Etiqueta: Avant-garde Jazz

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TAR. Josep Lluís Galiana • Jesús Gallardo • Matías Riquelme

Josep Lluís Galiana • Jesús Gallardo • Matías Riquelme: TAR. València: LIQUEN RECORDS • DL: V-859-2026 • LRCD040. PVP: 18€

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CREDITS

• All music by Josep Lluís Galiana (tenor and soprano saxophones), Jesús Gallardo (drums) and Matías Riquelme (cello)

• Recorded live at Isósteles Estudi (Borriana, Castelló, Spain), October 24, 2025, by Radomir Blazík and JJ Doc

• Mixed and mastered by JJ Doc (Isósteles Estudi) and Jesús Gallardo (Mondo Rítmic)

• Produced by Josep Lluís Galiana (Liquen Records)

• Cover art by Marc Dufour

• Liner notes by Josep Lluís Galiana

• Graphic design by Matías Riquelme

© 2026 Josep Lluís Galiana, Jesús Gallardo and Matías Riquelme

© Liquen Records

DL: V-859-2026   ·   LRCD040   ·   liquenrecords.com

LINER NOTES

After our first encounter on stage in January 2025 alongside Galician drummer Lucía Martínez (a live-recorded concert—TODO AL ROJO—released digitally by Liquen Records), Matías Riquelme, Jesús Gallardo, and I clearly felt the need and urgency to reunite on stage and explore new musical encounters. From the very beginning, we were absolutely convinced that as a trio we had a great deal to say, and TAR is the result of the concert held on October 24, 2025, at Isósteles Estudi—a libertarian, self-managed space in Borriana, Castellón—where anything can happen, including the magic of the moment and the unpredictable.

When you improvise, occasionally everything flows with astonishing ease and disarming simplicity. You hardly think; there is no need to devise strategies or try to assert yourself over the others, nor you fall back on those materials, resources, and techniques you know usually work in any situation. On the contrary: you simply listen to your two companions in stereo and let yourself be carried away by the sound —by everything that invites you to join that sonic flow, to become an additional element in that turbulent space-time torrent that places you at the center of an immense sonic universe where all kinds of music can fit. A beautiful universe in which synaptic connections form instantaneously, unpredictably, and surprisingly in the brain. A weightless universe where sounds drift and float in an immeasurable sidereal space, and ideas cease to be ideas, becoming only a “will to power” or “that which asserts itself in the many,” as Nietzsche wrote.

In the album presented by TAR Trío, one sound gives rise to another; one space opens onto a musical immensity; one gesture serves as a lever for the next; one noise drags the following along the path of impossible harmonies. In TAR, each texture gains importance to the extent that the others sustain it, redefine it, conflict with it, or negate it. In TAR we offer music without scaffolding or structures—music without designs or prior agreements. In TAR we remain attentive to everything that occurs. TAR, like a nirvana, a place of harmony, connection, and interaction, places us on the verge of self-alienation, constantly positioning us in the place of the other. It is a sincere and utterly unique act of empathy.

Josep Lluís Galiana

CAST
VAL

Tras un primer encuentro en enero de 2025, junto a la baterista gallega Lucía Martínez (concierto grabado en directo —TODO AL ROJO— y editado en digital por Liquen Records), Matías Riquelme, Jesús Gallardo y el que escribe estas notas vimos con claridad la necesidad y urgencia de volver a reunirnos sobre un escenario y disfrutar de nuevas experiencias musicales. Desde un principio, tuvimos la absoluta certeza de que teníamos mucho que decir como trío y TAR es el resultado del concierto celebrado el 24 de octubre de 2025 en Isósteles Estudi, un espacio libertario y autogestionado situado en el municipio castellonense de Borriana, donde todo puede ocurrir. También la magia del instante y de lo imprevisible.

Després d’una primera trobada el gener del 2025, juntament amb la baterista gallega Lucía Martínez (concert gravat en directe —TOT AL VERMELL— i editat en digital per Liquen Records), Matías Riquelme, Jesús Gallardo i el que escriu aquestes notes vam veure amb claredat la necessitat i urgència de tornar a reunir-nos sobre. Des d’un principi, vam tenir l’absoluta certesa que teníem molt a dir com a trio i TAR és el resultat del concert celebrat el 24 d’octubre del 2025 a Isósteles Estudi, un espai llibertari i autogestionat situat al municipi castellonenc de Borriana, on tot pot passar. També la màgia de l’instant i de l’imprevisible.

Cuando improvisas, ocurre, no siempre, que todo fluye con facilidad, de manera asombrosa y agradablemente sencilla. Apenas piensas, no necesitas plantear estrategias, ni buscas posicionarte ante los demás. Tampoco echas mano de aquellos materiales, recursos y técnicas que sabes suelen funcionar en cualquier situación. Por el contrario, solo escuchas en estéreo a tus dos compañeros y te dejas llevar por aquello que está sonando en tu entorno más inmediato, todo aquello que te da pie a sumarte a ese devenir sonoro, a incorporarte como uno más a ese agitado torrente espacio-temporal, que te sitúa en el centro de un inmenso universo sonoro, donde caben todas las músicas. Un hermoso universo en el que las conexiones sinápticas de tu cerebro se establecen de forma instantánea, imprevisible y sorpresivamente. Un ingrávido universo en el que los sonidos vagan, flotan, en un inabarcable espacio sideral, en el que las ideas dejan de ser ideas para ser solo “voluntad de poder” o “lo uno que se afirma en lo múltiple”, dejó escrito Nietzsche.

Quan improvises, passa, no sempre, que tot flueix amb facilitat, de manera sorprenent i agradablement senzilla. Tot just penses, no necessites plantejar estratègies, ni busques posicionar-te davant dels altres. Tampoc no fas servir aquells materials, recursos i tècniques que saps solen funcionar en qualsevol situació. Per contra, només escoltes en estèreo els teus dos companys i et deixes portar per allò que està sonant al teu entorn més immediat, tot allò que et dóna peu a sumar-te a aquest esdevenir sonor, a incorporar-te com un més a aquest agitat torrent espai-temporal, que et situa al centre d’un immens univers sonor. Un bonic univers on les connexions sinàptiques del teu cervell s’estableixen de forma instantània, imprevisible i sorprenentment. Un ingràvid univers en què els sons vaguen, suren, en un inabastable espai sideral, en què les idees deixen de ser idees per ser només “voluntat de poder” o “una cosa que s’afirma en allò múltiple”, va deixar escrit Nietzsche.

En el disco que presenta TAR Trío, un sonido da lugar a otro, un espacio se abre hacia una inmensidad musical, un gesto hace de palanca a otro, un ruido arrastra a los siguientes por la vereda de armonías imposibles. En TAR, cada textura cobra su importancia tanto en cuanto otras la apoyan, la redimensionan, entra en conflicto o la niegan. En TAR, presentamos una música sin andamiajes, ni estructuras; una música sin diseños, ni acuerdos previos. En TAR, estamos atentos a todo lo que acontece. TAR, a modo de nirvana, de lugar para la armonía, la conexión y la interacción, nos sitúa al borde de la enajenación de nosotros mismos para ponernos constantemente en el lugar de los otros. Se trata de un acto de empatía sincero y único.

Josep Lluís Galiana

Al disc que presenta TAR Trio, un so dóna lloc a un altre, un espai s’obre cap a una immensitat musical, un gest fa de palanca a un altre, un soroll arrossega els següents per la sendera d’harmonies impossibles. A TAR, cada textura cobra la seva importància tant com d’altres la recolzen, la redimensionen, entra en conflicte o la neguen. A TAR, presentem una música sense bastides, ni estructures; una música sense dissenys, ni acords previs. A TAR, estem atents a tot el que passa. TAR, a manera de nirvana, de lloc per a l’harmonia, la connexió i la interacció, ens situa a la vora de l’alienació de nosaltres mateixos per posar-nos constantment al lloc dels altres. És un acte d’empatia sincer i únic.

Josep Lluís Galiana

Listen TAR on LIQUEN RECORDS bandcamp

TRACKS

TAR I   (3.55)

TAR II   (39.02)

TAR III   (5.40)

REVIEWS and PRESS

TAR

Revista RITMO, Joan Gómez Alemany, 1 de junio de 2026

TAR no es un disco, sino una zona de fricción. Lo que aquí acontece no pertenece al orden de lo musical entendido como lenguaje organizado, sino a una fenomenología del instante, a una emergencia donde el sonido se piensa a sí mismo mientras sucede. El trío formado por Galiana, Gallardo y Riquelme opera sin partitura y, lo más relevante, sin la necesidad de justificar cada gesto. Hay, en cambio, una ética de la escucha que desactiva cualquier jerarquía.

 

Desde los primeros compases, la materia sonora aparece como algo inestable, pero vivo: soplos que no terminan de fijarse, percusiones que parecen rozar el silencio antes que afirmarlo, un violonchelo que oscila entre lo táctil y lo espectral. No hay desarrollo en sentido clásico, sino una deriva sonora, un desplazamiento continuo donde cada sonido contiene la semilla de su propia negación y afirmación.

 

La extensa pieza central funciona como un campo expandido: el tiempo se dilata, se pliega, se suspende. No se trata de intensidad acumulativa sino de densidad perceptiva. El oyente queda atrapado en una suerte de presente perpetuo donde las referencias —jazz, contemporánea, noise— son apenas sombras que atraviesan el discurso. La primera pieza un preludio tenso e introductorio, la tercera y última una balada celestial.

 

TAR no busca agradar ni provocar, simplemente ocurre. Y en ese ocurrir, renuncia a la forma fija como destino. Una música que no representa nada, pero medita como un pensamiento sin lenguaje, o como un agradable temblor.

Los revoltosos de la clase de música

docenotas.com, Miguel Ángel Pérez Martín, 18/06/2026

Ya tocaba. Muchas escuchas, otras reseñas que estaban más arriba en la lista y, después de una semana en la que volví a mis tareas organizativas de actividades culturales, por fin, con nadie en casa, me puedo poner a escribir y a escuchar de nuevo.

 

Así, de pronto, antes de la primera escucha pensé que me iba a encontrar —por la instrumentación— con un buen disco de improjazz… Además, como dicen las notas del disco, Galiana toma fuerzas del magnífico Todo al rojo, grabado con Lucía Martínez a la percusión y editado a principios de 2025, y eso es una garantía a priori.

 

El concepto podría ser el mismo: que fluya el sonido.

 

Hay fluir espontáneo, improvisación sin red, confluencias rítmicas y armónicas, por muy atonales que estas sean…, y hay pasajes de improjazz, claro.

 

Todo, además, con una dosificación magnífica y unas dinámicas sonoras absolutamente maduras: nada sobra, nada falta. Sonido constante, crescendos necesarios y pasajes calmados e intimidad cuando es conveniente. Además, atraviesa tantos ambientes sonoros que descubres nuevos rincones con cada escucha.

 

La duración —se editan ya muchos CD con la duración de un LP— te permite escuchar dos veces el disco de una sentada, como hago yo esta tórrida tarde mesetaria.

 

Cecil Taylor, el gran improvisador del piano, decía: «¡No ensayes, practica!». Esto es lo que parecen hacer estos tres monstruos de sus respectivos instrumentos. Practicar, torturar, maltratar al instrumento hasta doblegarlo y que se rinda a sus deseos.

 

Magníficas tres pistas que responden a los títulos Tar I, Tar II y Tar III, siguiendo la estela de otro de los grandes improvisadores, Anthony Braxton, en las titulaciones.

 

Ya sé que no es música mayoritaria, de consumo fácil, y que se disfruta mejor (¿!!!?) en directo —o en directo simulado en estudio, como es el caso—, pero repito aquí de nuevo uno de mis mantras: no den todo por perdido. Atrévase, querido lector, querida lectora.

 

Busque en liquenrecords.com el disco y desnúdese… Deje fuera sus prejuicios musicales.

 

Lo disfrutarán, seguro.

JOSEP LLUÍS GALIANA / JESÚS GALLARDO / MATÍAS RIQUELME – «TAR» (LÍQUEN RECORDS; LRCD040, 2026)

Antonio Martín «Coronel Mortimer», La muerte tenía un blog, 24 de marzo de 2026

Durante incontables veces he invocado literariamente la libertad musical de Josep Lluís Galiana (saxo tenor y soprano), Jesús Gallardo (batería) y Matías Riquelme  (cello); tanto es así que se me antojaría tedioso enumerar aquí cada una de las reseñas en las que han intervenido aunque no obstante, sí que me gustaría especialmente dejar enlace a Les Trahison des Mots  (Schujaj!, 2020) de Riquelme, texto que he recordado por casualidad. He vuelto a ponerme el álbum y vaya, pero vaya joya (encima creo que está a precio irrisorio). Me limitaré a ir directamente al grano porque poniendo simplemente  Líquen Records + Galiana en el buscador del blog me salen 33 textos, así que ruego entendáis que no presente a los músicos.

Antes de que sigáis, un inciso. Sé que significa TAR, acrónimo de TODO AL ROJO pero quería improvisar en el texto; meta ficción literaria en una reseña? no lo sé pero prometo que ningún concepto, idea, lugar, organismo vivo o similar ha sido dañado para la realización de este escrito. Si consideras que debiera haberme metido la lengua en el esfínter como un símbolo Ourobórico, llama al 112 y os darán instrucciones. Sigo…

TAR nace en un primer encuentro como cuarteto (junto a la baterista gallega  Lucía Martínez) que recuerdo a la perfección porque pregunté precisamente a  Josep si Todo al Rojo (así se llamaba la grabación) iba a salir en formato físico. Tan solo unos pocos meses más tarde, TAR queda establecido como trío y este álbum homónimo que hoy os presento se graba en directo en  Isósteles Estudi, suerte de espacio autogestionado en  Borriana (Castellón) y en el que Radomir Blazik y JJ Doc intervienen en determinados momentos en procesos de grabación, mezcla y luego esa transmutación alquímica del masterizado que es de  Doc (Isósceles Estudi) y Jesús Gallardo (Mondo Ritmic). 

El álbum se acaba de editar (tan de rabiosa actualidad que me acabo de quitar un trozo de colmillo de la pantorrilla y vengo de vacunarme)en digipack que se viste de gala con preciosa fotografía de Marc Dufour (dejo enlace a su portfolio) que, por alguna sincrética razón relaciono con las nubes en el ventoso camino a la antigua Lhasa (Tíbet). Y cosas de mi mente, recuerdo que TAR es el nombre con el que se conoce a la Tibet Autonomous Region que no es exactamente el espacio de la Gran Meseta Tibetana, sino uno de los espacios que quedaron divididos tras la invasión China (y posterior descuartizamiento territorial) sobre el 1950. Hagan sus apuestas…. lo que me queda, TODO AL ROJO. Y es que hay mucho de conexión espiritual y de meditativo en los 48 minutos del disco, y en el Tíbet eso se simboliza con el rojo; sagrado y auspicioso, representa una intensidad espiritual enfocada en la transformación y la conexión vital así que como digo, TODO AL ROJO.

Locuras aparte, TAR tocan un Free Impro Jazz agresivo (me vais a permitir evocar ese lugar del inframundo helénico llamado Tártaro, y por ende llamar a este estilo Tartarian Jazz que por cierto en todo inframundo que se precie pasa un río, al inframundo iremos tod@s… así que TAR o `TODOS AL RÍO´), con un nivel de abstracción bastante importante que funciona telepáticamente gracias a ese misterioso hilo conductor interactivo en el que los músicos fluyen / combinan a tal nivel que todo acaba desembocando en un momento en el que casi se atisba `lo compositivo´, ya bien sea por reflejo, sutileza sonora pareidólica, azar, o ese poder de la telecomunicación que define a la perfección la frase de Nietsche que viene en el libreto: `lo uno que se afirma en lo múltiple´. Sea como fuere, los cuatro minutos de «TAR I» son de una descomunal fuerza que entronca muchísimo con la fiereza de Charles Gayle a los vientos (diría que también algo de Paul Dunmall si mis tímpanos están hoy bien afinados) mientras que la batería percute con regusto Post Punk a lo Fred Maher  de Masacre (no sé si es por la sequedad violenta de la pegada o por la entropía que genera) mientras que el cello de Matías Riquelme suena cálido en el pizzicato (a lo Ron Carter) pero en otras por alguna razón se me viene a la cabeza algunos viejos discos oscurísimos de Alan Silva (Luna Surface, 1969 por ejemplo) o el más radical y moderno Erik Friedlander, colaborador habitual de Zorn.

Se da paso luego a una pieza central «TAR II» de 40 minutos que empieza con espaciadas notas de Riquelme, minimalismo tímbrico metálico en la percusión (cuasi monástico y ritual). Preciosismos del soprano en micro notas agudas que se van cargando de un esbozo o bosquejo de una melodía Coltraniana (abanicos espirituales) o especie de código morse espiritual / escalera al Nirvana (y digo Nirvana porque no me quito de encima lo de TAR y sus dejes tibetanos en el empleo de la T como TARA, AVALOKISTESVARA o mantras como `oṃ tāre tuttāre ture svāhā´) y ojito al rasgado del cello de  Riquelme con connotaciones drónicas, hipnóticas y de una belleza descomunal que sirve de base para que saxo y batería dialoguen de forma íntima (sin estridencias) y muy, pero que muy líricamente. Me encanta la manera en la que Galiana invoca una nota y la sostiene el tiempo suficiente para que la percusión encaje (Gallardo es de vieja escuela y se nota), y la inexorable subida de tempo que va acompañada precisamente a cuando el cello es tocado con arco.

Al contrario que otras grabaciones de LÍQUEN RECORDS  que suenan más europeístas, no sé la razón pero TAR me lleva una y otra vez a la escena de los Lofts, al oscurantismo de grabar en una sola toma de ESP DISK, a los inencontrables álbumes de BYG / ACTUEL…. pero no se me entienda mal, el grado de experimentación aquí es mayor y eso sí que es Europeo (no tengo ni la más remota idea de qué postura adopta la boca y manos de Galiana en el minuto diez para invocar esos sonidos). La clave disruptiva del disco es sin duda cuando Riquelme coge el arco porque lleva el sonido a un nivel drónico que está a un pasito del Folk, la Clásica Moderna y la Música de Cámara; algo así como mezclar UNIVERS ZERO con Evan Parker. 

A continuación sigue un largo pasaje de mediumnismo improvisatorio pero reitero que para mi gusto, más cercano al Free Jazz, con toda una panoplia de cascabeles / recursos diversos a la percusión y Riquelme en estado de gracia a la pulsación (y rasgado) de las cuerdas. ¿Es el azar en la música improvisada una entelequia? ¿dónde empieza y acaba el plano de lo creativo improvisado? En cualquier caso, TAR no resulta `duro´ ni áspero en extremo y se disfruta casi que como una suite (atentos a los bombos explosivos de Gallardo en el minuto 25 en adelante), con sus paradas épicas y sus episodios narrativos. La parte final es un abigarrado, estilizado ruidismo a base de sordinas, rasgados, roces y puntuales notas inmoladas.

Eso sí, los tres últimos minutos sacan a la superficie una fabulosa textura ondulante que se va cargando de agresividad y vuelve a llevarme a los antros neoyorquinos del Downtown (el Knitting Factory) y estructuras a veces más cercanas al Art Rock que al Free (reitero, ayuda mucho a esto la manera de darle al violonchelo con el arco). Culmina esta maravilla «TAR III» en modo acharolado, nocturno, sombrío y modal… con gabardinas que huelen a nicotina añeja y pitilleras grabadas con iniciales que aparecen en escenas de violentos crímenes. Punzante Noir Jazz de cabinas de teléfono que cantan la muerte por anticipado, golpes de nudillos y huesos que estallan en fisuras. 

No hay Nirvana. Os he desollado. TODOS AL ROJO.

JOSEP LLUÍS GALIANA, JESÚS GALLARDO AND MATÍAS RIQUELME

Eyal Hareuveni, Salt Peanuts, 10. april 2026

The Spanish, Valencia-based free improvising trio of tenor and soprano sax player Josep Lluís Galiana (who is also a composer, the head of Liquen Records, writer, editor, and Spanish cultural manager), drummer-percussionist (and educator) Jesús Gallardo, and Chilean cellist Matías Riquelme began working as a quartet with a second drummer, Lucía Martínez. The quartet recorded a live album (TODO AL ROJO, Liquen, 2025). Five months later, in October 2025, the trio recorded TAR live at Isósteles Estudi in Borriana, Castelló.

TAR captures the urgency of this trio in wishing to record a follow-up album to TODO AL ROJO so soon, as well as the urgency of the music, attempting to exhaust the sonic possibilities of such unconventional instrumentation. The album is opened and closed with two short, free improvised pieces, while the second, centerpiece lasts 39 minutes.

The centerpiece proves that Galiana, Gallardo, and Riquelme do not need to assert their strong-minded voices over the others. The deep listening and slow cooking process of this extended improvisation explores instant and unpredictable sonic synaptic connections and inventions, a constantly shifting equilibrium that lets the music flow organically, and a deep well of ideas, eloquent negotiations, and reasoned arguments that eventually lead to the inevitable turbulent space-time torrent. Obviously, extended breathing, bowing, and percussive techniques and effects are essential elements of the trio’s sonic aesthetics.

Galiana best captures the essence of this album: «TAR, like a nirvana, is a place of harmony, connection, and interaction, places us on the verge of self-alienation, constantly positioning us in the place of the other. It is a sincere and utterly unique act of empathy». A promising debut album.

El trío de Josep Lluís Galiana, Jesús Gallardo y Matías Riquelme publica su primer disco conjunto: “TAR”

Ramón Martínez, radiobanda.com, 10 de marzo de  2026

El saxofonista valenciano Josep Lluís Galiana, el percusionista castellonense Jesús Gallardo y el violonchelista chileno Matías Riquelme presentan “TAR”, su primer trabajo discográfico como trío, editado por el sello valenciano Liquen Records.

Grabado en directo el 24 de octubre de 2025 en el estudio Isósteles Estudi de Borriana (Castelló), el disco captura la intensidad de un encuentro musical basado en la improvisación libre y la experimentación sonora, territorios donde los tres músicos cuentan con una amplia trayectoria internacional.

Un encuentro nacido de la improvisación

El proyecto surge tras un primer encuentro artístico en enero de 2025 junto a la baterista gallega Lucía Martínez, en un concierto celebrado en el Espai d’Art Contemporani de Castelló, posteriormente publicado en formato digital bajo el título Todo al rojo. Aquella experiencia llevó a Galiana, Gallardo y Riquelme a reunirse de nuevo sobre el escenario para profundizar en su diálogo musical.

Según explica Galiana en las notas del disco, la improvisación es el eje conceptual del proyecto: “Cuando improvisas apenas piensas. Solo escuchas a tus compañeros y te dejas llevar por lo que sucede en ese instante sonoro”.

Un universo sonoro abierto

En “TAR” confluyen múltiples influencias y lenguajes musicales en una propuesta difícil de clasificar. Texturas, gestos sonoros, ruidos y armonías inesperadas se suceden sin estructuras preconcebidas ni acuerdos previos, construyendo un flujo musical basado en la escucha y la interacción constante.

La filosofía creativa del disco plantea la música como un espacio de empatía y conexión, donde cada sonido genera nuevos caminos y cada gesto musical transforma el discurso colectivo.

Edición y producción

El álbum cuenta con edición física en CD y distribución digital a través de las principales plataformas de streaming. En su producción han participado varios colaboradores vinculados al entorno artístico del proyecto:

 

• Fotografía de portada: Marc Dufour

• Diseño gráfico: Matías Riquelme

• Notas al disco: Josep Lluís Galiana

• Grabación, mezcla y masterización: Radomir Blazik, JJ Doc y Jesús Gallardo

• Colaboración: Escola de Música y Teatre Mondo Rítmic (Castelló de la Plana)

 

“TAR” constituye además la referencia número 40 del catálogo de Liquen Records, un sello fundado en 2016 por el propio Galiana y especializado en músicas improvisadas y experimentales.

Trayectoria de los músicos

El saxofonista y compositor Josep Lluís Galiana (València, 1961) es una figura destacada de la escena internacional de la improvisación libre y la creación electroacústica. Autor de numerosos libros y más de cincuenta discos, ha colaborado con artistas como Agustí Fernández, John Butcher o Josu de Solaun, y ha participado en festivales de Europa, América y Asia.

Por su parte, Jesús Gallardo (Madrid, 1967) es baterista, compositor y educador musical, especializado en improvisación libre y jazz contemporáneo. Dirige la escuela Mondo Rítmic en Castelló y ha trabajado con músicos como Perico Sambeat o David Pastor.

El violonchelista Matías Riquelme, originario de Chile y formado en Francia, desarrolla una intensa actividad en el ámbito de la música experimental. Ha explorado un lenguaje propio para el cello que integra influencias del jazz, la música contemporánea y la improvisación radical.

