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GALANIANAS. Josep Lluís Galiana, Carlos Galán & Cosmos 21

Josep Lluís Galiana • Carlos Galán • Cosmos 21: GALANIANAS. València: LIQUEN RECORDS • DL: V-2122-2026 • LRCD041. PVP: 20€

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CREDITS​

• Toda la música de / All music by Josep Lluís Galiana (saxos soprano y tenor) y Carlos Galán (piano). Grupo Cosmos 21: Luisa Muñoz (pequeña percusión) y David Arenas (clarinete Sib) en la pista Galaniana cósmica.

• Coproducido por / Co-produced by Josep Lluís Galiana (Liquen Records) y Carlos Galán (Grupo Cosmos 21).

• Grabaciones realizadas en una única sesión en el Auditorio de la Casa del Agua de Navalperal de Pinares (Ávila) con un piano Kawai GS70, el 8 de septiembre de 2025, bajo el registro de Pedro Baselga. La edición se realizó en Infinity Studio (Madrid) el 20 de enero de 2026. / Recordings made in a single session at the Casa del Agua Auditorium in Navalperal de Pinares (Ávila) on September 8, 2025, using a Kawai GS70 piano, under the direction of Pedro Baselga. Editing took place at Infi nity Studio (Madrid) on January 20, 2026.

• Notas del disco de / Liner notes by Alfonso de la Torre.

• Maquetación / Layout by Cap i Cua (Sergio y Alexis Moya)

© Josep Lluís Galiana & Carlos Galán

© ℗ 2026 Liquen Records

DL: V-2122-2026 ·

LRCD041 · liquenrecords.com

GALANIANAS. Josep Lluís Galiana · Carlos Galán · Cosmos 21

Navalperal de Pinares (Ávila), September 8, 2025

PRESENTACIÓN

Galanianas, gal(an)ianas, Galán + Galiana, Galiana + Galán es el trabajo conjunto de dos músicos de gran energía y creatividad, formidable técnica y versatilidad. Entregados a la improvisación en sus respectivas carreras individuales, desde 2022 vienen aunando sus empeños artísticos en el escenario. Mostrando su rupturista discurso sonoro inmerso en la improvisación libre, el presente cedé recoge las pistas que se registraron en una sesión de grabación que ofreció los encuentros sucesivos —del 12 al 16—, y tras los que protagonizaron como dúo en conciertos públicos de Cosmos 21 en ciudades como Madrid, Getafe, Córdoba, Sevilla, Cuenca, Valencia y Castellón.

PRESENTATION

Galanianas, gal(an)ianas, Galán + Galiana, Galiana + Galán is the joint work of two musicians with great energy and creativity, formidable technique and versatility. Dedicated to improvisation in their individual careers, since 2022 they have been combining their artistic work on stage. A showcase for their groundbreaking discourse in sound imbued with free improvisation, this CD contains the tracks recorded in a session that provided the successive encounters from the 12th to the 16th, after which they performed as a duo in public concerts in Cosmos 21 in cities like Madrid, Getafe, Cordoba, Seville, Cuenca, Valencia and Castellon.

Galanianas, músicas de las profundidades

Alfonso de la Torre

Permanecen ciertas obras de arte, perduran en el tiempo, en tanto se desvanecieron otras. Restan aquellas que, como escribiera Pierre Michon: “son opacas y añaden opacidad al mundo”. Músicas para el espacio del mundo en el siglo veintiuno, estas Galanianas, pero podrían haber acompañado tantos otros universos de la creación en la modernidad. Así, escuchándolas, pensé en ciertas pinturas de Max Ernst o en las matériologies y texturologies de Dubuffet y su jargon fonético, mas me devolvieron también al Torner de rocas y líquenes, a las bellas desolaciones de Anselm Kiefer o a las tierras chamotas de Tàpies. Pues devienen Galán y Galiana, en ese calambur entre letra y afinidades secretas, médiums de lo profundo. Inmemorial esta música que ahora comparten con la que tientan penetrar en la realidad profunda que nos rodea, aquello que aquí queda lejano mas reverberante en el exilio de los márgenes. Estos instantes de memoria e invención, errancias allende los sonidos conocidos.

Veintiuna músicas de las profundidades, que uno cree capaces de evocar la revista “Minotaure”, aquel ejemplar de 1934 que incluyó la belleza convulsiva, -o no sería-, ilustrado con las fotos de extraños cristales y corales de Brassaï. Estas Galanianas portan sonidos que van y vienen, resplandecen otrora con una exactitud subterránea, centros dentro de un centro que se encuentran con el mundo en hímnica obsesión, como quienes se regocijan en el hallazgo. Pienso que estas músicas relatan instantes de pérdida, elegías y remansos sonoros, mas son al tiempo conmemoración de lo misterioso, evocación y extravío, tal un imperativo del decir, como si inimaginable fuese otro mundo verdadero. Escuchando, he recordado aquello que contaba Beckett: el mundo está dividido entre quienes buscan y aquellos que han renunciado a buscar.

Buscadores, sí, Galiana y Galán creen intransigentemente en la música, pues estas Galanianas [y Microgalanianas] enmudecen el mundo con sus pequeños instantes tan misteriosos, lux sonora, como vórtices de un tiempo inmóvil donde la vida es. En su ser esta reserva de ensoñación que escuchamos inmersos en un campo de tensiones polares, entre el movimiento de las sombras visibles y un vacío que habita los sonidos. Tal un mysterion que puede atenderse en una experiencia mística, tales destellos, caminantes en la penumbra por senderos suspendidos y, en torno, el murmullo de lo indiscernible. Tal quien escuchó otra voz, llegada de allende, un lejano lugar.

Abismo de los sonidos, parece como si en estas músicas ciertos decires permaneciesen gozosos en su retraimiento, absolutamente secretos, irreductibles a la escucha. Sonidos de estas Galanianas en donde abundan las interferencias discursivas, tal quien tentase desvelar el secreto habitante bajo la superficie de las máscaras. Un desplazamiento hacia los límites, emulando a quien visita un insólito país del afuera, un abismo y extrañamiento arriesgándose en tal afuera de sí.

Mas, atenta escucha. Encontraron el coraje para componer estas músicas, saben entonces que quien compone lo hace en nombre de una pérdida. Sonidos perdidos o redescubiertos que otrora redescubren y ofrecen a esa pérdida, quizás restituyendo aquello ilegible de donde provienen. Sonidos como pulsos, huellas de algo que permanece obstinadamente invisible. Desde este lugar del mundo escuchemos estos condensados de belleza.

Y, en la mesa sentados, esperantes se eleva el decir de estas Galanianas, como aquello que expresara Breton a Dubuffet. Contemplemos frente a nosotros que hay “un asiento reservado al ángel”.

Galanianas, music from the depths

Alfonso de la Torre

Some works of art remain, enduring over time, whilst others have faded away. Those that remain are the ones that, as Pierre Michon wrote, “are opaque and add opacity to the world”. These Galanianas are pieces of music for the space of the world in the twenty-fi rst century, but they could have accompanied so many other universes of creation in modern times. Hence, listening to them, I thought of certain paintings by Max Ernst and Dubuffet’s Matériologies and Texturologies with their phonetic jargon, but they also brought me back to the Torner of rocks and lichens, to Anselm Kiefer’s beautiful desolations, and to the chamotte lands of Tàpies. Thus become Galán and Galiana, in that pun between letters and secret affinities, mediums of the profound. This music that they now share is timeless, tempting us to penetrate the deep reality surrounding us, that which here remains distant but reverberates in the exile of the margins. These moments of memory and invention, wanderings beyond known sounds.

 

These are twenty-one pieces of music from the depths, which one believes are capable of evoking the magazine Minotaure in that 1934 issue that included the convulsive beauty—or it would not exist—illustrated with Brassaï’s photos of strange crystals and corals. These Galanianas carry sounds that come and go, shining in another time with subterranean precision, centres within a centre that meet the world in a hymn-like obsession, like those who rejoice in discovery. I think these musical pieces tell of moments of loss, elegies and sound havens, but at the same time they are a commemoration of the mysterious; they are evocation and straying, like an imperative to say, as if another true world were unimaginable. Listening, I remembered what Beckett said: “the world is divided between those who search and those who have renounced the search”.

 

Searchers indeed, Galiana and Galán believe uncompromisingly in music, because these Galanianas [and Microgalanianas] mute the world with their small, so mysterious moments, sonorous lux, like vortices of a motionless time where life is. In their being is this reserve of reverie that we listen to, immersed in a field of polar tensions between the motion of visible shadows and a void that inhabits the sounds. Like a mysterion that can be dealt with in a mystical experience, such fl ashes, walkers in the half-light along hanging paths and, all around, the murmur of the indiscernible. Like someone who heard another voice, coming from beyond, a distant place.

 

Abyss of sounds, it seems as if within these musics certain sayings remain joyful in their withdrawal, absolutely secret, irreducible to listening. Sounds of these Galanianas where discursive interferences abound, like someone attempting to unveil the secret inhabitant beneath the surface of the masks. A shift towards the limits, emulating someone who visits a remarkable country outside, an abyss and estrangement risking oneself on being outside of oneself.

 

But listen carefully. They found the courage to compose these songs, so they know that whoever composes does so in the name of a loss. Lost or rediscovered sounds that they rediscover in another time and off er up to that loss, perhaps restoring the illegibleness from which they come. Sounds like pulses, traces of something that remains stubbornly invisible. From this place in the world, let us listen to these condensed moments of beauty.

 

And, seated at the table, awaiting, the words of these Galanianas arise, as Breton expressed to Dubuffet. Let us consider that before us there is “a seat reserved for the angel”.

TRACKS​

01. Galaniana 12 [8:19]

02. Galaniana 13 [10:12]

03. Galaniana 14 [5:20]

04. Galaniana 15 [5:56]

05. Galaniana 16 [4:45]

06. Microgalaniana 1 [0:37]

07. Microgalaniana 2 [0:56]

08. Microgalaniana 3 [0:48]

09. Microgalaniana 4 [0:37]

10. Microgalaniana 5 [0:44]

11. Microgalaniana 6 [0:44]

12. Microgalaniana 7 [0:46]

13. Microgalaniana 8 [0:50]

14. Microgalaniana 9 [0:58]

15. Microgalaniana 10 [0:42]

16. Microgalaniana 11 [0:54]

17. Microgalaniana 12 [0:38]

18. Microgalaniana 13 [0:38]

19. Microgalaniana 14 [0:34]

20. Microgalaniana 15 [0:30]

21. Galaniana cósmica* [8:40]

 

(*) Con la participación del Grupo Cosmos 21: Luisa Muñoz, pequeña percusión, y David Arenas, clarinete Sib.

GALANIANAS: Escucha aquí / Escolta ací / Listen here

DOSIER DE PRENSA

GALANIANAS, el nuevo disco de Galiana, Galán y Cosmos 21

Galanianas es un disco de improvisación de Josep Lluís Galiana y Carlos Galán que explora paisajes sonoros profundos, misteriosos y libres mediante técnicas extendidas y una intensa búsqueda creativa. La obra reúne piezas grabadas en 2025 y culmina con una improvisación colectiva junto al Grupo Cosmos 21, destacando por su riqueza tímbrica, su carácter poético y su apuesta por la exploración de los límites del sonido y la escucha.

SUL PONTICELLO, 1 de julio de 2026

«Así, escuchándolas, pensé en ciertas pinturas de Max Ernst o en las matériologies y texturologies de Dubuffet y su jargon fonético, mas me devolvieron también al Torner de rocas y líquenes, a las bellas desolaciones de Anselm Kiefer o a las tierras chamotas de Tàpies. Pues devienen Galán y Galiana, en ese calambur entre letra y afinidades secretas, médiums de lo profundo. Inmemorial esta música que ahora comparten con la que tientan penetrar en la realidad profunda que nos rodea, aquello que aquí queda lejano mas reverberante en el exilio de los márgenes», comienza el teórico y crítico de arte Alfonso de la Torre sus notas al disco Galanianas, recientemente publicado en el sello valenciano Liquen Records.

Continúa De la Torre: «Estas Galanianas portan sonidos que van y vienen, resplandecen otrora con una exactitud subterránea, centros dentro de un centro que se encuentran con el mundo en hímnica obsesión, como quienes se regocijan en el hallazgo. Pienso que estas músicas relatan instantes de pérdida, elegías y remansos sonoros, mas son al tiempo conmemoración de lo misterioso, evocación y extravío, tal un imperativo del decir, como si inimaginable fuese otro mundo verdadero. Escuchando, he recordado aquello que contaba Beckett: el mundo está dividido entre quienes buscan y aquellos que han renunciado a buscar».

Galanianas, gal(an)ianas, Galán + Galiana, Galiana + Galán es el trabajo conjunto de Josep Lluís Galiana y Carlos Galán, dos músicos de gran energía y creatividad, formidable técnica y versatilidad. Entregados ambos a la improvisación desde hace décadas en sus respectivas carreras artísticas, es a partir del año 2022 cuando comienzan a aunar sus empeños creativos sobre los escenarios. Mostrando su disruptiva propuesta sonora inmersa en la libre improvisación musical, el disco compacto recoge las piezas que se registraron en una sesión de grabación en el Auditorio de la Casa del Agua en Navalperal de Pinares (Ávila) el 8 de septiembre de 2025 y que ofreció los encuentros sucesivos —de la ‘galaniana’ 12 a la 16—, y tras los que protagonizaron como dúo en conciertos públicos del Grupo Cosmos 21 en ciudades como Madrid, Getafe, Córdoba, Sevilla, Cuenca, Valencia y Castellón de la Plana.

Alfonso de la Torre afirma en sus notas que «Galiana y Galán creen intransigentemente en la música, pues estas Galanianas [y Microgalanianas] —el disco recoge también 15 Microgalanianas, piezas que no superan el minuto de duración— enmudecen el mundo con sus pequeños instantes tan misteriosos, lux sonora, como vórtices de un tiempo inmóvil donde la vida es. En su ser esta reserva de ensoñación que escuchamos inmersos en un campo de tensiones polares, entre el movimiento de las sombras visibles y un vacío que habita los sonidos. Tal un mysterion que puede atenderse en una experiencia mística, tales destellos, caminantes en la penumbra por senderos suspendidos y, en torno, el murmullo de lo indiscernible. Tal quien escuchó otra voz, llegada de allende, un lejano lugar».

El encuentro de Galán y Galiana se traduce en una rica sucesión de hallazgos, logros, derivas y fragmentaciones sonoras, como consecuencia del uso del arpa del piano como si de un laboratorio de pura experimentación musical se tratase con una notoria predisposición a la percusión y a los frotamientos y rasgueos, y la utilización de una gran infinidad de recursos sonoros en los saxos soprano y tenor de Galiana como son las sordinas, slaps, ruido de zapatillas, armónicos, glisandi y obstinati, multifónicos, flattements, microtonalidades, fonetismos y aeolian sounds, entre otros muchos.

Alfonso de la Torre concluye sus notas de marcado tono poético con esta hermosa reflexión sobre los límites, la escucha y el silencio: «Abismo de los sonidos, parece como si en estas músicas ciertos decires permaneciesen gozosos en su retraimiento, absolutamente secretos, irreductibles a la escucha. Sonidos de estas Galanianas en donde abundan las interferencias discursivas, tal quien tentase desvelar el secreto habitante bajo la superficie de las máscaras. Un desplazamiento hacia los límites, emulando a quien visita un insólito país del afuera, un abismo y extrañamiento arriesgándose en tal afuera de sí».

Finalmente, el CD recoge una última pista —Galaniana cósmica— en la que se unen al dúo los miembros del Grupo Cosmos 21 David Arenas, al clarinete, y Luisa Muñoz, a la percusión. Con la incorporación de ambos músicos comienzan inesperadas exploraciones, en la que cada improvisador busca su incardinación dentro de este imprevisible cuarteto. En el transcurso de la Galaniana cósmica se alcanzan momentos de gran fuerza y energía sonoras, máxima compenetración, tensión rítmica y conflicto de intereses. Alrededor del minuto cinco, se plantea una sección de armonías, generando capas laminares de sonido y colores, combinadas con otras de ruidismo a partir de aire emitido por los instrumentos de viento madera, frotaciones surgidas del piano y otras aportaciones percusivas, sin obviar los ricos diálogos instrumentales que se establecen entre todos ellos.

El disco será presentado en concierto el 30 de junio (19h) en la Sala de la Muralla del Col·legi Major Rector Peset de la Universitat de València, que contará con la participación del compositor, catedrático del Superior de Valencia y exdirector de los ENSEMS, Voro García, y el compositor Llorenç Barber en la presentación. Esa misma semana, el 3 de julio (17h), la presentación tendrá lugar en el auditorio de la Asociación de Artistas AIE, en su sede de Madrid, en la que participará el teórico y crítico de arte y autor de las notas del disco Alfonso de la Torre. En ambas presentaciones, a Josep Lluís Galiana y Carlos Galán se sumarán los miembros del Grupo Cosmos 21, Luisa Muñoz y David Arenas.

Presentació de Galanianas de Josep Lluís Galiana & Carlos Galán al Col·legi Major Rector Peset de la Universitat de València el 30 de juny (19h)

Amb la col·laboració especial dels membres del Grupo Cosmos 21: David Arenas (clarinet) i Luisa Muñoz (percussions) i amb la participació com a presentadors dels compositors Llorenç Barber i Voro García.

Editat pel segell discogràfic valencià Liquen Records en el seu 10.º Aniversari.

 

Galanianas, gal(an)ianas, Galán + Galiana, Galiana + Galán és el treball conjunt de dos músics de gran energia i creativitat, formidable tècnica i versatilitat. Entregats a la improvisació en les seues respectives trajectòries individuals, des de 2022 venen juntant els seus esforços artístics en l’escenari, mostrant el seu rupturista discurs sonor immers en la lliure improvisació. El present disc arreplega les pistes que es registraren en una sessió de gravació a l’Auditori de la Casa del Agua de Navalperal de Pinares (Àvila) el 8 de setembre de 2025, i després dels encontres que protagonitzaren com a duet en concerts públics del Cosmos 21 en ciutats com ara Madrid, Getafe, Còrdova, Sevilla, Conca, València i Castelló. El llibret del CD compta amb unes notes escrites pel crític i teòric d’art Alfonso de la Torre.

 

Dimarts, 30 de juny, a les 19 hores.

Sala de la Muralla 


Organitzen: Liquen Records i Col·legi Major Rector Peset de la Universitat de València.

‘GALANIANAS’, el encuentro entre Josep Lluís Galiana y Carlos Galán llega en forma de disco con Liquen Records

Ramón Martínez, radiobanda.com, 26 de junio de 2026

El saxofonista valenciano Josep Lluís Galiana y el pianista madrileño Carlos Galán presentan su primer trabajo conjunto, un álbum dedicado a la improvisación libre que verá la luz bajo el sello valenciano Liquen Records y que se presentará en València y Madrid la próxima semana.

El sello valenciano Liquen Records ha publicado ‘GALANIANAS’, el primer álbum grabado conjuntamente por el saxofonista Josep Lluís Galiana y el pianista Carlos Galán, dos intérpretes con una larga trayectoria en el ámbito de la música contemporánea y la improvisación. El trabajo recoge una sesión de grabación realizada el 8 de septiembre de 2025 en el Auditorio de la Casa del Agua de Navalperal de Pinares (Ávila) y supone la referencia número 41 del catálogo del sello, que este año celebra su décimo aniversario.

El disco será presentado en directo el próximo 30 de junio en la Sala de la Muralla del Col·legi Major Rector Peset de la Universitat de València, con la participación de los compositores Llorenç Barber y Voro Garcia, mientras que el 3 de julio llegará al Auditorio de la Sociedad de Artistas AIE de Madrid, donde la presentación correrá a cargo del crítico y teórico de arte Alfonso de la Torre, autor también de las notas del álbum.

‘GALANIANAS’ nace de la colaboración iniciada por Galiana y Galán en 2022 y plasma cinco improvisaciones de larga duración —de la Galaniana 12 a la 16— junto a una colección de quince Microgalanianas, breves piezas que exploran la espontaneidad sonora en menos de un minuto.

El trabajo culmina con ‘Galaniana cósmica’, una extensa improvisación en la que participan también dos integrantes del Grupo Cosmos 21: David Arenas, al clarinete, y Luisa Muñoz, en la percusión. Esta formación amplía el universo sonoro del dúo mediante un diálogo colectivo en el que conviven capas armónicas, texturas ruidistas y una intensa interacción instrumental.

Uno de los aspectos más destacados del álbum es la amplia investigación tímbrica desarrollada por ambos músicos. Carlos Galán convierte el interior del piano en un espacio de experimentación mediante percusiones, frotamientos y rasgueos sobre las cuerdas, mientras que Josep Lluís Galiana despliega un extenso repertorio de recursos en los saxofones soprano y tenor, incorporando multifónicos, armónicos, glissandi, microtonalidades, slaps, sonidos eólicos y otras técnicas extendidas propias de la improvisación contemporánea.

Las notas del disco, firmadas por Alfonso de la Torre, establecen un diálogo entre la música y las artes plásticas, relacionando las improvisaciones con las obras de artistas como Max Ernst, Jean Dubuffet, Gustavo Torner, Anselm Kiefer o Antoni Tàpies. Para el crítico, las composiciones exploran “una realidad profunda” donde el sonido se convierte en un espacio de búsqueda, misterio y contemplación.

Además de su edición en CD, ‘GALANIANAS’ ya se encuentra disponible en las principales plataformas internacionales de streaming, ampliando la difusión de un proyecto que refuerza la apuesta de Liquen Records por las músicas improvisadas y experimentales.

Con este lanzamiento, Josep Lluís Galiana y Carlos Galán consolidan una colaboración artística que continúa creciendo y que sitúa la improvisación libre como eje de un discurso musical abierto, arriesgado y plenamente contemporáneo.

Publicado el

HOMENATGE A MANOLO MILLARES I PABLO PALAZUELO. Joan Gómez Alemany i Josep Lluís Galiana

Joan Gómez Alemany i Josep Lluís Galiana: HOMENATGE A MANOLO MILLARES I PABLO PALAZUELO. València: LIQUEN RECORDS • DL: V-4593-2025 • LRCD039. PVP: 20€

Gastos de envío incluidos para España / Shipping costs included for Spain; para el resto del mundo, consulte coste de envío / for the rest of the world, chek shipping cost; otros métodos de pago / other payment methods. Contacto / Contact: liquenrecords@liquenrecords.com

CRÈDITS

HOMENATGE A MANOLO MILLARES I PABLO PALAZUELO

Josep Lluís Galiana, saxofons soprano i tenor

Joan Gómez Alemany, composició electrònica

 

Música de Joan Gómez Alemany i Josep Lluís Galiana

El disc fou enregistrat el 14 de novembre de 2022 a Liquen Studios, Pedralba, València, Espanya

Gravació: Josep Lluís Galiana

Mescla: Joan Gómez Alemany

Masterització: Juan Carlos Tomás (La Seta Azul)

Produït per Josep Lluís Galiana

Disseny gràfic de Sergi i Alexis Moya (Cap i Cua)

Imatge de portada: El número y las aguas IV (1978), de Pablo Palazuelo

Notes al disc: Alfonso de la Torre

Imatges: dels seus autors

© 2025 Josep Lluís Galiana i Joan Gómez Alemany

© Liquen Records

DL: V-4593-2025 • LRCD039 • liquenrecords.com

 

Llibret en valencià i castellà

 

Agraïments especials a la Fundación Pablo Palazuelo, a la família de Manolo Millares i a la Fundación Azcona.

