voro Garcia en las notas de la partitura: «El término Tarab (en árabe «arrebato», también «estado extático», «embeleso místico»), dio origen a la palabra trovador. Tarab se empleaba en al-Andalus para designar el canto. No se trata de una recreación sonora de tiempos y espacios pasados, tomados en este caso de la cultura árabe. […] Se trata de desarrollar una gramática que tiene a la perspectiva acústica como tema central y crear un paisaje sonoro en continua “evolución”. Dicho de otro modo, la elaboración de un discurso sonoro a través de la deconstrución de otro. Sin ánimo de literalidad, más bien como una fuente de inspiración que, en el resultado sonoro final, puede diferir completamente del estímulo primario.» Por otra parte, el segundo dúo se titula Azhan de Joan Gómez Alemany (encargado por y dedicado a PARCOURS). Dividido en dos partes relacionadas, que como la obra anterior también parte de una música «tradicional» sin querer recrear esta, para poder reflexionar desde la contemporaneidad. La fuente de inspiración de este trabajo es un viaje a Tierra Santa que realizó el compositor, entre finales del 2017 e inicios del 2018, poco después de la Tercera Intifada. Allí pudo apreciar la mixtura cultural de las tres religiones monoteístas (islam, judaísmo y cristianismo) en su convivencia y tensión. La obra se inspira sobre todo en el canto árabe, pero también en una relectura del instrumento judío shofar, del mismo modo que en la sonoridad de la campana asociadas a las iglesias cristianas. Aunque estos elementos sonoros son un punto de partida, las nuevas técnicas instrumentales y la improvisación tienen un papel muy importante. Por otra parte, las dos piezas para instrumento solista y electrónica creadas por Marc Garcia Vitoria, profundizan sobre la idea de la tecnología aplicada al proceso musical. La primera de ellas, The P Project (dedicada a Adrien Lajoumard y escrita en el IRCAM), lleva a cabo una fuerte simbiosis del sonido acústico del saxofón con el sonido de origen electrónico, retro-alimentándose mutuamente. La obra es una especie de simulación de un conjunto de jazz en el que los sonidos del saxofón recrean los roles que podrían tener una batería o un bajo, y la electrónica está programada para que reaccione a lo que sería una «improvisación escrita para saxofón». En referencia a la segunda obra solista, Microscopio 2b (dedicada a Miquel Vich), la transparencia de su escritura nos permite apreciar la evolución de las células rítmicas, creadas a partir del tradicional Bolero de Alcudia, y los motivos de manera casi científica. A la vez, estas miniaturas formantes son sintetizadas por la electrónica en campos sonoros que las engloban y fusionan en un gran conjunto. Todas las obras incluidas (que han sido grabadas por primera vez en un CD por PARCOURS) quieren crear una original integración de tiempos, tecnologías, culturas y lenguajes sonoros, desde la visión local de unos compositores valencianos que se relacionan igualmente con lo global (unión que conforma lo que recientemente se ha denominado como «glocal»). Así confrontar y ver cuáles son los puntos de unión entre dos ideas a priori antagónicas, como es el caso de «tradición» y «modernidad».
Parcours: Noves Tradicions. Helena Otero correa, saxofones; Miquel Vich Vila, percusiones. Edita: Joan Gómez Alemany, distribución: Liquen Records
El dúo instrumental catalán Parcours aborda las obras de tres compositores valencianos- alguna basada incluso en la propia tradición músical valenciana- desde las nuevas perspectivas musicales. Estas incluyen aliteralidad idea-música, improvisación, uso de las nuevas tecnologías, atonalidad y búsqueda cultural de otras músicas y sonidos.
Los tres compositores son Voro García que contribuye con la obra Immagine sonora di Tarab, siendo tarab – el canto en árabe- el origen de la palabra trovador/trobadour. El productor del disco, Joan Gómez Alemany, es el autor de dos obras también de raíz árabe, Azhan I y II compuestas en Palestina, que sintetizan los sonidos de las tres religiones monoteístas. Un gran ejercicio de introspección mántrica en algunos momentos, donde la improvisación juega una parte importante.
El tercer compositor Marc Garcia Vitòria contribuye con dos obras, ya dentro de los parámetros de la investigación musical actual y más cercana, The P Project, compuesta en el Ircam, Paris, haciendo uso de la electrónica dialogando con el saxo, instrumento que juega el rol de un grupo de jazz improvisando.