Disponibilidad

El disco “TAR” se encuentra disponible en formato físico a través de la web de Liquen Records y en plataformas digitales de streaming a nivel internacional, consolidando así una nueva propuesta dentro del panorama de la música improvisada contemporánea.

Tags: Josep Lluís Galiana, Jesús Gallardo, Matías Riquelme, TAR, Liquen Records, música experimental, improvisación libre, jazz experimental, Castelló, Borriana, Isósteles Estudi, música contemporánea, escena improvisación, discos música experimental

Josep Lluís Galiana, Jesús Gallardo y Matías Riquelme publican en Liquen Records su primer disco: “TAR”

lasBandas, 14 de marzo de 2026

Primer disco del saxofonista valenciano Josep Lluís Galiana, el batería de Castelló Jesús Gallardo y el violonchelista chileno Matías Riquelme como trío, “TAR” fue grabado en concierto en Isósteles Estudi (Borriana, Castelló) el 24 de octubre de 2025

Publicado el

BALLADS FOR TENOR SAXOPHONE. Josep Lluís Galiana

Josep Lluís Galiana: BALLADS FOR TENOR SAXOPHONE. València: LIQUEN RECORDS • DL: V-4712-2025 • LRCD038. PVP: 18€

Gastos de envío incluidos para España / Shipping costs included for Spain; para el resto del mundo, consulte coste de envío / for the rest of the world, chek shipping cost; otros métodos de pago / other payment methods. Contacto / Contact: liquenrecords@liquenrecords.com

CRÈDITS

BALLADS FOR TENOR SAXOPHONE

 

Josep Lluís Galiana

 

Tota la música de / All music by Josep Lluís Galiana

Enregistrat als / Recorded at Liquen Studios (Pedralba, València, Spain) by Josep Lluís Galiana

Produït per / Produced by Julio César Galiana

Mesclat i masteritzat per / Mixed and mastered by Josep Lluís Galiana

Post-produït per / Post-produced by Juan Carlos Tomás (La Seta Azul)

Notes del disc de / Liner notes by Jesús Gallardo

Foto de portada de / Cover photo of Mara Cortines

Disseny gràfic de / Graphic design by Cap i Cua (Alexis Moya)

© 2025 Josep Lluís Galiana

© P Liquen Records

DL: V-4712-2025   •   LRCD038   •   liquenrecords.com

 

Amb el suport de / With the support of

LLISTA DE COMPOSICIONS

01. The Ballad of Marjana ( 4.46 )

02. Soroll de fulles ( 2.58 )

03. Atropellat pel temps ( 2.25 )

04. Ballad I. Langsam ( 8.05 )

05. Broken Ballad ( 3.05 )

06. Ballad II. Nocturn ( 3.12 )

07. Slap, lap, ap, p… plash! ( 3.05 )

08. Ballad III. Sonant com les roselles ( 1.55 )

09. Deaf Ballad ( 1.55 )

10. Joc d’infants ( 3.36 )

11. Camí del desert ( 3.20 )

12. Cant trèmul d’aus ( 2.37 )

13. Ballad IV. Pels indrets de la imaginació ( 6.06 )

14. Music On Loop ( 3.37 )

15. De la mà d’un mosquit ( 3.58 )

16. Ballad V. Des de la solitud ( 3.54 )

Total:    ( 59.09 )

ESCOLTA AL / LISTEN AT LIQUEN RECORDS BANDCAMP
Josep Lluís Galiana interpreta amb un saxofon tenor Buffet Crampon S1 / Josep Lluís Galiana performs with a Buffet Crampon S1 tenor saxophone

NOTES AL DISC

En BALLADS FOR TENOR SAXOPHONE, el internacionalment reconegut saxofonista valencià, amic i company musical Josep Lluís Galiana proposa un replantejament de la balada com a forma musical universal. Una forma que traspassa totes les èpoques i fronteres històriques, i tots els gèneres i estils musicals des de que tenim coneixement d’aquest tipus de peça o aire musical. Caracteritzada pel seu ritme pausat —molt lent en ocasions—, meditatiu, introspectiu, melòdic i, al mateix temps, farcit de nombroses textures i molt matèric, en aquesta forma musical els compositors intenten aprofundir en els sentiments i les emocions més íntimes i incognoscibles.

BALLADS FOR TENOR SAXOPHONE és una recopilació de setze composicions originals de Galiana, interpretades per ell mateix al saxofon tenor, un instrument que, tot al llarg dels segles xx i XXI, ha liderat com ningun altre aquesta manera d’adreçar-se als oients, mitjançant la melodia, el motiu més senzill, el fragment, el trencament del discurs, l’ús de nombroses tècniques interpretatives i el desig de pertorbar i contrariar el públic en les seues expectatives. No és el primer disc de Galiana en solitari i quasi podríem parlar d’ell, sens dubte, com un especialista en abordar un repertori únic, des de la nuesa del seu so penetrant al saxo tenor, a la vegada íntim i enèrgic, i des d’una manera de fer música amb una veu personal i inconfusible i amb una llibertat que només pot abastar aquell que coneix el seu instrument com el palmell de la mà. 

Josep Lluís Galiana navega obrint-se pas a través d’aigües sonores molt diverses. No es pot obviar el sabor jazzístic que jeu com a substrat i referent, com a homenatge a aquesta forma musical, però també podem escoltar perfils de la música clàssica contemporània, hereva de la música experimental i electrònica. En BALLADS FOR TENOR SAXOPHONE també podem escoltar cites a altres músiques del món en una legítima recerca de multi-culturalitat, posant de manifest una simbiosi de mons sonors llunyans i ben diferents, però amb un denominador comú pel que fa a la balada com a forma d’expressar sentiments i emociones, i sacsejar l’ànima, mitjançant el so.

Jesús Gallardo

LINER NOTES

In BALLADS FOR TENOR SAXOPHONE, the internationally renowned Valencian saxophonist, friend and musical companion Josep Lluís Galiana proposes a rethinking of the ballad as a universal musical form. A form that transcends all historical eras and borders, and all musical genres and styles since we have known this type of piece or musical air. Characterized by its slow rhythm —sometimes very slow—, meditative, introspective, melodic and, at the same time, filled with numerous textures and very material, in this musical form the composers try to delve deeper into the most intimate and unknowable feelings and emotions.

 

BALLADS FOR TENOR SAXOPHONE is a compilation of sixteen original compositions by Galiana, performed by himself on the tenor saxophone, an instrument that, throughout the 20th and 21st centuries, has led like no other this way of addressing listeners, through melody, the simplest motif, the fragment, the breaking of discourse, the use of numerous interpretative techniques and the desire to disturb and contradict the public in their expectations. It is not Galiana’s first solo album and we could almost speak of him, without a doubt, as a specialist in approaching a unique repertoire, from the nakedness of his penetrating sound on the tenor saxophone, at once intimate and energetic, and from a way of making music with a personal and unmistakable voice and with a freedom that can only encompass those who know their instrument like the back of their hand.

 

Josep Lluís Galiana navigates his way through very diverse sonic waters. The jazz flavor that lies as a substrate and reference, as a tribute to this musical form, cannot be ignored, but we can also hear profiles of contemporary classical music, heir to experimental and electronic music. In BALLADS FOR TENOR SAXOPHONE we can also hear quotes from other world music in a legitimate search for multiculturalism, highlighting a symbiosis of distant and very different sound worlds, but with a common denominator regarding the ballad as a way of expressing feelings and emotions, and shaking the soul, through sound.

Jesús Gallardo

DOSIER DE PRENSA

Josep Lluís Galiana, 65 años y 16 baladas para saxofón

Paco Yáñez, Revista Scherzo, 28 de febrero de 2026

Durante décadas, los sesenta y cinco fueron en España una edad totémica, como puerta de acceso que generalmente era a la jubilación, en un tiempo en el que todo parecía más ácrono y monocorde en este país.

Bien adentrados ya en el siglo XXI, el aumento de la esperanza de vida y la mayor complejidad que hoy presentan tanto nuestra sociedad como nuestro mercado laboral hacen que las edades de jubilación en España sean todo un rompecabezas compuesto por decenas de variables que son un aquilatado reflejo de un país sustancialmente más diverso que el que en 1919 estableció los sesenta y cinco años como comienzo del entonces llamado «Retiro Obrero».

Josep Lluís Galiana alcanza hoy esa edad, y sin duda podemos decir que, desde que a España volvió la democracia, este inquieto valenciano (siempre embarcado en múltiples proyectos culturales) es una de las personas que en nuestro Estado más ha luchado por la modernización de nuestras estructuras musicales en los muchos campos que su actividad artística y profesional ha abarcado: saxofonista, improvisador, compositor, poeta, crítico musical, ensayista, gestor cultural y fundador tanto de EdictOràlia Llibres i Publicacions como de Liquen Records, sello en el que Galiana ha publicado el grueso de su catálogo discográfico, con una mención muy especial para sus facetas de saxofonista e improvisador.

Ambos roles se vuelven a unir en Ballads for Tenor Saxophone (2025), un compacto que hemos de poner en la estela de lanzamientos previos de Josep Lluís Galiana por medio de los cuales ha ido explorando la familia de los saxofones, en discos publicados en España y Argentina como Tribut a Ramón Ramos (2025), Soprano Saxophone Solos (2021), Nomadic Landscapes (2021) o Tenor Saxophone Solos (2018), el precedente más directo en cuanto a lo que al saxofón tenor se refiere (para el cual algunas improvisaciones también encontramos en Nomadic Landscapes), aunque con planteamientos ahora distintos, pues en este nuevo compacto Galiana nos remite a un estilo musical en concreto, la balada, si bien en manos del saxofonista valenciano sus baladas suponen toda una reinvención del género y un libérrimo ejercicio de creatividad, distando entre sí algunas de las piezas que integran Ballads for Tenor Saxophone tanto como lo puedan hacer las Baladas (1831-42) de Frédéric Chopin de la Balada de la cárcel de Reading (1897), de Oscar Wilde.

De este modo, y aunque solemos asociar la balada a lo que Jesús Gallardo define —en sus notas para esta edición— como una música pausada y melódica con la que los compositores profundizan en sus sentimientos y emociones más íntimas, Ballads for Tenor Saxophone reinventa por completo el género, pasando de una música matérica de rugosidad y fiereza más propias de la avantgarde a piezas serenas y meditativas, cuya filiación con la balada se refuerza, precisamente, por el marcado contraste con ese otro tipo de piezas aquí grabadas por Galiana, multiplicando los paisajes acústicos de su nuevo disco y dotando a la aparición de la melodía de una fuerza epifánica cuando ésta brota de su saxofón (un Buffet tenor modelo Crampon S1), eludiendo cualquier tópico y sensiblería asociados a la balada en su dimensión más comercial.

Atropellat pel temps (tercera improvisación libre de Ballads for Tenor Saxophone) es un perfecto ejemplo de la experimentación matérica a la que antes nos referíamos, mostrando, incluso, más vínculos con el flamenco (por sus frenéticos ritmos y la aparición del zapateado) que con la propia balada, trascendida en un ejercicio de hiperactividad ruidista en el que, más que a un saxofón tenor, parece que estuviésemos escuchando a un ensemble de percusión, pues la multiplicación de las fricciones y los golpeos al cuerpo del instrumento, además de las técnicas extendidas de filiación percusiva generadas con aire en la boquilla, como el slap, crean un torrente sonoro implacable, dejándonos uno de los cortes más abrumadores del compacto.

Claro que, si de slaps hablamos, el epítome al respecto en Ballads for Tenor Saxophone sería Slap, lap, ap, p… plash!, séptima improvisación del disco en la que, desde su inicial slap a modo de Aleph que en sí contiene todos los desarrollos ulteriores (cual el juego lingüístico que despliega el título de esta pieza), Josep Lluís Galiana lleva a cabo toda una deconstrucción (palabra clave en la propuesta musical de este compacto, como bien ha señalado Miguel Ángel Pérez Martín) que acaba transformando lo percusivo en los sucesivos impulsos de una construcción melódica, cual el vínculo entre el punto y la línea en los Etudes (2011-13) de Toshio Hosokawa, aunque aquí Galiana —gran admirador del compositor japonés— abunde más en los trazos discontinuos y en el espasmo, en toda una lucha por articular líneas melódicas desde técnicas extendidas que, a priori, podríamos creer su antítesis (si bien, tras escuchar Slap, lap, ap, p… plash!, parece que no lo fuesen tanto, sino partes de un mismo todo con múltiples rostros musicales).

Deaf Ballad es otro buen ejemplo de tensión musical llevada a sus extremos, con un saxofón que se antoja fascinado por las sonoridades electrónicas, de las que se embebe haciendo que sus agudos resuenen como acoples y descargas electroacústicas que alteran por completo el sonido del instrumento. Para extraer sonoridades de un saxofón tenor como las que aquí escuchamos, es evidente que hay que tener un dominio del mismo apabullante, ya no sólo a nivel técnico, sino artístico, pues conferir unidad y sentido a una paleta tan heterogénea como la que Galiana emplea en piezas como las tres que primero hemos destacado, es una labor titánica sólo realizable por quien haya convertido al saxofón en una parte de sí mismo.

Pero si a la proyección de aire sin tono nos referimos, entonces es obligado citar en este compacto su undécima improvisación, Camí del desert, que alterna los pasajes de espiración ruidista con el slap para así trazar ese paisaje desértico en el que el aire sin tono remeda las propias dunas, mientras que el slap resuena como los pasos de un caminante de las arenas que, entre lo más rugoso, construye melodías quebradas cual si rotas apareciesen éstas entre los espejismos acústicos que el saxofón va encontrando en su caminar sin caminos, en pos del silencio (aunque, como nos advirtió Edmond Jabès en La arena (1980-88), «Jamás el silencio / se refiere al silencio»).

Si Atropellat pel temps, Slap, lap, ap, p… plash!, Deaf Ballad y Camí del desert nos dejaban algunas de las improvisaciones más modernas y acústicamente extremas de Ballads for Tenor Saxophone, otras piezas recogidas en el disco sí resultan más cercanas a lo que esperaríamos del género que da nombre al compacto, como Ballad II. Nocturn, Ballad III. Sonant com les roselles o Ballad IV. Pels indrets de la imaginació, improvisaciones más melódicas y pausadas en las que el saxofón se muestra lírico y poblado por los ecos de un jazz del que, como de la avantgarde, Galiana tanto ha bebido. Ello le confiere a estas improvisaciones un carácter melancólico y nocturnal, de fraseos libres y ondulantes que, sin embargo, en la primera pieza de esta serie (único ‘ciclo’ numerado dentro del disco), Ballad I. Langsam, había nacido desde otra técnica extendida, el multifónico, cuyos resplandores y halos de luz más sostenidos en el tiempo se iban, progresivamente (como en algunas de las piezas antes vistas), transformando en melodía y estableciendo el tono para que la serie de las cinco Ballads numeradas pudiese llegar a afianzarse.

Quizás es, por ello, por lo que Ballad I. Langsam es la pieza más larga del disco (con sus ocho minutos de duración), tiempo empleado por Galiana para asentar la progresiva e intrincada transformación del ruido en melodía, haciéndolo, además, con la consistencia suficiente para que los pilares de las posteriores improvisaciones de esta serie queden bien asentados (y es que, una vez más, aunque de improvisación libre hablemos, no dejan de asomarse estructuras y elementos que redundan en la unidad de estas piezas, pues ninguna improvisación lo es jamás en el vacío, sino en el magma que resuena en el interior del músico a la hora de atacar su sonido fundacional).

Entre los extremos (¿antagónicos?) de lo ruidista y lo lírico (algo más acusados, respectivamente, en los cortes del disco que hasta aquí hemos destacado), otras improvisaciones en Ballads for Tenor Saxophone transitan territorios que diríamos intermedios, mostrando Josep Lluís Galiana que es un buen conocedor y partícipe de que la hibridación entre el ruido y la armonía es uno de los puntos fuertes, en cuanto a desarrollo estético, de la música actual. De ello resultan paradigmáticas improvisaciones como The Ballad of Marjana, con su tensión en los multifónicos (la de un saxofón que parece inspirado por la pintura, dada la plasticidad en la expansión del cromatismo y las texturas); los juegos rítmicos de Broken Ballad, que evoca el sonido del mizmar árabe; un ritmo que zumba, se multiplica y revolotea (como el fastidioso animal que le da nombre) en De la mà d’un mosquit; o que se convierte en escherianas escaleras que se retuercen y conducen a sí mismas en la laberíntica Soroll de fulles.

Los heteróclitos paisajes acústicos que transitamos en Ballads for Tenor Saxophone se nos ofrecen en unas soberbias grabaciones registradas en los Liquen Studios de Pedralba (Valencia), con tomas de sonido y masterización a cargo de Josep Lluís Galiana y postproducción de Juan Carlos Tomás. Las notas del ya mencionado Jesús Gallardo completan esta nueva etapa en un viaje por la improvisación para la familia del saxofón en cuyo horizonte esperamos que pronto se asome un disco dedicado al barítono. Pero, antes de que tal compacto se haga realidad, Josep Lluís Galiana continuará embarcado en múltiples proyectos musicales que seguirán haciendo de su labor algo artísticamente tan valioso como necesario en una sociedad que se quiera considerar culta y civilizada. A todo esto, descarten por completo que, alcanzados ya los sesenta y cinco años, Josep Lluís Galiana tenga pensado jubilarse.

Ballads For Tenor Saxophone

Joan Gómez Alemany, Revista RITMO, 1 de marzo de 2026

Ballads for Tenor Saxophone se inscribe con naturalidad y coherencia en la línea de trabajo que Josep Lluís Galiana viene desarrollando ya hace varios años, desde Soprano Saxophone Solos y Tenor Saxophone Solos. Todos ellos comparten una exploración radical del saxofón solo como espacio de pensamiento, memoria y riesgo. Si aquellos discos planteaban el instrumento como laboratorio sonoro más centrados en la libre improvisación, aquí la “jazzística” balada funciona como excusa y como pretexto para investigar. Galiana no busca la comodidad, sino la reflexión, entendiendo la balada como lugar donde el sonido se piensa a sí mismo.

El tenor solo y sin ningún artificio despliega un discurso fragmentado, a veces frágil, donde cada ataque parece contener una pregunta. No hay nostalgia complaciente ni lirismo fácil, solo hay materia, fricción y silencio activo. Como escribe en las notas el percusionista Jesús Gallardo, el disco propone un “deseo de perturbar y contrariar al público en sus expectativas”. En ese gesto convierte la balada en un espacio crítico, donde la emoción no se entrega, sino que se construye desde la duda.

Las dieciséis piezas avanzan como pequeñas estaciones de un trayecto interior en el que conviven el poso jazzístico, la herencia de la música contemporánea y la escucha atenta de otras tradiciones, siempre filtradas por una voz personalísima. Un trabajo exigente, honesto y necesario, que confirma a Galiana como una de las voces más singulares del saxofón contemporáneo.

JOSEP LLUÍS GALIANA – «BALLADS POR TENOR SAXOPHONE» (LÍQUEN RECORDS; LRCD038, 2025)

Antonio Martín, La muerte tenía un blog, 23 de febrero de 2026

Volvemos al saxo tenor de Galiana con este fabulos Ballads for Tenor Saxophone, que por tangencial referencia en contexto solista viene a sumarse en mayestática tríada con monolitos como Tenor Saxophone Solos (2018), Soprane Saxophone Solos (2021) o esa barbaridad de Electro Acustic Pieces 1999-2019 (2019, en otro contexto y sonoridades). En este caso, 16 composiciones originales abarcando todo tipo de baladas (no quisiera entrar en tipologías, etiquetados y otras cosa más académicas que hacen que el concepto `balada´ transite una fina línea entre la objetividad y la subjetividad). 

Conociendo la forma de tocar intimista, pseudo-minimalista con las que Josep aborda este tipo de composiciones, y la virtuosidad con la que trata al instrumento, podemos esperar toda una plétora de recursos sobre los que trataré de abrirme paso eludiendo términos academicistas y dejándome llevar por el `momento / instante / sensación´ que el sonido y la vibración provocan… y es que el silencio es menos que la sordina, pero la sordina puede percutir e inexorablemente no todo lo que percute se sopla, mas cuando una lengüeta vibra y se crean polifonías, el poderoso andamio del lirismo invade al oyente para al momento siguiente sumirlo en toda una ordalía de asperezas, aire en cerbatana (es como yo llamo a la técnica de soplar sin lengua) y un montón más de detalles sobre los que me lanzo de lleno.

La edición, por supuesto, corre a cargo del insigne LÍQUEN RECORDS en digipack del amigo Jesús Gallardo. Graba en Pedralba, València. Mezcla y masteriza el propio Galiana para posteriormente post producir Juan Carlos Tomás (La Seta Azul). La fotografía de portada (Mara Cortines) me encanta porque a pesar de ser un disco solista, no muestra al solista…. se disuelve el ego y el instrumento pasa a ser el protagonista. 60 minutos que se abren con «The Ballad of Marjana» que alterna notas sostenidas con lo que parecen ser estructuras del medievo. Profundamente lírica, es curioso cómo un saxo tenor puede alcanzar el mismo tono que una saeta vocal. Maravillosa la producción y sonido que capta el desplazamiento de los dedos del artista en un braille alquímico sobre el instrumento… se sostienen notas hasta hacerlas vibrar en larguísimos sostenidos en los que el saxo roza el meditabundo tono oriental de una shruti box o incluso un digeridoo gracias a un ejercicio respiratorio cuasi pranayámico que roza el éxtasis. Soberbio en su lentitud (¿he comentado en alguna ocasión que me encanta la lentitud?)

Sigue «Soroll de Fulles» con otro tipo de balada más Hard Bope. Sincopadas notas angulizadas dibujan el perfil tan y como se seguiría un dibujo de esos que se completan mediante puntos numerados. Sensación de diálogo y muchas sábanas de sonido cortas y en ráfaga contrastando sobremanera con el flujo laminar del corte anterior. Aquí todo es más atonal y con cierto estructura semi circular. La técnica percusiva gracias al golpeteo de las zapatillas de «Atropellat pet Temps» junto al uso de la lengua (slap), se pasan por tramos asordinados dando la sensación general de cascada de objetos mecánicos (piezas de reloj) rozándose la electroacústica. Sí, se trata de una balada…. pero para engranajes y que vuelve a repetir esquemas similares en el más posterior «Slap, lap, ap, p… plash!». Vuelve el tono clásico y embriagador del tenor en su abanico lírico con «Ballad I. Langsam», extenso tema de 8 minutos de duración que se abre con una introspección extrema; me encanta la palabra soliloquio y creo que en este caso es acertada. Galiana, el saxo tenor y el resto del universo disolviéndose en la nada… y es que el tenor siempre ha tenido un deje tristón / meditabundo en contraposición con el saltarín saxo soprano o la bestialidad masiva del saxo alto. 

Maravillosa la manera en la que se va dibujando una melodía deudora del Spiritual Jazz Coltraniano o de Pharoah pasados por el tamiz europeísta de la impro Galaniesca…. y es que Josep es un maestro en saber cuándo tiene que alargar una nota y repetirla `ad nauseam´ (ojito a lo que hace a partir del minuto 7) o cuando acortarla y deconstruirla para manejar el espacio – tiempo a la perfección. Porque permitidme que os recuerde que se trata de un disco solista, lo que equivale a decir `desnudo´. Es el artista sin trampa ni cartón fundiendo carne y metal en una neo aleación sonora no apta para todos los públicos (pese al término quizás engañoso de balada). En pleno contraste el saltarín, campestre y cuasi folk ritmo de «Broken Ballad» que usa micro melodías en repetición circular para dar sensación de motilidad, algo muy al estilo de Brotzmann o Evan Parker cuyos espíritus campean a lo largo de todo el álbum sobre todo en esa manera de regurgitar en espiral el flujo sonoro.

Noir, lento y acharolada la magnífica melodía (no fumo, pero me entran ganas de hacerlo mientras acaricio una pistolera y me calo hasta las cejas un gorro a lo Bogart) en la noctámbula «Ballad II. Nocturn». Una pieza maravillosa que casi llega a abrazar al Cool Jazz si no es porque el tempo, a pesar de ser medio, no se estanca en ningún momento. «Ballad III. Sonant Com Les Roselles» suena a enamoramiento y pasión este corto tema. Flores de azahar que caen en el crepúsculo, recuerda en algunos momentos a discos como el Ballads de Coltrane con toda su melódica impronta mientras que por contra se va al límite del espectro agudo con «Deaf Ballad» (el título lo dice todo) en el que se juega con sonidos altísimos como el silbato de los canes. 