 

Adaptació de l’obra original de Pablo Palazuelo

 

El número y las aguas IV, Oli sobre tela, 222 x 160 cm, 1978

Col·lecció particular, © Fundación Pablo Palazuelo.

Amb el suport de

LLISTA DE COMPOSICIONS

1. Para Pablo Palazuelo, variaciones sobre un imposible paisaje (electroacústica) (2023) [ 8.01]

2. Millares 1972-2022 (obra per a saxofons i electrònica) (2022)  [ 27.48 ]

3. Millares 1970 (obra per a saxofons i electrònica) / (2022) [ 22.42 ]

NOTES AL DISC

MÚSICA COM A PETJADA

Por Alfonso de la Torre

Para Pablo Palazuelo, variaciones sobre un imposible paisaje (obra electroacústica) (2023).

 

Un lleu murmuri s’encén: no és encara música, sinó una cosa anterior, un batec que no se sap si és del món o del que el somia. Així, com una forma que apareix després de les parpelles, s’inicia este recorregut per l’impossible paisatge, on el visible i l’audible es confonen. Les variacions són el mode d’eixe lliscament: figures musicals com a línies que es pleguen, es repensen, es busquen com en el dibuix que mai acaba.

 

Hi ha en esta peça un espai on la reixa no és només presó, sinó partitura: la quadrícula on germina la llibertat de la línia, la llibertat del so. Perquè ací, la música no narra ni acompanya: desplega. Obri. Cava, com qui excava en l’arena buscant una forma. Com aquelles paraules de Paul Klee: que l’art no representa el visible, fa visible l’invisible.

 

El paisatge -urbà, vegetal, oníric emergix entre el que se sent i el que es recorda haver sentit. És un bosc-ciutat, amb els seus murmuris de cotxes-selva, aus-motors, veus que no parlen sinó murmuren al mode de la llum quan canvia. En este món, hi ha polsos que no obeïxen al temps, sinó a la respiració secreta del geomètric. Ací, la imatge batega. El so no segueix, sinó que dibuixa.

 

Les línies somien. I en somiar, obrin finestres. No finestres a l’exterior, sinó cap a dins, com volia Leon Battista Alberti: quadres on mirar és una manera d’estar. Així també sona esta música: no com a fons immòbil, sinó com a fons del món. Com a ritme del buit, eixa lleu resplendor que precedeix a la forma. Tal vegada eixe silenci.

 

Escoltar esta obra és assistir a una arquitectura del pols. A una melodia que ha oblidat la melodia per a recordar la llum. Un regne. Un impossible regne que, no obstant això, ens toca. Com qui passa al costat d’una línia i descobreix que no era línia, sinó horitzó.

 

Fitxa de la pel·lícula: Rodada per Joan Gómez Alemany. Estrenada el 18 de maig de 2023 (Dia Internacional dels Museus) en el MARCO de Vigo.

Portada del llibre CARTAS EN TORNO A MANOLO MILLARES, PABLO PALAZUELO Y OTROS. Una correspondencia (2018-2022) entre Alfonso de la Torre y Joan Gómez Alemany, editado por EdictOràlia en el año 2022

 Millares 1972-2022 (obra per a saxofons i electrònica) / 2022

 

Tinc ací els ulls desmesurats de Van Gogh amb el seu darrer tret (Manolo Millares)

 

Una llum. Una sola paret. Hores de variació quasi imperceptible, on la llum no il·lumina: respira. Millares 1972-2022 es configura com una meditació en sons que transmeten l’energia de les gradacions lumíniques sobre un mur. No hi ha gest, no hi ha figura, però sí transformació: una fusió d’espai-temps que converteix el sonor en una matèria viva. Un paisatge sense forma fixa. Una pintura sense pigment realitzada per la música. Un cos invisible sense cos físic.

 

Esta composició proposa no tant l’escoltar o el veure, com l’habitar. En ella, cada transició sonora recorda un canvi lumínic i és com una respiració pètria, com si el material es tornara orgànic. Tal si el suport mateix -eixa paret- es fera metàfora del llenç i del temps. Com si el visual es transformara en una experiència sensorial, quasi tàctil. No hi ha ací efecte, sinó afecte. No hi ha il·lustració, sinó ressonància: el so es plega sobre si mateix, tornant-se presència mínima, infra-sonora, gravetat en suspensió. Música com a tragèdia lenta. Música com a petjada.

 

I sobre eixe fons -tan tènue, tan profund- el saxofon. Gravat i tractat, però amb una funció distinta a la que té en la videocreació Millares 1970. No és crit, ni rugit, ni matèria violenta. Ací, el saxofon s’esvara amb suavitat quasi espectral. Produeix harmonies lentes, denses, tan pròximes que generen batiments: eixe tremolor de la coincidència tonal on el color es fusiona amb un altre color. Com un prisma sonor. Tal una col·lisió vibratòria. Eixa idea -de tons que topen- es replica en la textura, que també es descompon i recompon en interferències. Llum que xoca. So que frega. Així es reforça la unitat interdisciplinària d’esta obra: imatge, so, cinema i pintura. Tot s’entrecreua en un sol pla d’experiència, en un ritme pausat i immersiu que, lluny de buscar l’impacte, prepara a l’espectador per a entrar a Millares 1970. Per tant, Millares 1972-2022 no és una obra narrativa, sinó un llindar. No un document, sinó una pregunta suspesa. Com la mort, que ací no es mostra, sinó que es filtra en cada segon. Una recerca de la bellesa que no excloga l’horror, però el torne pensament. En esta composició, eixa afinitat es torna música de l’esvaïment. Pintura que no pinta, sinó deixa veure. L’obra se situa com un acte d’escolta diferida, com un tremolor que no passa. Enfront de les ferides obertes de Millares 1970 -el seu crit polític, el seu taller com a camp de batalla-, Millares 1972-2022 es proposa com el silenci que queda. El ressò que no cessa. La resplendor última abans de la foscor. I en eixe silenci, encara se sent. Encara ressona el que no es pot dir.

 

A Millares 1970 l’artista remescla en homenatge les músiques de Pierre Schaeffer i Pierre Henry, per això, a Millares 1972-2022 es fa el mateix amb músiques de Luigi Nono, especialment la seua obra Guai ai gelidi mostri. Nono mai no va conéixer a Millares. No obstant això, entre els dos va existir un amic comú: Emilio Vedova. A ell, Nono va dedicar la seua peça electrònica Omaggio a Emilio Vedova, que serà remesclada en la següent pista d’este disc.

 

Si Millares 1972-2022 és un homenatge al cinquanta aniversari de la defunció de l’artista, este 2024 es va celebrar el centenari del naixement de Luigi Nono. Els dos continuen dialogant en el temps: Millares des de la matèria, Nono des del so.

Fitxa de la pel·lícula: Rodada per Joan Gómez Alemany. Estrena en la seua versió cinematogràfica, el 21 de setembre del 2022 en el Institut Valencià d’Art Modern (IVAM). En la seua versió amb música en directe l’11 de novembre en la Fundación Antonio Pérez – Centro de Arte Contemporáneo de Cuenca.

Manolo Millares

Millares 1970 (obra per a saxofons i electrònica)

/ 2022

El so tremola. Un cos es mou, un cos treballa. És Millares, sí, però també és una mica més: una figura en el llindar entre gest i ferida. El ritual no és només pictòric: és sonor. I el crit que no s’escolta esguita, com a sang en la partitura d’esta banda sonora per a una videocreació concebuda pel mateix Millares al costat de la seua dona, Elvireta Escobio, realitzada en 1970. Ací, el so no acompanya la imatge: la confronta, l’amplifica, la subvertix. Escoltem un lament que no crida, però crema. Escoltem explosions, bufades, roncs i ferides. Escoltem la matèria esbocinada. És una música que ha descendit al fons del quadre i ha trobat allí la història, la guerra, el camp arrasat. L’estripat.

 

Els saxofons de Galiana, envestits per tubs, gots, aire violent, recorden que en esta música també es pinta. El músic es torna obrer del so, de la mateixa manera que Millares es converteix en oficiant d’una litúrgia d’arpillera i sang. És un cinema de trinxeres. Un cinema del cos. I esta música és el seu ressò, la seua ombra, el seu espill desfigurat.

 

Inspirada en Pierre Henry, Pierre Schaeffer, Luigi Nono… esta obra transfigura els elements: el sospir de l’ofegat es torna textura electrònica. El tret, un colp de freqüències. El que fa mal, s’estira fins a l’insuportable. I, no obstant això, no hi ha gratuïtat: hi ha memòria. I un crit contingut que recorre les ruïnes. No és un cant, sinó un rugit difús. Una estètica de la fi que rebutja allò decoratiu. La mort no és ací símbol, sinó cos. La matèria de l’horror s’escolta, es frega. És una imatge que es podreix, sí, però també una imatge que resisteix. Perquè encara crida. Encara sagna.

 

Esta banda sonora no adorna: acusa. No subratlla: interroga. És pintura sonora que naix d’un ganivet. D’un dit que sagna. D’un silenci que no es pot callar. Per això, en escoltar-la, no contemplem: entrem. Acompanyem a Millares no en l’obra, sinó en el gest. No en la pintura, sinó en la seua grossària. Un crit. Un cadàver. Un so que, com l’horror, no s’oblida.

 

Fitxa de la pel·lícula: Rodada per Elvireta Escobio i Manolo Millares (1970). Muntatge i so original: Manolo Millares. Música: Pierre Henry (Expresionisme 1952: Musique sans titre, Le voile d’Órphée, Tam Tam IV, Astrologie), Pierre Schaeffer (Trois directions: a/Bruitage-Étude aux chemins de fer, b/Poethique-Étude pathétique, c/ Une seule source sonore) y Pierre Schaeffer y Pierre Henry (Symphonie pour un homme seul). Estrena amb la nova banda sonora que s’arreplega en este disc, l’11 de novembre del 2022 en la Fundación Antonio Pérez – Centro de Arte Contemporáneo de Cuenca.

 

Agraïments especials a la Fundación Pablo Palazuelo, a la família de Manolo Millares i a la Fundación Azcona.

Joan Gómez Alemany, Alfonso de la Torre, Josep Lluís Galiana, José Zárate, Elvireta Escobio, Jesús Carrascosa, Marie-Claire Decay i Coro Millares, en Cuenca, el 11 de novembre de 2022

Notes al disc per Alfonso de la Torre

DOSIER DE PRENSA

Pinceladas musicales para Pablo Palazuelo y Manuel Millares

Paco Yáñez, Scherzo, 1 de marzo de 2026

Además de compositor, Joan Gómez Alemany es también artista plástico, de ahí que en su catálogo musical abunden los diálogos con la pintura, a los que este compacto del sello Liquen suma dos referentes cruciales del arte español contemporáneo: Pablo Palazuelo y Manuel Millares.

Al primero dedica Para Pablo Palazuelo, variaciones sobre un imposible paisaje (2023), obra electroacústica que oscila entre el paisajismo sonoro y el documental, incluyendo palabras en off de Palazuelo, lo que convierte a la música en reflexión sobre el arte y su relación con la vida.

Ya con el saxofonista Josep Lluís Galiana, las piezas que tienen a Manuel Millares como protagonista nos ofrecen dos perspectivas muy distintas sobre el artista canario. La primera de ellas recuerda su prematura muerte, por lo que Millares 1972-2022 (2022), para saxofones y electrónica, adquiere un carácter elegiaco, con una notable influencia de Luigi Nono (del que Joan Gómez remezcla Guai ai gelidi mostri), por el halo suspendido de la electroacústica y el mistérico tenuto de un saxofón que se infiltra en el tejido microtonal, basculando entre lo escrito y lo improvisado, por lo que es aquí pertinente rescatar el término «comprovisación», tantas veces utilizado por Galiana.

Ese mismo procedimiento estructura Millares 1970 (2022), una obra que nos conduce al artista de las arpilleras más viscerales. La electrónica incluye obras de Pierre Schaeffer y Pierre Henry ya presentes en la película rodada por Elvireta Escobio y Manuel Millares en 1970 con la que la música de Joan Gómez dialoga. A ellas se suma Nono, cuyo Omaggio a Emilio Vedova convoca a un pintor que también fue amigo de Millares. El saxofón imprime desgarro y color a un paisaje de feroz expresionismo, en un disco, como su grabación y las notas de Alfonso de la Torre, excelente.

JOSEP LLUÍS GALIANA & JOAN GÓMEZ ALEMANY - "HOMENATGE A MANOLO MILLARES I PABLO PALAZUELO" (LÍQUEN RECORDS LRCD039, 2025)

Antonio Martín «Coronel Mortimer», La muerte tenía un blog, 2 de mayo de 2026

«La vida transcurre por un sendero muy estrecho, fuera del cual están los problemas.» (PABLO PALAZUELO)

Josep Lluís Galiana (saxo soprano y saxo tenor) y Joan Gómez Alemany (composición electrónica) consiguen llevarme hasta el límite de mis facultades mentales en esta intensa, apabullante y oscurísima obra en tres partes (son independientes, pero en mi cabeza forman un corpus) titulada HOMENATGE A MANOLO MILLARES I PABLO PALAZUELO. Y digo oscura por hermética que no `oscurantista´ por pesadumbre. Es fácil desviar la atención cuando tratamos la electroacústica y confundirla con otras cosas que nada tienen a priori nada que ver (¿o sí?). Concretamente aquí, asistimos a una radiografía biográfica musical sobre las figuras del pintor Manolo Millares  (Las Palmas de Gran Canaria, 17 de febrero de 1926 – Madrid, 14 de agosto de 1972) y el pintor y escultor Pablo Palazuelo (Madrid, 8 de octubre de 1915 – Galapagar, Madrid; 3 de octubre de 2007) que son descompuestos y despedazados en sonido, textura y sincretismo. 

Por cierto, antes de seguir comentar que las tres piezas son audiovisuales y en cada comentario dejaré enlace para que la podáis disfrutar con toda su potencia sensorial (en el libreto del disco hay QR que enlazan igualmente con los vídeos).

Tanto Millares como Palazuelo se mueven dentro del Movimiento Abstracto y son aquí tapizados en sonido por la excelsa experiencia (me niego a volver a presentarlos en sociedad) de Galiana y Alemany, haciendo que me haga antes de meterme de lleno en la disección del disco una pregunta quizás extraña. ¿Es real la Abstracción? ¿Es lo abstracto una falla en las herramientas de decodificado? ¿Existe la Improvisación? ¿Hay algún lugar recóndito, quizás Freudiano, donde el artista plástico (o musical) bucee cual líquido amniótico para mediumnizar una obra a este lado de la realidad? Y digo esto porque precisamente la realidad cuando la analizas parece al mismo tiempo caótica que ordenada. En los animales (también en humanos pero de otra manera) existe eso que Campbell en Las Máscaras de Dios (1959) llamaba el MIL o `Mecanismo Innato de Liberación´, un circuito neuronal genéticamente grabado en los animales que funciona a través de estímulos (`triggers´) ambientales, provocando una actuación fija y muy estereotipada. 

El ser humano, que tiene la bendición / maldición de tener Conciencia, en un alarde de pobreza intelectual no se le ocurre otra cosa que inventar el término `Deux Ex Machina´ como bisagra argumental / comodín del público de todo lo que no entiende y así podríamos debatir hasta que la tierra caduque si Pierre Schaeffer, Pierre Henry, Dubuffet, Alemany o Galiana CREAN (por cosas menos graves han quemado a gente en la historia por usar este proceso de deificación) o INVOCAN directamente del caldo miásmico que subyace en los `Mecanismos Innatos de Liberación´ que más se ajustan al arte. Sea como sea, Alfonso de la Torre (crítico, teórico e historiador del arte) trae un maravilloso texto que da en titular `Música Como Huella´ que sirve de notas al álbum que hoy os presento, prácticamente una hora que masteriza Juan Carlos Tomás (La Seta Azul) y edita LÍQUEN RECORDS en precioso digipack con portada del propio Palazuelo, concretamente su obra «El número y las aguas IV» (1978), curiosamente muy entroncada serie con la composición musical / caligrafías musicales y que está muy marcada por intereses diversos del artista en aquellos años como matemática la física, la psicología, la numerología, la cultura islámica o el arte chino. 

A partir de aquí me voy a salir de la zona de comfort (hecho ya realmente desde que he decidido reseñar algo de tal calibre), intentando olvidar las influencias que puedan permearse de la lectura del excelso texto de Alfonso de la Torre y escribir lo más independientemente posible mi reseña; evitar por tanto eso que llamo Contaminación Osmótica (es decir, pasar de un grandísimo grado de conocimiento en su texto a mi humilde interpretación a través de un fisiológico paso de letras que ocurre a través de una membrana, digamos hematoencefálica, y por gradiente de presión intelectual). Desnúdate y dame la mano:

«Para Pablo Palazuelo, variaciones sobre un imposible paisaje», rodado por Alemany y que se estrena el 18 de Mayo de 2023 en el Día Internacional de los museos (MARCO, Vigo). Ocho minutos vitalmente caleidoscópicos que equivalen a dibujar lo cotidiano en la parte interna del hueso frontal del cráneo (entrecejo), ejercicio bastante habitual en los procesos meditativos orientales y que producen el curioso efecto de producir `de la nada´ imágenes y sonidos que no debieran estar ahí; al fin y al cabo, si nos tapamos ojos y oídos, ¿cómo es posible sentir realmente un paisaje y oírlo? No queda ahí la cosa porque es posible hacer lo mismo con los cinco sentidos. Para entender algo así os recomendaría meteros de lleno en la Teoría de los Colores de Kandinsky y su afectación a nivel emocional. 

El oyente aporta su propio paisaje y las texturas que le pertenecen porque lo que suena es lo suficientemente abstracto (rural, pétreo, vegetal, arenoso, rocoso, acuoso…) para que se adapte y amolde a cada cual en una pareidolia sensorial. Es una brutal fusión / confrontación versus emancipación / cópula entre lo que se escucha y lo que se ve (o evoca). Una pieza comunal en la que cada persona es arquitecto, constructor y destructor de su propia experiencia auditiva (`todos somos Fulcanelli´ sería mi lema). En cuanto a recursos musicales, la amplificación y procesamiento de los sonidos en collages narrativos eluden la melodía pero no el ritmo narrativo. `La Naturaleza no se puede copiar´ dice la propia voz de campo de una entrevista de Palazuelo.

Sigue la enorme «Millares 1972-2022 (obra para saxofones y electrónica)», rodada también por Alemany, se estrena cinematográficamente el 21 de septiembre de 2022 (Institut Valencià d´Art Modern) y el 11 de Noviembre el su versión con música en directo (Fundación Antonio Pérez, Centro de Arte Contemporáneo de Cuenca). Claroscuros sostenidos lentos y agudos en los que el saxofón casi se transforma en un instrumento de cuerda que podría recordarnos a la claustrofóbica opresión contrapicada de Bernard Herrmann. El procesado electrónico duplica y triplica las líneas narrativas trenzando el resultado en una suerte de sinfonía sugerida en la que las sordinas adquieren tintes vocales y todo vibra en amenazadoras longitudes de onda. Por alguna razón no me quito de la cabeza tanto las composiciones post Holocausto de Penderecki o Gorecki como las últimas grabaciones complejísimas en orquesta de Roscoe Mitchell para ECM. Pasajes con cierto cariz tribal de Galiana al saxo se mezclan con una base fantasmal, flotante y que roza el Drone. 

Es imposible no acordarse de la Clásica Contemporánea de Luigi Nono, del uso oriental / selvático a lo Lou Harrison (pero sin percusiones) o Pierre Henry. La sensación no es caótica sino estructurada y es curioso como a pesar de que lo primero que hubiera pensado reflejar aquí es el uso del `error´ o `glitch´ como recurso, sucesivas escuchas me llevan a irme por caminos diametralmente opuestos.

Si somos lo suficientemente eclécticos y borramos los prejuicios, el Dark Ambient de primeros de los 90 se asemejaba bastante a esto, inclusive con la aparición de breves coros vocales monásticos. Otros tramos llevan a la improvisación libre de ISKRA1903 y si no fuera porque Galiana aporta cierta armonía, Group Ongaku sería también algo referencial. El fondo electrónico a partir del minuto 14 es lo suficientemente oscuro para apoyar mi teoría de que fenómenos como la electroacústica y el Industrial Noise persiguen el mismo estado meditativo en el oyente. Otra cosa evidentemente es el discurso contextual sobre los que se mueven. Si seguimos con Campbell, diría que Galiana atraviesa con el saxo el laberinto que le construye Alemany en la Búsqueda Griálica del Héroe. Fabulosos los contrapicados del clímax final del tema que vuelven a llevarme a Penderecki. 

«Millares 1970 (obra para saxofones y electrónica)» es la tercera pieza del disco, cuya película se grabara por Elvireta Escobio y el propio Millares en 1970 y cuya banda sonora aportara Pierre Henry y Pierre Schaeffer. El estreno con nueva banda sonora de Alemany / Galiana es el 11 de Noviembre (2022) en la Fundación Antonio Pérez (Centro de Arte Contemporáneo de Cuenca). Sonidos muy amplificados, regurgitaciones, inversiones del peristaltismo, deconstrucción controlada, despintar un cuadro o lo que es lo mismo, ir de la última a la primera pincelada, y de ahí a la blancura del lienzo. Asi suena una pieza que usa tanto tonos acuáticos como ecos, moviéndose en el espectro subsónico del sonido como en muchos discos de Evan Parker con electrónica. La sensación general es de inversión temporal (ayuda a eso el procesamiento que se hace de la sordina del saxo, que parece acelerada) y se disfruta mucho más cuando se acompaña de las imágenes, por ejemplo la parte en la que Millares trabaja con la arpillera y el viento con saliva parece la vértebra que lo une todo (hilo de tripas de viento).
 
No está demasiado lejos esto de los trabajos más minimalistas (formato trío) de la Spontaneous Music Ensemble. Evidentemente la experiencia es muy distinta con o sin imagen, pero lo curioso es que ambas maneras funcionan y tienen coherencia argumental (eso sí, diría que con imagen es más amable y sin ella la sensación es más dura). Pasajes sosegados, hipnóticos y casi agónicos (minuto 11 o así). El oyente casual, sin sustrato visual, se enfrentará a una poliédrica inmersión de Ambient Jazz con recursos electrónicos que van de lo pausado a lo agresivo en forma de gritos y aullidos que se mezclan con ese característico timbre de Galiana que incluso se desnuda completamente (minuto 14) para darnos un fabuloso pasaje gospeliano (a lo Ayler) aunque ojito, lo Industrial (sé que esta palabra no gustará a los académicos) eclosiona con una inusitada fuerza…. Noise e incluso Harsh Noise subyugan.
 