La segunda pieza Microscopi 2b parte de un bolero popular de Alcudia para, recogiendo sus células musicales básicas, hacerlas evolucionar a través del tratamiento electrónico para alcanzar un nivel sonoro de gran conjunto.
Magníficamente resueltas en lo instrumental apostaría que tienen en directo una dimensión visual y gestual más que interesante.
Una gran sorpresa este CD que habla del nivel compositivo e interpretativo de estas nuevas tradiciones musicales valencianas.
Un logro poder editar estas obras, una vez más obra de Liquen Records.
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LIQUEN RECORDS sigue afianzándose como punta de lanza en lo que a Improvisación Libre, Experimentación, Free Jazz y Avantgarde se refiere y este nuevo proyecto PARCOURS no se queda atrás en cuanto a calidad con acercamiento cercano a la electroacústica (de libro) que ellos mismos definen a la perfección: «la unión de la música `tradicional´desde un lenguaje contemporanio junto con la música más `tecnológica y de nueva creación´ a través del sonido electrónico»… por tanto, no es de extrañar que el álbum responda al nombre de Noves Tradicions. Aconsejaría pasarse por la página de Liquen para ahondar en tema de créditos y detalles, fabulosamente explicados y mucho más detallados de gente que sabe de esto mucho más que yo.
La edición y producción (junto a la propia banda) es de Joan Gómez Alemany que además se reparte la labor compositiva junta a Voro García y Marc García Vitória. La dupla Parcours viene a estar conformada por Helena Otero Correa (saxofones) y Miquel Vich Vila (percusiones) e insisto en ahondar conocimiento curricular aquí. Para no aburrir con detalles inacabables, nos lanzamos de lleno a la música.
«Immagine Sonora di Tarab II» es una composición de Voro García para saxofón soprano y percusión. Aunque no me gustan los corta y pega, me parece imprescindible contextualizar la obra por el propio compositor: `El término Tarab (en árabe «arrebato», también «estado extático»,»embeleso místico») dio origen a la palabra trovador. Tarab se empleaba en al-Andalus para designar el canto. No se trata de una recreación sonora de tiempos y espacios pasados, tomados en este caso de la cultura árabe. […] Se trata de desarrollar una gramática que tiene la perspectiva acústica como tema central y crear un paisaje sonoro en continua ‘evolución’. Dicho de otro modo, la elaboración de un discurso sonoro a través de la deconstrución de otro. Sin ánimo de literalidad, más bien como una fuente de inspiración que, en el resultado sonoro final, puede diferir completamente del estímulo primario´.
Muy sutil en su inicio, con vientos asordinados compitiendo con la percusión en arábigo aroma cuasi sufí hasta el punto de que el timbre alcanzado por el saxo soprano se asemeja en muchos tramos a una flauta Ney. La tribal percusión (sobre todo el uso de Tabla) recuerda también en diversos momentos a los percusionistas del Sur de India que tan bien se acompasa con el enfoque percusivo de sílabas del Konnakol. Conforme el corte va tomando cuerpo, entramos en ese submundo extrañísimo que habitaban Cherry (en las partes más asordinadas el saxo se torna trompeta, y en las partes medias tiene esas sibilancias características de la flauta) y Blackwell en MU… o los primerísimos trabajos abstractos bajo auspicio de la AACM de Chicago. Tangencialmente a los ritmos orientales ocurren cosas más juguetonas como el lírico tramo final, todo bajo un tempo bastante sosegado y un uso peculiar del silencio como instrumento / elemento bisagra con aroma a Klezmer.
A continuación se pasa a la Suite Azhan compuesta por «Azhan I» y «Azhan II», ambas para saxo alto y percusión, y obra de Joan Gómez Alemany; contextualizada de nuevo, «Azhan I» es `la fórmula que se utiliza en el Islam para convocar a los fieles a la oración. Usualmente la recita el muecín desde el minarete de la mezquita. Esta obra parte de una música «tradicional» sin querer recrear esta, para poder reflexionar desde la contemporaneidad. La fuente de inspiración de este trabajo es un viaje a Tierra Santa que realizó el compositor, entre finales del 2017 e inicios del 2018, poco después de la Tercera Intifada. Allí pudo apreciar la mixtura cultural de las tres religiones monoteístas (islam, judaísmo y cristianismo) en su convivencia y tensión. La obra se inspira sobre todo en el canto árabe, pero también en una relectura del instrumento judío shofar, del mismo modo que en la sonoridad de la campana asociada a las iglesias cristianas. Aunque estos elementos sonoros son un punto de partida, las nuevas técnicas instrumentales y la improvisación tienen un papel muy importante´. 13 minutos absolutamente arrebatadores que se abren con tono altísimo del saxo en sábanas drónicas de corte acústico que es casi un Pranayama meditativo. Quien haya escuchado a los muazzines llamando a la oración, o ese tono particularmente agudo del Shofar, hagan pie con más facilidad en una composición a priori bastante árida a las orejas pero que se va arropando de melodía con uso de cuerdas (no sé el instrumento) y tonos graves y reverberantes que se alternan con ráfagas de percusiones.