Entramos en una segunda parte del álbum con «Joc d´infants», juguetona y cargada de energía positiva, dejando espacios libres para que el cerebro (la parte acústica) del oyente la rellene. De esta manera Galiana consigue no saturar y construir con parones como si de una stop-motion sonora se tratara (no sé si me explico). Más `slaps´ para «Camí del Desert» que entra dentro de lo que yo llamo el espectro de los temas duros y que mejor se disfrutan viendolos en directo que es cuando se palpa con todos los sentidos la íntima comunión del músico y su instrumento. Impro pura y dura pero permitiéndose el lujazo de intercalar mini segmentos (casi fotogramas acústicos) de lirismo del tenor. Es más… conforme avanza el tema se va transformando y va desde lo magmático, hermético y críptico a una apertura en abanico de puro y genuino Free Impro Jazz. De hecho, casi que diría que «Cant Trèmul d´aus» es la eclosión armoniosa del anterior que se aprovisiona sobremanera de las `sheets of sound´ del Giant Steps Coltraniano. Sigue los seis minutos de «Ballad IV. Pels Indrets de la Imaginació» epilogando la serie conceptual de 5 que parecen obedecer a una cierta idea ourobórica. Melodía no reñida con inventiva en largas series de efluvios de notas que fluyen tanto en zonas altas, medias y bajas del instrumento creando las diferentes tonalidades de azul del agua fluyendo por una cascada de río.

Se entra en la parte final con «Music on Loop», con vuelta al submundo de la noche. Notas crepusculares, apesadumbradas y con olor a nicotina y crímenes sin resolver. Una melodía que se repite una y otra vez porque así son las cosas en las urbes noche tras noche. La saliva de Galiana se cotiza en oro y aquí está cerca de lo que se tocaba en esos lofts americanos en la década de los 50 y 60. Cuenta la leyenda que Josep guarda una bala tras la mejilla por si la noche se complica…. pero no puedo confirmarlo. «De la Mà d´un Mosquit» parece la personal rendición Galaniesca de «Flight of the Bumblebee» (casi capto la relación de amor con el bronce a través de cuasi-succiones que me impactan en los tímpanos) y, como cierre, «Ballad V. Des de la Solitud», cuatro minutos de vuelta a los tonos espirituales, más genuinamente baladescos en el amplio sentido de la palabra y que, al menos en este caso, es toda una oda a los sentimientos de soledad y nostalgia, dupla siempre inspiradora y musa ineludible del músico.

Maravilloso como siempre, Josep.

Ballads for tenor saxophone

Luisa Balaguer, SONOGRAMA Magazine,

El nuevo lanzamiento de Josep Lluís Galiana se suma a una discografía de más de cincuenta títulos, que incluye proyectos tanto en solitario como colaborativos. En su trayectoria compositiva se observa, desde la década de 1990, un progresivo abandono de la escritura musical, orientando su actividad principal hacia la libre improvisación, ya sea en solitario o junto a otros artistas. Estas colaboraciones se han extendido a otros ámbitos artísticos, como proyectos de danza contemporánea, intervenciones en el campo de las artes visuales y trabajos vinculados al teatro experimental y la performance.

El disco reúne dieciséis composiciones originales interpretadas por él mismo al saxofón tenor. El título del disco sugiere que el compositor considera estas piezas en forma de baladas, aunque únicamente se indica explícitamente en los títulos de algunas de ellas. Definir la forma balada de manera atemporal resulta complejo, ya que su significado siempre ha estado ligado a una época y contexto cultural concreto.

En el caso de Galiana, la balada se configura como una forma de expresión profundamente intimista, inscrita en la tradición jazzística, que aúna lirismo, introspección y libertad interpretativa. Este planteamiento se manifiesta con especial claridad en las cinco piezas identificadas explícitamente como tal en su título sugiriendo alguna idea cíclica: Ballad I. Langsam, Ballad II. Nocturn, Ballad III. Sonant com les roselles, Ballad IV. Pels indrets de la imaginació y Ballad V. Des de la solitud. Las restantes composiciones, intercaladas dentro de este primer grupo, se sitúan en un plano estético distinto, alejándose del lirismo y adoptando un tono más descriptivo y radicalmente experimental. A este segundo grupo corresponden títulos como Soroll de fulles, Atropellat pel temps, Slap, lap, ap, p…plash!, Camí del desert, Cant trèmul d’aus y De la mà d’un mosquit. En cuanto a la técnica instrumental, se pueden escuchar multifónicos que generan acordes inestables y texturas complejas; una amplia variedad de slaps que aportan articulación y material percutido; el registro sobreagudo, para producir sonidos tensos e incisivos; ataques suaves, sin lengua o con aire previo; aeolian sounds, dejando que el aire produzca el sonido por sí mismo, sin apenas vibración de la lengüeta; el soplo continuo, creando una sensación de tiempo suspendido; el uso de la voz dentro del instrumento mientras toca; el uso de sordinas para alterar el timbre; o el ruido de zapatillas, es decir, los sonidos producidos por las llaves del saxofón sin soplar o con una mínima presión de aire, que aportan un componente mecánico y rítmico.

Galiana muestra un amplio dominio de estas técnicas; no obstante, se aprecia que lo verdaderamente relevante no reside tanto en las posibilidades técnicas del instrumento como en la capacidad de convertirlo en una extensión del propio intérprete y de hacer que se adapte a sus necesidades expresivas.

Este planteamiento apunta a una forma de entender la práctica instrumental en la que el sonido se concibe como materia, más allá de técnicas o lenguajes tradicionales. Aunque el autor se define como compositor electroacústico y trabaja habitualmente con electrónica, su sólida formación instrumental y su identidad como saxofonista hacen que las experiencias fuera del ámbito acústico no sustituyan al instrumento, sino que transformen la manera de aproximarse a él.

La interacción con la electrónica y la improvisación en contextos híbridos amplía la forma de escuchar y tocar, y conduce a una nueva manera de acercarse al instrumento acústico, atendiendo a sus posibilidades tímbricas, gestuales y materiales. Desde esta perspectiva, el saxofón deja de ser solo un generador de notas para convertirse en un objeto sonoro, abierto a la exploración del ruido, la textura, la energía y el gesto físico.

Galiana, como explica en su libro La libre improvisación musical. Fuente inagotable de inteligencia emocional, ha encontrado en la práctica improvisatoria una herramienta para desarrollar la escucha profunda, aplicada no solo a la creación musical, sino también como elemento clave para una convivencia respetuosa y constructiva.

Baladas deconstruidas

Miguel Ángel Pérez Martín, docenotas.com, 19/01/2026

Siempre es un placer escuchar los discos de Liquen Records. Como mínimo te sorprenden, algunos incluso te noquean y ponen a prueba tu sistema de valores musicales.

 

En este caso es el propio director de la editorial quien se pone a los mandos -ideas, boquilla y zapatas- para ofrecernos dieciséis temas de su «autoría e interpretación» instantánea… Como ya hizo con el saxo soprano hace unos años y disco del cual esta revista se hizo eco.

 

En esta ocasión recoge el guante de los grandes improvisadores del saxo tenor no solo del campo del jazz o el blues, también de las tendencias actuales y experimentales -atonales o no -pero siempre contemporáneas- y de ese área musical autónoma que es ya La Improvisación a caballo entre el blues y el minimal, con casi sesenta años de diferencia conceptual que recorre Galiana en cuestión de segundos.

 

Esto solo lo puede hacer un maestro de las técnicas de fonación con un instrumento como el saxo tenor… Una verdadera obra de «fontanería» musical que los legó Adolphe.

 

El registro de sonido de Galiana al saxo es ejemplar, toca todas las notas, secuencias, ambientes y espacios sonoros posibles lo que propicia escuchas diferentes cada vez que pones el disco en “el pickup”.

 

No cita directamente a otros saxofonistas con notas o secuencia de notas – hay ecos de Rollins, Coltrane, Shepp, Evan Parker-, cita con sonoridades. Un gran logro.

 

Muy recomendable, producción y edición ejemplar, marca de la casa.

 

Si no lo encuentran en su tienda habitual prueben en liquenrecords.com y a disfrutar.

Josep Lluís Galiana rinde homenaje a la balada como forma musical universal en su nuevo disco Ballads for tenor saxophone 

Por radiobanda, 18 de diciembre de 2025

El saxofonista y compositor valenciano publica un nuevo trabajo en solitario editado por Liquen Records.

 

El saxofonista, compositor y creador multidisciplinar Josep Lluís Galiana presenta su nuevo disco en solitario, Ballads for tenor saxophone, editado por el sello valenciano Liquen Records. El álbum propone un replanteamiento contemporáneo de la balada como forma musical universal, capaz de trascender épocas, estilos y fronteras culturales.

 

Ballads for tenor saxophone reúne dieciséis composiciones originales, interpretadas íntegramente por el propio Galiana al saxofón tenor, instrumento que a lo largo de los siglos XX y XXI ha liderado como ningún otro la capacidad de conectar con el oyente a través de la melodía, el fragmento, el silencio y una amplia gama de técnicas interpretativas.

 

De carácter pausado, meditativo e introspectivo, pero a la vez matérico y expresivo, el disco se mueve entre la desnudez sonora y la intensidad emocional. El sustrato jazzístico está presente como referencia esencial, pero convive con influencias de la música clásica contemporánea, la experimentación sonora, la electrónica y guiños a músicas del mundo, en una clara apuesta por la multiculturalidad y la libertad creativa.

En palabras del percusionista y compositor Jesús Gallardo, autor de las notas del disco, «Josep Lluís Galiana navega abriéndose paso a través de aguas sonoras muy diversas. Mundos sonoros lejanos confluyen en la balada como forma de expresar sentimientos y emociones, y de sacudir el alma mediante el sonido».

 

Este nuevo trabajo confirma a Galiana como un especialista en el formato solista, capaz de construir un discurso propio desde la intimidad del sonido, con una voz artística personal e inconfundible.

 

El disco ha sido grabado en Liquen Studios (Pedralba, Valencia) bajo la producción de Julio César Galiana, con postproducción de Juan Carlos Tomás (La Seta Azul), diseño gráfico de Cap i Cua (Alexis Moya) y fotografías de Mara Cortines. El proyecto ha contado con el apoyo del Institut Valencià de Cultura – Generalitat Valenciana.

 

Ballads for tenor saxophone está disponible en CD y en streaming en las principales plataformas digitales.

Sergio Cabanillas, Universos Paralelos, 12 de febrero de 2026

Publicado el

ENTARTETE IMPROVISATIONEN – Josep Lluís Galiana · Jesús Gallardo · Joan Gómez Alemany

Josep Lluís GALIANA, Jesús GALLARDO & Joan GÓMEZ ALEMANY: Entartete Improvisationen. València: LIQUEN RECORDS • DL: V-304-2024 • LRCD029: PVP: 18€

Gastos de envío incluidos para España / Shipping costs included for Spain; para el resto del mundo, consulte coste de envío / for the rest of the world, chek shipping cost; otros métodos de pago / other payment methods. Contacto / Contact: liquenrecords@liquenrecords.com

ENG_

ENTARTETE IMPROVISATIONEN is the conjunction of three artists coming from very different aesthetic currents of current musical creation. Three improvisers with long artistic careers and very influential in the current Spanish and European scene of free improvisation and musical experimentation. This is their first album as a trio and in it one can appreciate the unmistakable contemporary contours of a music that draws from avant-garde jazz, from the free improvisation of the European tradition and the most current contemporary composition, as well as from roots music and from Western and Eastern traditions.

CAST_

ENTARTETE IMPROVISATIONEN es la conjunción de tres artistas de muy diversas corrientes estéticas de la creación musical actual. Tres improvisadores con una larga trayectoria artística y muy influyentes en el panorama actual español y europeo de la improvisación libre y la experimentación musical. Este es su primer disco como trío y en él se pueden apreciar los inconfundibles contornos contemporáneos de una música que bebe del jazz de vanguardia, la improvisación libre de la tradición europea y la composición contemporánea más actual, así como de la música de raíz de Occidente y de tradiciones orientales.

CREDITS

All music by Josep Lluís Galiana, Jesús Gallardo & Joan Gómez Alemany

This music was recorded on Rockaway Studios (Castelló de la Plana, Spain) on August 31, 2023.

Josep Lluís Galiana (soprano, tenor & baritone saxophones)
Jesús Gallardo (percussion)
Joan Gómez Alemany (expanded piano)

Mixing by Joan Gómez Alemany
Recording and mastering by Raúl Artana at Rockaway Studios, Castelló de la Plana, Spain
Video: Juan Vicent (Lluerna creació)
Graphic design: Josep Lluís Galiana
Produced by Josep Lluís Galiana for Liquen Records

© and produced by Liquen Records, 2024

TRAKCLIST

01. ENTARTETE IMPROVISATIONEN I

02. ENTARTETE IMPROVISATIONEN XII

03. ENTARTETE IMPROVISATIONEN XV

04. ENTARTETE IMPROVISATIONEN III

05. ENTARTETE IMPROVISATIONEN IV (Klavier und Percussion Duo)

06. ENTARTETE IMPROVISATIONEN X

07. ENTARTETE IMPROVISATIONEN VIII (Percussion Solo)

08. ENTARTETE IMPROVISATIONEN XIII

09. ENTARTETE IMPROVISATIONEN IX (Sopransaxophon Solo)

10. ENTARTETE IMPROVISATIONEN XIV

11. ENTARTETE IMPROVISATIONEN II

12. ENTARTETE IMPROVISATIONEN VII (Klavier Solo)

13. ENTARTETE IMPROVISATIONEN XI

14. ENTARTETE IMPROVISATIONEN V (Saxophon und Klavier Duo)

15. ENTARTETE IMPROVISATIONEN XVII

16. ENTARTETE IMPROVISATIONEN XVI

Listen ENTARTETE IMPROVISATIONEN on most important digital platforms and on Liquen Records bandcamp

LIQUEN RECORDS bandcamp

NOTA DE PRENSA

Josep Lluís Galiana, Jesús Gallardo y Joan Gómez Alemany publican su primer disco a trío, “Entartete Improvisationen”, en Liquen Records

Los compositores e improvisadores Josep Lluís Galiana, Jesús Gallardo y Joan Gómez Alemany publican su primer disco como trío en el sello discográfico valenciano Liquen Records, “Entartete Improvisationen”. Se trata de un homenaje a todas las músicas que fueron tildadas de degeneradas y perseguidas por el gobierno de la Alemania Nazi en las décadas de 1930 y 1940, durante la etapa del III Reich. Es una reivindicación de una música libre, sin fronteras territoriales, ni límites estéticos y, mucho menos, sin censuras ni persecuciones ideológicas. Es la práctica de la improvisación libre, la toma de consciencia del sonido y del silencio, y de su azaroso fluir. 

Si bien el saxofonista Josep Lluís Galiana ha grabado tanto con el percusionista Jesús Gallardo —“Gallarnianas” (Liquen Records, 2021)— y con el pianista y compositor Joan Gómez Alemany —“Interaccions sonores” (Liquen Records, 2019) y recientemente “Llibertats sonores” (Liquen Records, 2023), junto al improvisador Avelino Saavedra—, “Entartete Improvisationen” es el primer disco a trío de estos tres artistas procedentes de muy diferentes corrientes estéticas de la música actual.

Galiana, Gallardo y Gómez Alemany son tres músicos con una larga trayectoria artística a sus espaldas y son muy influyentes en el actual panorama español y europeo de la improvisación libre y la música experimental. En su primer trabajo juntos se pueden apreciar los inconfundibles contornos contemporáneos de una música que bebe tanto del jazz de vanguardia como de la improvisación libre de marcada tradición europea y de la composición contemporánea, así como de la música de raíz tanto occidental como la procedente de tradiciones orientales.

Lanzamiento discográfico internacional en las más importantes plataformas digitales, en vídeo y edición física en CD

“Entartete Improvisationen” es fruto de una sesión de grabación en los Rockaway Studios, de Castelló de la Plana, celebrada el 31 de agosto de 2023, en la que Raúl Artana se ocupó de registrarla y de la posterior masterización. Con un lanzamiento internacional en las más importantes plataformas digitales y en el bandcamp de Liquen Records, este trabajo discográfico ha contado con la colaboración del artista visual Juan Vicent, quien ha realizado cuatro vídeos, captados durante la sesión de grabación. Asimismo, “Entartete Improvisationen” contará con una edición limitada en disco físico (CD), que saldrá a la venta durante el mes de febrero. 

JOSEP LLUÍS GALIANA

Saxofonista, improvisador, escritor, compositor, editor y productor discográfico, Josep Lluís Galiana es protagonista destacado en la escena internacional de la libre improvisación, la creación electroacústica, el avant-garde jazz, la investigación etnomusicológica y la divulgación de la cultura y las artes desde hace más de tres décadas. Es autor de numerosos libros, ensayos, poemarios y colaboraciones en revistas especializadas y periódicos, como los libros La libre improvisación musical: fuente inagotable de inteligencia emocional, Tiempo de reverberación. Una aproximación histórica a la música experimental valenciana…, los poemarios Haikus d’estiu y Sons compartits o el ensayo Improvisación Libre. El gran juego de la deriva sonora o Emociones sonoras. De la creación electroacústica, la improvisación libre, al arte sonoro…, entre otros.

Asimismo, cuenta con doscientas composiciones en catálogo y más de cincuenta discos publicados en diversos sellos, tanto en solitario como en colaboración con reputados artistas como Agustí Fernández, John Butcher, Wade Matthews, Josu de Solaun, Ramón López, Carlos D. Perales, Avelino Saavedra, Jesús Gallardo, El Pricto, José Manuel Berenguer, Miguel Molina, Sisco Aparici, Vicente Gómez, Ferran Besalduch, Ricardo Tejero, Íñigo Ibaibarriaga, Mike Cooper, Carlos Galán, Paloma Carrasco, Thomas Bjelkeborn, Gonzalo Biffarella, Bartolomé Ferrando, Luz Prado, Ángel Faraldo, Lucia Martínez, Alex Reviriego o Joan Gómez Alemany, entre otros muchos. Su obra se ha dado a conocer en importantes festivales internacionales de Portugal, Francia, Grecia, Italia, Polonia, Suecia, EE.UU., China, Brasil, Argentina, México, Cuba y España. En 2016, funda la editorial EdictOràlia Llibres i Publicacions y el sello discográfico Liquen Records, dedicado a las músicas improvisadas y experimentales.

En el campo de la docencia, ocupó la Cátedra de Orquesta y Coro del Conservatorio Superior de Música de Castelló (2002-2003), donde fundó su Big Band. También, ha sido profesor de Historia y Estética de la Música en el Conservatorio Profesional de València (2002) y en el Conservatorio Profesional de Cullera (2004-2005), además de impartir numerosos cursos, talleres y seminarios en torno a la improvisación y otras cuestiones musicológicas, artísticas y culturales en Argentina, Grecia, Suecia y España.

JESÚS GALLARDO

Baterista, percusionista, compositor, improvisador y educador. Es licenciado por el Conservatorio Superior de Música de Valencia CSMV en la especialidad de Jazz y director de La Escuela de Música Mondo Rítmic de Castellón, donde imparte talleres de batería.

Ha colaborado con un gran número de artistas, tales como IVAM Big Band, Andrés Belmonte y Jazz 7, Agustí Fernández, Wade Mathews, Kirk McDonald, Fabio Miano, Jesús Santandreu, David Pastor, Perico Sambeat, Josep Lluís Galiana y más. Miembro fundador del CIM.CS (Col.lectiu d´improvisació musical de Castelló).

Actualmente, lidera Yei Yi & Co, un cuarteto de jazz con el que ha publicado Aaah!!! Lemon Song s 2006, Otro Muro Sobre El Ladrillo Lemon Song s 2007, Vorte Er Ca Contraseña Records 2010, Mull Lemon Songs 2016, Aleatorio Lemon Song s 2019, A l´Espai Nivi Lemon Song s 2021 y Curry Sessions 2023

1er Premio en el CS 2009 JZZ organizado por la Universitat Jaume 1er de Castelló.

JOAN GÓMEZ ALEMANY

Joan Gómez Alemany (València, 1990) es compositor, artista visual y escritor. Comienza el Grado en Composición con Oliver Rappoport (Conservatori del Liceu) y lo finaliza con Clemens Gadenstätter (Kunst Universität Graz). Tiene un Máster en Composición (KUG) con Franck Bedrossian y un Máster en Ópera (KUG) con Gadenstätter. También es graduado en Piano y licenciado en Bellas Artes. Actualmente se encuentra realizando su tesis doctoral en la Universitat Politècnica de València. Por ahora su catálogo consta de más de 60 obras para orquesta, ópera, ensemble, electroacústica, etc.

Sus composiciones han sido encargadas o interpretadas en festivales como el Darmstädter Ferienkurse, impuls (Graz), ManiFeste-IRCAM (París), reMusik.org (San Petersburgo), Mixtur (Barcelona), Ensems (València), COMA (Madrid), Klang (Copenhague), Lens Dans Festival (Bruselas), MPArt Festival (Larisa,  Grecia), Mostra Sonora Sueca, Festival Contemporani d’Alacant, Àgora Actual Percussió, etc., e interpretadas por músicos o ensembles como Arditti, Nikel, Recherche, Multilatérale, Schallfeld, Adapter, Parcours, MCME, Delirium, Synergein Project, Grupo Cosmos 21, Container, Aer Duo, IEMA, Szene Instrumental, Alxarq Percussió, BCN216, Shifter y otros.

Su música también ha sido estrenada por orquestas como la SWR bajo la dirección de Gregor Mayrhofer y la JOGV bajo la dirección de Pablo Rus Broseta. En 2022 se estrenó su ópera de cámara (proyecto interdisciplinario) Glücklich, die wissen, dass hinter allen Sprachen das Unsägliche steht en la Ópera de Graz con el director Leonhard Garms. Publica sus partituras principalmente en la Universal Edition y por ahora su música está editada en 8 CDs para Liquen Records, Viajero Inmóvil Records e IBS Classical. Su música se ha escuchado en Alemania, Austria, Azerbaiyán, Bélgica, Dinamarca, España, Francia, Grecia, Israel, República Checa y Rusia, y emitida en las radios ORF, SWR, RNE, À Punt FM, Catalunya Ràdio y Radio Círculo de Bellas Artes.

Entartete Improvisationen en YouTube

DOSSIER DE PRENSA

ENTARTETE IMPROVISATIONEN

Paco Yáñez, Scherzo, abril 2024

Con una larguísima trayectoria como saxofonista e improvisador, que incluye más de treinta lanzamientos fonográficos, Josep Lluís Galiana se ha embarcado, con los también compositores e improvisadores Joan Gómez Alemany y Jesús Gallardo, en el que es su primer disco conjunto como trío, titulado Entartete Improvisationen en homenaje a las músicas calificadas como “degeneradas” en el periodo nazi, convirtiéndose este nuevo compacto del sello Liquen en lo que sus creadores dicen “reivindicación de una música libre, sin fronteras territoriales, ni límites estéticos y, mucho menos, sin censuras ni persecuciones ideológicas”, algo tan actual hoy en Europa.

Partiendo de este planteamiento, Josep Lluís Galiana, en los saxofones soprano, tenor y barítono; Joan Gómez Alemany, en el piano extendido; y Jesús Gallardo, en la percusión, registraron el 31 de agosto de 2023, en los Rockaway Studios de Castellón, una sesión conformada por dieciséis improvisaciones libres no dispuestas en este disco por estricto orden de creación, sino combinadas buscando una mayor musicalidad y contraste. Sólo se ha conservado el orden original para la primera y la decimosexta, conformándose el global por tres improvisaciones solistas, dos dúos con piano y once tríos.

Estamos ante un trabajo que profundiza en las inconfundibles señas de identidad de estos tres improvisadores, sirviendo de ágora estética en la que resuenan desde la avantgarde europea al free jazz estadounidense, pasando por ecos del flamenco y de la música árabe. Una de las novedades, aquí, es el trabajo como aglutinador armónico y fuente de inauditas sonoridades ruidistas realizado por Joan Gómez, que confiere al trío una radical modernidad y el inconformismo que suele caracterizar a su creación artística y musical. La grabación de Raúl Artana les hace plena justicia.

GALIANA, GALLARDO, ALEMANY – «ENTARTETE IMPROVISATIONEN» (LÍQUEN RECORDS LRCD029, 2024)

Antonio Martín, La muerte tenía un blog, 20 mayo 2024

Los rangos estilísticos de ENTARTETE IMPROVISATIONEN son tan amplios que difuminan por completo cualquier atisbo de encasillamiento en escuelas, estilos, atildamientos varios o clasificación académica. Cuando los vientos de Josep Lluís Galiana van zajando espacio (el aire es la carne del cosmos, y Galiana la corta como un bisturí) uno puede correr el riesgo de decir que esto es Impro pura y dura pero escasos segundos después, a la par que extremos tonos barítonos barren el polvo de vuestras casas la atención se me va a una percusión brutalmente versátil, sincopada, y con cierto regusto orientalizante que aunque esté inmersa en el exquisito caos sí que parece responder a patrones compositivos no sé si estudiados de antemano, pero posiblemente expuestos en consideración en ese telón de fondo pineal que tenemos en el frontispicio interno de la frente de nuestros entrecejos. 