Se puede pintar con música. Se puede hacer música en un lienzo. Se puede pintar ciego y se puede escuchar sordo. Insondable es el pozo donde bucean los artistas que ven y oyen con sentidos distintos a los de los comunes de los mortales. Su apnea es eterna al igual que su obra. 
«La destrucción y el amor corren parejos por espacios y parajes descoyuntados. No importa que el hombre se haya roto si de él emergen rosas de légamos y principios renovadores como puños.» (MANOLO MILLARES)
Millares 1970
Millares 1972-2022
Para Pablo Palazuelo

Josep Lluís Galiana i Joan Gómez Alemany posen música als artistes Manolo Millares i Pablo Palazuelo

En les notes del llibret del disc, el teòric i crític d’art i especialista en art espanyol contemporani Alfonso de la Torre fa una anàlisi de les tres obres que inclou l’àlbum

Valencia Plaza, 22/01/2026

Liquen Records, que difon músiques improvisades i experimentals des de 2016, publica l’àlbum dels músics valencians Josep Lluís Galiana i Joan Gómez Alemany (saxofons i electrònica), inspirat en l’obra dels reconeguts artistes grancanari i madrileny Manolo Millares i Pablo Palazuelo, en les principals plataformes del món.

 

El treball, amb la col·laboració de la Fundació Pablo Palazuelo, la família de Millares, la Fundació Azcona i l’Institut Valencià de Cultura, és la banda sonora de tres pel·lícules, estrenades en el Museu d’Art Contemporani de Vigo, Institut Valencià d’Art Modern (IVAM) de València i Fundació Antonio Pérez-Centre d’Art Contemporani de Conca.

 

La producció té la seua gènesi en el llibre Cartas en torno a Manolo Millares, Pablo Palazuelo y otros (EdictOràlia 2022), any en què es commemorava el 50é aniversari de la defunció de Millares, i veu la llum en el centenari del naixement de l’artista.

Ha sigut un gran repte com artista participar en aquest projecte en el qual hem compost i realitzat improvisacions musicals a partir de l’obra de Manolo Millares i de l’obra audiovisual tant de Millares com de Gómez Alemany”, explica Josep Lluís Galiana.

 

Joan Gómez Alemany afegeix: “La música dialoga amb la pintura, el cinema, l’escriptura i el pensament, traduint la ferida de Millares en crit acústic i la línia de Palazuelo en paisatge abstracte”.

 

En les notes del llibret del disc Homenatge a Manolo Millares i Pablo Palazuelo, el teòric i crític d’art i especialista en art espanyol contemporani Alfonso de la Torre fa una anàlisi de les tres obres que inclou l’àlbum.

Josep Lluís Galiana y Joan Gómez Alemany homenajean a Millares y Palazuelo

Josep Lluís Galiana y Joan Gómez Alemany rinden homenaje en un disco a los pintores Manolo Millares y Pablo Palazuelo, pulvinar dapibus leo.

Fundación Pablo Palazuelo, 5 de febrero de 2026

El trabajo de los dos músicos valencianos, en el que han colaborado la Fundación Pablo Palazuelo, la familia de Millares, la Fundación Azcona y el Institut Valencià de Cultura (IVC), es la banda sonora de tres películas, estrenadas en el Museo de Arte Contemporáneo de Vigo (Marco), Institut Valencià d’Art Modern (IVAM) de Valencia y Fundación Antonio Pérez-Centro de Arte Contemporáneo de Cuenca; y ve la luz en el centenario del nacimiento de Millares.

 

El sello discográfico, que tiene por objetivo difundir  músicas improvisadas y experimentales desde hace 10 años e incluye en su catálogo música fruto de la innovación y experimentación artística conjugando diversas disciplinas, grabó el álbum  Homenatge a Manolo Millares i Pablo Palazuelo en Liquen Studios, lo distribuye físicamente en España y en las principales plataformas digitales del mundo. La producción tiene su génesis en el libro Cartas en torno a Manolo Millares, Pablo Palazuelo y otros, una correspondencia entre Alfonso de la Torre y Joan Gómez Alemany publicado por EdictOràlia en 2022, año en el que se conmemoraba el 50º aniversario del fallecimiento de Millares.

 

Josep Lluís Galiana indica que “ha sido un gran reto como artista participar en este proyecto discográfico en el que hemos compuesto y realizado improvisaciones musicales a partir de la obra de Manolo Millares y de la obra audiovisual tanto de Millares como de Joan Gómez Alemany, artista con quien colaboro desde hace ocho años”.

 

El saxofonista, compositor, escritor, editor y gestor cultural, que viene desarrollando una intensa actividad en la escena internacional de la libre improvisación, la creación electroacústica, el avant-garde jazz, y la investigación musicológica desde hace más de tres décadas; destaca que “en los últimos años he profundizado en la poética visual de Millares, lo cual me ha reportado grandes emociones y sentimientos enfrentados”. El productor del CD apunta que “su pintura es de una fuerza impactante por su oscuridad, sus grietas, la sencillez de los materiales encontrados… esa pintura (casi escultura) que es proyectada desde el cuadro como reclamando ser escuchada por una mirada comprometida. Al final, ha sido una experiencia única”.

 

Por su parte, Joan Gómez Alemany asegura que “este trabajo discográfico, en cierta manera, prolonga y musicaliza el libro Cartas en torno a Manolo Millares, Pablo Palazuelo y otros, que escribí con Alfonso de la Torre y publicó EdictOràlia”. El compositor, artista visual y escritor indica que “la música dialoga con la pintura, el cine, la escritura y el pensamiento, traduciendo la herida de Millares en grito acústico y la línea de Palazuelo en paisaje abstracto”; y subraya que “como las cartas, las composiciones operan por capas, resonancias y retornos. Sonido, imagen y palabra se funden en una experiencia interdisciplinar donde escuchar es pensar y viceversa”.

Banda sonora de tres películas

En las notas del libreto del disco Homenatge a Manolo Millares i Pablo Palazuelo, el teórico y crítico de arte y especialista en arte español contemporáneo Alfonso de la Torre hace un análisis de las tres obras que incluye el álbum y que son la banda sonora de tres películas. Para Pablo Palazuelo, variaciones sobre un imposible paisaje fue rodada por Gómez Alemany con música electroacústica del autor y se estrenó en el Museo de Arte Contemporáneo de Vigo (Marco) el 18 de mayo de 2023 (Día Internacional de los Museos).

 

Millares 1972-2022 es una película también de Gómez Alemany que se estrenó en su versión cinematográfica en el Institut Valencià d’Art Modern (IVAM) de Valencia el 21 de septiembre de 2022; y con la música en directo de Galiana (saxofones) y Gómez Alemany (electrónica) en la Fundación Antonio Pérez – Centro de Arte Contemporáneo de Cuenca el 11 de noviembre del mismo año.

 

Millares 1970 (obra para saxofones y electrónica) es una película de Manolo Millares y Elvireta Escobio, mujer del artista, que originalmente incluía la música de Pierre Henry y Pierre Schaeffer, de la cual beben Galiana y Gómez Alemany para esta nueva producción que se estrenó con un concierto en vivo en la Fundación Antonio Pérez-Centro de Arte Contemporáneo de Cuenca el 11 de noviembre de 2022; el estreno de esta nueva banda sonora, grabada previamente en el estudio de Liquen Records, se celebró el Museo de Arte Contemporáneo de Vigo (Marco) el 18 de mayo de 2023.

Galiana y Gómez Alemany homenajean a Millares y Palazuelo en un nuevo disco de Liquen Records

mundoclásico.com, 21 de enero de 2026

Galiana y Gómez Alemany homenajean a Millares y Palazuelo

Uve Magazine,

El sello Liquen Records ha publicado un nuevo trabajo discográfico firmado por Josep Lluís Galiana y Joan Gómez Alemany, un proyecto que toma como punto de partida la obra de Manolo Millares y Pablo Palazuelo, dos nombres fundamentales del arte abstracto español del siglo XX. El disco, titulado Homenatge a Manolo Millares i Pablo Palazuelo, reúne la música creada para tres películas vinculadas a la obra de ambos artistas y se publica en el marco del centenario del nacimiento de Millares.

Josep Lluís Galiana i Joan Gómez Alemany reten homenatge en un disc als pintors Manolo Millares i Pablo Palazuelo

las bandas de música, 22 de enero de 2026

Josep Lluís Galiana y Joan Gómez Alemany rinden homenaje discográfico a Manolo Millares y Pablo Palazuelo

Ramón Martínez, radiobanda. com, 24 de enero de 2026

Pedro Álvarez Menchaca, Vericuetos 656_Radio KRAS, 17 de febrero de 2026

Publicado el

BALLADS FOR TENOR SAXOPHONE. Josep Lluís Galiana

Josep Lluís Galiana: BALLADS FOR TENOR SAXOPHONE. València: LIQUEN RECORDS • DL: V-4712-2025 • LRCD038. PVP: 18€

Gastos de envío incluidos para España / Shipping costs included for Spain; para el resto del mundo, consulte coste de envío / for the rest of the world, chek shipping cost; otros métodos de pago / other payment methods. Contacto / Contact: liquenrecords@liquenrecords.com

CRÈDITS

BALLADS FOR TENOR SAXOPHONE

 

Josep Lluís Galiana

 

Tota la música de / All music by Josep Lluís Galiana

Enregistrat als / Recorded at Liquen Studios (Pedralba, València, Spain) by Josep Lluís Galiana

Produït per / Produced by Julio César Galiana

Mesclat i masteritzat per / Mixed and mastered by Josep Lluís Galiana

Post-produït per / Post-produced by Juan Carlos Tomás (La Seta Azul)

Notes del disc de / Liner notes by Jesús Gallardo

Foto de portada de / Cover photo of Mara Cortines

Disseny gràfic de / Graphic design by Cap i Cua (Alexis Moya)

© 2025 Josep Lluís Galiana

© P Liquen Records

DL: V-4712-2025   •   LRCD038   •   liquenrecords.com

 

Amb el suport de / With the support of

LLISTA DE COMPOSICIONS

01. The Ballad of Marjana ( 4.46 )

02. Soroll de fulles ( 2.58 )

03. Atropellat pel temps ( 2.25 )

04. Ballad I. Langsam ( 8.05 )

05. Broken Ballad ( 3.05 )

06. Ballad II. Nocturn ( 3.12 )

07. Slap, lap, ap, p… plash! ( 3.05 )

08. Ballad III. Sonant com les roselles ( 1.55 )

09. Deaf Ballad ( 1.55 )

10. Joc d’infants ( 3.36 )

11. Camí del desert ( 3.20 )

12. Cant trèmul d’aus ( 2.37 )

13. Ballad IV. Pels indrets de la imaginació ( 6.06 )

14. Music On Loop ( 3.37 )

15. De la mà d’un mosquit ( 3.58 )

16. Ballad V. Des de la solitud ( 3.54 )

Total:    ( 59.09 )

ESCOLTA AL / LISTEN AT LIQUEN RECORDS BANDCAMP
Josep Lluís Galiana interpreta amb un saxofon tenor Buffet Crampon S1 / Josep Lluís Galiana performs with a Buffet Crampon S1 tenor saxophone

NOTES AL DISC

En BALLADS FOR TENOR SAXOPHONE, el internacionalment reconegut saxofonista valencià, amic i company musical Josep Lluís Galiana proposa un replantejament de la balada com a forma musical universal. Una forma que traspassa totes les èpoques i fronteres històriques, i tots els gèneres i estils musicals des de que tenim coneixement d’aquest tipus de peça o aire musical. Caracteritzada pel seu ritme pausat —molt lent en ocasions—, meditatiu, introspectiu, melòdic i, al mateix temps, farcit de nombroses textures i molt matèric, en aquesta forma musical els compositors intenten aprofundir en els sentiments i les emocions més íntimes i incognoscibles.

BALLADS FOR TENOR SAXOPHONE és una recopilació de setze composicions originals de Galiana, interpretades per ell mateix al saxofon tenor, un instrument que, tot al llarg dels segles xx i XXI, ha liderat com ningun altre aquesta manera d’adreçar-se als oients, mitjançant la melodia, el motiu més senzill, el fragment, el trencament del discurs, l’ús de nombroses tècniques interpretatives i el desig de pertorbar i contrariar el públic en les seues expectatives. No és el primer disc de Galiana en solitari i quasi podríem parlar d’ell, sens dubte, com un especialista en abordar un repertori únic, des de la nuesa del seu so penetrant al saxo tenor, a la vegada íntim i enèrgic, i des d’una manera de fer música amb una veu personal i inconfusible i amb una llibertat que només pot abastar aquell que coneix el seu instrument com el palmell de la mà. 

Josep Lluís Galiana navega obrint-se pas a través d’aigües sonores molt diverses. No es pot obviar el sabor jazzístic que jeu com a substrat i referent, com a homenatge a aquesta forma musical, però també podem escoltar perfils de la música clàssica contemporània, hereva de la música experimental i electrònica. En BALLADS FOR TENOR SAXOPHONE també podem escoltar cites a altres músiques del món en una legítima recerca de multi-culturalitat, posant de manifest una simbiosi de mons sonors llunyans i ben diferents, però amb un denominador comú pel que fa a la balada com a forma d’expressar sentiments i emociones, i sacsejar l’ànima, mitjançant el so.

Jesús Gallardo

LINER NOTES

In BALLADS FOR TENOR SAXOPHONE, the internationally renowned Valencian saxophonist, friend and musical companion Josep Lluís Galiana proposes a rethinking of the ballad as a universal musical form. A form that transcends all historical eras and borders, and all musical genres and styles since we have known this type of piece or musical air. Characterized by its slow rhythm —sometimes very slow—, meditative, introspective, melodic and, at the same time, filled with numerous textures and very material, in this musical form the composers try to delve deeper into the most intimate and unknowable feelings and emotions.

 

BALLADS FOR TENOR SAXOPHONE is a compilation of sixteen original compositions by Galiana, performed by himself on the tenor saxophone, an instrument that, throughout the 20th and 21st centuries, has led like no other this way of addressing listeners, through melody, the simplest motif, the fragment, the breaking of discourse, the use of numerous interpretative techniques and the desire to disturb and contradict the public in their expectations. It is not Galiana’s first solo album and we could almost speak of him, without a doubt, as a specialist in approaching a unique repertoire, from the nakedness of his penetrating sound on the tenor saxophone, at once intimate and energetic, and from a way of making music with a personal and unmistakable voice and with a freedom that can only encompass those who know their instrument like the back of their hand.

 

Josep Lluís Galiana navigates his way through very diverse sonic waters. The jazz flavor that lies as a substrate and reference, as a tribute to this musical form, cannot be ignored, but we can also hear profiles of contemporary classical music, heir to experimental and electronic music. In BALLADS FOR TENOR SAXOPHONE we can also hear quotes from other world music in a legitimate search for multiculturalism, highlighting a symbiosis of distant and very different sound worlds, but with a common denominator regarding the ballad as a way of expressing feelings and emotions, and shaking the soul, through sound.

Jesús Gallardo

DOSIER DE PRENSA

Josep Lluís Galiana, 65 años y 16 baladas para saxofón

Paco Yáñez, Revista Scherzo, 28 de febrero de 2026

Durante décadas, los sesenta y cinco fueron en España una edad totémica, como puerta de acceso que generalmente era a la jubilación, en un tiempo en el que todo parecía más ácrono y monocorde en este país.

Bien adentrados ya en el siglo XXI, el aumento de la esperanza de vida y la mayor complejidad que hoy presentan tanto nuestra sociedad como nuestro mercado laboral hacen que las edades de jubilación en España sean todo un rompecabezas compuesto por decenas de variables que son un aquilatado reflejo de un país sustancialmente más diverso que el que en 1919 estableció los sesenta y cinco años como comienzo del entonces llamado «Retiro Obrero».

Josep Lluís Galiana alcanza hoy esa edad, y sin duda podemos decir que, desde que a España volvió la democracia, este inquieto valenciano (siempre embarcado en múltiples proyectos culturales) es una de las personas que en nuestro Estado más ha luchado por la modernización de nuestras estructuras musicales en los muchos campos que su actividad artística y profesional ha abarcado: saxofonista, improvisador, compositor, poeta, crítico musical, ensayista, gestor cultural y fundador tanto de EdictOràlia Llibres i Publicacions como de Liquen Records, sello en el que Galiana ha publicado el grueso de su catálogo discográfico, con una mención muy especial para sus facetas de saxofonista e improvisador.

Ambos roles se vuelven a unir en Ballads for Tenor Saxophone (2025), un compacto que hemos de poner en la estela de lanzamientos previos de Josep Lluís Galiana por medio de los cuales ha ido explorando la familia de los saxofones, en discos publicados en España y Argentina como Tribut a Ramón Ramos (2025), Soprano Saxophone Solos (2021), Nomadic Landscapes (2021) o Tenor Saxophone Solos (2018), el precedente más directo en cuanto a lo que al saxofón tenor se refiere (para el cual algunas improvisaciones también encontramos en Nomadic Landscapes), aunque con planteamientos ahora distintos, pues en este nuevo compacto Galiana nos remite a un estilo musical en concreto, la balada, si bien en manos del saxofonista valenciano sus baladas suponen toda una reinvención del género y un libérrimo ejercicio de creatividad, distando entre sí algunas de las piezas que integran Ballads for Tenor Saxophone tanto como lo puedan hacer las Baladas (1831-42) de Frédéric Chopin de la Balada de la cárcel de Reading (1897), de Oscar Wilde.

De este modo, y aunque solemos asociar la balada a lo que Jesús Gallardo define —en sus notas para esta edición— como una música pausada y melódica con la que los compositores profundizan en sus sentimientos y emociones más íntimas, Ballads for Tenor Saxophone reinventa por completo el género, pasando de una música matérica de rugosidad y fiereza más propias de la avantgarde a piezas serenas y meditativas, cuya filiación con la balada se refuerza, precisamente, por el marcado contraste con ese otro tipo de piezas aquí grabadas por Galiana, multiplicando los paisajes acústicos de su nuevo disco y dotando a la aparición de la melodía de una fuerza epifánica cuando ésta brota de su saxofón (un Buffet tenor modelo Crampon S1), eludiendo cualquier tópico y sensiblería asociados a la balada en su dimensión más comercial.

Atropellat pel temps (tercera improvisación libre de Ballads for Tenor Saxophone) es un perfecto ejemplo de la experimentación matérica a la que antes nos referíamos, mostrando, incluso, más vínculos con el flamenco (por sus frenéticos ritmos y la aparición del zapateado) que con la propia balada, trascendida en un ejercicio de hiperactividad ruidista en el que, más que a un saxofón tenor, parece que estuviésemos escuchando a un ensemble de percusión, pues la multiplicación de las fricciones y los golpeos al cuerpo del instrumento, además de las técnicas extendidas de filiación percusiva generadas con aire en la boquilla, como el slap, crean un torrente sonoro implacable, dejándonos uno de los cortes más abrumadores del compacto.

Claro que, si de slaps hablamos, el epítome al respecto en Ballads for Tenor Saxophone sería Slap, lap, ap, p… plash!, séptima improvisación del disco en la que, desde su inicial slap a modo de Aleph que en sí contiene todos los desarrollos ulteriores (cual el juego lingüístico que despliega el título de esta pieza), Josep Lluís Galiana lleva a cabo toda una deconstrucción (palabra clave en la propuesta musical de este compacto, como bien ha señalado Miguel Ángel Pérez Martín) que acaba transformando lo percusivo en los sucesivos impulsos de una construcción melódica, cual el vínculo entre el punto y la línea en los Etudes (2011-13) de Toshio Hosokawa, aunque aquí Galiana —gran admirador del compositor japonés— abunde más en los trazos discontinuos y en el espasmo, en toda una lucha por articular líneas melódicas desde técnicas extendidas que, a priori, podríamos creer su antítesis (si bien, tras escuchar Slap, lap, ap, p… plash!, parece que no lo fuesen tanto, sino partes de un mismo todo con múltiples rostros musicales).

Deaf Ballad es otro buen ejemplo de tensión musical llevada a sus extremos, con un saxofón que se antoja fascinado por las sonoridades electrónicas, de las que se embebe haciendo que sus agudos resuenen como acoples y descargas electroacústicas que alteran por completo el sonido del instrumento. Para extraer sonoridades de un saxofón tenor como las que aquí escuchamos, es evidente que hay que tener un dominio del mismo apabullante, ya no sólo a nivel técnico, sino artístico, pues conferir unidad y sentido a una paleta tan heterogénea como la que Galiana emplea en piezas como las tres que primero hemos destacado, es una labor titánica sólo realizable por quien haya convertido al saxofón en una parte de sí mismo.

Pero si a la proyección de aire sin tono nos referimos, entonces es obligado citar en este compacto su undécima improvisación, Camí del desert, que alterna los pasajes de espiración ruidista con el slap para así trazar ese paisaje desértico en el que el aire sin tono remeda las propias dunas, mientras que el slap resuena como los pasos de un caminante de las arenas que, entre lo más rugoso, construye melodías quebradas cual si rotas apareciesen éstas entre los espejismos acústicos que el saxofón va encontrando en su caminar sin caminos, en pos del silencio (aunque, como nos advirtió Edmond Jabès en La arena (1980-88), «Jamás el silencio / se refiere al silencio»).

Si Atropellat pel temps, Slap, lap, ap, p… plash!, Deaf Ballad y Camí del desert nos dejaban algunas de las improvisaciones más modernas y acústicamente extremas de Ballads for Tenor Saxophone, otras piezas recogidas en el disco sí resultan más cercanas a lo que esperaríamos del género que da nombre al compacto, como Ballad II. Nocturn, Ballad III. Sonant com les roselles o Ballad IV. Pels indrets de la imaginació, improvisaciones más melódicas y pausadas en las que el saxofón se muestra lírico y poblado por los ecos de un jazz del que, como de la avantgarde, Galiana tanto ha bebido. Ello le confiere a estas improvisaciones un carácter melancólico y nocturnal, de fraseos libres y ondulantes que, sin embargo, en la primera pieza de esta serie (único ‘ciclo’ numerado dentro del disco), Ballad I. Langsam, había nacido desde otra técnica extendida, el multifónico, cuyos resplandores y halos de luz más sostenidos en el tiempo se iban, progresivamente (como en algunas de las piezas antes vistas), transformando en melodía y estableciendo el tono para que la serie de las cinco Ballads numeradas pudiese llegar a afianzarse.