Sin llegar a la sobriedad, «Azhan I» se reviste de cierto carácter litúrgico, fascinante allá por el minuto 5 por cómo se compenetran los instrumentos y llenan el espacio reinante sacralizándolo; otra vez el silencio invita a la mirada interior hasta que vuelven a flotar en la superficie tramas y texturas de difícil identificación como notas de saxo alargadas hasta el infinito con recursos percusivos que apelmazan el sonido en estructuras no electroacústicas pero que si me dicen que lo son me lo creo (ese sempiterno roce de platillos). Siguen los 15 minutos de «Azhan II» como segundo movimiento natural, sin toques abruptos ni caída libre, sino un simple roce del arco en lo que podría ser la misma الحجر الأسود, al-Hayar-ul-Aswad o Kaaba, dándose paso luego a un introspectivo solo de saxo, algo lúgubre pero luminiscente al mismo tiempo… como esa sensación de opresión natural al contemplar un paisaje agreste. Fantásticos las acumulaciones en ráfagas de notas (trémolos, aunque ruego me perdonéis mi falta de cultura musical) en un endiablado sonido sinusoidal que podría durar hasta el mismo final de los tiempos. Para cuando entra la percusión estamos dentro de ese plano estelar que Rashied Ali y Coltrane cohabitaron en Interstellar Space, pero con menos Free (aunque arremetidas hay algunas). No hace falta que lo diga pero por muy abstracto que se torne el asunto, si destilas cualquier pasaje del álbum remite sin duda al Oriente Medio, sobre todo a mitad del corte, donde sube mucho la intensidad sin perder el norte (o sur) melódico…. porque estamos ante un disco muy, pero que muy mediterráneo (aunque algún toque Gamelan asoma por momentos). Fabuloso el gong y su diálogo mediúmnico con los vientos… entran las campanas y el sincretismo sonoro se mimetiza en forma de música atemporal y atávica.
La guinda del pastel la ponen dos cortes compuestos por Mar García Vitória. «The P Project» para saxo barítono y electrónica. Copio y pego: `dedicada a Adrien Lajoumard, lleva a cabo una fuerte simbiosis del sonido acústico del saxofón con el sonido de origen electrónico, retro-alimentándose mutuamente. La obra es una especie de simulación de un conjunto de jazz en el que los sonidos del saxofón recrean los roles que podrían tener una batería o un bajo, y la electrónica está programada para que reaccione a lo que sería una «improvisación escrita para saxofón´. Sorprendente desde su marcial y épico inicio, con elementos loopeados y retroexpandidos hasta crear un inmenso abanico de Agatha Christie Jazz o lo que es lo mismo, no puedes fiarte de lo que tus oídos te dicen al igual que el asesino en sus novelas podría ser hasta el propio lector. El procesamiento es tal que la electrónica se come al saxo y este a su vez regurgita la electrónica derramando una pieza de cariz Noir sugerente, oscura y con un pie en el más abyecto Downtown Neoyorquino de la Knitting Factory.
Cierra «Microscopi 2b» para vibráfono y electrónica `creadas a partir del tradicional Bolero de Alcudia, y los motivos de manera casi científica. A la vez, estas miniaturas formantes son sintetizadas por la electrónica en campos sonoros que las engloban y fusionan en un gran conjunto´. No puedo evitar sentir estar metido dentro de una caja de música donde tocara una vieja agrupación Balinesa de Gamelan, con ese fantástico vibráfono al más puro estilo Kenny Wollesen en sus múltiples proyectos en Tzadik (por ejemplo en The Dreamers), y diversos procesamientos electrónicos que transforman el todo en un teratogénico Lounge a lo Esquivel impregnado de opiáceos.
Poco más que añadir. Disco MUY RECOMENDABLE.