Quizás me he dejado llevar por la pasión y os ruego me disculpéis. Estoy hablando de un fabuloso nuevo trío (Galiana, Gallardo, Alemany) que ha editado un yunque en forma de disco (grabación y mezcla por Raúl Artana en Rockaway Studios) a través de LÍQUEN RECORDS. He empezado la casa por el tejado ya que bien pensado, si ellos no han tenido compasión con el oyente, por qué voy a tenerla yo con el lector… es más, tampoco entiendo por qué las casas tienen que tener tejados.

Conforme avanza el disco los motivos percusivos se ven todavía más reforzados con la maestría de Joan Gómez Alemany y su piano expandido y aquí parad las máquinas un momento. La pregunta no es QUÉ porque sabemos de qué trata un ‘piano expandido’; la clave radica en ‘HASTA DÓNDE lo ha expandido’ a tenor de la apabullante glosolalia de motivos melódicos que van desde espectrales y agudos golpeteos de timbres Gamelan a atonales y dismórficos usos de corcheas a lo Cage. Por otro lado tenemos la fuerza a la batería de Jesús Gallardo, de una inventiva expansiva (algo así como baquetas de punta hueca como las balas) que nos hace olvidar la ausencia de un bajo. Pica, repica, recontrapica, taladra y emulsiona a placer mientras Galiana (me remito por ejemplo al epílogo de «Entartete Improvisationen I») se suelta un larguísimo ejercicio respiratorio en circular que quita el hipo.

Escuchado este primer corte una y otra vez, no consigo decidirme si ponerlo en ese post Coltraniano submundo ultra Free Jazz de Charles Gayle (lo primero que se me viene a la cabeza en cuanto a intensidad controlada) o en la escuela de improvisación de Jazz a la Británica de Evan Parker (intensidad de ‘control descontrolado’) pero sí que me doy cuenta de que quizás buscar un referente sea un craso error en el disco que hoy os presento. Es decir; si yo fuera un trazo de un lápiz en vez de un ser humano, no sería capaz de separar los términos Free, Avant, Contemporary y demás sino que preferiría hacerme el loco, no señalarme y ser por tanto tan recto y sutil como un encefalograma plano. ¿Cuál es la moraleja? que ENTARTETE IMPROVISATIONEN están curtidos y su música no tiene lo que se llama ‘solución de continuidad’ porque es fluida, coherente y bebe de todo y de nada a la vez.

El minimalismo de «Entartete Improvisationen XII» subyuga por sus ásperos tonos abstractos exigiendo al oyente toda su atención para separar piano de batería dentro de un microcosmos Drone asordinado con puntos en común con la tradición del Free a la británica (podéis recurrir a EMANEM del recién fallecido Martin Davidson y el bastísimo catáloco de la Spontaneous Music Ensemble). Esas cascadas de los saxos son Coltranianas a mi humilde entender y cuando emulsionan con la batería y los angulares tonos del piano (quizás Cecil Taylor es una referencia no en cuanto a estilo evidentemente, sino en cuanto a FUERZA VITAL) que a veces caen como plomiza lluvia que empapa todo el engranaje que usa Gallardo (por ejemplo en la ferretería que despliega en «Entartete Improvisationen III» o en el solo para percusión «Entartete Improvisationen VIII»). Que Galiana haya decidido moverse entre los diversos timbres posibles (soprano, tenor y barítono) refuerza y amplía la gama de tonalidades haciendo más atractivo navegar por un álbum que se va a los 80 minutos de duración. Aunque no me atreva a ponerlo a la ligera, fraseos obsesivos del saxo tenor remiten al Spiritual Jazz de Pharoah Sanders pero pasado por un filtro obsesivamente contemporáneo.

No hace falta decir que en las partes más duras se roza, se frota, se pulsa, tensa, destensa y asordina todo lo habido y por haber hasta el punto de que la confusión de lenguas de BABEL fue simplemente una anécdota sin importancia. «Entartete Improvisationen IV» es un cara a cara sin piedad entre batería y piano preparado con ausencia de vientos pero de algún modo recreando el submundo agreste de Cherry y Blackwell en MU o más acertadamente y gracias a los momentos más mistéricos de Alemany esas bellezas intransigentes con la melodía de los Helliocentric Worlds de la Sun Ra Arkestra. No todo en el disco corta y produce tetania; hay momentos para lo lírico en el piano y una excelsa batería Jazz Noir de Gallardo («Entartete Improvisationen X») sobre la que campean introspectivos saxos baladescos y Blues (el lento tempo casi litúrgico de «Entartete Improvisationen XIV»).

Exquisito Free Jazz de alta alcurnia con «Entartete Improvisationen XIII» en modo trío avasallador de inusitada ferocidad (insisto en el acierto de sustituir al bajo por un piano preparado) con cada instrumento conectado espiritualmente a los dos restantes para crear una molécula jazzística indivisible y de pesadísima masa molecular (permitidme la osadía de llamarla algo así como ENTARTETE MOLECULAREN). Los solos lejos de aburrir están perfectamente insertados en el tracklist y al anterior de Gallardo sigue un bellísimo solo al soprano de Galiana (un instrumento que me encanta) en «IX» o un fascinante despliegue de recursos de Alemany («VII») donde ocurre esa magia del sincretismo en la que lo que son cuerdas transmutan en teclados electrónicos y recursos de toda índole se quitan la máscara para transitar desde la electroacústica a momentos cercanos al Noise (cosa que se acentúa en un atonal dúo entre saxo y piano preparado («V»). 

Afortunadamente, tengo aquí al lado una gran cisterna de la que tiro y por la que se va todo el academicismo de rancio abolengo. Tras liberarme de mis cadenas dogmáticas, me propongo a abrazar con todo mi ser los 12 últimos minutos («XVII» y «XVI»); saxos que resuenan como paquidermos desbocados, gárgaras magmáticas que producen un miasma esputado y que hierve en el frío metal de Gallardo, que lo monta a punto de nieve. Alemany ha sido elegido protagonista en una nueva película de Cronemberg y los clavijeros, arpas, cuerdas y apagadores lo abrazan en un Bondage percusivo que ríase usted de los Cenobitas (nota mental: preguntar a los cenobitas por la Improvisación Libre).

No voy a añadir más. DISCAZO RECOMENDADÍSIMO para gente a la que guste de perder su esmalte dental rozando dientes.

Galiana/Gallardo/Alemany

Ken Waxman, New Jazz Word, January 13, 2025

Strangely absent when creative music is discussed, Spain includes a goodly number of free improvisers, but somehow misses exposure on the wider stage. It may be because in the post-Franco environment emphasis has been on education with many of the players with advanced degrees and/or involved in academe. Which brings us to this more than 79-minute, demonstration of how the players and academics dub Entartete Improvisationen or “degenerate improvisations” can sound.

The sardonic title can only be taken with a full saltshaker since the improvising on these 14-tracks is as genuine as that from any other improvising trio. The degenerates on this disc are all veterans, and in the case of València-based soprano, tenor and baritone saxophonist Josep Lluís Galiana, who has played with Wade Matthews and Ramón López among others, have recorded frequently. His debased associates here are Joan Gómez Alemany who elsewhere uses samples and electronics and here plays so-called expanded piano and percussionist Jesús Gallardo, who has worked with Agustí Fernández

Except for solo or duo tracks, the three players’ interaction involves thrusting extended techniques projections of from all the trio members. Gallardo is probably the most restrained. His strategy involves tough ruffs, rumbles, echoing rebounds and cymbal scratches with the occasional plastic bottle-like clanks, tambourine shudders and bell-tree shakes used to break up the interface. Moving among his three saxophones Galiana’s expositions and amplifications are more extended. Capable of creating a nasal oboe-like yelp or high-energy snorts, he connects with the others using thin, high-pitched flutters or basement-level resonating honks. Disassociated split tones, note stretching, tongue stops and slaps also intersect with the others, especially Alemany’s inner string strums or pumping keyboard chording. On a track like “Entartete Improvisationen XV” Galiana balances stopped-key pressure with affiliated spetrofluctuation.

However Alemany’s note bending and affiliations are the centre of many of the pieces however. Just as Galiana is able to dig deep inside his horns’ body tubes to source unexpected timbres, Alemany has both the outer piano keys to stop, clip and pattern and the inner strings to strum, twang and frail with suggestions of harp, dulcimer, and on “Entartete Improvisationen XII”, guitar. Additionally while his contributions include heavy pounding, percussive inner piano rumbles and clanks from both sides of the keyboard, lyricism is also featured. This is especially obvious on “Entartete Improvisationen XIV”. Expressing both relaxed keyboard tinkles and pedal point strength, the pianist draws out the narrative further with a melodic comping even drawing in  Galiana as he vibrates a single tone up and down.

Defined with different tempos, pitches, noises and note-bending, these degenerate improvisers’ program resolve around paying  close attention to sound variations without the necessity of a defined conclusion. It also confirms the skills of at least one set of Spanish improvisers.

JOSEP LLUÍS GALIANA

Entartete Improvisationen • Textures

Martí Farré, Revista 440_Enderrock, 28 de juny 2025

El prolífic improvisador valencià Josep Lluís Galiana ha publicat dos discos amb formacions diverses, però amb un seguit de trets en comú com són l’exploració tímbrica i climàtica, el viatge i la solidesa dels intèrprets com a creadors d’universos sonors tan efímers com embriagadors, als antípodes de la placidesa, o no. Al primer treball, Entartete Improvisationen, s’ajunta amb dos músics que, com ell, presenten una folgada trajectòria en diverses escoles experimentals. Presentat com un trajecte llarg, intens i per parts —setze talls numerats de manera, en aparença, desendreçada—, inclou des de fragments de fúria desbocada fins a altres d’exploració penetrant i expectant; contrastos climàtics, en sintonia amb el bo i millor de l’experimentació acústica i amb moments, també, de lluïment en format de duet —piano estès i percussió— i a solo —de saxo i percussió—. A banda del contrast entre unes peces i altres, cal destacar la seva extraordinària comenetració amb Jesús Gallardo i Joan Gómez Alemany, que per primer cop signen una obra a trio. Caldrà parar atenció a la continuïtat d’aquest grup, com a la del duet entre Josep Lluís Galiana i Amadeu Marín. En aquest cas, es tracta d’un encontre que fa honor al títol del disc; un joc de textures sorprenents, quasi màgiques, una mostra de ‘sons no visibles’, en paraules de Gómez Alemany a les notes del disc. Galiana i Marín estableixen un diàleg a partir de timbres sovint tna poc convencionals com complementaris. Un exemple paradigmàtic d’aquesta dinàmica es troba en peces com «Glazy Slide». A Textures hi ha vibracions llargues, com les de «Coarsely Earthy», que es contraposen a l’estira-i-arronsa de «Tactile Filigree» o «Sparsely Bouncy», i peces amb desenvolupaments tan interessants com «Granular Multilayer». Una gran entesa de Galiana amb els comanys de viatge.

No ensayes, practica

Miguel Ángel Pérez Martín, docenotas.com, 29/04/2024

Al parecer era esa la recomendación de Cecil Taylor cuando alguien le preguntaba por el arte de la improvisación

Es ya un estilo musical por derecho propio y lo suficiente alejado del jazz, del rock, de la música contemporánea, del noise…es «improvisación», composición instantánea lo denominaban los ingleses.

Si el lector frecuenta mis páginas y los discos que reseño verá que abogo por dar rienda suelta y valor a los músicos que se atreven con la improvisación sin red. Sin apenas un esquema.

Me parece un arte ciertamente difícil. Si yo leo una partitura y «ensayo» acabo montando ese tema, esa canción y no influye tanto mi pericia con el instrumento. Aquí sí, has de conocer hasta la extenuación lo que tienes “entre manos” aunque luego solo uses un bajo porcentaje de sus posibilidades.

Has de escuchar, has de apreciar musical y personalmente a tus compañeros, algo que no se da a veces en otros estilos musicales, aquí la empatía es fundamental como relata Josep Lluis Galiana en sus escritos.

¿Que nos ofrecen ahora estás tres luminarias de la improvisación española? De partida un disco con un sonido excepcional, se encerraron un día de agosto en un estudio, tocaron y después mezclaron y editaron, éxito de sonido casi asegurado.

El resultado: catorce secciones con un fluir sonoro e interplay excepcional.

Como siempre adelanto: la dimensión visual y gestual en esta música se diluye, pero se gana en concentración en la escucha y en limpieza de sonido frente al directo y sus impurezas, tan interesantes también en algunas ocasiones, no siempre.

La vertiente noise de la improvisación a veces es complicada de escuchar, precisa de mucho volumen, esta muestra está más cerca, por instrumentación, del free jazz y solo precisa de atención, tiempo y oído un tanto educado para estos sonidos.

Hay momentos hasta relajantes por ayudarte a mantener distancia con otras realidades.

Una escucha muy placentera e interesante, siempre.

Atrévanse a pedirlo y abran sus orejas a experiencias musicales no habituales.

El disco me parece inconmensurable, descomunal, riquísimo, lleno de sorpresas y acontecimientos sonoros. ¡Enhorabuena!
Lo he disfrutado muchísimo.
Carlos Galán
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josep lluís galiana · soprano saxophone solos

josep lluís galiana soprano saxophone solos. València: LIQUEN RECORDS. DL: V-171-2021 — LRCD017. PVP: 18€

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VAL_

La idea de fragmentació està present en els meus processos creatius, en la meua forma de percebre i pensar la quotidianitat des de fa molts anys. I només entenc la improvisació des de l’absència de intenció en tot allò que intente fer amb els sons, deixant que la intuïció agafe les regnes d’aquest deambular sense rumb. Fou Walter Benjamin qui va substituir la intenció —que mor per la veritat— pel fragment —aprofitat per la realitat. En qualssevol dels casos, parlem de la intuïció, sempre la intuïció, l’autèntic motor de l’acció artística.

Aquest nou treball discogràfic recull una selecció d’improvisacions al saxofon soprano. Com va succeir amb l’anterior disc Tenor Saxophone Solos (LRCD011) editat el 2018, Soprano Saxophone Solos és una mena de descàrrega sonora, un treure comptes amb mi mateix i amb el soprano. Company inseparable des de fa quasi tres dècades, el soprano és un instrument d’inabastables possibilitats tímbriques amb una impressionant gamma de colors i textures. Els seus ressorts sonors són inesgotables i en aquestes dèsset improvisacions cerque sense límits nous indrets tímbrics, aprofundisc en sonoritats i descobrisc paisatges sonors inèdits.

És un divertiment apassionant aventurar-se, arriscar-se i gaudir de la foscor i de la frescor que brinda el tub del soprano i poder extreure d’ell nous minerals sonors. M’agrada seguir de prop i explorar com evolucionen els objectes sonors, sempre de manera imprevisible, atzarosa, cap a les textures, formes i estructures més diverses. Amb el desig de que aquests fragments enregistrats en diverses sessions en la soledat dels Liquen Studios siguen del vostre gust.

ENG_

The idea of fragmentation is present in my creative processes, in my way of perceiving and thinking about everyday life for many years. And I only understand improvisation from the absence of intentions in everything I try to do with sounds, letting intuition take the reins of this wandering aimlessly. It was Walter Benjamin who replaced the intention — which dies for the truth — for the fragment — taken advantage of by reality. In either case, we are talking about intuition, always intuition, the real engine of artistic action.

This new album includes a selection of improvisations on the soprano saxophone. As with the previous Tenor Saxophone Solos album (LRCD011) released in 2018, Soprano Saxophone Solos is a way of sound download, a reckoning with me and the soprano. An inseparable companion for almost three decades, the soprano is an instrument with unattainable timbre possibilities with an impressive range of colors and textures. Its sound sources are inexhaustible and in these seventeen improvisations I search without limits for new timbre places, I delve deeper into sounds and discover unpublished soundscapes.

It’s exciting fun to venture out, take risks and enjoy the darkness and coolness that the soprano’s tube provided and be able to extract new minerals sounds from it. I like to follow closely and explore how sound objects evolve, always in an unpredictable and randomly way, towards the most diverse textures, shapes and structures. With the desire that these fragments recorded in several sessions in the solitude of Liquen Studios be to your liking.

CAS_

La idea de fragmentación está presente en mis procesos creativos, en mi forma de percibir y pensar lo cotidiano desde hace muchos años. Y sólo entiendo la improvisación desde la ausencia de intención en todo lo que intente hacer con los sonidos, dejando que la intuición coja las riendas de este deambular sin rumbo. Fue Walter Benjamin quien sustituyó la intención —que muere por la verdad— por el fragmento —aprovechado por la realidad—. En cualesquiera de los casos, estamos hablando de la intuición, siempre la intuición, el auténtico motor de la acción artística.

Este nuevo trabajo discográfico recoge una selección de improvisaciones al saxofón soprano. Como sucedió con el anterior disco Tenor Saxophone Solos (LRCD011) editado en 2018, Soprano Saxophone Solos es una especie de descarga sonora, un sacar cuentas conmigo mismo y con el instrumento. Compañero inseparable desde hace tres décadas, el soprano es un instrumento de inalcanzables posibilidades tímbricas y con una impresionante gama de colores y texturas. Sus resortes sonoros son inagotables y en estas diecisiete improvisaciones busco sin límites nuevos espacios tímbricos, profundizar en sonoridades y descubrir paisajes sonoros inéditos.

Es un divertimento apasionante aventurarse, arriesgarse y disfrutar de la oscuridad y de la frescura que brinda el tubo del soprano y poder extraer de él nuevos minerales sonoros. Me gusta seguir de cerca y explorar cómo evolucionan los objetos sonoros que salen a mi encuentro, siempre de una manera imprevisible, azarosa, hacia las texturas, formas y estructuras más diversas. Con el deseo de que estos fragmentos grabados en varias sesiones en la soledad de Liquen Studios sean de su gusto.

all music by josep lluís galiana
the recording was made on june 24, setember 21 and october 13, 2019, and february 29, march 2, july 26 and august 5, 2020 at liquen studios, pedralba, valència, spain
recorded by josep lluís galiana (soprano sax selmer serie III)
postproduction and mastered by jorge marredo rosa
produced by josep lluís galiana
cover photo by ramón santamaría ruiz
notes and poem written by josep lluís galiana
graphic design by j. chagall
© 2021 josep lluís galiana
© 2021 liquen records
D.L.: V-171-2021 • LRCD017

DOSSIER DE PRENSA

Entrevista al músic Josep Lluís Galiana

"La improvisació és la meua vida"

Josep Lluís Galiana és un referent del jazz valencià | Foto: Joan Gómez Alemany​

Pepa Úbeda, TORNAVEU, dilluns, 2 d’agost de 2021

Josep Lluís Galiana, músic i poeta, ve desenvolupant des de fa més de tres dècades una intensa activitat en l’escena europea de la lliure improvisació, la creació electroacústica, l’avant-garde jazz i la investigació musicològica. Els seus treballs musicals i literaris han estat presentats en importants festivals dels cinc continents. També és compositor, escriptor, editor i gestor cultural i ha format part de diversos ensembles instrumentals contemporanis, col·lectius de jazz i agrupacions de música popular valenciana.

Podries resumir-nos les teues produccions musicals dels darrers tres anys?

He publicat set discos sota el segell Liquen Records. Dos d’ells en solitari: Tenor Saxophone Solos (2018) —5è. millor Disc de Jazz del 2019 per la crítica catalana (Premis Enderrock)— i Soprano Saxophone Solos (2021), dos compromisos pendents des de fa temps.

No és fàcil enfrontar-se a aquests projectes a solo, perquè suposen un gran repte i un fort compromís amb u mateix i la seua poètica sonora. El 2019, vaig editar un recopilatori de la meua obra electroacústica —Electroacoustic Pieces (1999-2019) que recull 19 obres compostes i estrenades tot al llarg de les darreres dues dècades. També el 2019 vaig publicar un treball meravellós amb el jove compositor valencià Joan Gómez Alemany, Interaccions sonores, un treball col·laboratiu entre un compositor i un improvisador. El 2018, el grup Bregues de Moixos, integrat pel poeta sonor i performer Bartolomé Ferrando i l’artista i percussionista Avelino Saavedra, publicàrem el nostre primer disc com a formació estable. Un treball sorprenent on es conjuminen tres formes d’entendre l’art sonor i l’experimentació en música. Entre 2019 i 2020, he col·laborat en dues propostes multidisciplinars del pedagog i artista sonor valencià Adolf Murillo com ara La Paella Sònica (en DVD) i Traçsonology, que estat reconegut com un dels millors deu discos de música clàssica d’enguany per la crítica catalana (Grup Enderrock Edicions).

De què t’has sentit més satisfet?

De tot. Realment cada producció, cada procés és únic i particularment especial. És ben cert, que els treballs en solitari m’han donat molta satisfacció. Mostrar-me a mi mateix en aquest moment, de clara maduresa estètica i pel que fa al meu compromís amb la lliure improvisació i l’experimentació musical amb els meus instruments, els meus saxos, que m’acompanyen des de fa quatre dècades, ha estat tot un delit, amb moments molt emocionants, de recerca, d’introspecció i interiorització. Són treballs molt íntims.

Què ha significat aquesta pandèmia per als músics?

Una desconnexió radical amb els escenaris, amb el públic, amb la nostra manera de ser i de relacionar-nos amb el món.

I per a tu?

Els he pogut portar amb un cert optimisme i felicitat, perquè he aprofitat tot eixe temps de quedar-me a casa per poder compartir més coses amb la família i també per treballar més concentradament en altres projectes literaris.

El 2020, vaig publicar dos llibres sobre els meus escrits musicals i ara mateix he publicat un poemari —HAIKUS D’ESTIU— escrit durant el primer confinament durant la primavera del darrer any. També he pogut enllestir altres projectes editorials d’altres companys des d’EdictOràlia.

Com ha afectat a les vostres vendes?

S’han venut més llibres, perquè la gent ha dedicat més temps a la lectura. Els discos ja no tenen venda. És un àmbit absolutament digitalitzat, com passa amb el món audiovisual.

I què hi ha quant a la creativitat?

Tinc la percepció que la gent ha dedicat més temps a fer altres coses relacionades amb la creativitat. Conec a amics i companys que han recuperat la música, l’escriptura o les arts visuals. En general, pense que hem gestionat bé el temps de confinament i restriccions i ens hem programat l’activitat. L’esport i l’activitat física també ha estat important davant el tancament a casa durant llargues setmanes.

Has produït alguna cosa en aquest sentit?

He publicat tres llibres i uns quants més d’altres autors, i uns quants discos meus, amb altres i d’altres artistes sota el meu segell, Liquen Records.

Penses que hem entrat en un món diferent?

No. Som els mateixos i el món continua girant sobre el seu eix. Potser algunes pràctiques i conductes hagen variat pel confinament i els mesos de restriccions, però amb la tornada a l’esmentada nova “normalitat”, que no és sinó una tornada a la quotidianitat, estic convençut que tornarem a socialitzar com sempre i amb més ganes, a viatjar, a anar al teatre, al cinema, als concerts… a anar de botigues…

Parlem ara de la teua darrera producció: Soprano Saxophone Solos. Què és?

Una mena de descàrrega sonora, un treure comptes amb mi mateix i amb el soprano. Company inseparable des de fa quasi tres dècades, el saxo soprano és un instrument d’inabastables possibilitats tímbriques amb una impressionant gamma de colors i textures. Els seus ressorts sonors són inesgotables i en aquestes dèsset improvisacions cerque sense límits nous indrets tímbrics, aprofundisc en sonoritats i descobrisc paisatges sonors inèdits.

Per què et plantejares una sèrie de peces amb aquest instrument i en el mode “soprano”?

Fa tres anys vaig publicar un disc de solos de tenor i ara tocava un de soprano. Són els instruments que durant més anys m’acompanyen i amb els que treballe el so en tots els seus paràmetres.

Com et plantejares el projecte?

El projecte manifesta la idea de fragmentació, tan present en els meus processos creatius, en la meua forma de percebre i pensar la quotidianitat des de fa molts anys. I només entenc la improvisació des de l’absència d’ intenció en tot allò que intente fer amb els sons, deixant que la intuïció agafe les regnes d’aquest deambular sense rumb.

Des de la seua gènesi, hi ha hagut canvis?

No. La veritat és que tenia les coses prou clares des del principi i únicament he trigat un poc més en materialitzar el projecte per la selecció de peces. Partia de material suficient per editar un parell de discos i he hagut de fer selecció i això sempre és difícil i dolorós.