Quizás es, por ello, por lo que Ballad I. Langsam es la pieza más larga del disco (con sus ocho minutos de duración), tiempo empleado por Galiana para asentar la progresiva e intrincada transformación del ruido en melodía, haciéndolo, además, con la consistencia suficiente para que los pilares de las posteriores improvisaciones de esta serie queden bien asentados (y es que, una vez más, aunque de improvisación libre hablemos, no dejan de asomarse estructuras y elementos que redundan en la unidad de estas piezas, pues ninguna improvisación lo es jamás en el vacío, sino en el magma que resuena en el interior del músico a la hora de atacar su sonido fundacional).

Entre los extremos (¿antagónicos?) de lo ruidista y lo lírico (algo más acusados, respectivamente, en los cortes del disco que hasta aquí hemos destacado), otras improvisaciones en Ballads for Tenor Saxophone transitan territorios que diríamos intermedios, mostrando Josep Lluís Galiana que es un buen conocedor y partícipe de que la hibridación entre el ruido y la armonía es uno de los puntos fuertes, en cuanto a desarrollo estético, de la música actual. De ello resultan paradigmáticas improvisaciones como The Ballad of Marjana, con su tensión en los multifónicos (la de un saxofón que parece inspirado por la pintura, dada la plasticidad en la expansión del cromatismo y las texturas); los juegos rítmicos de Broken Ballad, que evoca el sonido del mizmar árabe; un ritmo que zumba, se multiplica y revolotea (como el fastidioso animal que le da nombre) en De la mà d’un mosquit; o que se convierte en escherianas escaleras que se retuercen y conducen a sí mismas en la laberíntica Soroll de fulles.

Los heteróclitos paisajes acústicos que transitamos en Ballads for Tenor Saxophone se nos ofrecen en unas soberbias grabaciones registradas en los Liquen Studios de Pedralba (Valencia), con tomas de sonido y masterización a cargo de Josep Lluís Galiana y postproducción de Juan Carlos Tomás. Las notas del ya mencionado Jesús Gallardo completan esta nueva etapa en un viaje por la improvisación para la familia del saxofón en cuyo horizonte esperamos que pronto se asome un disco dedicado al barítono. Pero, antes de que tal compacto se haga realidad, Josep Lluís Galiana continuará embarcado en múltiples proyectos musicales que seguirán haciendo de su labor algo artísticamente tan valioso como necesario en una sociedad que se quiera considerar culta y civilizada. A todo esto, descarten por completo que, alcanzados ya los sesenta y cinco años, Josep Lluís Galiana tenga pensado jubilarse.

Ballads For Tenor Saxophone

Joan Gómez Alemany, Revista RITMO, 1 de marzo de 2026

Ballads for Tenor Saxophone se inscribe con naturalidad y coherencia en la línea de trabajo que Josep Lluís Galiana viene desarrollando ya hace varios años, desde Soprano Saxophone Solos y Tenor Saxophone Solos. Todos ellos comparten una exploración radical del saxofón solo como espacio de pensamiento, memoria y riesgo. Si aquellos discos planteaban el instrumento como laboratorio sonoro más centrados en la libre improvisación, aquí la “jazzística” balada funciona como excusa y como pretexto para investigar. Galiana no busca la comodidad, sino la reflexión, entendiendo la balada como lugar donde el sonido se piensa a sí mismo.

El tenor solo y sin ningún artificio despliega un discurso fragmentado, a veces frágil, donde cada ataque parece contener una pregunta. No hay nostalgia complaciente ni lirismo fácil, solo hay materia, fricción y silencio activo. Como escribe en las notas el percusionista Jesús Gallardo, el disco propone un “deseo de perturbar y contrariar al público en sus expectativas”. En ese gesto convierte la balada en un espacio crítico, donde la emoción no se entrega, sino que se construye desde la duda.

Las dieciséis piezas avanzan como pequeñas estaciones de un trayecto interior en el que conviven el poso jazzístico, la herencia de la música contemporánea y la escucha atenta de otras tradiciones, siempre filtradas por una voz personalísima. Un trabajo exigente, honesto y necesario, que confirma a Galiana como una de las voces más singulares del saxofón contemporáneo.

JOSEP LLUÍS GALIANA – «BALLADS POR TENOR SAXOPHONE» (LÍQUEN RECORDS; LRCD038, 2025)

Antonio Martín, La muerte tenía un blog, 23 de febrero de 2026

Volvemos al saxo tenor de Galiana con este fabulos Ballads for Tenor Saxophone, que por tangencial referencia en contexto solista viene a sumarse en mayestática tríada con monolitos como Tenor Saxophone Solos (2018), Soprane Saxophone Solos (2021) o esa barbaridad de Electro Acustic Pieces 1999-2019 (2019, en otro contexto y sonoridades). En este caso, 16 composiciones originales abarcando todo tipo de baladas (no quisiera entrar en tipologías, etiquetados y otras cosa más académicas que hacen que el concepto `balada´ transite una fina línea entre la objetividad y la subjetividad). 

Conociendo la forma de tocar intimista, pseudo-minimalista con las que Josep aborda este tipo de composiciones, y la virtuosidad con la que trata al instrumento, podemos esperar toda una plétora de recursos sobre los que trataré de abrirme paso eludiendo términos academicistas y dejándome llevar por el `momento / instante / sensación´ que el sonido y la vibración provocan… y es que el silencio es menos que la sordina, pero la sordina puede percutir e inexorablemente no todo lo que percute se sopla, mas cuando una lengüeta vibra y se crean polifonías, el poderoso andamio del lirismo invade al oyente para al momento siguiente sumirlo en toda una ordalía de asperezas, aire en cerbatana (es como yo llamo a la técnica de soplar sin lengua) y un montón más de detalles sobre los que me lanzo de lleno.

La edición, por supuesto, corre a cargo del insigne LÍQUEN RECORDS en digipack del amigo Jesús Gallardo. Graba en Pedralba, València. Mezcla y masteriza el propio Galiana para posteriormente post producir Juan Carlos Tomás (La Seta Azul). La fotografía de portada (Mara Cortines) me encanta porque a pesar de ser un disco solista, no muestra al solista…. se disuelve el ego y el instrumento pasa a ser el protagonista. 60 minutos que se abren con «The Ballad of Marjana» que alterna notas sostenidas con lo que parecen ser estructuras del medievo. Profundamente lírica, es curioso cómo un saxo tenor puede alcanzar el mismo tono que una saeta vocal. Maravillosa la producción y sonido que capta el desplazamiento de los dedos del artista en un braille alquímico sobre el instrumento… se sostienen notas hasta hacerlas vibrar en larguísimos sostenidos en los que el saxo roza el meditabundo tono oriental de una shruti box o incluso un digeridoo gracias a un ejercicio respiratorio cuasi pranayámico que roza el éxtasis. Soberbio en su lentitud (¿he comentado en alguna ocasión que me encanta la lentitud?)

Sigue «Soroll de Fulles» con otro tipo de balada más Hard Bope. Sincopadas notas angulizadas dibujan el perfil tan y como se seguiría un dibujo de esos que se completan mediante puntos numerados. Sensación de diálogo y muchas sábanas de sonido cortas y en ráfaga contrastando sobremanera con el flujo laminar del corte anterior. Aquí todo es más atonal y con cierto estructura semi circular. La técnica percusiva gracias al golpeteo de las zapatillas de «Atropellat pet Temps» junto al uso de la lengua (slap), se pasan por tramos asordinados dando la sensación general de cascada de objetos mecánicos (piezas de reloj) rozándose la electroacústica. Sí, se trata de una balada…. pero para engranajes y que vuelve a repetir esquemas similares en el más posterior «Slap, lap, ap, p… plash!». Vuelve el tono clásico y embriagador del tenor en su abanico lírico con «Ballad I. Langsam», extenso tema de 8 minutos de duración que se abre con una introspección extrema; me encanta la palabra soliloquio y creo que en este caso es acertada. Galiana, el saxo tenor y el resto del universo disolviéndose en la nada… y es que el tenor siempre ha tenido un deje tristón / meditabundo en contraposición con el saltarín saxo soprano o la bestialidad masiva del saxo alto. 

Maravillosa la manera en la que se va dibujando una melodía deudora del Spiritual Jazz Coltraniano o de Pharoah pasados por el tamiz europeísta de la impro Galaniesca…. y es que Josep es un maestro en saber cuándo tiene que alargar una nota y repetirla `ad nauseam´ (ojito a lo que hace a partir del minuto 7) o cuando acortarla y deconstruirla para manejar el espacio – tiempo a la perfección. Porque permitidme que os recuerde que se trata de un disco solista, lo que equivale a decir `desnudo´. Es el artista sin trampa ni cartón fundiendo carne y metal en una neo aleación sonora no apta para todos los públicos (pese al término quizás engañoso de balada). En pleno contraste el saltarín, campestre y cuasi folk ritmo de «Broken Ballad» que usa micro melodías en repetición circular para dar sensación de motilidad, algo muy al estilo de Brotzmann o Evan Parker cuyos espíritus campean a lo largo de todo el álbum sobre todo en esa manera de regurgitar en espiral el flujo sonoro.

Noir, lento y acharolada la magnífica melodía (no fumo, pero me entran ganas de hacerlo mientras acaricio una pistolera y me calo hasta las cejas un gorro a lo Bogart) en la noctámbula «Ballad II. Nocturn». Una pieza maravillosa que casi llega a abrazar al Cool Jazz si no es porque el tempo, a pesar de ser medio, no se estanca en ningún momento. «Ballad III. Sonant Com Les Roselles» suena a enamoramiento y pasión este corto tema. Flores de azahar que caen en el crepúsculo, recuerda en algunos momentos a discos como el Ballads de Coltrane con toda su melódica impronta mientras que por contra se va al límite del espectro agudo con «Deaf Ballad» (el título lo dice todo) en el que se juega con sonidos altísimos como el silbato de los canes. 

Entramos en una segunda parte del álbum con «Joc d´infants», juguetona y cargada de energía positiva, dejando espacios libres para que el cerebro (la parte acústica) del oyente la rellene. De esta manera Galiana consigue no saturar y construir con parones como si de una stop-motion sonora se tratara (no sé si me explico). Más `slaps´ para «Camí del Desert» que entra dentro de lo que yo llamo el espectro de los temas duros y que mejor se disfrutan viendolos en directo que es cuando se palpa con todos los sentidos la íntima comunión del músico y su instrumento. Impro pura y dura pero permitiéndose el lujazo de intercalar mini segmentos (casi fotogramas acústicos) de lirismo del tenor. Es más… conforme avanza el tema se va transformando y va desde lo magmático, hermético y críptico a una apertura en abanico de puro y genuino Free Impro Jazz. De hecho, casi que diría que «Cant Trèmul d´aus» es la eclosión armoniosa del anterior que se aprovisiona sobremanera de las `sheets of sound´ del Giant Steps Coltraniano. Sigue los seis minutos de «Ballad IV. Pels Indrets de la Imaginació» epilogando la serie conceptual de 5 que parecen obedecer a una cierta idea ourobórica. Melodía no reñida con inventiva en largas series de efluvios de notas que fluyen tanto en zonas altas, medias y bajas del instrumento creando las diferentes tonalidades de azul del agua fluyendo por una cascada de río.

Se entra en la parte final con «Music on Loop», con vuelta al submundo de la noche. Notas crepusculares, apesadumbradas y con olor a nicotina y crímenes sin resolver. Una melodía que se repite una y otra vez porque así son las cosas en las urbes noche tras noche. La saliva de Galiana se cotiza en oro y aquí está cerca de lo que se tocaba en esos lofts americanos en la década de los 50 y 60. Cuenta la leyenda que Josep guarda una bala tras la mejilla por si la noche se complica…. pero no puedo confirmarlo. «De la Mà d´un Mosquit» parece la personal rendición Galaniesca de «Flight of the Bumblebee» (casi capto la relación de amor con el bronce a través de cuasi-succiones que me impactan en los tímpanos) y, como cierre, «Ballad V. Des de la Solitud», cuatro minutos de vuelta a los tonos espirituales, más genuinamente baladescos en el amplio sentido de la palabra y que, al menos en este caso, es toda una oda a los sentimientos de soledad y nostalgia, dupla siempre inspiradora y musa ineludible del músico.

Maravilloso como siempre, Josep.

Ballads for tenor saxophone

Luisa Balaguer, SONOGRAMA Magazine,

El nuevo lanzamiento de Josep Lluís Galiana se suma a una discografía de más de cincuenta títulos, que incluye proyectos tanto en solitario como colaborativos. En su trayectoria compositiva se observa, desde la década de 1990, un progresivo abandono de la escritura musical, orientando su actividad principal hacia la libre improvisación, ya sea en solitario o junto a otros artistas. Estas colaboraciones se han extendido a otros ámbitos artísticos, como proyectos de danza contemporánea, intervenciones en el campo de las artes visuales y trabajos vinculados al teatro experimental y la performance.

El disco reúne dieciséis composiciones originales interpretadas por él mismo al saxofón tenor. El título del disco sugiere que el compositor considera estas piezas en forma de baladas, aunque únicamente se indica explícitamente en los títulos de algunas de ellas. Definir la forma balada de manera atemporal resulta complejo, ya que su significado siempre ha estado ligado a una época y contexto cultural concreto.

En el caso de Galiana, la balada se configura como una forma de expresión profundamente intimista, inscrita en la tradición jazzística, que aúna lirismo, introspección y libertad interpretativa. Este planteamiento se manifiesta con especial claridad en las cinco piezas identificadas explícitamente como tal en su título sugiriendo alguna idea cíclica: Ballad I. Langsam, Ballad II. Nocturn, Ballad III. Sonant com les roselles, Ballad IV. Pels indrets de la imaginació y Ballad V. Des de la solitud. Las restantes composiciones, intercaladas dentro de este primer grupo, se sitúan en un plano estético distinto, alejándose del lirismo y adoptando un tono más descriptivo y radicalmente experimental. A este segundo grupo corresponden títulos como Soroll de fulles, Atropellat pel temps, Slap, lap, ap, p…plash!, Camí del desert, Cant trèmul d’aus y De la mà d’un mosquit. En cuanto a la técnica instrumental, se pueden escuchar multifónicos que generan acordes inestables y texturas complejas; una amplia variedad de slaps que aportan articulación y material percutido; el registro sobreagudo, para producir sonidos tensos e incisivos; ataques suaves, sin lengua o con aire previo; aeolian sounds, dejando que el aire produzca el sonido por sí mismo, sin apenas vibración de la lengüeta; el soplo continuo, creando una sensación de tiempo suspendido; el uso de la voz dentro del instrumento mientras toca; el uso de sordinas para alterar el timbre; o el ruido de zapatillas, es decir, los sonidos producidos por las llaves del saxofón sin soplar o con una mínima presión de aire, que aportan un componente mecánico y rítmico.

Galiana muestra un amplio dominio de estas técnicas; no obstante, se aprecia que lo verdaderamente relevante no reside tanto en las posibilidades técnicas del instrumento como en la capacidad de convertirlo en una extensión del propio intérprete y de hacer que se adapte a sus necesidades expresivas.

Este planteamiento apunta a una forma de entender la práctica instrumental en la que el sonido se concibe como materia, más allá de técnicas o lenguajes tradicionales. Aunque el autor se define como compositor electroacústico y trabaja habitualmente con electrónica, su sólida formación instrumental y su identidad como saxofonista hacen que las experiencias fuera del ámbito acústico no sustituyan al instrumento, sino que transformen la manera de aproximarse a él.

La interacción con la electrónica y la improvisación en contextos híbridos amplía la forma de escuchar y tocar, y conduce a una nueva manera de acercarse al instrumento acústico, atendiendo a sus posibilidades tímbricas, gestuales y materiales. Desde esta perspectiva, el saxofón deja de ser solo un generador de notas para convertirse en un objeto sonoro, abierto a la exploración del ruido, la textura, la energía y el gesto físico.

Galiana, como explica en su libro La libre improvisación musical. Fuente inagotable de inteligencia emocional, ha encontrado en la práctica improvisatoria una herramienta para desarrollar la escucha profunda, aplicada no solo a la creación musical, sino también como elemento clave para una convivencia respetuosa y constructiva.

Baladas deconstruidas

Miguel Ángel Pérez Martín, docenotas.com, 19/01/2026

Siempre es un placer escuchar los discos de Liquen Records. Como mínimo te sorprenden, algunos incluso te noquean y ponen a prueba tu sistema de valores musicales.

 

En este caso es el propio director de la editorial quien se pone a los mandos -ideas, boquilla y zapatas- para ofrecernos dieciséis temas de su «autoría e interpretación» instantánea… Como ya hizo con el saxo soprano hace unos años y disco del cual esta revista se hizo eco.

 

En esta ocasión recoge el guante de los grandes improvisadores del saxo tenor no solo del campo del jazz o el blues, también de las tendencias actuales y experimentales -atonales o no -pero siempre contemporáneas- y de ese área musical autónoma que es ya La Improvisación a caballo entre el blues y el minimal, con casi sesenta años de diferencia conceptual que recorre Galiana en cuestión de segundos.

 

Esto solo lo puede hacer un maestro de las técnicas de fonación con un instrumento como el saxo tenor… Una verdadera obra de «fontanería» musical que los legó Adolphe.

 

El registro de sonido de Galiana al saxo es ejemplar, toca todas las notas, secuencias, ambientes y espacios sonoros posibles lo que propicia escuchas diferentes cada vez que pones el disco en “el pickup”.

 

No cita directamente a otros saxofonistas con notas o secuencia de notas – hay ecos de Rollins, Coltrane, Shepp, Evan Parker-, cita con sonoridades. Un gran logro.

 

Muy recomendable, producción y edición ejemplar, marca de la casa.

 

Si no lo encuentran en su tienda habitual prueben en liquenrecords.com y a disfrutar.

Josep Lluís Galiana rinde homenaje a la balada como forma musical universal en su nuevo disco Ballads for tenor saxophone 

Por radiobanda, 18 de diciembre de 2025

El saxofonista y compositor valenciano publica un nuevo trabajo en solitario editado por Liquen Records.

 

El saxofonista, compositor y creador multidisciplinar Josep Lluís Galiana presenta su nuevo disco en solitario, Ballads for tenor saxophone, editado por el sello valenciano Liquen Records. El álbum propone un replanteamiento contemporáneo de la balada como forma musical universal, capaz de trascender épocas, estilos y fronteras culturales.

 

Ballads for tenor saxophone reúne dieciséis composiciones originales, interpretadas íntegramente por el propio Galiana al saxofón tenor, instrumento que a lo largo de los siglos XX y XXI ha liderado como ningún otro la capacidad de conectar con el oyente a través de la melodía, el fragmento, el silencio y una amplia gama de técnicas interpretativas.

 

De carácter pausado, meditativo e introspectivo, pero a la vez matérico y expresivo, el disco se mueve entre la desnudez sonora y la intensidad emocional. El sustrato jazzístico está presente como referencia esencial, pero convive con influencias de la música clásica contemporánea, la experimentación sonora, la electrónica y guiños a músicas del mundo, en una clara apuesta por la multiculturalidad y la libertad creativa.

En palabras del percusionista y compositor Jesús Gallardo, autor de las notas del disco, «Josep Lluís Galiana navega abriéndose paso a través de aguas sonoras muy diversas. Mundos sonoros lejanos confluyen en la balada como forma de expresar sentimientos y emociones, y de sacudir el alma mediante el sonido».

 

Este nuevo trabajo confirma a Galiana como un especialista en el formato solista, capaz de construir un discurso propio desde la intimidad del sonido, con una voz artística personal e inconfundible.

 

El disco ha sido grabado en Liquen Studios (Pedralba, Valencia) bajo la producción de Julio César Galiana, con postproducción de Juan Carlos Tomás (La Seta Azul), diseño gráfico de Cap i Cua (Alexis Moya) y fotografías de Mara Cortines. El proyecto ha contado con el apoyo del Institut Valencià de Cultura – Generalitat Valenciana.

 

Ballads for tenor saxophone está disponible en CD y en streaming en las principales plataformas digitales.

Sergio Cabanillas, Universos Paralelos, 12 de febrero de 2026

Publicado el

SWEDISH CONNECTION. Josep Lluís Galiana • Thomas Bjelkeborn • Jesús Gallardo

Josep Lluís GALIANA • Thomas BJELKEBORN • Jesús GALLARDO: Swedish Connection. València: LIQUEN RECORDS • DL: V-4389-2025 • LRCD037. PVP: 18€

Gastos de envío incluidos para España / Shipping costs included for Spain; para el resto del mundo, consulte coste de envío / for the rest of the world, chek shipping cost; otros métodos de pago / other payment methods. Contacto / Contact: liquenrecords@liquenrecords.com

CRÈDITS

SWEDISH CONNECTION

Josep Lluís GALIANA (saxos soprano i tenor)

Thomas BJELKEBORN (electròniques)

Jesús GALLARDO (percussió)

Tota la música de Josep Lluís Galiana, Thomas Bjelkeborn i Jesús Gallardo

El disc fou enregistrat el 10 de juny de 2025 a Mondo Rítmic Studio (Castelló de la Plana) per Mar Caballer i Víctor Tomás (La Seta Azul)

Mesclat i masteritzat per Juan Carlos Tomás (La Seta Azul)

Notes i disseny del disc de Josep Lluís Galiana

Produït per Josep Lluís Galiana (Liquen Records) i Jesús Gallardo (Mondo Rítmic)

© P Liquen Records, 2025

DL: V-4389-2025

LRCD037 • liquenrecords.com

I la col·laboració de Mondo Rítmic

NOTES AL DISC / NOTAS DEL DISCO / LINER NOTES

[VAL] SWEDISH CONNECTION, que naix de l’encontre de tres compositors i artistes sonors de consolidada projecció internacional: el suec Thomas Bjelkeborn (Stockholm), el saxofonista valencià Josep Lluís Galiana i el percussionista de Castelló Jesús Gallardo, posa de manifest la diversitat estètica i al mateix temps les afinitats de les diverses  poètiques sonores que, en l’actualitat, es donen a Europa. Del nord i del sud, música electrònica i acústica, improvisació i composició, aquests músics conjuguen els seus sons i les seues maneres de fer i d’escoltar música, on la percepció minuciosa, acurada, garanteix el màxim respecte cap el material sonor emprat.

SWEDISH CONNECTION és una proposta musical inclassificable, en la qual l’oïent trobarà escorços musicals contemporanis ben definits, pura abstracció matèrica, empremtes de la millor creació electroacústica, ‘free improvised music’ i alguns contrapunts de flaire free-jazzístic.

De SWEDISH CONNECTION emanen minimalismes, espectralismes, texturismes, materismes, diàlegs impossibles, processos absolutament imprevisibles i ignots.

SWEDISH CONNECTION és una clara demostració de que no existeixen les fronteres, ni els límits, quan tres músics d’atenta escolta, llarga trajectòria artística i de procedències ben diversas, no sols geogràfiques, sinó també d’estètiques inversemblants, se junten per escoltar i fer una música única i sempre sorprenent.

[CAST] SWEDISH CONNECTION, que nace del encuentro de tres compositores y artistas sonoros de consolidada proyección internacional: el sueco Thomas Bjelkeborn (Stockholm), el saxofonista valenciano Josep Lluís Galiana y el percusionista de Castelló Jesús Gallardo, pone de manifiesto la diversidad estética y al mismo tiempo las afinidades de las diversas  poéticas sonoras que, en la actualidad, se dan en Europa. Del norte y del sur, música electrónica y acústica, improvisación y composición, estos músicos conjugan sus sonidos y sus maneras de hacer y de escuchar música, donde la percepción minuciosa, atenta, garantizan el máximo respecto hacia el material sonoro empleado.

SWEDISH CONNECTION es una propuesta musical inclasificable, en la que el oyente encontrará perfiles musicales contemporáneos bien definidos, pura abstracción matérica, huellas de la mejor creación electroacústica, ‘free improvised music’ y algunos contrapuntos de sabor free-jazzístico.

De SWEDISH CONNECTION emanan minimalismos, espectralismos, texturismos, materismos, diálogos imposibles, procesos absolutamente imprevisibles e ignotos.

SWEDISH CONNECTION es una clara demostración de que no existen las fronteras, ni los límites, cuando tres músicos de atenta escucha, larga trayectoria artística y de procedencias bien diversas, no solo geográficas, sino también de estéticas disímiles, se juntan para escuchar y hacer una música única y siempre sorprendente.

[ING] SWEDISH CONNECTION, born from the collaboration of three internationally renowned composers and sound artists—Thomas Bjelkeborn (Stockholm), Valencian saxophonist Josep Lluís Galiana, and percussionist Jesús Gallardo from Castelló—highlights the aesthetic diversity and, at the same time, the affinities of the various sonic poetics currently emerging in Europe. From north and south, electronic and acoustic music, improvisation and composition, these musicians combine their sounds and their ways of making and listening to music, where meticulous, attentive perception guarantees the utmost respect for the sonic material employed.

 

SWEDISH CONNECTION is an unclassifiable musical offering, in which the listener will find well-defined contemporary musical profiles, pure material abstraction, traces of the finest electroacoustic creation, free improvised music, and some counterpoints with a free-jazz flavor.

 

From SWEDISH CONNECTION emanate minimalism, spectralism, texture, materiality, impossible dialogues, and utterly unpredictable and unknown processes.

 

SWEDISH CONNECTION is a clear demonstration that there are no borders or limits when three musicians with keen listening skills, extensive artistic careers, and diverse backgrounds—not only geographical but also aesthetically dissimilar—come together to listen to and create unique and always surprising music.

DOSIER DE PRENSA

JESÚS GALLARDO / JOSEP LLUÍS GALIANA / THOMAS BJELKEBORN – «SWEDISH CONNECTION» (LÍQUEN RECORDS LRCD37, 2025)

Antonio Martín «Coronel Mortimer», La muerte tenía un blog, 24 de enero de 2026

Swedish Connection es la colaboración entre los músicos de proyección internacional Jesús Gallardo (aprovecho para invitaros a vistitar la página de la escuela de música Mondo Rítmic), Josep Lluís Galiana y Thomas Bjelkeborn. Entretenerme en los currículums de cada uno de ellos daría para dos Kali Yugas. Me sería absolutamente imposible pero bueno, me gusta dejar pistas a través de las cuales os hagáis paso, machete acústico en mano, por las más de 2.000 reseñas que habitan ya en este psiquiátrico Ibañezco tipo 13 Rue del Percebe de La Muerte Tenía un Blog. Así que ahí quedan las bisagras temporo / espaciales de Gallarnianas (Galiana / Gallardo, 2021), Entartete Improvisationen (Galiana / Gallardo / Alemany, 2024) o el sorprendente Imatges (Gallardo); en definitiva, un puente hacia esa dimensión especial, vitay y asombrosa de los discos editados por LÍQUEN RECORDS (que también el que hoy os presento) y que ya ha pisado 30 peldaños de la enorme escalera que tengo montada de sus ediciones…. y preparando ladrillos y cemento para otros cuatro. 

A la percusión de Gallardo y los vientos de Galiana se suma la electrónica del consumado sueco Bjelkeborn, toda una institución en la electroacústica (fundador del Instituto de Artes Digitales IDKA en Suecia y director del mismo entre 2001 y 2006) y que en 2018 (otra bisagra escalón), formara dueto con Galiana en el auténticamente apabullante y recomendado Critical Sounds. El nombre de Bjelkeborn, de forma sutil y breve aparecería también en la reseña de Interaccions Sonores (2018) de Alemany / Galiana que si bien no tiene nada que ver con todo lo anterior, sí que me gustaría cerrar este primer acto curricular invitando a que lo leáis (en realidad, que lo leáis todo) porque os va a situar en la vibración de onda ideal para adentraros en este fabuloso Swedish Connection, disco que se graba el 10 de Junio de 2025 en Mondo Rítmic Studio (Castelló de la Plana) por Mar Caballer / Víctor Tomás. Mezcla y masterizción son de Juan Carlos Tomás (La Seta Azul).   

70 minutos que se abren con «Swedish Connection VI»; texturas acuáticas (saxo y clústeres de los platillos). Puntualizaciones, Puntillismo, Pulsatilidad que pasan por el Procesamiento (PPPP) en directo del portátil de Bjelkeborn que es el elemento disruptor que juega al despiste y que te hará dudar de qué es lo que estás escuchando en ese preciso momento. Los vientos (tanto tenor como soprano) tienen a líneas cortas, asordinadas (en cierta media acotadas, elemento muy deudor del Jazz Contemporáneo Europeo) por contra de las explosiones en abanico (tipo `sónar´ las llamo) del Free Jazz Afro espiritual.

 Aquí se tiende bastante a la atonalidad Stockhausiana pero sin perder cierto elemento tribal que sale a relucir en la fabulosa percusión de «Swedish Connection V», especie de mezcla de Impro Jazz con el submundo de la postproducción (esta vez en vivo y en directo por el portátil de Bjelkeborn) de Teo Macero con Miles o qué diantres, cuando suenan los tambores y se triplican las líneas de saxos dialogantes es imposible sustraerse de los discos del Coleman más áspero; en ese preciso momento, se traspasan mundos (Cuartos Mundos Hassellianos???) hacia un Free Jazz cercano al inagotable fondo de catálogo de Evan Parker. Aquí los saxos sí se elongan de forma circulatoria y la forma de Gallardo de abrazar la percusión tiene algo de Ed Blackwell.

Flipante cómo se procesa electrónicamente los vientos en «Swedish Connection IV», acompasándose con la barroca batería en una ecléctica fusión cargada de contrapuntos en los que a veces asoman espectrales notas de Galiana que transforma el saxo en tabla Ouija donde la saliva que se acumula, es el ectoplasma embrionario de Coleman, Ayler y Coltrane en espíritu, pero con tangibilidad y fiereza Europea (Brotzmann). Siguen los descomunales 20 minutos de «Swedish Connection VIII», donde el Bjelkeborn despliega todos sus recursos (en muchísimas ocasiones cercanos al Noise) y es el portal dimensional (descomunal y ciclópeo) por el que pasarán el resto de instrumentos; eso sí, él es el que decide aquí lo que hacer con todo esa moozak sonora. La apelmaza o la deshilacha; la separa por timbres o las pega según estados de ánimo en eclosiones de fuerza donde surgen glitches, roces de platillos con arco, ruido de algo arenoso (harsh noise) luchando con notas altísimas de los vientos y la sensación de que del Ambient al Free Jazz británico solo hay un suspiro. Entramos por tanto en ese terreno de lo que se llama el Arte Sonoro. 

Roce tras roce de platillos, la boquilla del instrumento de Galiana cercana a la hipoxia (diría que más que soplar, `masca´ como si de tabaco en un viejo western se tratara) mientras el sueco ejerce de chamán electroacústico provocando diversos estados alterados de conciencia. Por supuesto, hay momentos de puro lirismo con un maravilloso solo de Galiana al soprano (minuto 11), ese instrumento que tanto trajo de cabeza a los músicos Jazz, mientras un avispero de ruidismo flota en la retaguardia. Lo de Gallardo a la percusión es suprahumano…. dibuja más que percute. El corte se va fundiendo de nuevo en un largo `fade out´ hacia el Noir y los claro oscuros de lo expresionista. Sobriedad mistérica mediante instrumentos flotantes cargados de eco al más puro estilo John Hassell hasta alcanzar cotas que rozan incluso el Dark Ambient (no se me pongan nerviosos los puristas de las etiquetas o los académicos de largo currículum).

Contrastando, la fuerza ruidista de «Swedish Connection III» cargadísima de herrumbre, orín y tetania. Un balanceo constante que te va triturando. Gallardo arremete, Galiana araña y Bjelkeborn electromagnetiza dando como resultado el mejor souvenir que puedes llevarte del país que habitan: una trenza de cables, carne y sonido. Soberbio Free Jazz esquizoide que a partir de ahora, en honor a «Ascension», pues titularé «Descension»…. porque justo en la entreplanta de abajo («Swedish Connection VII») cogemos aire dos minutos para seguir bajando a la casi media hora que queda con «Swedish Connection II» y «Swedish Connection I», equivalentes a atravesar el río Estigia porque hemos trascendido y AS BELOW SO ABOW. 

El trío ya ha trascendido y habita el inframundo siendo cada instrumento un Avatar. Hades electroacústico deconstruyendo y formando una nueva Improgonía (palabra inventada en alusión a la Teogonía). Son amos y señores y se han ganado construir sus propios mitos de creación, soltando el lastre de la influencia y creando algo tan fresco que asusta…. ululantes pasajes como los vientos que azotan el abismo del Tártaro donde veo pasar a Hesíodo con auriculares y boca abierta. Al rato llegan Jenófanes y Filócoro y escuchan la música del reproductor de Hesíodo y fruncen el ceño. 

Simónides de Ceo llama por el móvil a Homero y entre todos deciden reescribir la Sabiduría. Todo quedará transmitido en forma de sonido y allá al fondo se observa a Hermes electrificando la Lira y a las Musas modificando su anquilosada danza. Atenea ahora tiene los pelos blancos y rizados como la heroína que posteriormente (miles y miles de años después) matará a los músicos afroamericanos de Jazz y que acabarán tiñendo también la sapiencial cabeza de Galiana. Se crean nuevos paradigmas y la música Apolínea (ordenada) choca con el punkarrismo de la Dionisíaca. Esa fue, es y será la GREEK CONNECTION, y lo que tenéis en vuestras manos, mucho después, fue, es y será la SWEDISH CONNECTION.

Muy, muy recomendado.

Experimenta, que algo queda

Miguel Ángel Pérez Martín, docenotas.com, 24 de marzo de 2026

No es por apuntalar aquí el leninismo musical reforzando las vanguardias, pero hacer avanzar cualquier arte o se hace por serendipia o se hace con esfuerzo. Me apunto a la segunda opción: investigación constante sin despreciar los hallazgos casuales. La inspiración ha de pillar trabajando a los creadores.

Es a lo que nos tiene acostumbrados este «sello musical», como decíamos hace años.

Para ser un gran improvisador sin red, o eres un kamikaze o un avezado instrumentista, y aquí tenemos tres personas de este segundo perfil.

Improvisar es una mezcla de «escucha» e «interpretación» en dosis inespecíficas. La atención constante es el vehículo principal en este —ya gran estilo musical— tan apartado del free jazz o la música contemporánea como de la experimentación electrónica, aunque tome prestados importantes elementos de estas tres modalidades.

Nos ofrecen ocho temas con el mismo título —Swedish Connection—, cambiando solo el ordinal, de I a VIII.

Un estilo que sustituye armonía y melodía por polirritmos y gestualidad sonora. La escucha en disco puede resultar difícil para un público mayoritario —no es el caso—, pero es de una vistosidad enorme en directo.

Directo más habitual en centros de arte actual y galerías que en auditorios y teatros, al menos en España, donde no hay apenas entidades y circuitos que se ocupen de esta modalidad. Los promotores públicos ni te contestan cuando les haces una propuesta. «Ni gratis», te dice algún gerente de esos macroespacios que nos gastamos por estas latitudes sureñas. En centro y norte de Europa, estos espacios cuentan con salas de cien o doscientos espectadores que son auténticos laboratorios de donde salen propuestas que van creciendo con los años hasta llenar las salas medias y grandes. No es teoría terraplanista; algunos lo hemos visto —y sufrido— en repetidas ocasiones.

Nuestros gestores musicales no contestan cuando los cachés aún son bajos y, años después, tampoco, porque su fama ya les permite solicitar cantidades importantes.

¿Quién pierde? El público, claro: esas personas que salen deprisa de los auditorios cuando se programa música de los últimos setenta años. Una música que se mueve principalmente en centros de creación plástica, escénica y sonora, algunas universidades y antiguos gabinetes sonoros de grandes emisoras de radio.

Es ya una música universal, sin fronteras, pero que se le oculta al público: una música única y siempre sorprendente, como dicen las líneas que acompañan al disco. Atrevida y atrayente.

¡Atrévanse!

En liquenrecords.com

Ken Waxman, Jazz Word, May 18, 2026

Despite the geographic distance two European horn experimenters have created equally decisive takes on free form improvisation by mostly blending reed timbres with electronics and a rhythm instrument. Experienced in all sorts of groupings and improvisations, Krailling-based Udo Schindler offers three extended improvisations playing cornet, sopranino and tenor saxophones and double bass clarinet along with fellow Germans bassist Werner Dafeldecker and Gunnar Geisse’s laptop guitar and virtual instruments. Meanwhile Valencia-based tenor and soprano saxophonist Josep Lluís Galiana propels the sonic north-south interchange still further by recording his eight extemporizations with Stockholm’s electronic expert Thomas Bjelkeborn as well as percussionist Jesús Gallardo from nearby Castellón.

 

Over the years Schindler has worked with a small army of associated sound explorers from Damon Smith to Paul Rogers; Dafeldecker with Burkhard Beins and Ignaz Schick among many others; and Geisse with everyone from Vinko Globokar to Evan Parker. Galiana and Gallardo, who both have extensive academic experiencer. often work together with others such as Matías Riquelme, while Bejelkeborn, with similar background is known as a composer, sound artist and curator.

 

Eschewing conventional textures on Traveling Sound Images the German trio members push their instruments to their limits, exposing individualistic timbres and techniques. This approach is bolstered by Schindler’s ability to roam among his four horns and Geisse’s concentrating more on processing wave forms than any expected guitar-like tones. Additionally Dafeldecker plays up the double bass’s tough rather than tuneful qualities.

 

Building up to the 30½ minute “TSL_ Cognitive Transfers (Trio)- part #2”, the trio announces its intent with nearly undifferentiated jagged reed bites, col legno string pressure and cumulative guitar flanges, as live voltage sweeps cushion the others peeps and drones. With a coda involved with widening chalumeau reed snorts integrated with laptop buzzes and purring oscillations, it’s “part 2” where ideas are most comprehensively expressed.

 

Overcoming the initial nearly opaque electrified drone as shifting sound waves inflate, Schindler’s clarion smears and ascending timbral strains soon pierce the oscillated murmurs as do the occasional double bass stops and rumbles. Later expression from both acoustic players keep the exposition linear in spite of programmed peals and hisses. The flat line soon intensifies however as arco string sawing and reed whimpers and tongue suctions become more obvious, finally superseded by aviary half-valve expressions and squawks from the cornet. Reflecting both acoustic and component affiliations, Geisse’s piano key like tinkles and programmed laptop whirrs eventually make common cause with subsiding plunger brass tones for a group summation.

 

On Swedish Connection in contrast it’s the conveyer belt of percussion timbres which initially define the trio members’ layered interaction. Martial drum raps, claves-like shakes, metal reverberations and idiophone rattles set up a horizontal continuum. From that point on buzzing and splashing programmed wave forms and interludes of circular breathed reed flutters and stops evolve in tandem.

 

As Gallardo’s clip-clops and rumbles increase alongside Galiana’s low-pitched scoops and slurs a climax is reached during the extended “Swedish Connection VIII”. Bookended by drum top rubs, cymbal clatter and metallic reverberations at its beginning and completion, chugging computer-projected voltage vibrations share space with irregular bird-like reed peeps, tongue slaps and concentrated breaths. Circular breathing trills then intensify alongside measured gong-like shakes until Bejelkeborn’s echo-chamber-like affiliations first mask then mirror saxophone breaths. With reed and computer textures inflated to strident squeals it’s Gallardo’s reverberating cymbal scratches that bring down to earth the seemingly unstoppable oscillations and saxophone trills.

 

From that point forward broken octave projections encompass synthesized crackles and hisses, reed tongue stops and scoops plus steadying drum ruffs for maximum timbral exploration. Reaching another climax with “Swedish Connection II” – which perversely arrives much later on the disc than “Swedish Connection VIII” – a variation of nearly unstoppable lowing and widening bottom timbres are exposed. Among the connected idiophone abrasions, reed snarls and electronic pulses, interludes of near-vocalized squeaks, voltage rumbles and drum-stick-on-Mylar scratches are heard along with silences. Conclusive coordinated harmonica- tempered reed squeaks, machine hisses and kettle drum like resonations are advanced and live processed by Bejelkeborn so that group resonations conclude the experiments.

 

Diffident and dissonant but not different or disturbing those interested in sound exploration will find much to scrutinize on these trio discs.

 

–Ken Waxman

 

Track Listing: Traveling: 1. TSL_ Cognitive Transfers (Trio)- part #1 2. TSL_ Cognitive Transfers (Trio)- part #2 3. TSL_ Cognitive Transfers (Trio)- part #3

Personnel: Traveling: Udo Schindler (cornet, sopranino and tenor saxophones and double bass clarinet); Gunnar Geisse (laptop guitar and virtual instruments) and Werner Dafeldecker (bass)
Track Listing: Swedish: 1. Swedish Connection VI 2. Swedish Connection V 3. Swedish Connection IV 4. Swedish Connection VIII 5. Swedish Connection III 6. Swedish Connection VII 7. Swedish Connection II 8. Swedish Connection I

Personnel: Swedish: Josep Lluís Galiana (soprano and tenor saxophones); Jess Gallardo (percussion) and Thomas Bejelkeborn (electronics)

Sergio Cabanillas, Universos Paralelos, 4 marzo 2026

Publicado el

COSMOSFUSIÓN. Rafel Díaz. Grupo Cosmos 21. Carlos Galán (director)

Cosmosfusión. En torno al compositor Rafael Díaz. Grupo Cosmos 21. Carlos Galán (piano solo y dirección). València: LIQUEN RECORDS. DL: V-4180-2025 — LRCD036. PVP: 20€

Gastos de envío incluidos para España / Shipping costs included for Spain; para el resto del mundo, consulte coste de envío / for the rest of the world, chek shipping cost; otros métodos de pago / other payment methods. Contacto / Contact: liquenrecords@liquenrecords.com

CRÉDITOS

COSMOSFUSIÓN

Carlos Galán (piano solo)

Grupo Cosmos 21. Carlos Galán (director)

Música de Rafael Díaz y homenajes de Jesús Villa Rojo y Carlos Galán

 

Producción: Cosmos 21-Rafael Díaz

Comentarios de Carlos Galán

Portada: Fotograma de Graffitis en Málaga, obra electroacústica de Rafael Díaz sobre fotos de Javier Alcántara

Traducción: Gary Smith

Fotografías de Rafael Díaz junto a Cosmos 21, de José Díaz y Carlos Galán

 

Diseño gráfico: Cap i Cua (Alexis Moya y Sergio Moya)

Copyrights © Cosmos 21 y © Liquen Records

 

Textos en español e inglés – Booklet in Spanish and English

 

DL: V-4180-2025 • LRCD036 • liquenrecords.com

 

Todos los temas fueron grabados en el Auditorio de la “Casa del Agua” y su piano Kawai GS70 en Navalperal de Pinares, en sesiones del 21 y 26 de diciembre de 2024 y del 8 de septiembre de 2025, con Pedro Baselga como ingeniero de sonido.

 

Fueron editadas y masterizadas en Infinity Estudios de Madrid (Pablo Baselga) el 12 y 26 de marzo, 26 de mayo y el 10 y 12 de septiembre de 2025

 

Carlos Galán es el pianista de las obras de piano solo y de Tango flamenco y ¿Flamenco? (temas 2, 4, 6, 7, 8, 9 y 10). Manuel Rico de los temas camerísticos 1, 3, 5 y 12

 

Grupo Cosmos 21

 

Carlos Galán, piano y dirección

Vicente Martínez (flauta y asistente; Catedrático del RCSMM), David Arenas (clarinete en si b; Profesor de la Banda Municipal de Madrid), Joaquín Franco (saxo mib. Catedrático del RCSMM), Emilio Sánchez (violín; Profesor del Conservatorio M. Torroba de Madrid), Raúl Pinillos (violonchelo; Profesor del Conservatorio Amaniel de Madrid), Manuel Rico (piano; Profesor del Conservatorio de Ronda), Sergio Berlinches (piano; Correpetidor del Teatro Real de Retiro), Luisa Muñoz (pequeña percusión) y Nevenka Galán (coordinadora).

 

Todas las obras contenidas en el cedé (que incluye tanto las obras del Grupo Cosmos 21 como las dos electroacústicas) son primeras grabaciones mundiales.

PATROCINADORES

LISTA DE COMPOSICIONES

1. JaZZ fuSSSsion (8.12), de Rafael Díaz

2. Tango flamenco (2.17), de Rafael Díaz

3. Málaga la bella (4.11), de Rafael Díaz

4. ¿Flamenco? (4.34), de Rafael Díaz

5. Rumores de la Caleta (6.28), de Rafael Díaz

6. Flamenco opus15: Farruco que soy (2:34), de Rafael Díaz

7. Flamenco opus15: Fierro (Taranta) (2.57), de Rafael Díaz

8. Flamenco opus15: Bulería (¿Fermoso que soy?) (2.48), de Rafael Díaz

9. Agnus Dei (de la “Misa Flamenca”, versión I) (5.16), de Rafael Díaz

10. Agnus Dei (de la “Misa Flamenca”, versión II) (5.19), de Rafael Díaz

11. Ajedrecistas (8.20), de Rafael Díaz

12. Glosas malagueñas (Marcha flamenca) (2.41), de Jesús Villa Rojo (dedicada a Rafael Díaz)

13. Estudio de texturas, op 134, Música Matérica LXXIV (7.04), de Carlos Galán (dedicada a Rafael Díaz)

Notas del disco por Carlos Galán

De entre los ocho sambenitos que frecuentemente se le achacan a la música contemporánea, y que describo detalladamente en mi libro “Topologías sonoras”, se encuentra el que se la considere una música seria, intelectual, inhumana, desagradable, que deforma, que resulta elitista, que necesita formación y que aburre. La infrecuente música de Rafael Díaz es un ejemplo de todo lo contrario. Sus obras resultan divertidas, cercanas, humanas, accesibles, sencillas y, desde luego, en absoluto aburridas. Bien merecen tener acogida en nuestra colección “Infrecuentes”. Para seleccionar sus composiciones no he tenido que realizar un largo recorrido ya que desde el atril de director del grupo Cosmos 21 o bien como pianista he presentado en la última década -en riguroso estreno mundial- una decena de nuevas obras de este singular compositor malagueño. Indudablemente, la recopilación que ahora presentamos es un buen indicativo de su creatividad. 