Ha quedat el que hi veies al començament?

Absolutament. M’agrada visualitzar les coses abans que ocorren i en aquest cas, ho havia vist clarament el que volia des dels inicis del projecte.

En quins aspectes t’has centrat en aquest darrer cd?

En la idea de fragmentació, però també en una clara radicalitat en els plantejaments sonors. Hi has alguns solos que sonen amb molta energia, certament agressius i descarnats, però és així com sona el meu soprano actualment.

Per què?

Sóc així i sone així en aquests moments, però, tal vegada, la situació de pandèmia, de tristesa i dolor, una certa ansietat perquè tot açò acabe prompte, ha influït en el meu so, en les meues idees musicals, en la meua radicalitat sonora.

Per què és per a tu tan important la improvisació?

Perquè és la meua vida. No sabria viure sense improvisar.

Com t’organitzes quan toques amb d’altres improvisadors?

Escolte el que passa, els escolte i em deixe dur pel so.

Quants temes hi inclous?

17 peces.

Jazz europeu, jazz nord-americà, algun altre jazz …?

No sabria classificar on em trobe. Millor ho deixe als que escolten aquest treball. Pense que faig música d’ací i ara. És a dir, totes les músiques i tots els sorolls que habiten el meu cap en aquest moment de la meua vida i trajectòria artística.

A què creus que és degut que no coneguem cap treball publicat a Espanya  de saxo soprano i molt pocs arreu del món?

No és el saxofon que més se toca i no és un instrument fàcil. Requereix molta atenció, perseverança i constància.

Què hi ha d’intuïció?

La intuïció és el motor de la vida i, per tant, de l’art.

Deia Walter Benjamin que la intuïció es aprofitada per la realitat, mentre que la intenció mor per la veritat. És un pensament impressionant, no en penses? Podríem entrar en el debat entre la veritat i la realitat, o anar més enllà, i com deia Luis Cernuda, entre la realitat i el desig. La intuïció ens manté pegats al terreny, a la realitat, a la percepció i sensorialitat. En definitiva, ens manté vius.

Per què has volgut treballar un àmbit poc conegut?

No és una elecció meua. És el so i la seua complexitat el que m’elegeix.

Quines sensacions té per a tu el tub del soprano?

Compare el saxo soprano a una mina de la qual poder extreure nous minerals, nous tresors sonors. M’agrada observar eixos nous minerals, eixos nous objectes que ixen del tub, com evolucionen de manera imprevisible, atzarosa i com ell es va organitzant en textures, troba nous colors i dibuixa noves línies, motius i figures musicals inèdites.

El saxofón como ágora sonora

Paco Yáñez, mundoclasico.com, lunes, 28 de junio de 2021

Continuamos nuestro recorrido por la proteica muestra que el compositor y saxofonista Josep Lluís Galiana (Valencia, 1961) nos ofrece, en Liquen Records, de sus trabajos para saxofón solo: una aventura de descubrimiento de la cual había sido un revelador ejemplo su disco Tenor Saxophone Solos (Liquen Records LRCD011), compacto reseñado en estas mismas páginas hace prácticamente un año, el 15 de junio de 2020, que nos sirvió para conocer entonces de primera mano no sólo las muchas técnicas y estilos que convergían en las piezas de Galiana, sino su concepto de la improvisación libre y de las posibilidades expresivas que ésta comportaba.

Se trataba, en todo caso, de una improvisación con unas bases extremadamente sólidas, plenamente injertada en las corrientes más sustantivas de lo que consideramos música de creación desde la segunda posguerra: ámbito que Josep Lluís Galiana conoce no sólo como músico, sino por su labor de reflexión como musicógrafo, de la cual les hemos dado cuenta a lo largo de estos últimos años a través de sus imponentes volúmenes de escritos musicales, en los que el saxofón tiene una presencia muy especial, bien sea recogiendo los conciertos programados o interpretados por el propio Galiana, bien como reflexiones de orden más teórico. 

Llegados a este, una vez más, pandémico 2021, Josep Lluís Galiana nos presenta en Liquen Records lo que podemos considerar continuación de aquel compacto dedicado al saxofón tenor, con este nuevo Soprano Saxophone Solos, un lanzamiento que el propio Galiana nos presenta en estos términos: 

  • La idea de fragmentación está presente en mis procesos creativos, en mi forma de percibir y pensar lo cotidiano desde hace muchos años. Y sólo entiendo la improvisación desde la ausencia de intención en todo lo que intente hacer con los sonidos, dejando que la intuición coja las riendas de este deambular sin rumbo. Fue Walter Benjamin quien sustituyó la intención -que muere por la verdad- por el fragmento -aprovechado por la realidad-. En cualesquiera de los casos, estamos hablando de la intuición, siempre la intuición, el auténtico motor de la acción artística.
  • Este nuevo trabajo discográfico recoge una selección de improvisaciones al saxofón soprano. Como sucedió con el anterior disco Tenor Saxophone Solos, editado en 2018, Soprano Saxophone Solos es una especie de descarga sonora, un sacar cuentas conmigo mismo y con el instrumento. Compañero inseparable desde hace tres décadas, el soprano es un instrumento de inalcanzables posibilidades tímbricas y con una impresionante gama de colores y texturas. Sus resortes sonoros son inagotables y en estas diecisiete improvisaciones busco sin límites nuevos espacios tímbricos, profundizar en sonoridades y descubrir paisajes sonoros inéditos. 
  • Es un divertimento apasionante aventurarse, arriesgarse y disfrutar de la oscuridad y de la frescura que brinda el tubo del soprano y poder extraer de él nuevos minerales sonoros. Me gusta seguir de cerca y explorar cómo evolucionan los objetos sonoros que salen a mi encuentro, siempre de una manera imprevisible, azarosa, hacia las texturas, formas y estructuras más diversas. Con el deseo de que estos fragmentos grabados en varias sesiones en la soledad de Liquen Studios sean de su gusto.

Esa idea de fragmentación es visible nada más tomar el compacto en nuestras manos y comprobar que son hasta diecisiete las piezas que en él Galiana ha incluido, aunque se trate de una serie, la de sus solos para soprano, mayor, pues el número más alto es aquí el vigesimocuarto de la serie. Tampoco ha optado el saxofonista valenciano por emplazarlos en el compacto siguiendo un orden de número creciente, sino por combinarlos de manera más musical y contrastante, lo que crea una auténtica composición en sí misma, con tensiones y distensiones continuas, así como con técnicas y estilos que reaparecen en distintos momentos jugando con nuestra memoria y con los elementos de heterogeneidad y cohesión dentro del propio ciclo. 

En conjunto, es ésta una serie muy prolija en técnicas, de una capacidad prodigiosa para estudiar los rincones más recónditos del instrumento, así como de un virtuosismo arrollador, ya sea en los aspectos más modernos y ruidistas, ya a la hora de concitar ecos de otras culturas y tiempos, entreverados con ese lenguaje actual de la más alta exigencia técnica. Es una complejidad que se evidencia nada más comenzar la escucha del disco, que se abre con Solo II, una pieza espasmódica, hipercompleja rítmicamente y de unas exigencias en cuanto a articulación poco habituales en el saxofón, a lo que se une una dificultad a la hora de desarrollar la respiración que lleva al intérprete a sus propios límites fisiológicos. Pieza, por tanto, extrema a todos los niveles (también, de endiablada embocadura), nos pone sobre aviso de que nos adentramos en un territorio (como diría Eugenio Trías) de límites, tanto en lo que a la exploración del instrumento se refiere, como a la tensión física a la que es sometido el propio músico. 

Siguiendo el orden del compacto, en segundo lugar escuchamos Solo VII, una pieza que nos conduce a otra sonoridad completamente distinta y que reaparecerá en muchos de estos solos: la de inspiración electroacústica, cual si en el saxofón se introdujese un transductor o algún artefacto que alterase electrónicamente su sonido, tal es la plétora de técnicas extendidas que desnaturalizan lo habitual en este instrumento, creando paisajes acústicos de una subyugante belleza. Mientras, Solo V nos conduce a un universo saturado, muy denso y abigarrado que, al tiempo, porta ecos de Giacinto Scelsi, con su exploración tan obsesiva del sonido y sus cualidades, a partir de materiales mínimos que se condensan o dilatan por medio de diferentes embocaduras, ataques y registros. Por su parte, Solo XII nos devuelve a lo más textural y a las evocaciones de la electrónica, con un sesudo trabajo de proyección de aire en distintos ángulos de ataque y velocidades. Ese incidir en diferentes formas de proyección crea auténticos haces de luz metálica, lo que refuerza esa imagen del saxofón como un proceso plástico que ya habíamos dejado entrever en el título de nuestra reseña del disco para saxofón tenor de Josep Lluís Galiana: Saxpainting.

Si en muchos casos, como antes apuntábamos, se producen fuertes contrastes entre los distintos solos, también hay transiciones más suaves o estilísticamente complementarias: tal es el caso del Solo X, que parece prolongar los espacios acústicos del anterior, si bien incorporando el atávico canto del Solo V, de forma, aún, más libre. La sonoridad se embebe, aquí, de un sonido mediterráneo nada extraño a Galiana, con dejes exóticos y hasta árabes: ágora intercultural que caracteriza a tantas de sus creaciones. En el paso al Solo VI sí tenemos un nuevo contraste bien acusado, con su sobreagudo saturado, expuesto por Josep Lluís Galiana cual grito crispado, conduciéndonos a unas frecuencias tan agudas en su saxofón soprano (modelo, por cierto, Selmer Serie III) que lindan lo inaudible. Se trata de un nuevo ejercicio abrumador de dominio del instrumento, tanto en la proyección de aire como en el control de los rangos dinámicos, llevando las tesituras del saxo soprano al límite: regiones sólo accesibles para un músico con un enorme dominio del instrumento, pues es tal la tensión y la delicadeza a las que somete al saxofón, que ir un pequeño paso más allá desbarataría y ensuciaría un sonido; un sonido, por el contrario, que aquí es de una pulcritud y de una luminosidad cegadoras, en el límite, como antes señalaba, de lo audible. 

Solo IV nos devuelve a un mundo tan querido por Josep Lluís Galiana como el del jazz, cuyos ecos son audibles en este cuarto solo, al modo de evocaciones agazapadas y crepusculares, que escuchamos tras una veladura de tiempo y que evolucionan de forma condensada hacia -de nuevo- cierto exotismo mediterráneo («exotismo», por supuesto, para quienes lo escuchamos desde otras latitudes). Una vez más, el paso al Solo I no supone un cambio estilístico brusco, sino un ejercicio de escucha mutua entre ambas piezas, pues esta primera entrega de la serie parece remedar el mundo árabe o sus infiltraciones en la música de la península ibérica, a través de las chirimías. Es éste un mundo antiguo que aquí grita, que se resiste a desaparecer: canto que tantas cosas habrían de entonar y compartir hoy en día, en un mundo progresivamente virtual, en el que la materia tan sensual de piezas como ésta es más que necesaria. Como Galiana nos ha mostrado en tantos de sus estudios, tras esa desaparición de muchos de los viejos materiales, sonidos y valores no hay más que nuevas formas de dominación y apropiación de modelos económicos y culturales hegemónicos. La audición de piezas como este Solo I se convierte, así, en todo un ejercicio de resistencia política y musical, en un canto a la diversidad del mundo y a sus culturas (hoy) periféricas (cuando otrora se bañaban en el mar sobre el que gravitaba lo más granado de la humanidad). 

Con Solo XXI nos adentramos, de nuevo, en un mundo scelsiano, marcado por una convulsión continua; algo que se adentra en el Solo XI y su estudio de una nota, por medio de sus fluctuaciones en cuanto a modos de ataque y armónicos. Estamos, otra vez más, ante un análisis de la interioridad del sonido y su capacidad para resplandecer, ante el Galiana más plástico. Es, por ello, que el contraste con el Solo XXII es total, pues este último está marcado por el ruidismo y las técnicas más rabiosamente extendidas, con mucho uso de aire sin tono y flatterzunge. De las cuencas del Mediterráneo pasamos, por tanto, a los centros de la avantgarde germánica, demostrando Josep Lluís Galiana un dominio realmente abrumador de diferentes técnicas, lenguajes y estilos; así como de su síntesis en este recorrido a través de los solos para saxofón soprano. 

Mientras, el Solo VII tiene algo del anterior, pues nos conduce al mundo de la saturación; si bien, ahora de forma más desgarrada, como si el sonido pugnara por salir de una cárcel, de un motivo que, cual fuerza de gravedad, lo atrapara e impeliera a volver sobre sí mismo, sin posibilidad de libertad ni desarrollo: como antes apuntaba, las claves políticas de una música en apariencia «pura» (como otrora se decía) son aquí tan poliédricas como polisémicas, y muy pertinentes para un tiempo de tanta supuesta libertad (siempre que no se nos exija el salto aterrador y abismático de abandonar el contacto ininterrumpido por medio de cualquiera de esas nuevas cárceles llamadas pantallas). El Solo XIV prosigue en esa línea de tensa saturación, desgarro y pulsión, mostrando otros sesgos, lecturas y perfiles del Solo VII, así como la gran capacidad de Galiana para jugar con motivos tan cercanos obteniendo una inagotable cantidad de nuevos e insospechados matices.

Tras haber transitado los saturados paisajes de las anteriores piezas, el Solo VI nos abisma a un trazo más largo y tendido, a la contemplación del sonido en la distancia, por medio del resplandor del multifónico y los armónicos, así como de las sombras que cromáticamente se van desgajando de las líneas principales. Es, por ello, que no se pueden obviar aquí las lecciones del Pierre Boulez de Dialogue de l’ombre double (1985), pieza originalmente escrita para clarinete que conoce versiones para saxofón y electrónica como las de Vincent David (æon AECD 0860). El sonido sinusoidal y ondulante de este Solo VI, sus improntas nuevamente electroacústicas, se ven abocadas, curiosamente, a un final que comporta un guiño melódico a través del cual Galiana rehúye cualquier cerrazón y encasillamiento estilístico, así como su enorme capacidad para sintetizar influencias y darle una altura artística personalizada. Es, por ello, que el paso al Solo XXIII vuelve a ser lógico y fluido, pues reincide en la exploración de esos sonidos en la distancia, si bien de forma más heterogénea, al adentrarse Galiana de nuevo en el trazo largo, pero con mayor motilidad y dispersión, volviendo a convocar ecos del jazz, así como su primordial desgarro: el canto de denuncia de otras latitudes también golpeadas por la historia, con su inherente virtuosismo e impronta de lo vocal en el instrumento, tan cargado de sensualidad.

Ya alcanzando el final de nuestro deambular por esta verdadera ágora del saxofón soprano que Josep Lluís Galiana nos ha regalado con su nuevo disco, escuchamos en el Solo XVIII un sonido metálico aún más extremo, de naturaleza cuasi electrónica, que muestra las tensiones más primordiales del sonido para brotar y evidenciarse, así como para tomar cuerpo y dibujar unos perfiles propios, una personalidad distinguible. Se trata de una pieza de unas calidades acústicas impactantes por su tensión y colores: un sonido que vuela sobre sí mismo descubriendo perfiles y texturas de forma continuamente renovada. De no saber que estamos escuchando un saxofón, por momentos sería complejo discernir de qué fuente instrumental se tratara.  

Aunque, como al principio de esta reseña señalamos, Josep Lluís Galiana rehúye un orden creciente para disponer sus solos en este compacto, sí ha querido terminar el mismo por su pieza de numeración más alta, el Solo XXIV, una improvisación de apenas dos minutos desarrollada cual festín arcaico, irracional, bailable y obsesivo. Una vez más, estamos en esa plaza ecoica sobre la que convergen las reverberaciones de diferentes tiempos y espacios: los del jazz transatlántico y los de las culturas mediterráneas, unidas sus voces en una danza irrefrenable, aunque su final sea ligeramente tímido, cual regresando el sonido a una interioridad desde la que se preparase para, sin duda, futuros solos y nuevas metamorfosis en los registros de una familia de saxofones (¿qué nos ofrecerá Josep Lluís Galiana con un instrumento tan atractivo como el barítono?) de cuyas bondades sin duda seremos partícipes en un futuro quizás no muy lejano.  

Las grabaciones de estos diecisiete solos fueron efectuadas a lo largo de los últimos dos años, a cargo del propio Josep Lluís Galiana, por lo que las tomas de sonido y su posterior edición reflejan minuciosamente su idea para cada una de estas piezas, siendo su presencia en nuestros equipos de música realmente consistente. Por lo que a la edición del compacto se refiere, ésta vuelve a ser en formato digipak, con unas breves notas en inglés, y la posibilidad de acceder a más detallados datos y textos a través de un código QR: opción que ya habíamos visto en más lanzamientos de Liquen Records y que ayuda a economizar las ediciones discográficas de los sellos más pequeños en estos tiempos tan complejos para la industria cultural, en general, y para la discográfica de música contemporánea, en particular.  Sea como fuere, no tengo ninguna duda de que el valiente sello valenciano seguirá poniendo todo de su parte para continuar mostrándonos aventuras y ágoras musicales en nuevos registros de la familia del saxofón. 

Este disco ha sido enviado para su recensión por Liquen Records 

JOSEP LLUÍS GALIANA - "SOPRANO SAXOPHONE SOLOS" (LIQUEN RECORDS LRCD017, 2021)

Antonio Martín, La muerte tenía un blog, martes, 4 de mayo de 2021

Antes de entrar en la paleta expresiva que supone Soprano Saxophone Solos de Josep Lluís Galiana os recomendaría pasaros por la reseña del anterior disco Tenor Saxophone Solos, y unidos ambos quizás seamos capaces de adentrarnos, machete en oreja, en esas inmensas junglas tribales sonoras formadas por el miasma acumulativo de saliva, bronce y sangre o lo que es lo mismo, y tal y como expresa fantásticamente el propio Josep, FRAGMENTOS e INTUICIÓN aliándose en impredecibles `soundscapes´ de luz, oscuridad… y a lo que yo añadiría REFLEJOS. Y no estoy hablando del reflejo del espejo sino de conceptos Junguianos como El Espejo y La Sombra. 

En la Teoría de El Espejo de Jung se proyecta hacia el exterior de forma inconsciente una parte nuestra que en determinado momento podemos hacer consciente y ser capaces de captarlo…  “Lo que no se hace consciente se manifiesta en nuestras vidas como destino” decía aquel. Luego tenemos La Sombra y el Arquetipo, ya imbuidos e inmersos en la totalidad del inconsciente. Pues bien, llevemos estos dos conceptos del Espejo y de la Sombra a la Improvisación libre y a ese diálogo íntimo de un músico experimentado con su instrumento. 

Entonces, solo entonces, nosotros que estamos fuera (oyentes) quizás seamos capaces de dilucidar algo de esa conversación ancestral (casi telepática) que nos provoca sensaciones (Proyección) a pesar de partir de la más profunda Sombra del artista. Claro que la cosa se complica si metemos dentro al Inconsciente Colectivo porque de buen seguro Josep Lluís Galiana, en este fabuloso Soprano Saxophone Solos, está tocando/estimulando una parte muy enterrada que todos compartimos y que es `puro nudo nervioso´, anclada en la noche de los tiempos, y que a veces sale a relucir en forma de olores, tonos, timbres o expresiones. Recuerdos del pasado que surgen en el presente en modo futuro. 

Entrando ya directamente en lo musical, me es imposible no establecer una conexión personal. Mis primeros acercamientos como oyente a ese particular sonido histriónico alto pero sinusoidal del soprano (no tengo ni la más remota idea de saxofones, pero da la impresión de que necesita el doble de capacidad pulmonar vital del intérprete) fueron con el My Favourite Things de John Coltrane, que por cierto a su vez resultaba la primera grabación de este con el soprano. Lo que sí sé por lecturas es que requiere de una enorme habilidad y control así que imagináos llevar sus letanías al campo de la Improvisación libre. Esa brutalífica manera de abordar Coltrane el estándard de Oscar Hammerstein II y Richard Rodgers es trance en estado puro. Puede durar un minuto y medio o dos Kali Yugas que nadie os quitará la sensación triposa de encontraros en un plano superior de la Realidad.

En varias sesiones que abarcan más de un año, Galiana se enfrenta a sus demonios en Liquen Studios y fruto de aquellas sesiones tenemos este maravilloso digipack que como siempre digo con este tipo de discos, son para momentos en que tengamos la receptividad a flor de piel (cuando mejor funcionan). 17 cortes de diversa duración conforman un todo de 50 minutos que se inicia con asordinadas y cortos fragmentos a penas atisbados de melodías. Desde un minimalismo abstracto casi Dadá, Galiana va haciendo cada vez más largos los fragmentos melódicos y permitiendo por tanto una mayor expresión completa del instrumento. Para decirlo de otra manera, el oyente tiene la sensación de ser un ente participativo y de completar mentalmente los patrones o puntos de anclaje que ofrece el artista. Si esto fuera una lámina de dibujar por puntos, nos habrían quitado algunos de ellos al azar pero sin alterar el resultado… cada uno va dando forma en su alambique mental al `todo´ propuesto.

Así, partes altísimas dialogan con esa calidez tan típica de un soprano en ebullición achicharrado mediante ráfagas cortas cercamas en sonido a dedos pulsando cuerdas de guitarra (impresionante el final del primer corte o «Solo II» / «Solo V»). Alucinante como se lleva a límites tan altos un flujo que casi parece transcurrir por el espectro bajo del instrumento; dicho de otra manera, como si un barítono se transformara en saxo alto. Un motivo melódico ya marcado con mucho espíritu Coltraniano (espiritual, evocador y flotante), y que en mayor o menor medida acaba repitiéndose en varios puntos del álbum, punto a favor en este tipo de trabajos… y es que Galiana tiene la virtud de convertir sus discos en solitario (o duetos) en algo atractivo al oído merced a un buen equilibrio entre esa aspereza imposible de la técnica (minuto 3 del «Solo X» en un ejercicio circular al más puro estilo Evan Parker o la altísima entrada agónica de «Solo IX», visceralmente broncíneo y casi industrial con atisbos de sus Electroacoustic Pieces) y el jugueteo alucinante que bordea la saeta en «Solo IV». De aquí al final prácticamente de todo, incluso un vibrátil mantra (¿de verdad no está cantando OM con el saxo?) en «Solo XI» por ejemplo o las sincopadas cerbatanas rumiantes de «Solo XXII».

Cuando llegues a estas líneas, Galiana se habrá sublimado en Sombra y habitará en tu inonsciente. Sus melodías al Soprano, magistralmente fragmentadas, se completarán al Otro lado del espejo con Tu Reflejo y dudarás si eres un producto de la intención, una intuición, o un experimento más de la Fuente de lo Sagrado cuyos caños riegan (en el caso de Galiana anegan) lo artístico. A un pasito de la locura pero siempre, siempre catártico Josep.

Publicado por CORONEL MORTIMER en martes, mayo 04, 2021 

Minería sonora

Miguel Ángel Pérez Martín – docenotas.com – 26/04/2021

Minería sonora es un concepto que me ha gustado mucho para esta idea de la improvisación fuera de los cauces estrictos de estilos como el jazz o la música contemporánea.

Josep Lluís Galiana se sitúa fuera de estos dos paradigmas musicales y con su máquina extractiva busca nuevos materiales, nuevos minerales sonoros que se combinen con los tradicionales, pero que expandan el poder de las aleaciones del saxo soprano, líneas sonoras más quebradas y discontinuas, y en otras ocasiones con acercamientos a la voz humana, la cacofonía animal, la percusión que permite el propio instrumento y sus zapatas o el paso del aire por el instrumento alterando las posibilidades tímbricas del mismo con la ayuda de la cavidad bucal.

Lamentos, llamadas, silencios, gritos y susurros. Sonido instrumental ampliado a un nivel cercano a la idea futurista de sonido saturado de armónicos.

Excepcionales interpretaciones, pero a la vez alejadas del virtuosismo del “más difícil todavía” que a veces encontramos en este tipo de proyectos dirigidos a un nicho hasta ahora minoritario de la música actual, virtuosismo con causa, como me gusta decir.

Diecisiete temas, diecisiete solos que nos llevan a esos pozos de mineral sonoro con el que se construye una orfebrería musical de máxima calidad.

Esa impresión ya la tuve con Tenor Saxophone Solos, también en Liquen Records, ahora da un paso adelante en complejidad y variedad sonora con un instrumento que a un servidor se le antoja más complicado que el saxo tenor. Encomiable esfuerzo.

No lo duden: liquenrecords.com y a disfrutar.

Fotos de Joan Gómez Alemany

Presentación del disco Soprano Saxophone Solos de Josep Lluís Galiana

Transcribimos en esta sección, dedicada a las publicaciones más o menos recientes, la presentación de este CD del improvisador y saxofonista Josep Lluís Galiana, que tuvo lugar en Valencia el pasado octubre.