 

Me solicita el protagonista de este nuevo cedé de la colección que, en aras de cobrar una mayor distancia con las obras escogidas que la que él pueda tener, los comentarios y notas las escriba alguien con conocimiento de su obra pero que no se identifique con él mismo y pueda poner, si se da el caso, el dedo en la llaga y no evitar la crítica más aguda y pertinente. Asumiendo el papel de director de esta colección y de haber protagonizado ya tantos de los estrenos del catálogo más reciente de Rafael Díaz, me coloca en un aprieto porque la requerida distancia es la que, precisamente por mi condición libre de intérprete comprometido, debo evitar, pues es uno de mis principios el buscar el máximo acercamiento al espíritu del creador sobre el que trabajo. De hecho, dicha actitud abierta y alejada de toda fobia es lo que me ha ocasionado el ser considerado (Manuel Tévar dixit) un intérprete “pervertido” por “atender a todas las estéticas y estilos sin excepción”, independientemente de su proximidad a mi ser creativo (lo que incluye igualmente al interpretativo). Así que distanciarme de Rafael es difícil, si no imposible. Primero por amistad, segundo por el respeto que me gana con su entrega y dedicación. Y en tercer lugar, por su querencia a la materia sonora, tema al que luego volveré, y con el que tanto me aúna.

 

Pero, ya que al llamar a mi puerta apeló a una necesaria criticidad que no acallara defecto alguno que pudiera encontrarse en su escritura, tampoco olvido esa máxima de mi añorado Félix Grande, que sólo concebía la crítica desde el amor. La que no funciona desde ahí, es simple pasto de la envidia, la impotencia o el desencuentro. Así que, recogido en el papel su deseo, comparto con el lector el entusiasmo que me transmite con cada nueva génesis suya junto a la perplejidad y reservas que me suelen causar el recibir un manuscrito del autor malagueño. Y ello es debido a que siempre es “un tiro al aire” (rememorando el juguetillo de las alegrías gaditanas) porque sus entregas son un auténtico work in progress: «la partitura va cobrando su forma según me insta a que haga cuantas revisiones sean necesarias». Y digo entregas porque, ¡ay la que le espera al musicólogo futuro que quiera adentrarse en su quehacer compositivo!, siguiendo la pauta creativa de don Manuel de Falla, Rafael no tiene ningún reparo en revisar una y otra vez sus partituras y desde el mismo momento que te la envía para que supervises su correcta escritura ya te está preparando una nueva versión (no obviemos que es una música de un alto grado de investigación sonora, con presencia muy notable de sonidos poco convencionales y siempre sujetos al debate de su idoneidad o, al menos, de la escritura). Y este proceso de revisión-reescritura se puede alargar hasta el punto de que, si no le ponemos un punto y final y no y aparte, haya razonables dudas de si se han quedado en el tintero (o en el programa de escritura musical) algunas notas de más o de menos. Vamos, que el compositor y el intérprete pueden tener entre sus manos varias versiones a un tiempo sin poder dictaminar con certeza cuál es la definitiva. Pero bien lejos de que ello sirva de pretexto para poner en duda la clara ideación creativa que alberga Díaz, ello quiero entenderlo como una muestra de su feracidad y apertura musicales. Por zanjar el tema, su semántica sonora se basa en la coexistencia de texturas abiertas, hasta cierto grado indefinidas, así que a ello habrá que atenerse.

Rafael Díaz es un vivo ejemplo de la fructífera convivencia del intérprete y del compositor. Poseedor de un amplio catálogo, su trabajo creativo, vivo, inquieto, generoso y refrescante, se nutre de su vasta experiencia como clarinetista y director del Taller de Música Contemporánea de Málaga. Precisamente en el Festival que organizó en Málaga en 1994 nos conocimos personalmente, al ser invitado el grupo Cosmos a dar un concierto en el antiguo Conservatorio María Cristina, hoy flamante auditorio de Unicaja. Corría un 25 de abril de 1994. Y para más coincidencias, estrené en aquella ocasión mi obra “Commedia”, dato anecdótico que nos une de nuevo hasta el punto de resultar significativo, ya que en nuestro protagonista el humor es un absoluto referente. Desde luego, si quisiéramos recurrir en su caso a algún tipo de identificación antropológica con el alma malagueña-andaluza lo tendríamos muy fácil pues al gracejo y simpatía que manifiesta como nota predominante (y sirva que su carta de presentación en público suele ser que se considera “el compositor mejor peinado de España”…gracias a lucir una reluciente calvicie) se le suma una generosa entrega y una atracción cada vez más recurrente por el flamenco. Ya van apareciendo algunas claves para entender su particularísimo discurso, y que seguidamente enuncio: profundo sentido del humor, discurso discontinuo, absoluta apertura a todo sonido independientemente de su origen, así como influencias muy dispares, pero particularmente significativa por parte del mundo flamenco. Iremos ahondando en estos matices según realicemos el recorrido por el contenido del disco, lo que podrá darnos una buena idea de su mundo sonoro.

 

Pasaron más de veinte años hasta nuestro reencuentro hace poco más de un lustro. Desde entonces ha sido una feraz sucesión de obras dedicadas. “Jazz fuSSSion”, la composición que abre el cedé y que de alguna manera lo medio nombra, es la primera página que nos escribe. En 2018 programamos un concierto bajo el epígrafe “Diferentes lecturas del jazz” y le pedimos este sexteto que estrenamos en la sala Manuel de Falla un 16 de octubre. A partir de una atomización del arranque del célebre góspel “Oh when the Saints…”, Díaz expone su personalísimo lenguaje en el que aglutina materiales de muy diversa procedencia y naturaleza tímbrica, para configurar un discurso continuamente fragmentado y siempre sorprendente. Los materiales se yuxtaponen, entrelazan, suceden, para armar una propuesta sonora desconcertante, por momentos frágil, pero siempre muy viva e imprevista.

 

“Tango flamenco” es la siguiente pieza que nos dedica y escribe. En 2021 ofrecimos el programa “Diversas lecturas del tango”. De Rafael conocíamos su larga serie de obras de cámara “Flamenco opus…” y me pareció muy oportuno pedirle una nueva composición. Precisamente el año anterior había presentado mi libro “La improvisación en el flamenco”, donde ya destacaba la atención que le había dedicado Díaz a este maravilloso lenguaje, muy por encima de cualquier otro compositor español (incluido de mí mismo, y sirva como ejemplo comparativo, que en mi catálogo rastreo la presencia de flamenco en docena y media de composiciones). Para los conciertos por Córdoba, Sevilla, Murcia, Palencia y Festival Internacional COMA´21 nos escribió esta breve composición para  un cuarteto que incluye cajón flamenco y que llevaríamos en la gira de presentación de dicho Tratado de Improvisación. La pieza está basada en el peculiar tango malagueño del Piyayo (que transita por el modo menor o mayor, en lugar del convencional modo frigio flamenco de los tangos gaditanos). Nuevamente, como en la obra precedente, los músicos incorporan a su semántica, ya de por sí inundada de sonidos no convencionales, el empleo de la palabra:

 

“En Málaga los serenos/van disiendo por las calles/que duerma er que tenga sueño/que yo no dispierto a naide”.

 

El discurso se interrumpe una y mil veces, intercalando frases flamencas improvisadas por el pianista o proponiendo timbres inesperados sobre la clave rítmica de la familia de los tangos. Como apunte que la ponga en valor, es una de la docena de obras escogidas por el grupo entre todo el repertorio español contemporáneo para el programa que va a iniciar una nueva serie de las “Aulas de reestrenos” de la Juan March que pretenden proponer, vía comisionariado de intérpretes de reconocida entrega a la contemporaneidad, obras que supongan, cual cápsula del tiempo, un auténtico legado musical para la posteridad. 

“Málaga la bella” es la tercera obra para el grupo y nos la propone para el concierto que dedicamos el 29 de septiembre de 2023 en su ciudad natal, con motivo de su 80 aniversario. La inspiración en Albéniz está más que latente, con continuas referencias a “Málaga”, décimo número de su celebérrima “Iberia”. Los retazos melódicos aparecen con una mayor continuidad (pero siempre limitados a dos o tres compases), aunque enseguida los desdibuja, contrasta o contesta con una nueva propuesta tímbrica, usualmente con sonidos no convencionales, lo que hoy se ha dado por llamar técnicas exptendidas. Díaz homenajea con el nuevo sexteto a su ciudad natal, a la música que la evoca y, consecuentemente, se autocomplace divagando luminosa y despreocupadamente, a modo de evocación musical, como podría hacerlo un paseante del viejo barrio malagueño de Triana (nada que envidiar del sevillano) o de la Caleta. 

 

La generosidad, feracidad y creatividad de nuestro protagonista se manifiesta a cada instante y no es infrecuente que nos sorprenda con otra nueva entrega inesperada. “¿Flamenco?” es un nuevo ejemplo. Ya pensando en el contenido del presente cedé que nos envió este trío para violín, clarinete y piano cuyo título ya pone en evidencia sus intenciones (y nuevamente sin renunciar al humor como lectura de partida). El autor plantea de entrada el debate de si asistimos a una página flamenca. La pieza la estrenamos el 17 de mayo de 2025 en el concierto inaugural del “II Festival del agua 2025” en Navalperal de Pinares. La celebérrima cadencia flamenca en varios tonos superpuestos sirve de antesala a un discurso que por momentos navega por el mundo de la soleá. Las frases se suceden sin acabar de llevarnos a un espacio que no sea el del movimiento y el humor. Es un querer y poder, como el del tartamudo que también confiesa su lamento:

 

“Dididi dice mmmmimi mi compañera/qqqqueque no la quiero/cucucuando la mmmimiro a la cacacara/er sentío pipipierdo”. La palabra interrumpe una y mil veces el discurso y cuando parece que es la que cierra todo debate y discurso musical

 

“…y ya me olvidaba de los que dicen `óle´ y tocan las palmas”

 

todavía nos reservará un mínimo gesto musical por parte del violinista. Decididamente, una vez más Rafael Díaz apuesta por el juego, por el desconcierto.

“Rumores de la Caleta”, fue presentada en la larga gira del programa “18 estrenos de compositores andaluces” que llevamos por nuestro ciclo en Madrid (sala Manuel de Falla, donde la estrenamos en febrero de 2024) y posteriormente por Almería, Cádiz, Ronda, Sevilla, Málaga y Festival COMA de Madrid). La conocida pieza de Isaac Albéniz, inspirada en las malagueñas viejas (esto es, aquellas que eran acompasadas, antes de la irrupción de la malagueña libre o sin compás) es el punto de arranque de un nuevo ejercicio de composición sonora, en la que Díaz acude a un diálogo suigéneris entre el violín y el piano. El virtuosismo del primero (notable en la cadencia final) tiene su contrapunto, apoyo y refuerzo en el piano.

 

Abrimos ahora un espacio centrado en el pianismo del autor malagueño. Para la edición 25 de los  Conciertoencuentro.cosmos, celebrada el 22 de febrero de 2023, Rafael me escribió y dedicó su “Flamenco opus 15”, virtuosístico tríptico pianístico cuyas dos primeras partes fueron estrenadas en dicho concierto. La que posteriormente sería su tercera parte, “Bulería”, tendrá que esperar a su estreno al 9 de noviembre de 2024, dentro del Festival Internacional COMA´24, en el Auditorio Casa de Vacas de Madrid. La primera página, “Farruco que soy” es toda una declaración de intenciones: el carácter desenfadado, desafiante (desde luego para la técnica convencional del pianista) es la tónica predominante. Y tampoco éste se limita a una escritura al uso: frecuentes cambios de octava o giros a contra mano que obligan al pianista a digitaciones infrecuentes, pasajes velocísimos repetidos pero siempre con diversas variaciones que dificultan al extremo su memorización digital (y sonora, algo común en la línea depabliana) pero que son fiel reflejo del espíritu inquieto y desbordante del autor andaluz. 

 

En la segunda pieza, igualmente susceptible de tocarse aisladamente, la taranta flamenca es reconocible en giros idiomáticos propios de del tronco matriz de los cantes minero-levantinos. La gravedad de ese veloz doble floreo (superior e inferior) en el registro grave la dota de la seriedad propia de este género. El  título “Fierro”, bien parece apelar a la pesante insistencia del palo en ese giro endemoniado y hondo. También se percibe con notoria claridad la superposición de un acorde del séptimo grado en inversión (sol-si-mi) sobre el de tónica (fa#) que erige este palo en un asombroso caso de cómo atentar contra los principios sacrosantos de la consonancia (y por cuyo ejemplo me vi empujado a escribir el libro “La taranta: un ejemplo que contradice los principios de consonancia y disonancia”). Pero Díaz consigue que el oyente no se ancle a un lenguaje convencional y mucho menos tonal. Dicha tónica propia del palo de la taranta es solo un elemento más que contribuye a su acercamiento al mundo fascinante del flamenco, pero sin renunciar a la máxima contemporaneidad.

 

Finalmente, la tercera parte, “¿Fermoso que soy?” (me pregunto si en una nueva muestra de su humor se lo cuestiona el autor a modo de retrato), e inspirada en la bulería flamenca, lleva al máximo las exigencias a un pianista que, lo mismo toca palmas, ejecuta un veloz gesto entre ambas manos en el teclado, interpreta la clave rítmica de la bulería mutando las s o, sin más, improvisa un vertiginoso desplazamiento en el piano (o, al menos, así lo interpreta un servidor). La celeridad, desenfreno, energía y desafío del palo flamenco transferido al piano. Percatándose de que sin sonar en momento alguno (salvo en improvisaciones que así se lo exige al pianista) dentro de la ortodoxia flamenca, este lenguaje declarado patrimonio inmaterial de la humanidad se manifiesta más actual, comprometido y contemporáneo que nunca, y es entonces cuando nos damos cuenta de que la lectura que Díaz hace del flamenco es única y necesaria. Nos transporta a este fascinante lenguaje, pero lejos de anclarse a él, nos lleva mucho más allá, al terreno de la creación pura. (Tendré que preguntarle si recogió la enseñanza de su maestro L. Nono, como así lo reconocía su entregado discípulo M. Sotelo, de inspirarse en nuestras raíces sonoras).

La “Misa flamenca” es una de sus obras de mayor envergadura (no obstante es tema central de una tesis doctoral por parte del catedrático Víctor López) y nos sirve para adentrarnos, sin dejar al piano solista, en otro campo como es el de la electroacústica y que viene cultivando en las últimas décadas (nos cuestionamos si, al abandonar la práctica instrumental profesional, quizás fue una válvula de escape a su creatividad inagotable). De cara al Conciertoencuentro.cosmos 25 que le dedicamos le planteé hacer una relectura de dicha obra, aprovechándome de mis destrezas (y pasión) flamencas, en base a superponer un plano pianístico improvisado en directo sobre la propia cinta electroacústica. Escogí el séptimo movimiento, el “Agnus dei”. Predomina el canto de unas siguiriyas en el tono frigio flamenco de do por parte del cantaor  Alfredo Arrebola, cuya voz, así como la de un coro a modo de plegaria, se deja escuchar atomizadamente. Sobre este soporte, acometo la improvisación pianística, realizando una inmersión en la semántica de Rafael Díaz mediante una completa exposición de técnicas propias del autor malagueño: lenguaje de alto virtuosismo, desplazamientos vertiginosos por todo el teclado, gestos repetidos pero nunca iguales, continuos cambios de texturas sonoras, ataques en las cuerdas en glissandi, pizzicatti, rasgándolas con las uñas,

 

Un universo caleidoscópico y múltiple que pretende fundirse con los delay, reverberaciones, ecos y repeticiones y cromatismos ascendentes (propios del toque de granaína), omnipresentes en la grabación. Sólo señalar que atendiendo a mi exigencia como improvisador de nunca repetirme y realizar un auténtico ejercicio lo más cercano a la creación y no a la simple composición, hemos decidido dejar dos grabaciones por su muy diferente contenido pianístico, amparados en el alto valor de ambos registros.

 

Imposible cerrar este monográfico sin prestar atención en exclusiva a la visión (audición, para ser más exactos) que tiene Rafael Díaz del mundo electroacústico, ciertamente transcendental para comprender su estética y que ya hizo acto de presencia en la obra anterior. Ciertamente, con la electroacústica pura, el autor navega a sus anchas, sin necesidad de verse limitado por las enormes dificultades técnicas que encierran sus obras acústicas. Así que, aunque sea salirnos del mundo “cósmico”, nos pareció oportuno dejar un espacio que nos alumbre en este quehacer creativo. En “Ajedrecistas” asistimos a un género que en tiempos tuvo bastante atención institucional por la difusión en Radio Clásica del programa “Ars sonora” que regentaba P. Iges y que hoy tiene continuidad magníficamente en el micrófono de Miguel Álvarez. La obra es una perfecta muestra de lo que se vino a denominar “Ópera radiofónica”. En ella, se establece una figurada disputa musical con el pretexto de un embate ajedrecístico entre Marcel Duchamp (autor de un cuadro con igual título) y el autor malagueño. El disparate surrealista, muy en la órbita de la propuesta de nuestro autor con sus continuos contrastes, irrupciones de materiales de naturaleza bien diversa (muy reconocibles las clases de flamenco) y, naturalmente condimentado con buenas dosis de humor, adquiere plena carta de naturaleza.

 

Por haber sido creados ex profeso para los distintos monográficos que le hemos dedicado con el Cosmos 21, nos resultaba en parte ineludible la no inclusión de dos pequeños homenajes que en tiempos recientes recibió el autor malagueño y que Rafael Díaz quiere seguir programando junto a sus obras. “Glosas malagueñas” es una breve creación para todo el septeto de Cosmos 21 que Jesús Villa Rojo tuvo a bien dedicar a Rafael con motivo de su 80 Aniversario, de modo que se lo estrenáramos en el concierto en torno a su obra que le hicimos en la Fundación Unicaja de Málaga el 29 de septiembre de 2023. El protagonismo del cajón flamenco (con solo incluido justo antes de la “copla” que arranca el piano), el desafío y energía latentes en cada instante así como su carácter festivo son las constantes de este homenaje del maestro briocense, compositor, clarinetista y director del grupo de música contemporánea LIM, y que por toda esa múltiple condición, Rafael Díaz siempre le tuvo como espejo de trabajo y creación. La obra se muestra contundente y arrebatadora, como bien reza la intención de su subtítulo (“marcha flamenca”).

Por mi parte, “Estudio de texturas, op134, Música Matérica LXXIV” es un homenaje a nuestro protagonista y la estrenaremos a mediados de noviembre en un nuevo concierto monográfico que le haremos el 13 de noviembre en la UCM, dentro de nuestro ciclo de “Músicas del Cosmos” y en los dos conciertos para la Fundación Unicaja en Ronda y Málaga el 30 y 31 de enero del año venidero. El caso es que andaba pergeñando un programa para el próximo festival “Músicas del Cosmos 2026” centrado en la temática de los ‘estudios’ musicales y me percaté de que en mi catálogo estrictamente matérico, aquel centrado en evidenciar en su mayor desnudez la energía que atesora el sonido per se, y cuyas sucesivas entregas (esta es la 74) están dedicadas a compositores, amigos y colegas, no tenía una composición pensada para él. Stricto sensu, todas mis obras insertas en este catálogo pueden concebirse como estudios de texturas y de objetos matéricos que, convenientemente mensurados y organizados, pasan a la categoría de objetos musicales matéricos, pero en la presente ocasión busqué un dúo en que la sucesión de texturas fuera aún más vertiginosa que de costumbre. Para ello elegí como protagonista al clarinete (otro homenaje a Rafael), instrumento de indiscutible riqueza en cuanto a registros y posibilidades de sonidos menos convencionales, con el exclusivo soporte e hilazón de diversos instrumentos de pequeña percusión. La obra tiene un antecedente en “El peso de un ángel”, pero en aquel lejano opus 94 mío, el clarinetista se enfrentaba solo a una partitura notablemente más larga, eso sí, con el apoyo puntual de unos chimes o , que ejercían como de hilvanes de las diferentes secciones.  

 

Rafael Díaz sigue trabajando infatigable e incesantemente, pero en el presente cedé, intencionadamente titulado “Cosmosfusión” al reunir obras de la última década, puede recoger muy bien la riqueza, diversidad y movilidad del pensamiento actual del autor malagueño.

DOSIER DE PRENSA

Cosmos 21 homenajea, en clave de fusión, al compositor Rafael Díaz

Paco Yáñez, Revista Scherzo, 19/01/2026

Puesto que con un grupo llamado Cosmos nos encontramos hoy, podríamos decir que pasar del que fue primer compacto dedicado al ensemble madrileño en Liquen Records a este segundo volumen de su serie Infrecuentes en el sello valenciano sería cual desplazarnos, a través de un agujero negro, desde un universo trágico y oscuro, el que recorrimos en su disco Fuego en el aire, a un universo luminoso y festivo: ése al que Carlos Galán y el Grupo Cosmos 21 nos conducen ahora con Cosmosfusión, un lanzamiento que, de nuevo en Liquen Records, se centra en la música de un compositor con el que Cosmos 21 ha trabajado asiduamente, el andaluz Rafael Díaz, a cuyas obras se suman en este compacto dos piezas a modo de homenaje al propio Díaz, compuestas por Jesús Villa Rojo y Carlos Galán.

Curiosamente, la Málaga donde tuvo lugar «La Desbandá», el trágico acontecimiento histórico al que nos remitía Fuego en el aire (partitura de José Miguel Moreno Sabio), vuelve a estar presente en este segundo disco de Cosmos 21 en Liquen Records, ya sea por referencias explícitas en el texto narrado por los músicos del ensemble, ya por las influencias andaluzas que, una y otra vez, se hilvanan en las once piezas del malacitano Rafael Díaz; once partituras que conforman el grueso de este disco y lo que con más propiedad responde a un lenguaje de fusión, con sus hibridaciones entre la música contemporánea, una importante influencia de la electroacústica y estilos como el flamenco, el tango o el jazz; todos ellos, con dejes humorísticos de impronta que diría kageliana, aunque marcadamente españoles y, específicamente, meridionales.

No me han parecido, sin embargo, las piezas más inspiradas del disco aquéllas en las que ese humor está, precisamente, en primer plano, con sus diálogos un tanto tabernarios, mientras que las partituras en las que el piano goza de un mayor protagonismo (punteado por palmeos y otros dejes igualmente andaluces) sí ofrecen un mayor interés musical; en algunos casos, con ecos españolizados de John Cage por su reinvención del piano con un carácter percusivo que tan bien casa con el flamenco y sus ritmos acusadamente raciales, aquí llevados por Carlos Galán con total maestría al teclado (aunque, por la energía con la que lo toca, es todo el instrumento el que resuena en su conjunto, convocando esos ya citados ecos estilísticos).