Joan Gómez Alemany, Sul Ponticello, 1 de diciembre de 2021

Buenas tardes a todas y todos1.

Hace unas semanas Josep Lluís Galiana me pidió que le presentara su último disco. Como él seguidamente nos hará disfrutar con sus improvisaciones, para contrastar y como el que yo domino es la composición, pensé en «componer» y leer un texto, como si fuera una partitura. Sin embargo, Josep Lluís muy bien sabe, que también alguna vez he improvisado y me gusta mucho esta forma de hacer y escuchar la música. Crearemos así un fructífero diálogo entre ambas modalidades musicales. No nos olvidemos, que también Galiana no sólo es improvisador, sino también cuenta con varias composiciones, partituras gráficas y obra electrocústica. Además, añadiendo su prolífica carrera como escritor, editor, productor y un largo etc. Justamente el CD que presentamos hoy en Octubre2 es una muy buena muestra de la interdisciplinar y polifacética visión que tiene Josep Lluís de su trabajo cotidiano. Este CD manifiesta su incansable capacidad de trabajo y profundidad en todos los niveles. No sólo es él el creador e intérprete de su música, sino también quien la graba en su estudio, la edita y produce. Pero también quien la hace acompañar de un interesante texto propio, explicando el CD. Además de incluir en su interior un poema propio muy musical y fragmentado, escrito para la ocasión. Esto no quiere decir que Josep Lluís Galiana no cuenta con amigos y colaboradores, que podrían encargarse de estas tareas. Rápidamente se desmiente esta idea observando los más de 50 CDs que ha grabado a lo largo de más dos décadas con numerosos e importantes artistas. Pero, Soprano Saxophone Solos3 es un CD integral, solitario y completo. Desde este planteamiento, Galiana puede trabajar todos los aspectos de la producción, aportándole un nivel de conciencia y conocimiento impresionantes. Podemos decir que intenta alcanzar la completa libertad y autogestión, que la división y la alienación del trabajo niegan.

Josep Lluís Galiana junto a Joan Gómez Alemany, quien lee el presente artículo que usted está leyendo ahora mismo

Debemos destacar también que nos encontramos ante el primer álbum solitario para saxofón soprano que se ha editado en España. Lo que nos demuestra la originalidad y tendencia pionera de Galiana. Uno de sus referentes internacionales y CD que tiene conexiones con Soprano Saxophone Solos es el disco Monoceros, del británico Evan Parker. Pero si coinciden en la modalidad instrumental, por otro lado encontramos marcadas diferencias. El primer CD está compuesto únicamente por 4 piezas que suman 40’21», siendo la duración de la pieza más larga 21’43» y la más corta 4’11». Galiana utiliza una estrategia muy diferente. Su CD contiene 17 piezas, con un total de 49’56», siendo la pieza más larga de 6’00» y la más corta de 1’15». Que nos explique él mismo su peculiar visión. Citemos ahora un párrafo de las notas que acompañan el disco: La idea de fragmentación está presente en mis procesos creativos, en mi forma de percibir y pensar lo cotidiano desde hace muchos años. Y sólo entiendo la improvisación desde la ausencia de intención en todo lo que intento hacer con los sonidos, dejando que la intuición coja las riendas de este deambular sin rumbo. Fue Walter Benjamin quien sustituyó la intención -que muere por la verdad- por el fragmento -aprovechado por la realidad. En cualquiera de los casos, hablamos de la intuición, siempre la intuición, el auténtico motor de la acción artística.

En el Hall del Octubre Centre de Cultura Contemporània (OCCC) durante la presentación-concierto el 16-10-21

Y nosotros añadimos ahora: una intuición que desarticula las ideas preconcebidas. El saxofón de Galiana no tiene prejuicios, él crea en el instante, analiza los sonidos, eligiendo unos, rechazando otras. Siempre eligiendo el sonido más progresivo y más interesante, re-creándolo en nuevos contextos, arriesgados, frágiles, peligrosos, pero es este sonido lo que despierta nuestras ideas más loables. Ninguna complicidad, ninguna cesión, ninguna fácil y vulgar sensualidad. Un arte exigente que rechaza el hedonismo complaciente, dictado por la música publicitaria y del imperialismo pop. Porque en las manos y la mente de Josep Lluís Galiana, la música no sólo es música, se emoción sonora, reflexión, política. A diferencia de Parker, Galiana pertenece a una generación posterior, que tiene una tendencia más fuerte a mezclar y practicar simultáneamente muchos materiales y técnicas, sin encerrarse en una unitaria estética. Esto también se relaciona con su ya mencionada polifacética carrera, cruzando varias disciplinas para potenciar numerosas y originales posibilidades.

El saxofón, un reciente instrumento creado en la mitad del siglo XIX, asociado a las bandas y fuertemente conectado con las músicas comerciales y populares, en las manos de Galiana abra su espectro al infinito, potenciando los sonidos libres. La improvisación libre que Josep Lluís practica militantemente desde hace décadas nos despierta y nos permite hacer crítica y autocrítica de nuestra realidad conformista y tradicional. Además, el saxofón soprano, con su potencia de llegar a sonidos ultra agudos, nos reta a encontrar y disfrutar de los límites más extremos. Incluso llegando al dolor poético de nuestras posibilidades de audición, que dialécticamente, es un dolor que produce placer. Nuestro tímpano se siente consciente cuando choca con su imposibilidad de superarse. Estos sonidos agudos, que Galiana utilizará y caracterizan de manera particular el saxofón soprano, podemos asimilarlos a la estilización de un grito melódico. Tal vez es similar a una peligrosa alerta de guerra, que simultáneamente nos llena de una extática energía, obviamente hablando dentro de la metáfora artística. Sólo una música que rompe con las convenciones, como la libre improvisación, puede imbuirnos de pensamientos profundos y existenciales. La música de la convención sólo puede remitirnos a pensamientos mediocres. La poesía sonora de Josep Lluís Galiana no claudica, y aunque arriesgándose, no tiene miedo al error, ni a la imperfección y los supera para viajar más allá.

Junto a Galiana, Jorge Marredo Rosa masterizador de Soprano Saxophone Solos hablando sobre su experiencia al masterizar este CD

Soprano Saxophone Solos se inspira en las raíces del jazz, pero las transforma en una evolución irreconocible y sintetiza con todo su ancho bagaje musical y sonoro, músicas populares y músicas clásicas contemporáneas, a partes iguales. Además está todo presidido por un fuerte componente experimental y fundamentado en la creación electroacústica. Es un CD radical al utilizar un solo instrumento, sin acompañamiento. No un jazz fácil ni sencillo, que la letra y la melodía hacen todo el trabajo. Por el contrario, nos encontramos con un jazz progresivo, rompedor y original.

La vanguardia es el espíritu que nos reta a reinventarnos y no caer en conformismos reaccionarios. Pero si por su radicalidad, parece creada para una minoría intelectual, esta idea demuestra la falsa conciencia de quienes la proclaman. Las ideas más revolucionarias y complejas, son patrimonio de toda la humanidad. Es para ella esta música y la cultura que defiende. Para aquellos que estén dispuestos a romper las expectativas ordinarias, aquellos que quieran hacer un pulso retando el esfuerzo, aquellos que quieren disfrutar de las nuevas experiencias y progresar permanentemente. No se necesitan conocimientos previos ni bagaje académico. Sólo querer vivir con la mente siempre abierta, al acecho de todo lo que nos despierta la curiosidad y nos hace pensar y repensar nuestra contemporaneidad. La música de vanguardia es la metáfora del ser humano siempre en evolución y destruyendo la esclerosis de un pasado fosilizado. ¿No es ésta una actitud universal, que cualquier persona puede practicar? Lo único que se le exige al oyente es ser una persona comprometida, no importa si tiene formación o no la tiene. Y en su defensa, aún mejor podemos preguntarnos ¿No es el reconocimiento de nuestra ignorancia, enfrentarnos a una situación desconocida, el principio del conocimiento, el principio de querer seguir aprendiendo? Sólo una mente estereotipada pretende conocer la música, una mente dominada por las ideas más rancias, con unos oídos llenas de prótesis, totalmente desgastadas por la monotonía de la convención; cuando lo que escuchan estos oyentes realmente es una música muerta, una mercancía o el producto de una cultura en decadencia.

La música viva, la música del presente, la música que no se deja atrapar, ni dominar, esa es la música de Josep Lluís Galiana. Una música libre, que incluso no cede a la eternidad de la escritura. Porque la improvisación nos hace pensar la caducidad de todo lo existente. Esta es realmente la única eterna verdad. Por todo esto, ya ha llegado el momento y el fugaz instante en que Josep Lluís nos haga disfrutar y reflexionar con su poesía sonora.

La presentación-concierto se puede ver y escuchar de forma completa en este enlace. Más información sobre el CD en Liquen Records.

Notas

  1. ^ La presentación original se realizó en valenciano, aquí se presenta el texto traducido al castellano.
  2. ^ https://octubre.cat/activitat/concert-presentacio-del-disc-soprano-saxophone-solos-de-josep-lluis-galiana/
  3. ^ Disco completo para escuchar de forma gratuita: https://www.youtube.com/watch?v=CFrohL1c73E&list=OLAK5uy_m8fkOW3brSx7yiS8ysEOvCL-8fqkIdDPE&index=1

Reseña | Soprano Saxophone Solos

Antoine Flores Gracia, melomanodigital.com, 27/12/2021

Cuando pensamos en el saxofón soprano, generalmente imaginamos un instrumento melódico: ya sea dentro del cuarteto de saxofones, en una obra solo o en otra formación musical. Ahora bien, en este nuevo disco que nos presenta Josep Lluís Galiana, titulado Soprano Saxophone Solos, nos vamos a encontrar algo completamente fuera de lo común y muy diferente de lo que se suele esperar de este instrumento.

Este trabajo discográfico está compuesto por diecisiete improvisaciones al saxofón soprano solo en las que Josep Lluís Galiana, autor de las mismas, busca sin límites nuevos espacios tímbricos. La improvisación es uno de los recursos más utilizados para descubrir e inventar nuevas sonoridades con el instrumento. En este caso, el autor explora una infinidad de recursos tímbricos, dinámicos y conceptuales destacando, en particular, el uso de sonidos multifónicos presentes de una manera u otra en cada uno de los solos. Resalta, a la vez, la flexibilidad y la maleabilidad del saxofón soprano: en ocasiones nos parece estar escuchando otro instrumento musical (al inicio del Solo XVIII parece que esté sonando una armónica).

Aunque el disco carece de variedad al tratarse únicamente de solos e improvisaciones, Josep Lluís se mantiene fiel al hilo conductor que presenta, mostrando una especie de continuación de su anterior álbum Tenor Saxophone Solos, publicado en 2018. En palabras del autor, ‘la idea de fragmentación está presente en mis procesos creativos, en mi forma de percibir y pensar lo cotidiano desde hace muchos años’. Por este motivo, y al tratarse exclusivamente de improvisaciones, cada uno de los solos reflejan la pura esencia de la expresión más profunda y auténtica de Josep Lluís Galiana en el momento de la grabación.

Sin duda alguna, este álbum inédito es una oportunidad para experimentar nuevas sensaciones sonoras que el oído humano no está acostumbrado a percibir.

Publicado el

Josep Lluis Galiana: tenor saxophone solos en docenotas.com

Edita: Liquen Records, Valencia, España. 2018

Miguel Ángel Pérez Martín – 19/12/2018 – docenotas.com

Al parecer el gran maestro de la improvisación en el freejazz, Cecil Taylor, tenía una gran recomendación para los músicos: no ensayes, ¡practica!. Practicar supone coger el instrumento y hacerle sonar…para reproducir algo “compuesto” o para hacer una “composición instantánea”. A veces de estas últimas surge un gran concepto musical a desarrollar, o una canción…los arcanos musicales son así.

Ya he dicho en estas páginas en otras ocasiones que improvisación NO es siempre Jazz o música contemporánea, hay estaciones intermedias. Se improvisa en el rock y en el folk también. Incluso puede haber sonidos inclasificables en un estilo si se mezcla la electrónica. Es el caso de Josep Lluís Galiana, a caballo entre el jazz (del que toma sonoridad y fraseados principales) pero amplía sus ideas hacia la vertiente “contemporánea”, dando a los desarrollos una cierta aleatoriedad, serialismo, eliminando aristas excesivamente dramáticas y centrándose en fraseados muy rítmicos y a veces muy cálidos donde el virtuosismo aparece, pero no se impone.

Tras varias escuchas de esta obra se me ocurre una especie de paseo por otras referencias creativas —plásticas por ejemplo— con las que podía interactuar su interpretación. La veo más cercana a la sala de exposiciones o al acompañamiento de poemas o textos literarios que a la mera contemplación en una sala de conciertos, donde seguro que también funciona.

Podría ser una especie de “suite” sonora para saxofón, pero Josep Lluís Galiana prefiere darle una visión tradicional, de tema tras tema, cada uno funciona por su cuenta y se centra en diferentes formas expresivas. Desde las más centradas en la ruptura del fraseado, muy picado y quebrado a las más jazzys basadas en glisandos…, algunas combinan las dos, como Fragment. En otras ocasiones acercando el saxofón al sonido de un instrumento de percusión más que melódico, o el más mainstrean en Rhythm & Funk.

Imagino que una dificultad añadida es dar título a las composiciones sin acudir a la denominación de Anthony Braxton, “composition 456” por ejemplo.

Acompañar el sonido con la imagen del intérprete —o sea, escuchar esta música en directo— es más que conveniente, suele tener una componente espectacular de movimiento más que importante.

Amantes de la improvisación: no abstenerse.

Pedido a www.liquenrecords.com

Publicado el

JOSEP LLUÍS GALIANA. Tenor Saxophone Solos

Josep Lluís Galiana: Tenor Saxophone Solos. València: LIQUEN RECORDS. DL: V-2740-2018 — LRCD011. PVP: 18€

5è Millor Disc de Jaç als Premis Enderrock 2019 de la Crítica

Gastos de envío incluidos para España / Shipping costs included for Spain; para el resto del mundo, consulte coste de envío / for the rest of the world, chek shipping cost; otros métodos de pago / other payment methods. Contacto / Contact: liquenrecords@liquenrecords.com

Josep Lluís Galiana, spanish saxophonist, improviser and writer, publishes his first solo album in LIQUEN RECORDS.

TENOR SAXOPHONE SOLOS is a selection of improvisations recorded on March 19th, October 1st and November 19th, 2017 and May 30th, 2018 at Liquen Studios, Pedralba, València, Spain.

Recorded and mixed by Josep Lluís Galiana and mastered by Enrique Soriano (CROSSFADE). Produced by Josep Lluís Galiana, who plays Tenor Saxophone Buffet Crampon S1.

Graphic design by J. Chagall. Cover photo by Roberto Domínguez and Inside photo by Mara B. Stones. Text by Joan Gómez Alemany and translated to English by Juan José Palomar.

No borders of any kind

The creation of a solo album like “Tenor Saxophone Solos” is not only a proposal of a great bravery. It’s something else. The listener can also feel not only a great control of the instrument, but the sensation of hearing someone who has played with many people. This interaction with other musicians, as present in Chamber Music, is much more important and difficult in free improvised music than in music already written and therefore ruled in advance.

Let’s think about musicians like Bach, one of the greatest musical improvisers of all time. Even with the obvious absence of any records of their performances, these improvisations are well known after what has been written about them and, much more significant, what has been reflected in their pieces. They show us that the synergy between a great instrumental technique and an immense knowledge of the instrument lets the musician to create a music that, even if made with a monodic instrument (in Bach’s pieces for solo cello, violin or flute, for instance), can offer to us a very rich and interesting texture, as in Chamber Music. Several lines sounding simultaneously, which create  the sonic illusion of listening to more than one person at once.

Josep Lluís Galiana achieves this in “Tenor Saxophone Solos”, his first solo album. His music knows no borders of any kind. Galiana’s rich musical expression combines disparate aesthetics without persisting in a limited orthodox thinking. He keeps a constant interest of listeners by a continuous updating of their expectations. This demonstrates a great technique and an intense control of sonorous materials, with an infinite palette that includes almost all: from the noisiest and amorphous sounds to a great formal complexity. Fragments interacting with different sonic materials (that shameless tonguing!) mixed with melodious and concrete tones.

This enormous variety and some other interesting characteristics make this record a noble and audacious project. Worthy of being heard, without any doubt!

Joan Gómez Alemany

TRACKLIST

    1. City Life
    2. Sequenza I per sassofono tenore
    3. Fantaisie par quartier
    4. Fragment…
    5. …With Variations
    6. Seat 13
    7. Lost In Piccadilly
    8. Rhythm & Funk
    9. Julia (How To Improvise What I Want To Say You)

PRESS

Saxpainting, o la improvisación positiva

Paco Yáñez, mundoclasico.com, lunes, 15 de junio de 2020

«La improvisación ha sido desde hace muchos siglos la manifestación más importante de la música. Eso si no tenemos en cuenta las manifestaciones musicales primitivas, las cuales eran de transmisión oral, pues aún no existía la notación. Es a partir de principios del siglo XX cuando la improvisación pierde su ancestral protagonismo. La evolución técnica de los instrumentos, la complejidad de las estructuras musicales y sus métodos compositivos y el afán de los compositores por plasmar mediante una notación musical cada vez más sofisticada y estricta sus ideas musicales han sido las razones de este paulatino abandono de la práctica improvisatoria por parte de los músicos clásicos occidentales.»

«No obstante, y desde hace unas cuatro décadas, muchos compositores e intérpretes de música contemporánea y sobre todo músicos procedentes del jazz y del rock progresivo han recuperado esta práctica de la libre y espontánea expresión sonora. Bien desde estéticas diferentes como la aleatoriedad, indeterminación, minimalismo, neolirismo, sonido ambiente, ruidismo, neotonalismo, mimetismo o las músicas étnicas, bien desde géneros musicales tan diversos como el jazz, el rock, el pop, la creación electroacústica, la performance sonora, el teatro musical, la vídeo instalación (multimedia), o la live electronics, la improvisación ha recobrado su vida sonora dentro de la música occidental».

Con estas palabras, extraídas de un artículo de Josep Lluís Galiana (Valencia, 1961) publicado por el diario Levante-EMV el 9 de julio de 2009, el propio compositor y saxofonista valenciano, en su faceta de musicógrafo, nos ponía hace más de diez años en antecedentes de la importancia que en su creación musical tiene la improvisación: práctica por medio de la cual nos hemos adentrado en su catálogo de obras a lo largo de las últimas semanas, con excelentes ejemplos como sus lanzamientos en el sello Liquen Records de Interaccions sonores (2019) —allí, de la mano del joven compositor valenciano Joan Gómez Alemany en la electrónica—, así como de las piezas electroacústicas compuestas por Josep Lluís Galiana entre los años 1999 y 2019: obras en las que el saxofón (instrumento habitual de Galiana) tenía una fuerte presencia, ahondando en esa hibridación de lo acústico y lo electrónico que es una de las señas de identidad del músico valenciano, así como uno de sus temas de reflexión privilegiados, como daremos a conocer a nuestros lectores este mismo mes, en la reseña del libro Emociones sonoras. De la creación electroacústica, la improvisación libre, el arte sonoro y otras músicas experimentales (2020), volumen publicado por EdictOràlia: otro de los muchos proyectos de un Josep Lluís Galiana que a lo largo de las últimas décadas ha sido, como compositor, interprete, programador, editor y escritor, una de las más lúcidas y críticas miradas a la realidad artístico-musical de la Valencia de finales del siglo XX y principios del XXI. 

Mientras esperamos a la reseña de Emociones sonoras, en nuestra tercera visita al catálogo de la discográfica valenciana Liquen Records nos encontramos hoy con el primer álbum de solos publicado por Josep Lluís Galiana; un compacto que, como no podía ser de otro modo, tiene al saxofón como instrumento protagonista; en este caso, un saxofón tenor Buffet Crampon S1 de una sonoridad muy bella, bien timbrada y compacta, del que Galiana extrae una cantidad de colores y matices dignos de mención, contribuyendo a que este compacto —titulado Tenor Saxophone Solos— nos vuelva a recordar al citado artículo que encabeza esta reseña, pues en él Galiana se refería, asimismo, a la conocida como «Soundpainting», técnica del músico y educador norteamericano Walter Thompson que Josep Lluís Galiana asimilaba al trabajo de compositores como La Monte Young, John Zorn, o Agustí Fernández, para facilitar «la libre expresión sonora colectiva y su modelaje». Las nueve piezas reunidas en Tenor Saxophone Solos explotan de forma muy especial ese concepto y esa técnica de la pintura musical, permitiéndonos afirmar que estamos, por tanto, ante un verdadero ejercicio de saxpainting (por tirar de las posibilidades a las que el neologismo original de Walter Thompson daba lugar) cuyos resultados ofrecen un rico paisaje sonoro sobre el siempre sutil lienzo del silencio. 

Por supuesto, en el caso de Josep Lluís Galiana improvisación libre no quiere decir ni libre albedrío ni libertinaje musical, sino un proceso de expresión muy sólidamente injertado en la historia, así como consciente de la misma y de sus muchas rutas estéticas y recursos técnicos. Es por ello que Galiana, utilizando tal libertad asociada a ese gran catálogo de posibilidades, nos ofrece aquí un disco muy plural en sus dejes estilísticos, que van de ecos de la música norteamericana más interesante de las últimas décadas (presencias del free jazz y del rock progresivo incluidas) a vínculos muy sólidos con la música contemporánea europea; de hecho, con leer algunos de los títulos que jalonan Tenor Saxophone Solos nuestra mente viajará a la más firme tradición reciente, como la del Luciano Berio de las Sequenze (1958-2002), que casi parecen evocadas y homenajeadas por el título de la segunda pieza de este compacto, Sequenza I per sassofono tenore (si bien en el caso de Luciano Berio es la Sequenza IXb (1981) la escrita para saxofón). Un Berio, por cierto, que constituye una de las referencias musicales, artísticas y humanas para Josep Lluís Galiana, como podemos leer, muy especialmente, en la séptima parte de Emociones sonoras, si bien la presencia del trasalpino nos espolea con su lucidez en diversas páginas del libro. 

Sequenza I per sassofono tenore es una de las propuestas más sólidas de este compacto; ejemplificando, además, de forma muy evidente la doble naturaleza del mismo: entre lo más rugoso y ruidista, por un lado, y, partiendo de esa exploración de texturas, una manifiesta evolución hacia un saxofón gestual, inquieto y atávico que, progresivamente, se va movilizando en su totalidad hasta llegar a un final que se acerca más a ese grito torrencial e histriónico, a esas masas rítmicas tan energéticas y direccionales que habíamos escuchado en las primera piezas del disco, como City Life o Fantaisie par quartier, rozando en sus últimos minutos la Sequenza I lo obsesivo y lo espasmódico. 

Fragment… es otra de las piezas en las que Galiana incide, desde su comienzo, en una búsqueda de texturas de tipo ruidista, jugando con el aire, los armónicos y un sonido silbante que nos vuelve a remitir a los paisajes de la electrónica, por cómo el saxofonista valenciano es capaz de tramar una polifonía en diversas capas de un virtuosismo técnico arrollador, superponiendo desmaterializaciones armónicas y una rugosidad que parece se arrastrase por el instrumento, friccionando sus superficies metálicas. Todo un tour de force y una demostración más de maestría en el dominio del saxofón que hace de Fragment… una de las mejores y más modernas obras de este disco… 

…tal y como sus puntos suspensivos nos dan a entender, Fragment… tiene su continuación en …With Variations, una pieza en la que se desdobla el proceso que, de algún modo, había consensado y sintetizado en una sola obra la previa Sequenza I, por cuanto estas variaciones nos vuelven a llevar de lo ruidista a un saxofón más movilizado por medio de alturas, incidiendo una vez más en lo gestual, en las figuraciones y en un sentido torrencial que no deja, en todo caso, de mostrar una búsqueda de la unidad dentro de sus muy diversas formas de explotar y explorar los materiales, por lo que, volviendo a esa responsabilidad histórica a la que antes me refería con respecto a la improvisación libre, no creo exagerado señalar aquí la impronta de compositores como el Schönberg de las Variationen für Orchester opus 31 (1926-28), o el Webern de las Variationen für Klavier opus 27 (1935-36), cimentando y dotando de coherencia a cada una de las vueltas y revueltas que el saxofón de Josep Lluís Galiana da sobre sí mismo en busca de una nueva salida. Frente a los compositores de la Segunda Escuela de Viena, Galiana se muestra, en todo caso, menos estructural y rígido, soltando su instrumento con mayor atavismo, sin que la construcción estrictamente autorreferencial, ni mucho menos, el serialismo, sean precisos para mostrar cómo los materiales musicales son capaces de progresar desplegando cuanto palpita en su interior como germen y latencia. En sus últimos minutos, …With Variations gira sobre sí misma y visita sus paisajes fundacionales (sin por ello retrogradarse), hasta reencontrarse con las técnicas ruidistas de Fragment…; con lo que el conjunto de ambas obras (o partes de un mismo todo) se convierte en la propuesta más completa y potente de este compacto. 