Así pues, serán las tres piezas de Rafael Díaz que integran el ciclo Flamenco opus 15 (2023) las que considero artísticamente más sólidas de entre las del malacitano aquí reunidas, con su acusado virtuosismo, ingenio en el manejo de los intervalos y diálogo con las liturgias y ortodoxias propias de un flamenco reinventado tanto por Rafael Díaz, en su partitura, como por el propio Carlos Galán, que con su interpretación une el rigor con la fantasía y el duende imprescindible para que Flamenco opus 15 funcione como en este disco lo hace.

Dada la ya larga e intensa relación existente entre Rafael Díaz y el Grupo Cosmos 21, su fundador y director, Carlos Galán, ha querido incluir en este compacto sendos homenajes al compositor andaluz: el primero, Glosas malagueñas, del briocense Jesús Villa Rojo; el segundo, Estudio de texturas, op. 134, Música Matérica LXXIV, del propio Galán.

Las Glosas malagueñas fueron compuestas con motivo del octogésimo aniversario de Rafael Díaz, celebrado en 2023, año en el que Cosmos 21 festejó dicho cumpleaños en Málaga un concierto-homenaje en el que, entre otras, se incluyó este regalo musical de Jesús Villa Rojo (curiosamente, clarinetista, director y compositor, como el propio Díaz). Escritas para septeto instrumental, en éste se incluye el cajón flamenco, cuya presencia (solo incluido) justifica, como su ímpetu rítmico, el subtítulo de la partitura, Marcha flamenca; una marcha a la que se van sumando desde ecos folclóricos (como las coplas) hasta pinceladas de la literatura pianística española del siglo XX igualmente inspirada en la música andaluza; todo ello, en un ambiente marcadamente festivo.

Si el homenaje de Jesús Villa Rojo evocaba al Rafael Díaz más marcado por las músicas de raíz y su ascendiente mediterráneo, en Estudio de texturas, op.</em> 134, Música Matérica LXXIV Carlos Galán nos remite al Rafael Díaz más vanguardista y experimental, tanto en su dimensión de compositor, el que siguió cursos con (entre otros) Luigi Nono y Horacio Vaggione, como en la del intérprete que fundó el Taller de Música Contemporánea de la Universidad de Málaga o en la de quien sigue produciendo nuevos timbres, bien sea con el clarinete, bien en su laboratorio electroacústico, abismado a la más sutil y delicada interioridad del sonido.

Una búsqueda análoga, con un dúo de instrumentos acústicos formado por clarinete en si bemol (otro guiño a Rafael Díaz) y percusión, es la que nos propone Carlos Galán con su Música Matérica LXXIV, una de las obras más largas del disco (aunque apenas sume siete minutos de duración) y, sin duda, la más actual e interesante a nivel textural.

Basta una lectura de la página que abre esta partitura, para tomar conciencia del alto virtuosismo que en ella se exige, especialmente, al clarinete, cuyas numerosas técnicas extendidas (mordedura o percusión de la caña, emisión de fonéticos, flatterzunge, multifónicos, golpeo de llaves y un largo etcétera) se despliegan entre constantes cambios de compás y rangos dinámicos, con grupos de notas que han de ser llevados desde velocidades endiabladas propias de la escritura para instrumentos de viento de un Brian Ferneyhough hasta una serenidad reverberante que parece llegada a este Estudio de texturas, op. 134 de Luigi Nono y su canto sospeso.

Si el clarinete aporta una voz convulsamente humana a Música Matérica LXXIV, la percusión incide en la aridez de los paisajes que ese clarinete recorre, por lo que no es difícil visualizar en este dúo un retrato (con sierra malacitana al fondo) del propio Rafael Díaz en su empeño de conquistar nuevos horizontes, cumbres y perspectivas musicales, buena parte de los cuales, en lo más moderno y exploratorio, pone aquí en perspectiva Carlos Galán, con una soberbia interpretación de David Arenas, clarinete, y Luisa Muñoz, percusión.

Tanto las once partituras interpretadas en este disco por Cosmos 21 como las dos obras electroacústicas de Rafael Díaz se ofrecen en primera grabación mundial, algo que vuelve a mostrar el fino criterio de Josep Lluís Galiana como productor de Liquen Records, al mantenerse fiel a su línea de no adentrarse en repertorios ya más que trillados en el mundo de la fonografía y, por la contra, apostar por dar voz y espacio —como Liquen lleva haciendo desde el año 2016— a un buen número de compositores, intérpretes y obras musicales de nuestro patrimonio contemporáneo que todavía no habían sido llevadas al disco compacto (o a las correspondientes plataformas online que, al fin y al cabo, lo que siguen haciendo es nutrirse de ese incansable trabajo de las casas y productores discográficos: base fundamental de sus catálogos virtuales).

Las excelentes grabaciones de estas trece piezas, todas ellas con una gran definición tímbrica y una inmersiva espacialización, fueron realizadas en el Auditorio de la “Casa del Agua” de Navalperal de Pinares (Ávila), con tomas de sonido a cargo del ingeniero Pedro Baselga en diciembre de 2024 y septiembre de 2025, siendo su posterior edición y masterización realizada en los Infinity Estudios de Madrid.

Fiel a lo que en el sello valenciano es habitual, Liquen Records nos ofrece una edición muy cuidada, con un amplio libreto (bilingüe, en castellano e inglés) de treinta y una páginas a color que incluye un soberbio ensayo a cargo de Carlos Galán, además de un buen número de fotografías, las biografías de compositores e intérpretes, así como los datos técnicos de este registro. Todo ello redondea el segundo lanzamiento del Grupo Cosmos 21 en su colección Infrecuentes.

Flamenco Material

Miguel Ángel Pérez Martín, docenotas.com, 30/12/2025

Primero conviene explicar el encabezamiento de esta reseña. Muchos “jóvenes turcos” teatrales de mi generación teníamos al autor teatral alemán Heiner Müller como lectura de cabecera en los ochenta. Lectura porque como mucho aspirábamos a ver en algún teatro de Europa y España alguna de sus obras, Maquina Hamlet o Medea Material eran dos muy representadas. Alimentaba su dramaturgia de “materiales” greco-latinos y clásicos para hacer un teatro de alto voltaje político, social y antiautoritario.

 

La música contemporánea sigue una estela parecida, hace suyos materiales de otras artes, de otras épocas, de otros ámbitos sociales, de otras esferas de la realidad y les manipula, deconstruye y a veces destruye directamente. Incluso en los ámbitos musicales alejados del serialismo y la atonalidad pura y dura -pienso en Cage o Glass-.

 

Con el “flamenco” entendido como música popular y tradicional de Andalucía pasa lo mismo, es un “material” sobre el que trabajar y elaborar nuevas propuestas musicales. Tenemos el ejemplo de Lorca – muy apegado al alma popular- y otras propuestas más “alejadas” -a primera vista- a esa alma como Mauricio Sotelo, Francisco Guerrero, Joan Albert Amargós, ¡tantos!

 

Llega ahora esta importante propuesta de Carlos Galán sobre la música de Rafael Díaz, clarinetista, compositor, profesor del Conservatorio de Málaga y Director del Taller de Música Contemporánea de esa ciudad. Por su parte Carlos Galán es profesor de Composición y Música de Cámara del Conservatorio Superior de Madrid, pianista, improvisador, escritor y experto en flamenco. Sinergias aseguradas.

 

El disco, de factura impecable y grabado en el auditorio de la Casa del Agua de Navalperal de Pinares, Madrid, incluye trece piezas. Once de Rafael Díaz que parten de materiales musicales y vocales propios del flamenco – diez piezas- y una interesante reflexión sonora sobre el ajedrez. Materiales muy sugerentes por su inicio y desarrollo temático y el uso de un gran grupo instrumental para ello.

 

Incluye además una pieza del clarinetista Jesús Villa Rojo dedicada a Díaz y otra dedicatoria de Galán más abstracta y matérica.

 

El conjunto de piezas compone un friso musical e instrumental de alto valor y originalidad inigualable en el panorama compositivo contemporáneo en España, muy pendiente a veces de las tendencias francesas o centroeuropeas, obviamente, y coloca esta grabación los parámetros de las que conocemos de algunos festivales de esas latitudes, concretamente Donauschingen. Un proyecto imprescindible que presenta Liquen Records con una generosidad informativa digna de alabanza.

 

Muy recomendable compra y escucha. En su tienda habitual o en liquenrecords.com

Arranca la 39.ª temporada del grupo Cosmos 21

Revista Melómano, 30/01/2026

Bajo la dirección de Carlos Galán, la veterana formación comienza su actividad con una gira por Málaga y una nueva cita de los Conciertoencuentros

El grupo Cosmos 21 inicia su 39.ª temporada con nuevos conciertos monográficos, presentaciones de discos y otras iniciativas diversas destinadas a difundir la nueva creación musical en nuestro país.

 

Entre otros compromisos, la formación viaja los días 30 y 31 de febrero a la provincia de Málaga para ofrecer dos conciertos en el Auditorio Fundación Unicaja de Ronda y el Auditorio ‘María Cristina’ de la Fundación Unicaja de Málaga.

‘En torno a Rafael Díaz’

En Málaga, el grupo interpretará el programa ‘En torno a Rafael Díaz’. Se trata de un repertorio que sirve como presentación del disco Cosmofusión, de la colección Infrecuentes que publican con el sello Liquen Records.

 

Estos dos conciertos incluirán obras del propio Díaz, así como de homenajes que le realizan Jesús Villa Rojo y Carlos Galán —este último con Graciosa y Estudio de texturas, que constituyen las Músicas matéricas LXX y LXXIV del director del grupo—.

 

Además, el programa se abrirá con la versión para septeto que Enrique Igoa ha elaborado de las Siete canciones populares españolas de Manuel de Falla.

Nueva edición de los Conciertoencuentros

A continuación, el día 10 de febrero, el Conservatorio Joaquín Turina de Madrid acogerá la presentación de la 39.ª edición de los Conciertoencuentros. El ciclo continuará desarrollándose con el apoyo de la Fundación SGAE, y esta será la primera de las seis ediciones que se celebrarán a lo largo del año.

 

En este caso, el evento estará dedicado al compositor, escritor y crítico Joan Gómez Alemany, recientemente nombrado nuevo director de la revista Sul ponticello.

 

En esta cita se estrenará su obra El arte de fugar a Bach. Con el objetivo de ayudar al público a adentrarse en su lenguaje sonoro, el propio Alemany desarrollará una explicación y análisis de la pieza junto a Carlos Galán.

Revista ZOCO, abril de 2026

Publicado el

TODO AL ROJO = Martínez + Gallardo + Galiana + Riquelme

Lucía Martínez, Jesús Gallardo, Josep Lluís Galiana & Matías Riquelme. TODO AL ROJO. València: LIQUEN RECORDS • edición digital • LRCD035

[ENG] Coinciding with the opening of the exhibition entitled “Todo al rojo” by the Fotolateras team, formed by the photographers Lola Barcia Albacar and Marinela Forcadell Breva, the Col·lectiu d’Improvisació Musical de Castelló (CIM.CS) offered a concert at the Espai d’Art Contemporani de Castelló (EACC) on January 17, 2025. Made up on this occasion by the drummers Lucía Martínez and Jesús Gallardo, the saxophonist Josep Lluís Galiana and the cellist Matías Riquelme, the CIM.CS recreates countless soundscapes from a wide range of proposals: from music with unmistakable contemporary contours to a noise inherited from the most transgressive experimentation, passing through diverse languages ​​and musical styles such as free-jazz, rock or funk, where there is also a good dose of humor and a permanent dialogue between the different members of this quartet Unrepeatable, sometimes transparent, exquisite, and elegant, sometimes energetic and turbulent. Everything flows in TODO AL ROJO, and the ideas and contributions of Martínez, Gallardo, Galiana, and Riquelme follow one another seamlessly, reaching diverse and intense climaxes throughout the concert, where true tours de force are produced by these experienced improvisers from the current international scene of free musical improvisation.
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[CAST] Coincidiendo con la inauguración de la exposición titulada “Todo al rojo” del equipo Fotolateras, formado por las fotógrafas Lola Barcia Albacar y Marinela Forcadell Breva, el Col·lectiu d’Improvisació Musical de Castelló (CIM.CS) ofreció un concierto en el Espai d’Art Contemporani de Castelló (EACC) el 17 de enero de 2025. Integrado en esta ocasión por los pecusionistas / bateristas Lucía Martínez y Jesús Gallardo, el saxofonista Josep Lluís Galiana y el violonchelista Matías Riquelme, el CIM.CS recrea innumerables paisajes sonoros a partir de un gran abanico de propuestas: desde una música de inconfundibles contornos contemporáneos hasta un ruidismo heredero de la experimentación más transgresora, pasando por diversos idiomas y estilos musicales como el free-jazz, el rock o el funk, donde tampoco faltan buenas dosis de humor y un diálogo permanente entre los distintos miembros de este cuarteto irrepetible, ora transparente, exquisito y elegante, ora enérgico y convulso. Todo fluye en TODO AL ROJO y las ideas o intervenciones de Martínez, Gallardo, Galiana y Riquelme se suceden sin solución de continuidad, alcanzando diversos e intensos clímax a lo largo del concierto, donde se producen verdaderos tours de force entre estos experimentados improvisadores procedentes de la actual escena internacional de la libre improvisación musical.

[CAT] Tot i coincidint amb la inauguració de l’exposició titulada «Todo al rojo» de l’equip Fotolateras, format per les fotògrafes Lola Barcia Albacar i Marinela Forcadell Breva, el Col·lectiu d’Improvisació Musical de Castelló (CIM.CS) va oferir un concert a l’Espai d’Art Contemporani de Castelló el 17 de gener de 2025. Integrat en aquesta ocasió pels percussionistes Lucía Martínez i Jesús Gallardo, el saxofonista Josep Lluís Galiana i el violoncel·lista Matías Riquelme, el CIM.CS recrea innombrables paisatges sonors a partir d’un gran ventall de propostes: des d’una música d’inconfusibles contorns contemporanis fins a un soroll hereu de l’experimentació més transgresora, on tampoc no falten bones dosis d’humor i un diàleg permanent entre els diferents membres d’aquest quartet irrepetible, ara transparent, exquisit i elegant, ara enèrgic i convuls. Tot flueix en TODO AL ROJO i les idees o intervencions de Martínez, Gallardo, Galiana i Riquelme se succeeixen sense solució de continuïtat, assolint diversos i intensos clímaxs al llarg del concert, on es produeixen veritables tours de force entre aquests experimentats improvisadors procedents de l’actual escena internacional de la lliure improvisació musical.

CRÉDITOS

All music by Lucía Martínez (drums), Jesús Gallardo (drums), Josep Lluís Galiana (soprano and tenor saxophones) and Matías Riquelme (violoncello)

Coproduction by Josep Lluís Galiana (Liquen Records) and Jesús Gallardo (Mondo Rítmic)
Live recorded at the Espai d’Art Contemporani de Castelló_EACC (Castelló de la Plana, Spain) January 17 2025
Recorded, mixed and mastered by Juan Carlos Tomás (La Seta Azul)
© 2025 Liquen Records & Mondo Rítmic

TRACKLIST

1. Todo al rojo I          [ 14.16 ]

2. Todo al rojo II         [ 08.24 ]

3. Todo al rojo III        [ 29.22 ]

4. Todo al rojo IV        [ 10.28 ]

5. Todo al rojo V          [ 06.34 ]

This album is distributed on all digital platforms

Listen on LIQUEN RECORDS's bandcamp

DOSSIER DE PRENSA

L’avantguarda sonora de… ‘Todo al rojo’

Eric Gras, El Periódico Mediterráneo, 15 de maig de 2025

El segell discogràfic Liquen Records publica ara un àlbum enregistrat el dia de la inauguració de la mostra de Fotolateras a l’Espai d’Art Contemporani de Castelló (EACC), a càrrec del Col·lectiu d’Improvisació Musical de Castelló

Hi ha qui diu que la música d’improvisació és per a oïdes entrenades. Però hi ha moments, com el que es va viure el passat 17 de gener a l’Espai d’Art Contemporani de Castelló (EACC), que transcendeixen qualsevol frontera auditiva o mental. Hui, aquell instant efímer —aquella trobada sonora entre quatre bèsties de la creació lliure— es pot tornar a reviure en format discogràfic gràcies a la publicació de Todo al rojo per part del segell Liquen Records.

I si el nom els sona, no és casualitat. Todo al rojo és també el títol de l’exposició de les Fotolateras —Lola Barcia Albacar i Marinela Forcadell Breva—, que ocupa l’EACC fins a aquest diumenge, 18 de maig. Una mostra que, com el disc, aposta per una poètica de la intensitat, del risc i de la connexió directa amb els sentits. Ací, el col·lectiu CIM.CS (Col·lectiu d’Improvisació Musical de Castelló) actua gairebé com una extensió sonora d’eixa proposta visual.

Un disc viu i irrepetible

El disc recull el concert que va oferir el CIM.CS amb una formació top: Lucía Martínez i Jesús Gallardo a les percussions, Josep Lluís Galiana al saxòfon i Matías Riquelme al violoncel. Quatre noms amb trajectòries reconegudes dins i fora de les fronteres europees, que ací conjuminen sensibilitats per crear un tapís sonor d’una riquesa inclassificable.

Hi ha paisatges de tot tipus en aquest Todo al rojo. El que comença com una filigrana subtil pot derivar en una tempesta elèctrica d’imatges sonores. Es parla en idiomes que van del free jazz al rock més esquerdat, del funk a l’humor sonor més afinat. No hi ha guió, però tampoc caos: el que hi ha és escolta, interacció, vertigen i, sobretot, una llibertat que commou.

L’àlbum, disponible en totes les plataformes digitals i especialment al bandcamp de Liquen Records, és una mostra de com es pot atrapar la improvisació -per definició efímera- en un suport durador sense trair-ne l’esperit. El que es grava és un acte d’equilibri: un diàleg permanent entre transparència i estridència, entre subtilesa i colp sec. Una successió de clímax que mai no deixen el públic indiferent.

L’art del risc compartit

La connexió entre l’exposició i el disc va més enllà del títol. Tant les Fotolateras com el CIM.CS treballen des de la intuïció i l’experimentació, des de l’art de mirar (o escoltar) el món a través d’un forat minúscul però radicalment obert. Les projeccions de vídeo, la peça escultòrica i l’incubadora d’imatge que integren la mostra dialoguen, com ho fan els instruments del disc, en un mateix pla d’imaginació expandida.

I és que, com bé sap qualsevol que s’ha deixat arrossegar per una sessió del CIM.CS, no es tracta només de fer música, sinó de construir espais d’escolta activa, d’abrir finestres a allò que encara no té nom. I Liquen Records, amb aquesta edició acurada, oferix precisament això: la possibilitat de tornar a habitar aquell instant únic, aquell Todo al rojo que va incendiar l’EACC una nit de gener, i que ara queda gravat en la memòria i en el so. 

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INTERACCIONS SONORES 2.0 = Joan Gómez Alemany • Josep Lluís Galiana

Joan GÓMEZ ALEMANY & Josep Lluís GALIANA: Interaccions sonores 2.0. València: LIQUEN RECORDS • DL: V-3760-2024 • LRCD033: PVP: 20€

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Interaccions sonores 2.0 i la dissolució contínua de fronteres

Una música que no està tancada, sinó sempre en contínua evolució, una música on no és possible esbrinar què és improvisat o compost, una música que mixtura en un tot indistingible el so acústic i electrònic… Esta és la meta originària del projecte Interaccions sonores, una espècie de «sono-utopia» inabastable, en constant transformació, on el so en la seua fluida interconnexió no pot identificar els seus elements formants i nega tota frontera.

El present treball discogràfic es titula Interaccions sonores 2.0 com a continuïtat d’una primera proposta estrenada en concert el 28 de febrer de 2019 en el Teatre Círculo de València i editada també per Liquen Records (LRCD010). En les notes d’aquell disc podem llegir a Pierluigi Billone, un compositor molt influenciat per la improvisació (lliure), constatant que: «Com en un espill deformat o en un joc de «dobles» transformats, finalment no queda clar qui és la font». Esta mateixa idea ha provocat que l’originària Interaccions sonores mutara com un camaleó i esdevinguera en un nou format, que va ser estrenat en concert el 4 de maig de 2023 a la Sala SGAE Centre Cultural València. Mentres la que podríem anomenar Interaccions sonores 1.0 estava constituïda per un saxofon solista (Josep Lluís Galiana Gallach) i una electrònica fixa (Joan Gómez Alemany), en Interaccions sonores 2.0, Gómez Alemany s’incorpora també com a pianista improvisador, al costat del saxofon i l’electrònica. En crear una música que no vol limitar-se ni tancar-se, este projecte està en constant evolució i no sabem si algun dia existiran unes Interaccions sonores 3.0, 4.0, 5.0…

Com la vida mateixa, que ocorre entre la improvisació, l’atzar i alguna norma, el saxofonista improvisador Josep Lluís Galiana i el compositor Joan Gómez (però fa pocs anys també pianista improvisador) es van conéixer el 29 de juny del 2017 en la Sessió d’Improvisació Lliure #3 en l’Octubre Centre de Cultura Contemporània (OCCC) de València, on tocava Galiana al costat d’altres músics. Des d’eixe moment, ambdós no han parat de treballar junts investigant les similituds i diferències que hi ha entre ells. Tenint perfils creatius contrastants i sent de diferents generacions, la seua col·laboració sempre ha sigut com la seua música: oberta, improvisada, reflexiva, lliure… En definitiva, una deriva constant sense rumb fix. Encara que esta informació pot semblar anecdòtica o simplement biogràfica, és també musical i ens diu moltes coses sobre Interaccions sonores. Com escrivia en un text publicat en la revista Sul Ponticello el 13 de novembre de 2019 i que em va servir també per al meu Komposition Meisterarbeit (Treball de Màster de Composició) en la Kunstuniversität Graz: «Del que es tracta és de la hibridació i no delimitació, allà on normalment es parla de categories que s’exclouen i són antagòniques, però que en el fons això no és real. Interaccions sonores correspondria a processos heurístics i rizomàtics contra la idea de la filosofia clàssica del principi d’identitat i de no contradicció».