Seat 13 se sitúa entre ambos mundos (el ruidista y el armónico), uniéndolos por medio de un manejo de la armonía muy refinado y sin miramientos, en el que los súbitos saltos interválicos, unidos a una continua modulación dinámica de orden cuasi escultórico (y a otras técnicas de tipo más extendido, como el slap o el flujo de aire sin tono), consiguen transitar entre la tradición, lo que sería un universo sonoro progresivo y el ruidismo de la avantgarde europea. Es por ello que esta vibrante pieza nos vuelve a mostrar una muy interesante pluralidad de ideas, así como la inserción en la tradición de la improvisación como conciencia histórica y, por supuesto, un dominio técnico impresionante, pues lo realizado por Josep Lluís Galiana en cuanto a digitación y control de la proyección de aire es digno de mención. De este modo, obras como Seat 13 dan sentido a lo que Josep Lluís Galiana define en Emociones sonoras (recogiendo un artículo publicado en sulponticello.com) como «improvisación positiva»: un proceso heurístico-musical que «hace mención a esa creatividad, a ese pensamiento divergente que nos ayuda a dar soluciones a situaciones a las que no estamos acostumbrados», considerando la improvisación libre «como un proceso creativo y no como un producto acabado». 

En Lost In Picadilly, Josep Lluís Galiana lleva a cabo un viaje, en cierto modo, inverso, yendo de la gestualidad y de los ecos norteamericanos a un ruidismo rugoso y extendido en sus pasajes centrales, del que vuelve a los materiales iniciales; si bien, en todo caso, ya no siendo el mismo, pues uno y otro lenguaje se con-funden e sincretizan en su final. De algún modo, ese mismo recorrido e hibridación de lenguajes podríamos decir que se dibuja en el conjunto de Tenor Saxophone Solos como globalidad, pues en las breves y finales Rhythm & Funk y Julia (How To Improvise What I Want To Say You) volvemos a escuchar ecos del comienzo del disco, con sus más libres y melódicas improntas del free jazz, el blues y el funk, incluida la sensualidad de la última pieza, ya en clave personal y afectiva del propio Galiana, que cierra con este guiño un recorrido muy completo, variado y exigente, como el que supone enfrentarse a esta gran improvisación positiva y heurística en los nueve capítulos que, a largo de casi 50 minutos, este disco nos propone. 

Como en los anteriores compactos de Liquen Records que hemos reseñado en mundoclasico.com, las tomas de sonido son realmente buenas, con mucho cuerpo, timbre realista y una redondez en la percepción del instrumento que se agradece. Al igual que en el disco que contenía Interaccions sonores, o en el dedicado por el sello valenciano a la música electroacústica de Joan Gómez Alemany, las notas (precisamente, a cargo de este último) vienen impresas en el propio cartón del disco. En ellas, Joan Gómez se retrotrae a Johann Sebastian Bach para glosar la labor del músico como improvisador, así como la entidad y la seriedad musical de tal aventura, con los logros históricos que conocemos, a los que podemos añadir, desde Valencia, los cosechados por el propio Josep Lluís Galiana en sus estupendos Tenor Saxophone Solos, dando forma y salida a lo que Galiana expone en otro de sus textos recogidos en Emociones sonoras: 

«El arte es pura experimentación. También espontaneidad y azar, capacidad de comunicación y libertad de expresión, inmediatez del discurso y búsqueda de belleza y verdad, cultivo de la individualidad y construcción de una voz propia y la posibilidad de emocionarnos… No entiendo la creación musical sin la experimentación, sin explorar nuevos límites a nuestro intelecto, ni desafiar a cada instante nuestra percepción para ir más allá de las fronteras conocidas». 

Este disco ha sido enviado para su recensión por Liquen Records

JOSEP LLUÍS GALIANA – “TENOR SAXOPHONE SOLOS” (LIQUEN RECORDS LRCD011, 2018)

Publicado por CORONEL MORTIMER en lunes, febrero 25, 2019

INTRO:::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::

FOR THOSE ABOUT TO MOCK!///////////////

Hay que partir de la base de que los conocimientos técnicos sobre el saxofón que yo pueda siquiera dilucidar en esta reseña son inversamente proporcionales al estatus musical, profesional y humano que alguien como JOSEP LLUÍS GALIANA tiene. Dicho de otra forma, mi forma de abordar este tremendo Tenor Saxophones Solos será parcial, posiblemente equivocada en expresión, y ni por asomo objetiva.

Ya no es solo que alguien con el bagaje musical literario de Galiana me sobrecoja a la hora de intentar siquiera desgranar acertadamente sus discos (esta vez su primer trabajo en solitario) porque bueno, bien es sabido que se trata de un experto en la materia sobre la improvisación libre como así atestiguan sus doctos libros, es que atreverse a soltar párrafos sobre un álbum en el que los parámetros musicales están emborronados (así queda de manifiesto en el fantástico texto introductorio de Juan Gómez Alemany que visionariamente se llama No Borders Of Any Kind) es para pensárselo un par de veces.

Pero oigan, la música es del Pueblo y si me amilano es con el respeto profundo que me inspira un músico que tiene la facultad de ser académico, pero académico del pueblo. Así lo he constatado viéndolo en directo tocar y así se le nota en el trato aunque yo ahora mismo esté usando mi esfínter anal como almohada cervical del miedo que tengo. No es miedo al fracaso sino miedo al bloqueo, a no saber expresar con palabras lo que siento y creedme cuando digo que es una sensación de vértigo espantosa. 

Y cuando digo Pueblo estoy mimetizando una visión abstracta de una música que me sugiere cosas cotidianas a pesar del nivel de abstracción que pueda alcanzar. Es decir; algo puede ser tan matemático y bien urdido como para crear un Paradigma pero con la música de Galiana siempre podrás destilar un producto que podrá consumir cualquiera… o mejor dicho, cualquiera que ame la música. La música de Galiana puede ser Popular si tú lo crees porque por muy densa, dispersa o avanzada que resulte proviene de la tráquea y aparato respiratorio (y por ende digestivo) de un ser antropomórfico que piensa, siente y escupe en saliva sus vivencias y eso, pese a ser Misterio, pertenece a todos y todas.

Por ello voy a contradecir eso del NO BORDERS OF ANY KIND porque hay un matiz sobre el que tengo que expresarme. Sí que hay bordes y fronteras, y es el del oyente. Galiana borra las fronteras con el esfumino sonoro de las ondas, pero esas mismas ondas acaban convirtiéndose en barreras otra vez cuando el oyente no quiere derrocarlas, cosa que resulta todavía más grave y dantesca cuando el oyente es un experto en la materia. 

A veces y por desgracia, mientras más lees, más escuchas y más sabes, más barreras pones en tus prejuicios internos y es el PUEBLO (otra vez), el que sin nada que perder recibe en su simpleza el 100% de la pureza de la música improvisada. El oyente medio, el “pasaba por aquí”, el “no sé de jazz pero esto me representa”, a veces es capaz de escarbar incólume entre escalas, sordinas, tapings y demás técnicas imposibles que el utillero literario en su afán por describir acaba matando en alma.

::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::::MÚSICA

//////////////////////////////////////WHE SALUTE YOU!

“Un disco de un cuarteto es una Space Opera. Un disco de un trío es una Suite. Un disco de un dúo es un Duelo, y un disco en solitario es una Masturbación Junguiana”.

Coronel Mortimer Dixit

Editado en el atrincherado reducto cultural LIQUEN RECORDS, masterizado por Enrique Soriano y con sendas fotografías (portada e interior) de Roberto Domínguez y Mara B. Stones, Tenor Saxophones Solos son 50 minutos de una paleta expresiva polivalente que abarca descripciones sonoras tan variadas como pueden ser el ruido de una sinapsis neuronal o cómo diablos suena una calle en un día cotidiano.
“City Life” es una meditación con fuerte aroma Coltraniano pero en clave minimalista. Un saxo tenor contenido despliega una cantidad asombrosa de notas acotadas que nunca terminan de estallar. Son notas amputadas que salen de un instrumento que se nota domesticado. La asombrosa técnica que aquí se muestra se sublima en “Sequenza I per Sassofono Tenore”, intrincado corte en el que la amputación de las notas es similar al tema anterior pero ocurre antes.

Si esto fuese medicina el primero sería infracondíleo y este Sequenza sin duda supracondíleo. La melodía yace enterrada en notas rápidas en cascada y hay que unirla como en esos dibujos que se hacen por secuencia de puntos. Fotogramas e instantáneas que juntas adquieren la sensación de movimiento. 

La calidez que se le presupone al saxo tenor llega en “Fantaisie Par Quartier”, muy fluido y lírico, tiene esa impronta meditabunda del jazz de club cargado de humo, del cine noir francés y la espiritualidad de la New Thing. 

Si esto fuese un disco de música electrónica,  “Fragment…” sin duda estaría dentro del minimalismo y lo concreto, con algo de la salvaje disyuntura de lo Dadaísta y el Tape Collaging pero claro, tengo que centrarme en la improvisación y no puedo obviar a la SPONTANEOUS MUSIC ENSEMBLE y sus ejercicios matemáticos rotatorios y mantenidos sobre una misma nota, algo así como hacía al soprano TREVOR WATTS o como maneja la intensidad EVAN PARKER, capaz de convertir un sonido que empieza en brisa en un auténtico tornado sin solución de continuidad, como sin solución de continuidad sigue “… With Variations” explorando la misma senda en una agreste y salvaje rendición al Jazz europeo avanzado durante 12 minutos.

En un rango que roza las posibilidades altas del saxo tenor llega “Seat 13”, corte que gracias a sus subidas y bajadas casi simultáneas en el espectro de notas hace que la ilusión de varios instrumentos se realce. Musicalmente es una delicia que me recuerda a los intensos momentos de PAUL DUNMALL que aunque se centre más en Saxello, Barítono y Soprano sí que en cuanto a técnica y abordaje podría ser similar.

Terminando este bloque de cuatro temas está “Lost In Picadilly”, continuación natural de la anterior. Un clímax alucinante de caos ordenado gracias a una disposición de las notas no aleatorias pero sí con la suficiente velocidad para hablar de virtuosismo, inmediatez y presteza. 

Antonio Martín, La muerte tenía un blog

Josep Lluis Galiana: tenor saxophone solos en docenotas.com

Miguel Ángel Pérez Martín – 19/12/2018 – docenotas.com

Al parecer el gran maestro de la improvisación en el freejazz, Cecil Taylor, tenía una gran recomendación para los músicos: no ensayes, ¡practica!. Practicar supone coger el instrumento y hacerle sonar…para reproducir algo “compuesto” o para hacer una “composición instantánea”. A veces de estas últimas surge un gran concepto musical a desarrollar, o una canción…los arcanos musicales son así.

Ya he dicho en estas páginas en otras ocasiones que improvisación NO es siempre Jazz o música contemporánea, hay estaciones intermedias. Se improvisa en el rock y en el folk también. Incluso puede haber sonidos inclasificables en un estilo si se mezcla la electrónica. Es el caso de Josep Lluís Galiana, a caballo entre el jazz (del que toma sonoridad y fraseados principales) pero amplía sus ideas hacia la vertiente “contemporánea”, dando a los desarrollos una cierta aleatoriedad, serialismo, eliminando aristas excesivamente dramáticas y centrándose en fraseados muy rítmicos y a veces muy cálidos donde el virtuosismo aparece, pero no se impone.

Tras varias escuchas de esta obra se me ocurre una especie de paseo por otras referencias creativas —plásticas por ejemplo— con las que podía interactuar su interpretación. La veo más cercana a la sala de exposiciones o al acompañamiento de poemas o textos literarios que a la mera contemplación en una sala de conciertos, donde seguro que también funciona.

Podría ser una especie de “suite” sonora para saxofón, pero Josep Lluís Galiana prefiere darle una visión tradicional, de tema tras tema, cada uno funciona por su cuenta y se centra en diferentes formas expresivas. Desde las más centradas en la ruptura del fraseado, muy picado y quebrado a las más jazzys basadas en glisandos…, algunas combinan las dos, como Fragment. En otras ocasiones acercando el saxofón al sonido de un instrumento de percusión más que melódico, o el más mainstrean en Rhythm & Funk.

Imagino que una dificultad añadida es dar título a las composiciones sin acudir a la denominación de Anthony Braxton, “composition 456” por ejemplo.

Acompañar el sonido con la imagen del intérprete —o sea, escuchar esta música en directo— es más que conveniente, suele tener una componente espectacular de movimiento más que importante.

Amantes de la improvisación: no abstenerse.

Tenor Saxophone Solos in JazzWorld by Ken Waxman

Singular sounds, these CDs by four improvisers from three different countries demonstrate how each uniquely copes with propelling innate creativity figuratively clad in nothing more than reeds, keys, ligature and metal. The four are Dutch tenor saxophonist, clarinetist and shakuhachi player Ab Baars: tenor saxophonists Antonio Raia from Italy and Josep Lluís Galiana from Spain; and Italian baritone saxophonist Giuseppe Doronzo, all of who have comprehensive credentials in bands and/or academe.

Concentrating on the tenor saxophone, València-based Galiana, who has performed with numerous bands as well as teaching at the university level, attests to his experiments in saxophone sound advancement with this CD, his first recorded solo effort. Like Baars, he can build sequences from moderato story-telling while also outlining responses to the melody, as he does on “Fantaisie par quartier” and more profoundly on “Lost in Piccadilly”. That second improvisation finds high-pitched breaths succeeded by a series of timbral extensions whose logic is expressed with wide ranging cries and paced with barely there growls, puffs and tongue slaps. Broadening his palate to pure experimentation other tracks feature a potpourri of exceptional technical exercises, but ones that come across as more accessible than off-putting. “Sequenza I per sassofono tenore” for instance, upsurges its exposition from tongue slaps and snorts to excavation of low pitches from the instrument’s bow. Diaphragm intensity is brought into play on “Seat 13” as a multiphonic double burr is separated into layers of colored air. However the pivotal tracks here are “Fragment…” and “…With Variations”. The wispy melody introduces on the first track that’s defined with higher-than-altissimo pitches that narrow and sharpen into aviary affiliated split tones by the end, are further expanded on the second. Huge circular movements of irregularly and intensely vibrated tongue stops and reed bites are repeated on “…With Variations” to the extent that it appears that timbral augmentation will never stop. Then in the penultimate minutes the narrative deflates to near-silence, becoming muted and lower-pitched by the shaking finale.

Universos paralelos

Sergio Cabanillas, Universos Paralelos

«Todo un despliegue de recursos al servicio de la libertad de discurso y con unas notas al disco bien interesantes de Joan Gómez Alemany…, que cita además con mucha razón que hay determinados instrumentistas que logran una gran simbiosis con su instrumento y con sabiduría crean una música que, pese a ser monofónica, nos ofrecen más texturas y una serie de sonidos que nos hacen creer que estamos escuchando a más de un músico a la vez. Esto lo consigue Josep Lluís Galiana con amplitud de recursos, pero sobre todo los armónicos, recurso que le gusta mucho utilizar para superponer los dos sonidos del saxo e interrumpirse el discurso y llegar a la libertad interpretativa absoluta. Un disco muy equilibrado entre el riesgo y lo irreverente y lo más formal (con unas comillas bien gordas)»

Publicado el

CHAOSOPHY. Who Are These People And What Do They Believe In?

CHAOSOPHY. Who Are These People And What Do They Believe In? València: LIQUEN RECORDS. DL: V-3437-2017 — LRCD006. PVP: 18€

Gastos de envío incluidos para España / Shipping costs included for Spain; para el resto del mundo, consulte coste de envío / for the rest of the world, chek shipping cost; otros métodos de pago / other payment methods. Contacto / Contact: liquenrecords@liquenrecords.com

CHAOSOPHY is a free improvisation ensemble composed by the musicians El Pricto, Josep Lluís Galiana and Avelino Saavedra. All of them have spent decades on the national and international scene of free improvisation, avant-garde jazz and sound experimentation. After more than five years acting and collaborating together, they have decided to publish their first album.

WHO ARE THESE PEOPLE AND WHAT DO THEY BELIEVE IN? were made on December 5th 2017 at the Shark Estudios, Paterna, València, Spain. Recorded by Julio Valdeolmillos. Mixed by Avelino Saavedra and El Pricto. Mastered by Avelino Saavedra. Produced by Josep Lluís Galiana.

  • With the support ofIn collaboration with
  • and
  • All music composed by

EL PRICTO (alto saxophone and Rhodes electric piano)

JOSEP LLUÍS GALIANA (baritone, tenor and soprano saxophones)

AVELINO SAAVEDRA (drums, coyote call on track 1)

The music of CHAOSOPHY is absolutely energetic and very vigorous. Your music moves blood and viscera. The powerful dialogue between the saxophones of Galiana and El Pricto connects with the strength of Saavedra’s drums. WHO ARE THESE PEOPLE AND WHAT DO THEY BELIEVE IN? is a recording full of emotions and pulsions, where these three improvisers show their musical background with great generosity, all their influences: from contemporary music to free-jazz, through sound experimentation and the influence of ethnic music.

Listen at LIQUEN RECORDS’s bandcamp
  1. Eristocracy
  2. The Myth Of The Nipples
  3. If You Can’t Be Right At Least Be Loud
  4. The Only TRUTH In The Multiverse Is That SHIT HAPPENS
  5. It Is Their Firm Belief That It Is A Mistake To Hold Firm Beliefs

CHAOSOPHY és un ensemble d’improvisació lliure integrat pels músics El Pricto, Josep Lluís Galiana i Avelino Saavedra. Tots ells porten dècades a l’escena nacional i internacional de la improvisació lliure, l’avant-garde jazz i l’experimentació sonora. Després de més de cinc anys actuant i col·laborant junts, han decidit publicar el seu primer treball discogràfic. WHO ARE THESE PEOPLE AND WHAT DO THEY BELIEVE IN? fou gravat el 5 de desembre de 2017 als Shark Estudios, Paterna, València, Spain, per Julio Valdeolmillos. Mesclat per Avelino Saavedra i El Pricto, i masteritzat per Avelino Saavedra. Produït per Josep Lluís Galiana.

La música de CHAOSOPHY és absolutament energètica i molt vigorosa. La música d’aquest grup mou sang i vísceres. El potent diàleg entre els saxofons de Galiana i El Pricto connecta amb la força i la contundència de la bateria de Saavedra. WHO ARE THESE PEOPLE AND WHAT DO THEY BELIEVE IN? és un disc ple d’emocions i pulsions, on aquests tres improvisadors mostren amb gran generositat tot el seu bagatge musical, totes les seues influències: des de la música contemporània al free-jazz, passant per l’experimentació sonora i la influència de músiques ètniques.

Tota la música està composta per

EL PRICTO (saxofon alt i piano elèctric Rhodes)

JOSEP LLUÍS GALIANA (saxofons baríton, tenor i soprano)

AVELINO SAAVEDRA (bateria, reclam de coiot en track 1)

CHAOSOPHY va protagonitzar al Clasijazz d’Almeria el 26 de maig de 2017 un concert memorable, d’on va sorgir l’idea d’aquest album. En aquest enllaç es pot veure un resum de l’esmentat concert:

Tot al llarg d’una dècada, El Pricto, Galiana i Saavedra han col·laborat en nombrosos projectes, concerts, gravacions i workshops en Espanya i altres països europeus. D’aquesta estreta relació artística, aquests músics han participat conjuntament en festivals i cicles propis com el LEM Gràcia Territori Sonor, Sound In / Feria Estampa 2013 (Matadero-Madrid), Cicle de concerts a Pluton.cc (València), Sessions d’Improvisació a l’Octubre Centre de Cultura Contemporània (València), Eufònic, Anem Anem, Cicle al Soda Acústic (Barcelona)…

CHAOSOPHY en EL ARGONAUTA la librería de la música de MADRID

PRESS 

https://www.tomajazz.com/web/?p=35069

 

«Chaosophy es un salto cualitativo y uno de los proyectos más ambiciosos del sello Liquen Records. Un disco incontestable, directol y arrollador, lleno de energía, aunque son capaces de ser muy muy sutiles en algunos pasajes. En definitiva, una apuesta muy ambiciosa, un disco muy serio, sin duda, de lo mejor que escucharemos en la libre improvisación durante este año.» (Sergio Cabanillas, Universos Paralelos)

«Un trío de gigantes de la improvisación con una grandísima capacidad para sorprender.» (Sergio Cabanillas, Universos Paralelos)

Pedro Menchaca, Vericuetos/Radio Kras

Bad Music Jazz (www.badmusicjazz.blogspot.com.es) és el programa de jazz de la factoria Bad Music, fundat per Martí Farré i Olga Àbalos, i dirigit i presentat per Martí Farré

CHAOSOPHY – “WHO ARE THESE PEOPLE AND WHAT DO THEY BELIEVE IN?” (LIQUEN RECORDS LRCD006/DISCORDIAN RECORDS, 2017)

Publicado por CORONEL MORTIMER en jueves, abril 25, 2019 en La muerte tenía un blog, por Antonio Martín

Tres músicos improvisando de forma salvaje abren Chaosophy. Caos en forma de saxofón alto y piano eléctrico Rhodes (El Pricto), saxofón tenor/soprano (Josep Lluís Galiana) y batería/percusiones (Avelino Saavedra).

Espejismo musical a base de un arquitectónico y complejo sistema de ordenadas y coordenadas en el que, casualidades del destino y de la singularidad del espacio tiempo, ha sido grabada esta tremebunda sesión del 5 de Diciembre de 2017 en los Shark Studios de Paterna (Valencia) por Julio Valdeolmillos.

Fantástica y definitoria la portada (El Pricto) alejada de esos espantosos retratos de virtuosos con gorras de medio calado o gorros de gángsteres tan habituales en el jazz y que me producen escalofríos. Aquí se ha recurrido a algo más europeo y fresco, una imagen de tres astronautas que parecen hablar un diálogo extraterrestre (su música) mientras nos miran con curiosidad.

Si pequeños patrones y variaciones musicales pueden crean grandiosos estados alterados de consciencia, ¿qué ocurre cuando el grado de beligerancia y cohesión es tan elevado que se roza la simultaneidad de los Sistemas Dinámicos?. Dicho de otra forma, ¿seremos capaces de preveer el movimiento vibrátil de su música y situarlo en un GPS acústico/mental?. Todavía más fácil, cómo demonios puede uno sentir el pulso de la música dentro de tanto caos?

Esto que puede parecer una perogrullada adquiere en mi cabeza importancia catedralicia. Analizando variables como Los Atractores de Punto Fijo, la Divergencia Exponencia de Trayectorias, la Sensibilidad y el Determinismo, pero todo aplicado al campo de la Improvisación Libre y el Free Jazz, llego a la conclusión de que de la misma forma que un Sismógrafo recoge las sutiles variaciones de las placas tectónicas, la representación gráfica de la música de este potentísimo trío crearía a buen seguro Mandalas Psicorrágicos de barroca evolución (posiblemente infinita).

“Eristocracy” es muestra de todo el rollo que os he soltado. Yo, que he tenido oportunidad de ver a estos tres salvajes músicos en estado de gracia delante de un escenario, puedo atestiguar que la tensión de su música se masca. Los devaneos entre saxos altos y los más líricos tenores caminan el fiero paso de aquel monstruoso Free Jazz de Ornette Coleman, pero sin perder nunca de vista la siempre aguerrida forma de entender estos géneros que tienen los británicos.

Necesitas escuchar mínimo tres veces cada corte (una por cada músico, una por cada negación de Pedro… como si dijese: “joder, esto no puede ser real”) para comprender el trenzado que se establece; las innumerables sordinas (con la parte interior del muslo, que lo he visto en directo) de El Pricto, la concentración ensimismada de Galiana, que me sorprende muchísimo con las ráfagas de notas cortas y en sábana, sin perder nunca el compás y jugando con todas las partes de su instrumento, y luego la percusión casi tribal de Saavedra que convierte la batería en un lienzo y cada vez que golpea la baqueta se rellena un espacio en blanco.

“The Myth of the Nipples” es abstracta. Soplidos, Glosolalia musical agreste con cierto aroma a Mu de Don Cherry, los Heliocentric Worlds de Sun Ra y esas salvajes incursiones político circenses de la Art Ensemble of Chicago (“Reese and the Smooth Ones”). De forma inexorable se vierte una percusión enorme que requiere de la máxima atención del oyente para empaparse de la cantidad de microdiálogos que mantiene con los vientos. No creo que se trate de virtuosismo (odio esa palabra), sino de hilo umbilical con lo Sacro. No encuentro otra palabra para transmitiros el grado creativo en, no lo he dicho hasta ahora, Who Are These People and What Do They Believe In?, que es así como se titula.

Cambia el registro la más fusionera “If You Can´t Be Right At Least Be Loud” donde El Pricto conduce un atmosférico Muzak de piano eléctrico que nutre el fondo sobre el que se desarrolla un apabullante solo de Galiana al saxo tenor.

Como si de una oscurísima sesión de la Tony Williams Lifetime, pero con aliño de Soft Machine, Saavedra recuerda al genial Williams en acercamientos a un Post Bop casi Funk rematado por arabescos exquisitos marca de la casa. Luego acotado solo del Piano Rhodes y vuelta al motivo principal melódico; para rematar, abstracciones minimalistas para rematar un corte sublime.

Fastuoso el inicio de “The Only TRUTH In The Multiverse Is That SHIT HAPPENS”, de los mejores títulos que he leído en mucho tiempo. Los tres músicos jugando con los aspectos más ambientales de sus instrumentos acercándose al terreno del Jazz Rock. Nunca quietos, siempre en movimiento, el trío se va desplazando a una suerte de Free Bop in crescendo. Curioso como en ocasiones tienes la sensación de que hay toda una base rítmica (con bajo y todo) tocando. Supongo que el espectro que abarcan es tan amplio que te amortajan en poliuretano.

Para rematar la faena, “It Is Their Firm Belief That It Is A Mistake To Hold Firm Beliefs”. Los vientos muy Coltranianos, con Saavedra codeándose con el mismísmo Rashied Ali. Se vuelve a los planos dimensionales del comienzo del disco pero con el Rhodes ejecutando una impresionante cabalgada que va ganando en protagonismo. No se me ocurren más adjetivos. Hay que rendirse ante la maestría de El Pricto, Galiana y Saavedra que tienen las narices de coger al Caos por sus gónadas y darle la forma que ellos quieren en su torno de barro particular. Créeme cuando te digo que se trata de un álbum IMPRESCINDIBLE si eres amante de estos estilos.

Crece y crece con cada escucha como el jodido Big Bang, que todavía dicen que se está extendiendo…. ¿o será replegando?. A veces Free, otras Jazz Rock, pero con una energía descomunal que queda patente en cada uno de los 9 cortes del disco. Hay quien afirma que este tipo de grabaciones no suele recoger la grandeza de los directos; pues bien, aquí, un claro ejemplo de lo contrario.

Antonio Martín,La muerte tenía un blog

Uma forte carga de imprevisibilidade

Quem são os Chaosophy? O trio oriundo de Valência junta Josep Lluis Galiana (saxofones tenor e soprano), El Pricto (saxofone alto e piano elétrico) e Avelino Saavedra (bateria e percussão). O grupo pratica uma música assente na improvisação livre e na tradição do free jazz, pós-Albert Ayler, herdeiro direto de Peter Brötzmann: uma música incendiária sempre em alta intensidade. O espanhol Josep Lluis Galiana explica a filosofia e percurso de um grupo que promete desafiar os limites.

De Nuno Catarino

Como chegaram ao nome do grupo, Chaosophy, e o que significa?
Inspirados pelo livro “Principia Discordia”, pelo Discordianismo e pelo sagrado caos como condição natural da realidade, criámos este ensemble de improvisação livre chamado Chaosophy.

Como é que os três músicos se juntaram como trio?
Temos participado ativamente nas cenas nacionais e internacionais da improvisação livre, do jazz avant garde e da experimentação sonora. Após mais de cinco anos a tocarmos juntos e a colaborarmos, decidimos publicar aquele que foi o nosso primeiro disco como grupo. O disco “Who are these people and what do they believe in?” foi gravado a 5 de dezembro de 2017 nos Estúdios Shark em Valência. O El Pricto é natural da Venezuela, mas vive em Barcelona há dezasseis anos. Ele fundou a editora Discordian Records e é o líder da comunidade Discordiana. Eu e o Avelino Saavedra vivemos e trabalhamos em Valência e representamos a cena da música improvisada na cidade desde a década de 1990. Eu fundei a editora Liquen Records em agosto de 2016, uma nova editora que tem por objetivo divulgar música improvisada e experimental. A Liquen Records tem como objetivo levar aos ouvintes mais exigentes alguns processos criativos contemporâneos dos mais destacados artistas das cenas musicais nacional e internacional.

Poderia indicar algumas influências que foram decisivas para o desenvolvimento da sua música?
A minha música vai beber a muitas músicas. É o resultado de mais de trinta anos de estudo e exploração de diferentes géneros e estilos musicais. De uma perspetiva contemporânea até ao free jazz mais extremo, tento mover-me em águas sonoras sempre desconhecidas, imprevisíveis e absolutamente surpreendentes em cada concerto, se for possível.

Quais são os vossos planos como banda? Planeiam colaborar com músicos convidados?
Para já temos o objetivo de apresentar o nosso primeiro disco. Estamos muito satisfeitos com este trabalho e, quem sabe, talvez gravemos um novo álbum no futuro. A vida é imprevisível, absolutamente imprevisível e caótica. A coisa mais importante para nós é que gostamos de improvisar juntos!

Conhecem Lisboa, já estiveram na cidade? Conhecem a cena musical da cidade?
Gosto de Lisboa, mas só estive uma vez. Não conheço muito da cena musical particularmente da improvisação e do jazz, mas sei que é muito interessante e muito ativa.

Em Lisboa vão tocar num festival num jardim, ao ar livre. O que poderemos esperar do vosso concerto no JIGG?
Estamos muito entusiasmados por darmos a conhecer a nossa música. Sabemos que o Jazz im Goethe-Garten é um festival internacional importante para o jazz e música improvisada. A nossa música, que se move entre o jazz avant garde, a improvisação livre e a experimentação sonora, tem uma forte carga de imprevisibilidade. A música de Chaosophy é absolutamente enérgica e muito vigorosa. A nossa música move o sangue e as vísceras. O diálogo poderoso entre os saxofones liga-se à força da bateria do Saaverda. O espaço tem um papel muito importante na improvisação livre e nós vamos escutar atentamente o jardim, o público e todos os sons à nossa volta.

Para terminar, podem dar uma resposta ao título do vosso disco, “Who are these people and what do they believe in?”? (Quem são estas pessoas e em que é que elas acreditam?)
Como referi no início da entrevista, os Chaosophy e a nossa música são inspirados pelos princípios Discordianos e os nossos títulos vêm do livro “Principia Discordia”, que é uma grande colagem conceptual. “A humanidade começará a resolver seus problemas no dia em que ela deixar de se levar muito a sério. Temos que pensar mais em nós mesmos e na vida quotidiana; não em economias ou ordens superiores. Para este fim, propomos que o ser humano desenvolva o seu amor inato pela desordem”. A “Principia Discordia” diz-nos que “se conseguirmos dominar o nonsense da mesma forma que já aprendemos a dominar o sentido, então cada um irá expor o outro por aquilo que é: absurdo. A partir desse momento de iluminação, o ser humano começa a ser livre, independentemente daquilo que o rodeia. Ele torna-se livre para jogar jogos de ordem e alterá-los à vontade. Ele torna-se livre para jogar jogos de desordens, apenas porque lhe apetece. Ele torna-se livre para jogar ou para não jogar, nem um nem ambos. E como o mestre dos seus próprios jogos, ele joga sem medo e, portanto, sem frustração e, portanto, com boa vontade na sua alma e amor no seu ser “. Finalmente, “quando os seres humanos se libertarem, tornam-se livres; então a humanidade será livre e poderemos ter o conhecimento de um sábio e a sabedoria de uma criança”.

CHAOSOFY | ESPANHA

A improvisação livre e a deriva sonora são os pontos de partida deste trio de Barcelona oriundo de uma cena que urge ser conhecida e que se aplica numa música energética e vibrante via uma organização instrumental pouco ortodoxa. Dois saxofones que se desdobram & bateria são criadores de uma tensão que cimenta um discurso coletivo inconformista e subtil. El Pricto, saxofone alto, piano elétrico Fender Rhodes | Josep Lluís Galiana, saxofones tenor e soprano | Avelino Saavedra, bateria.

Crítica de CHAOSOPHY en la Revista polaca Trybuna Muzyki Spontanicznej

Chaosophy  Who are these people and what do they believe in? (Discordian Records/ Liquen Records, 2018)

Na początek naszej zbiorówki, przykład imponującego tempa edytorskiego. Rejestracja studyjna z początku grudnia ub.r., udostępniona światu już 5 stycznia. I to nie tylko w wersji elektronicznej, albowiem produkcja Discordian ma też wersję CD (dzięki drugiemu wydawcy; patrz: wyżej).

Hiszpańska Walencja, trzech muzyków, którzy przejęli bardzo efektowną nazwę Chaosophy: El Pricto – saksofon altowy i piano elektryczne, Josep Lluis Galiana – saksofon tenorowy i sopranowy oraz Avelino Saavedra – perkusja i … coyote call. Płyta zwie się prowokacyjnie Who are these people and what do they believe in?, składa się z pięciu utworów, które trwają 44 minuty. Muzycy dość swobodnie improwizują, a opis wydawnictwa nie sugeruje, iżby pracowali na wcześniej przygotowanym scenariuszu.

Błyskotliwa batalia na wyostrzone saksofony (Galiana po lewej, Pricto po prawej) i dynamiczny drumming w estetyce Elvina Jonesa. Free jazz pełną gębą, a nawet pełnymi tubami! Rodzaj Filozofii Chaosu? To jednak nie zawody, a raczej wielowątkowa pyskówka. Tembr altu jest bardzo zabrudzony, tenor zaś brzmi czyściej, przez co zdaje się być bardziej spolegliwy w tej bystrej improwizacji. Ognisty taniec, pełen mikro wybuchów w trakcie. Drugi fragment, niczym cisza po burzy, przynosi sonorystyczne wyciszenie, wypełnione plastrami zadumy, które lepią ujścia każdej z tub. Perkusista jest równie wyrafinowany akustycznie i dobrze buduje relacje z saksofonistami.

W trzecim odcinku do gry wchodzi electric piano i aura nagrania przyjmuje walory fussion jazzu. Gęsta, dynamiczna ekspozycja, tłusta i do tupania nogą, albo kciukiem po blacie stołu. Free fussion, oczywiście! Gdy Pricto wybija się przed szereg, jego solowe pasaże pachną kwaśnym Return to Forever. Brawo! Kolejny utwór snuje się, jak oniryczna ballada dla tych, którzy boją się inaczej. Intro piana zwinnie komentuje drummer, który przyoblekł się w szaty hippisa. Po niedługiej chwili w rękach Pricto ponownie ląduje alt. Dialog z sopranem jest odrobinę imitacyjny, potem przeradza się w somnabuliczny taniec w wysokich rejestrach. Perkusja ponownie zachęca dęciaki do bardziej energicznych zachowań i czyni to wyjątkowo skutecznie. Ostatni odcinek zaczyna się w dość umiarkowanym tempie. Silna ekspozycja tenoru, z wyrafinowanym, nieco psychodelicznym komentarzem piana, do którego – w międzyczasie – powrócił Pricto. Dynamika samego już finału dobrze reasumuje wartość całego nagrania. Sznyt eklektyzmu wpisany w kod DNA discordiańskiego wydawcy, i tu znajduje swoje odbicie! Świetna płyta!

Chaosophy ¿Quiénes son estas personas? (Discordian Records / Liquen Records, 2018)

Al comienzo de nuestra colección, un ejemplo de un ritmo editorial impresionante. Registro del estudio desde el comienzo de diciembre del año pasado, puesto a disposición del mundo el 5 de enero. Y no solo en la versión electrónica, porque la producción de Discordian también tiene una versión en CD (gracias al segundo editor, LIQUEN RECORDS).

Español-València, los tres músicos, que se hizo un nombre muy impresionante Chaosophy El Pricto – saxofón alto y piano eléctrico, Josep Lluís Galiana – tenor y soprano y Avelino Saavedra – tambores y … reclamo de coyote. El álbum se llama provocativamente “¿Quiénes son estas personas?” y consta de cinco canciones que duran 44 minutos. La música discurre bastante libremente y la descripción de la editorial no sugiere que trabajen en un escenario previamente preparado.

Una batalla brillante por saxofones tonificados (Galiana a la izquierda, Pricto a la derecha) y tambores dinámicos en la estética de Elvin Jones. Taza llena de jazz gratis, ¡e incluso tubos llenos! El tipo de filosofía del caos? Esto no es una competencia, sino un juego de fútbol con múltiples hilos. El Tembrium del alto está muy sucio, el tenor suena más limpio, lo que parece ser más confiable en esta improvisación inteligente. Danza ardiente, llena de micro explosiones en el curso. El segundo fragmento, como el silencio después de la tormenta, proporciona calma sonorista, llena de rebanadas de ensoñación que pegan las bocas de cada uno de los tubos. El baterista es igualmente refinado acústicamente y desarrolla relaciones con saxofonistas. En el tercer episodio, el piano eléctrico ingresa al juego y el aura de grabación adquiere la fusión del jazz. Exposición gruesa y dinámica, grasosa y pisando fuerte, o pulgar sobre la mesa. Fusión gratis, por supuesto! Cuando Pricto avanza, sus pasajes en solitario huelen agriamente Return to Forever. Hurra!

Otra canción está girando como una balada onírica para los que tienen miedo de lo contrario. La introducción de espuma perfora al baterista, que se ha puesto las túnicas hippies. Después de un tiempo, Pricto vuelve a aterrizar alt. El diálogo con soprano es un poco imitativo, luego se convierte en una danza somnabulic en altos registros. Drums nuevamente alienta el blues para un comportamiento más enérgico y lo hace extremadamente efectivo. El último episodio comienza a un ritmo bastante moderado. Una fuerte exposición de tenor con un comentario sofisticado y ligeramente psicodélico sobre la espuma, al cual Pricco regresó mientras tanto. La dinámica del final en sí misma resume bien el valor de toda la grabación. El eclecticismo está inscrito en el código de ADN del editor Discordian, ¡y aquí se refleja! ¡Gran CD!

Chaosophy: Who are these people and what do they believe in?. ¡Impro sin barreras!

Editan: Liquen Records y Discordian Records, Valencia, 2017. El Pricto, saxo alto y teclado; Josep Lluis Galiana, saxos soprano y tenor; Avelino Saavedra, batería.

Miguel Ángel Pérez Martín – Doce Notas – 25/07/2018

En alguna reseña anterior dije que la improvisación – siendo uno de los elementos distintivos del Jazz- no siempre es Jazz. A veces lo es y otras no, algo que pasa en este disco en los diferentes temas.

Sin duda la instrumentación y sonoridad ayudan a que se asimile la improvisación al jazz – saxos, batería- pero también se usan los instrumentos – percusión, viento y golpeado de las zapatas de los saxos- con otra intención y otra “musicalidad”.

Son unos valientes, entran directo a “matar”: un power trío muy especial para abrir el disco: batería, saxo tenor apoyando los bajos, los graves y el saxo soprano haciendo “melodía” (atonal, claro) Eristocracy se llama…quizá el tema más jazzy de todos.

Pasan enseguida a la improvisación noisy (ruidos extraídos de los diferentes instrumentos) sin fraseado…perfecto para acompañar imágenes abstractas, muy a lo Fred Frith, para acercarse en el tercer tema a un sonido de los setenta que nos gusta mucho a los más viejos del lugar: teclado Rodhes, batería y saxo a lo Soft Machine, supongo que sobre un acuerdo de “sonoridad” y a improvisar, claro, hay que saber mucha armonía para que eso “suene”…y suena! Sobrecogedor título: If you can´t be right at least be loud. El cierre con ruido de cristales (¿) le da un ambiente muy especial, una gran sensación de compuesto-ensayado…para romper incluso el molde de la impro total, resolviendo este magnífico disco en la onda más expresionista, percusiva y atonal posible, con un interplay muy fuerte de los dos saxos improvisando sobre un fondo de batería en “the only truth…”

Exhibición de sonoridades y ruidos posibles con los saxos tenor y soprano en el tema final…juegan aquí con todos los órganos de fonación posibles…estómago, esófago, garganta, boca…el propio tubo del saxo…el maestro Josep Lluis es el responsable (músico, escritor y divulgador de las excelencias de la creatividad y la improvisación en cursos, talleres, charlas y libros) sobre fondo de teclado – atonal, puro Cecil Taylor- y una más que eficaz batería.

Entiendo que no es una opción mayoritaria en la música actual – ya sea jazz o música contemporánea- pero es uno de los caminos que se están empezando a transitar por, cada día, más aficionados y como poco exige visibilidad y reconocimiento. Calidad le sobra y en muchos casos tiene una vertiente “performativa” que ayuda a entrar en sonoridades desconocidas en los directos.

Muy recomendable para quienes ya transitamos estos senderos y también para aquellos que quieran arriesgar un poco desde el jazz, el rock experimental o la música contemporánea. Deseando verles en acción.

Víctor Sequí, desde ALINA MÚSICA

Chaosophy es quizás una de las grabaciones más evolucionadas y redondas de estos últimos años en lo que podríamos llamar Música Free. Hablamos de Free con todas sus consecuencias, incluyendo en la acepción todo lo que de “jazz libre” contiene la historicidad del término. El hecho de que tres músicos ibéricos demuestren de forma natural una asunción del lenguaje jazzístico más exigente nos emociona y nos recuerda que este es un “lenguaje” realmente universal, destinado a seguir evolucionando y que seguirá dejándonos joyas sonoras, encuentros mágicos hinchados de tanta nostalgia como de invenciones de futuro. Estos tres músicos consiguen reinventar la ilusión y profundidad de aquellos años en los que la libertad musical se escribía a cada compás, en cada golpe de plato o silencio tenso, generando esa expectativa alegre en la que nos planteamos qué sucederá un segundo después…

Maciej Lewenstein

Chaosophy: Who are these people and what do they believe in? Discordian Records 103 MP3 El Pricto (as, elec p); Josep Lluís Galiana (ts, ss);
Avelino Saavedra (dr, coyote call). December 2017.

Trio is one of the favorite formats of El Pricto, although one can meet him more frequently in quartets or big ensembles. This trio is very special though: it includes to saxophone players, although El Pricto plays also some electric piano.

It starts with the full blast: «Eristocracy» for alto and tenor, 8 minute long eruption of feeling and expression supported by extremely powerful drumming. «The Myth of the Nipples», as well as the whole album, might be inspired by the famous record of Peter Brötzmann, «Nipples». Here it is an open track, starting with keys and mouth piece effects, developing fragmented, but again quite expressive alto-soprano saxophones dialogue.
«If you can’t be right at least be loud» is the most traditional free jazz track: El Pricto on electric piano and Avelino on drums support here a stupendous tenor solo of Josep Lluis. El Pricto continues his electric piano adventure on «The only TRUTH in the multiverse is that SHIT HAPPENS», and does it wonderfully. In the middle of the track he turns to the alto and continues a dialogue with Josep’s soprano in an free-impressionistic style. «It is their firm belief that it is a mistake to hold firm beliefs» starts with slow, long tones of overblown alto and tenor, and delicate drumming. After two minutes the faster rhythm starts and slowly the track attains the power with Josep on tenor and El Pricto on piano. The latter plays an excellent solo then. In the end Josep comes back on soprano with a great power, which ceased down at end. Excellent album, very profoundly recommended!!!

Publicado el

Josep Lluís Galiana & Avelino Saavedra. IN THE MIDDLE OF NOWHERE

Josep Lluís Galiana & Avelino Saavedra: IN THE MIDDLE OF NOWHERE. València: LIQUEN RECORDS. DL: V-3-2017 — LRCD002. PVP: 18€

Gastos de envío incluidos para España / Shipping costs included for Spain; para el resto del mundo, consulte coste de envío / for the rest of the world, chek shipping cost; otros métodos de pago / other payment methods. Contacto / Contact: liquenrecords@liquenrecords.com

Publicado bajo el nuevo sello valenciano LIQUEN RECORDS, el saxofonista Josep Lluís Galiana y el batería Avelino Saavedra han editado su tercer trabajo discográfico. IN THE MIDDLE OF NOWHERE fue grabado en directo en Madame Mim (València) y ha contado con la colaboración del Laboratorio para la Investigación de Procesos Creativos Contemporáneos AD LAB. Cover Art by Avelino Saavedra (acrílico sobre papel). Text by Wade Matthews. Photo by Carla Roca. IN THE MIDDLE OF NOWHERE recoge nueve improvisaciones del concierto celebrado en la sala de Madame Mim (Russafa-València) el 8 de mayo de 2015. En ellas, Galiana & Saavedra se mueven entre la free improvised music —non idiomatic— y una muy personal visión del avant-garde jazz. Galiana & Saavedra derivan con paso ininterrumpido y absoluto dominio de sus recursos expresivos y técnicos desde sorprendentes explosiones de energía hasta paisajes de profunda introspección sonora.

1 Another Place [ 4 : 35 ]

2 But No Matter What [ 5 : 20 ]

3 Time Impressions [ 5 : 54 ]

4 A Silent Road [ 8 : 34 ]

5 Get Up [ 5 : 58 ]

6 The Breath [ 1 : 13 ]

7 Round Way [ 5 : 04 ]

8 In The Middle Of Nowhere [ 5 : 07 ]

9 As Time Goes Back [ 5 : 23 ]

[ 47 : 08 ]

DOSSIER DE PRENSA

UN VIAJE A LA IMPROVISACIÓN DE GALIANA A TRAVÉS DE LIQUEN RECORDS

La segunda referencia de LIQUEN vuelve a traernos al dúo GALIANA-SAAVEDRA de «Transitions» (aunque creo que es el tercer trabajo juntos), esta vez en  nueve cortes improvisados en «In The Middle Of Nowhere» ( LRCD002). Grabado en directo en 2015 (MADAME MIM, Valencia) y otra alucinante portada del propio SAAVEDRA de acrílico sobre papel que refleja a la perfección las texturas por las que se mueve su música. Del batería y artista SAAVEDRA creo que tampoco se necesita hablar demasiado, pero aquí tenéis una muestra de su música: https://avelinosaavedra.bandcamp.com/

La crudeza de los 47 minutos de la sesión remite indudablemente a sellos como ESP DISK o a las lindeces tribales a las que era dado CHERRY. Un tratamiento de la batería ancestral, primitivo y orgánico en comunión con una panoplia alucinante de saxofones sopranos y tenores repartiendo una especie de clímax selvático (tengo que citar «Mu» de DON CHERRY/ED BLACKWELL o reviento). Para colmo el título del primer tema es «Another Place» y suena a SUN RA por los cuatro costados, al igual que el largo «A Silent Road», atmosférica incursión en una jungla jazzística, amenazadora y ominosamente nocturna donde a la base percusiva se va sumando un saxo tenor que haría levantarse a Coltrane de su tumba. Me encanta cuando sólo unas pocas notas expresan tantísimo (PHAROAH SANDERS también era un maestro en esto).
No creo que el disco en sí sea árido, aunque es verdad que el alto nivel técnico y abstracto de algunos pasajes desafían al oyente. Recomiendo simplemente dejarse llevar por las subidas y bajadas del flujo vibrátil de los jugueteos incesantes… creo que así disfrutaréis del parque temático más jodidamente divertido que pueda imaginarse. Lo de la batería es simplemente de otro mundo, y yo que he tenido la oportunidad de ver a ambos músicos en directo sé de lo que hablo; puedes tocar la batería o integrante en ella siendo un todo sónicamente antropomorfo. 
Geniales los usos de los cascabeles al final del segundo corte que me ha traído a la mente a COLTRANE y RASHIED ALI en el maravilloso INTERESTELLAR SPACE, aunque justo cuando creemos que nos vamos a perder en una vorágine técnica llegan temas más asequibles y cargados de cierto lirismo modal como «Time Impressions». Para cagarse hacia dentro y no dejar residuos… eso sí que es reciclar y lo demás son tonterías.
Un tour de force con el leitmotiv narrativo del viaje a ninguna parte. Bueno, al menos en cuanto a espacio, porque temporalmente a mí esto me suena como grabado en plena New Thing más juguetona, primitiva y espiritual; esa que resultaba tan apasionante por su mezcla de avantgarde jazz, principios de lucha social (raza) y aleaciones imposibles con el hinduismo o conversiones al Islam. Para mí esto no suena en absoluto a jazz contemporáneo o al menos yo lo veo desde los cristales de unas gafas más antiguas.

La muerte tenía un blog, Antonio Martín, 03/07/2017

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