Interaccions sonores 2.0 sorgix perquè el projecte inicial va tindre bon acolliment i el disc que es va editar posteriorment va agradar molt. L’improvisador Wade Matthews el va qualificar en les seues xarxes socials com un dels millors CD que havia escoltat. El compositor Enrique Sanz Burguete va escriure en un correu electrònic: «Una altra cosa que crida l’atenció des del minut un és la perfecta simbiosi i integració de l’electrònica amb el so en viu: mai se sap, en general, on comença i/o acaba l’un o l’altra (no se sap, com ha de ser, si s’han pres «mostres» i estan processades, o si els processos són en temps real, o si es «dispara» algun d’ells, etc.). És a dir, verdaderament és un «tot», tant a nivell de «plantilla», per així dir, com estilísticament pel tipus de «materials» compositius». D’altra banda, el crític musical Paco Yáñez va escriure en una ressenya: «Un dels elements que assenten l’èxit d’Interaccions sonores com a gran forma és el seu procés de continu «contrapunt» entre saxofon i electrònica, donant lloc a estructures formals que reverberen i mirallen lo clàssic a l’hora de crear unitat i variació, desenrotllant els materials en el que és tot un viatge en el qual no resulta complex identificar al saxofon com un caminant (de nou, si a Luigi Nono ens remetem, sense camins, encara que uns certs límits prefixa la composició electrònica de Gómez Alemany) i a l’electroacústica com un mapa. Un mapa que és, al cap i a la fi, l’home mateix, perquè dels seus materials genètics en allò musical s’ha conformat». Sobre esta base i veient el potencial musical que existia en Interaccions sonores, es va decidir continuar el projecte. Per això fem una breu cronologia per a entendre com ha arribat fins ací la igualitària i republicana unió de GGGA (Galiana Gallach Gómez Alemany). Gràcies al rigorós mètode de Josep Lluís d’apuntar-se en l’agenda les reunions, sabem que la proposta comença a cristal·litzar-se el 13 de setembre del 2018, a les 11.30 hores en l’estudi de gravació de la Facultat de Belles Arts de la Universitat Politècnica de València, on Galiana realitza diverses improvisacions que són gravades. Amb este material, Joan elabora en Graz (on estava estudiant) l’electrònica i una partitura una mica oberta. Esta es va seguint gràcies a un cronòmetre durant la interpretació de l’obra, per a així generar una tensa relació dialèctica entre allò fix (composició-electrònica) i allò obert (improvisació-acústica). El 21 d’agost de 2019 en Liquen Studios (Pedralba) Interaccions sonores es va gravar en disc i va ser publicat al novembre.

Encara que la idea de continuar les interaccions i expandir-les ja va ser present quasi des del mateix inici, van haver de passar diversos anys perquè això poguera materialitzar-se. Un dels detonants va ser la creació i estrena d’un projecte en el qual Joan Gómez realitzava de nou una partitura-electrònica i Josep Lluís Galiana improvisava amb els seus saxofons. A més, se li unia interdisciplinarment la projecció de vídeo. L’11 de novembre del 2022 en la Fundación Antonio Pérez · Centro de Arte Contemporáneo de Cuenca, en el context de l’exposició Manolo Millares. Cincuenta años después, comissariada per Alfonso de la Torre, Galiana & Gómez van posar música a dos videocreacions. Una primera titulada Millares 1972-2022, creada per Gómez Alemany, i una segona, Millares 1970, creada per Elvireta Escobio i el mateix Millares. En el moment que s’escriuen estes línies, la videocreació Millares 1970 pot veure’s a la sala del Museu Valencià de la Il·lustració i la Modernitat (MuVIM), dins de l’exposició també comissariada per De la Torre, Manolo Millares, circa los cincuenta (buscando la dimensión perdida). Un altre projecte paral·lel va ser Llibertats sonores, estrenat el 16 de desembre del 2022 en l’OCCC dins del cicle Sessió d’improvisació lliure #15, casualment el mateix lloc on es van conéixer GGGA. Que el títol Llibertats sonores siga molt similar al d’Interaccions sonores no és tampoc mera casualitat. Als saxofons de Galiana i a una nova electrònica-partitura de Gómez Alemany se sumava, en esta ocasió, la percussió i l’electrònica en viu d’Avelino Saavedra. Perquè amb l’energia d’estos projectes i gràcies a que la M.I. Acadèmia de la Música Valenciana va acceptar una proposta de concert, es va poder estrenar Interaccions sonores 2.0 el 4 de maig de 2023, havent passat 4 anys des del 28 de febrer de 2019, data en què es va estrenar el projecte originari. A més, va ser el meu debut en públic com a pianista improvisador, encara que com a pianista intèrpret de composicions ja vaig fer concerts durant els meus estudis.

Les interaccions (en el seu sentit general) han sigut constants entre Gómez i Galiana. Ja es va comentar el projecte de Llibertats sonores, que també va ser editat en disc per Liquen Records (LRCD027), però a este va seguir la col·laboració amb el percussionista Jesús Gallardo, gravant un disc únicament en acústic, ENTARTETE IMPROVISATIONEN (LRCD029), en els Rockaway Studios, de Castelló, el 31 d’agost de 2023, que va ser presentat en públic el 18 abril de 2024 a la Sala de la Muralla del Col·legi Major Rector Peset de la Universitat de València. Els tres músics van tornar a tocar junts el 25 d’octubre del 2023 dins del Col·lectiu d’Improvisació Musical de Castelló (CIM.CS) en el cicle Free Impro al Museu #16, amb una llegenda de la free improvised music anglesa, el saxofonista John Butcher. Galiana & Gómez van fer la seua primera aparició a solo amb el saxo soprano i el piano en el Museu de Pontevedra l’1 de novembre del 2023 dins del Festival Vertixe 11. En 2024, el 31 de gener, la guitarra d’Amadeu Marin es va unir a l’anterior duet en el Conservatori Superior de Música Salvador Seguí de Castelló. I amb un altre convidat, el 13 de març en el Col·legi Major Rector Peset, van actuar al costat de la veu de l’improvisador, poeta i performer Bartolomé Ferrando. Estos tres últims concerts van ser motivats per la presentació de diversos llibres, una característica gens irrellevant, tenint en compte el sentit investigatiu i teòric que la improvisació ha tingut per als dos músics, que també destaquen per la seua faceta d’escriptors.

Totes estes «interaccions múltiples» de Gómez i Galiana tracen un arc que va des de l’estrena originària d’Interaccions sonores fins a la publicació en CD de la seua versió 2.0. És cert que estos concerts i esdeveniments són independents i podrien semblar que no tenen relació entre si. Però si tenim en compte les difícils i escasses oportunitats que existixen ara mateix en la nostra terra per a improvisar en públic i en condicions acceptables, podem entendre tot això com interconnectat i capaç de crear sinergies que influïxen en el dia a dia de la unitària creació de GGGA. Una utopia d’éssers sense fronteres on el so intenta expressar-se en la seua infinita transformació. Justament la improvisació es practica de la millor manera amb músics lliures en l’escenari viu i, en eixe sentit, és molt diferent d’interpretar una composició fixa. Per això, improvisar amb les mateixes persones, anar coneixent el seu estil, escoltar els seus discos, és una cosa fonamental per a entrenar i explorar les possibilitats que pot haver-hi entre els saxofons, el piano, l’electrònica i tot allò que se sume. Des d’esta investigació, que porta anys practicant-se de manera autònoma, lliure i espontània (però no per això menys seriosa i rigorosa), és com Interaccions sonores 2.0 ha arribat a existir. Definitivament este novembre del 2024 s’ha materialitzat en un nou disc de Liquen Records (LRCD034), que es va gravar el 31 d’agost de 2023 en Rockaway Studios de Castelló, durant la mateixa maratoniana sessió que també va registrar-se ENTARTETE IMPROVISATIONEN i altres músiques. Amb tot això dit, podem ja concloure recordant la referència que escrivia Paco Yáñez sobre el caminant que, com Galiana Gallach i Gómez Alemany, crea amb les seues interaccions ilimitables el mapa d’allò musical.

Joan Gómez Alemany

Interaccions sonores 2.0 y la disolución continua de fronteras

Una música que no está cerrada, sino siempre en continua evolución, una música donde no es posible averiguar qué es improvisado o compuesto, una música que mezcla en un todo indistinguible el sonido acústico y electrónico… Esta es la meta originaria del proyecto Interaccions sonores, una especie de «sono-utopía» inalcanzable, en constante transformación, donde el sonido en su fluida interconexión no puede identificar sus elementos formantes y niega toda frontera.

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El presente trabajo discográfico se titula Interaccions sonores 2.0 como continuidad de una primera propuesta estrenada en concierto el 28 de febrero de 2019 en el Teatro Círculo de València y editada también por Liquen Records (LRCD010). En las notas de aquel disco podemos leer a Pierluigi Billone, un compositor muy influenciado por la improvisación (libre), constatando que: «Como en un espejo deformado o en un juego de «dobles» transformados, finalmente no queda claro quién es la fuente». Esta misma idea ha provocado que la originaria Interaccions sonores mutara como un camaleón y deviniera en un nuevo formato, que fue estrenado en concierto el 4 de mayo de 2023 en la Sala SGAE Centre Cultural València. Mientras la que podríamos llamar Interaccions sonores 1.0 estaba constituida por un saxofón solista (Josep Lluís Galiana Gallach) y una electrónica fija (Joan Gómez Alemany), en Interaccions sonores 2.0, Gómez Alemany se incorpora también como pianista improvisador, junto al saxofón y la electrónica. Al crear una música que no quiere limitarse ni cerrarse, este proyecto está en constante evolución y no sabemos si algún día existirán unas Interaccions sonores 3.0, 4.0, 5.0…

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Como la vida misma, que ocurre entre la improvisación, el azar y alguna norma, el saxofonista improvisador Josep Lluís Galiana y el compositor Joan Gómez (pero hace pocos años también pianista improvisador) se conocieron el 29 de junio del 2017 en la Sessió d’Improvisació Lliure #3 en el Octubre Centre de Cultura Contemporània (OCCC) de València, donde tocaba Josep Lluís Galiana junto a otros músicos. Desde ese momento, Galiana y Gómez no han parado de trabajar juntos investigando las similitudes y diferencias que hay entre ellos. Teniendo perfiles creativos contrastantes y siendo de distintas generaciones, su colaboración siempre ha sido como su música: abierta, improvisada, reflexiva, libre… En definitiva, una deriva constante sin rumbo fijo. Aunque esta información puede parecer anecdótica o simplemente biográfica, es también musical y nos dice muchas cosas sobre Interaccions sonores. Como escribía en un texto publicado en la revista Sul Ponticello el 13 de noviembre de 2019 y que me sirvió también para mi Komposition Meisterarbeit (Trabajo de Máster de Composición) en la Kunstuniversität Graz: «De lo que se trata es de la hibridación y no delimitación, allí donde normalmente se habla de categorías que se excluyen y son antagónicas, pero que en el fondo esto no es real. Interaccions sonores correspondería a procesos heurísticos y rizomáticos contra la idea de la filosofía clásica del principio de identidad y de no contradicción».

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Interaccions sonores 2.0 surge porque el proyecto inicial tuvo buena acogida y el disco que se editó posteriormente gustó mucho. El improvisador Wade Matthews lo calificó en sus redes sociales como uno de los mejores CDs que había escuchado. El compositor Enrique Sanz Burguete escribió en un correo electrónico: «Otra cosa que llama la atención desde el minuto uno es la perfecta simbiosis e integración de la electrónica con el sonido en vivo: nunca se sabe, en general, donde empieza y/o acaba uno u otra (no se sabe, como debe ser, si se han tomado «muestras» y están procesadas, o si los procesos son en tiempo real, o si se «dispara» alguno de ellos, etc.). Es decir, verdaderamente es un «todo», tanto a nivel de «plantilla», por así decir, como estilísticamente por el tipo de «materiales» compositivos». Por otro lado, el crítico musical Paco Yáñez escribió en una reseña: «Uno de los elementos que asientan el éxito de Interaccions sonores como gran forma es su proceso de continuo «contrapunto» entre saxofón y electrónica, dando lugar a estructuras formales que reverberan y espejean lo clásico a la hora de crear unidad y variación, desarrollando los materiales en lo que es todo un viaje en el que no resulta complejo identificar al saxofón como un caminante (de nuevo, si a Luigi Nono nos remitimos, sin caminos, aunque ciertas lindes prefija la composición electrónica de Gómez Alemany) y a la electroacústica como un mapa. Un mapa que es, al fin y al cabo, el hombre mismo, pues de sus materiales genéticos en lo musical se ha conformado». Sobre esta base y viendo el potencial musical que existía en Interaccions sonores, se decidió continuar el proyecto. Por eso hagamos una breve cronología para entender cómo ha llegado hasta aquí la igualitaria y republicana unión de GGGA (Galiana Gallach Gómez Alemany). Gracias al riguroso método de Josep Lluís de apuntarse en la agenda las reuniones, sabemos que la propuesta empieza a cristalizarse el 13 de setiembre del 2018, a las 11.30 horas en el estudio de grabación de la Facultad de Bellas Artes de la Universitat Politècnica de València, donde Galiana realiza varias improvisaciones que son grabadas. Con este material, Joan elabora en Graz (donde estaba estudiando) la electrónica y una partitura algo abierta. Esta se va siguiendo gracias a un cronómetro durante la interpretación de la obra, para así generar una tensa relación dialéctica entre lo fijo (composición-electrónica) y lo abierto (improvisación-acústica). El 21 de agosto de 2019 en Liquen Studios (Pedralba) Interaccions sonores se grabó en disco y fue publicado en noviembre.

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Aunque la idea de continuar las interacciones y expandirlas ya estuvo presente casi desde el mismo inicio, tuvieron que pasar varios años para que esto pudiese materializarse. Uno de los detonantes fue la creación y estreno de un proyecto en el que Joan Gómez realizaba de nuevo una partitura-electrónica y Josep Lluís Galiana improvisaba con sus saxofones. Además, se le unía interdisciplinarmente la proyección de vídeo. El 11 de noviembre del 2022 en la Fundación Antonio Pérez · Centro de Arte Contemporáneo de Cuenca, en el contexto de la exposición Manolo Millares. Cincuenta años después, comisariada por Alfonso de la Torre, Galiana & Gómez pusieron música a dos videocreaciones. Una primera titulada Millares 1972-2022, creada por Gómez Alemany, y una segunda, Millares 1970, creada por Elvireta Escobio y el mismo Millares. En el momento que se escriben estas líneas, la videocreación Millares 1970 puede verse en la sala del Museo Valenciano de la Ilustración y la Modernidad (MuVIM), dentro de la exposición también comisariada por De la Torre, Manolo Millares, circa los cincuenta (buscando la dimensión perdida). Otro proyecto paralelo fue Llibertats sonores, estrenado el 16 de diciembre del 2022 en el OCCC dentro del ciclo Sessió d’improvisació lliure #15, casualmente el mismo lugar donde se conocieron GGGA. Que el título Llibertats sonores sea muy similar al de Interaccions sonores no es tampoco mera casualidad. A los saxofones de Galiana y a una nueva electrónica-partitura de Gómez Alemany se sumaba, en esta ocasión, la percusión y la electrónica en vivo de Avelino Saavedra. Pues con la energía de estos proyectos y gracias a que la M.I. Academia de la Música Valenciana aceptó una propuesta de concierto, se pudo estrenar Interaccions sonores 2.0 el 4 de mayo de 2023, habiendo pasado 4 años desde el 28 de febrero de 2019, fecha en que se estrenó el proyecto originario. Además, fue mi debut en público como pianista improvisador, aunque como pianista intérprete de composiciones ya hice conciertos durante mis estudios.

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Las interacciones (en su sentido general) han sido constantes entre Gómez y Galiana. Ya se comentó el proyecto de Llibertats sonores, que también fue editado en disco por Liquen Records (LRCD027), pero a este siguió la colaboración con el percusionista Jesús Gallardo, grabando un disco únicamente en acústico, ENTARTETE IMPROVISATIONEN (LRCD029), en los Rockaway Studios de Castelló el 31 de agosto de 2023, que fue presentado en público el 18 abril de 2024 en la Sala de la Muralla del Col·legi Major Rector Peset de la Universitat de València. Los tres músicos volvieron a tocar juntos el 25 de octubre del 2023 dentro del Col·lectiu d’Improvisació Musical de Castelló (CIM.CS) en el ciclo Free Impro al Museu #16, con una leyenda de la free improvised music inglesa, el saxofonista John Butcher. Galiana & Gómez hicieron su primera aparición a solo con el saxo soprano y el piano en el Museo de Pontevedra el 1 de noviembre del 2023 dentro del Festival Vertixe 11. En 2024, el 31 de enero, la guitarra de Amadeu Marin se unió al anterior dúo en el Conservatori Superior de Música Salvador Seguí de Castelló. Y con otro invitado, el 13 de marzo en el Col·legi Major Rector Peset, actuaron junto a la voz del improvisador, poeta y performer Bartolomé Ferrando. Estos tres últimos conciertos fueron motivados por la presentación de diversos libros, una característica nada irrelevante, teniendo en cuenta el sentido investigativo y teórico que la improvisación ha tenido para los dos músicos, que también destacan por su faceta de escritores.

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Todas estas «interacciones múltiples» de Gómez y Galiana trazan un arco que va desde el estreno originario de Interaccions sonores hasta la publicación en CD de su versión 2.0. Es cierto que estos conciertos y eventos son independientes y podrían parecer que no tienen relación entre sí. Pero si tenemos en cuenta las difíciles y escasas oportunidades que existen ahora mismo en nuestra tierra para improvisar en público y en condiciones aceptables, podemos entender todo esto como interconectado y capaz de crear sinergias que influyen en el día a día de la unitaria creación de GGGA. Una utopía de seres sin fronteras donde el sonido intenta expresarse en su infinita transformación. Justamente la improvisación se practica de la mejor manera con músicos libres en el escenario vivo y, en ese sentido, es muy diferente a interpretar una composición fija. Por ello, improvisar con las mismas personas, ir conociendo su estilo, escuchar sus discos, es algo fundamental para entrenar y explorar las posibilidades que puede haber entre los saxofones, el piano, la electrónica y todo aquello que se sume. Desde esta investigación, que lleva años practicándose de manera autónoma, libre y espontánea (pero no por ello menos seria y rigurosa), es como Interaccions sonores 2.0 ha llegado a existir. Definitivamente este noviembre del 2024 se ha materializado en un nuevo disco de Liquen Records (LRCD034), que se grabó el 31 de agosto de 2023 en Rockaway Studios de Castelló, durante la misma maratoniana sesión que también registró ENTARTETE IMPROVISATIONEN y otras músicas. Con todo esto dicho, podemos ya concluir recordando la referencia que escribía Paco Yáñez sobre el caminante que, como Galiana Gallach y Gómez Alemany, crea con sus interacciones ilimitables el mapa de lo musical.

CRÈDITS

Josep Lluís Galiana, saxofons soprano i baríton

Joan Gómez Alemany, piano i composició electrònica

Tota la música composta per Joan Gómez Alemany i Josep Lluís Galiana

El disc fou enregistrat el 31 d’agost de 2023, en els Rockaway Studios, Castelló de la Plana (Espanya)

Enregistrat per Raúl Artana

Mesclat i masteritzat per Joan Gómez Alemany

Produït per Josep Lluís Galiana

Disseny gràfic de Sergi Moya (Cap i Cua)

Text de Joan Gómez Alemany

Imatges de Tato Baeza i Laura Pastor

© 2024 Josep Lluís Galiana & Joan Gómez Alemany

© 2024 Liquen Records
DL: V-3759-2024 • LRCD034 • liquenrecords.com

Llibret en valencià i castellà (inclou la partitura)

Amb el suport de

TRACKLIST

Interaccions sonores. Part I

Interaccions sonores. Part II

Interaccions sonores. Part III

Interaccions sonores. Part IV

Interaccions sonores. Part V

Interaccions sonores. Part VI

INTERACCIONS SONORES 2.0_Descargar el libreto del disco en valenciano y castellano

INTERACCIONS SONORES 2.0 pot escoltar-se en LIQUEN RECORDS bandcamp i en les més importants plataformes digitals
LIQUEN RECORDS bandcamp

DOSIER DE PRENSA

Josep Lluís Galiana y Joan Gómez Alemany avanzan un nuevo paso en sus ‘Interaccions sonores’

Paco Yáñez, Scherzo, 8 de marzo de 2025

El binomio formado por los valencianos Josep Lluís Galiana y Joan Gómez Alemany no deja de ofrecernos continuas novedades en las diversas disciplinas que juntos abarcan, desde la edición a la pintura. Entre ellas, ha ganado un lugar muy destacado la improvisación libre, género en el que Galiana tiene una larga y reconocida trayectoria como saxofonista a la que Gómez Alemany se ha sumado, desde el piano y la electrónica, en algunos de sus últimos lanzamientos discográficos, como Entartete Improvisationen y Llibertats Sonores.

Igualmente en Liquen Records, al 2019 debemos retrotraernos para encontrar el precedente del disco que hoy presentamos, pues en ese año se grabó Interaccions sonores, un proyecto que involucró la improvisación libre para saxofón con una electrónica que servía como “partitura”.

Cuatro años más tarde, el 31 de agosto de 2023 Galiana y Alemany volvieron al estudio para grabar Interaccions sonores 2.0, una improvisación de una fuerza arrolladora en la que se percibe la experiencia aquilatada por ambos en sus conciertos en vivo, volviéndose a repetir el modelo de las primeras Interaccions, con improvisación libre para saxofón y piano sobre una base electrónica previamente compuesta para ordenar la estructura de la pieza, a modo de mapa, rompiendo el principio de identidad cerrada.

Vuelve a destacar en Interaccions sonores 2.0 la fusión entre electrónica e instrumentos acústicos (por momentos, indiferenciables), con un saxofón y un piano cuyos timbres y ataques van de asomos tonales a un tratamiento mayormente saturado, de una violencia indómita que revela la influencia de lo gestual en las artes plásticas.

La grabación es tan contundente como la propia improvisación, redondeando la edición unas notas a cargo de Gómez Alemany que describen el proceso que ha fraguado esta «sono-utopía».

JOAN GÓMEZ ALEMANY / JOSEP LLUÍS GALIANA – (INTERACCIONS SONORES 2.0; LÍQUEN RECORDS LRCD034, 2024)

Antonio Martin (Coronel Mortimer), La muerte tenía un blog, 8 de abril de 2025

Fotos: Tato Baeza

Antes de abrirnos a esta fabulosa dádiva de Interaccions Sonores 2.0 os recomendaría os hiciéseis el favor de leeros el texto de su predecesor, Interaccions Sonores (Líquen Records, 2019) más que nada para ahorrarme volver a curricular a dos grandes como Alemany / Galiana que para hacer una presentación rápida, no cabe discusión en que son dos de los principales `eje y peldaño´ de la electroacústica e improvisación ibéricas… todo dentro de una escena que evidentemente se vertebra con muchas más figuras de las que os he ido contando sobre todo en las reseñas del sello LÍQUEN RECORDS, y a su vez de ésta con la vanguardia sonora nacional.

Fiel al espíritu de la primera entrega, se juega con la cordura del oyente al que se le lleva a lo liminal… justo aun sitio donde no sabemos si lo que suena es real o utópico, electrónico, acústico o aleación de ambos. Al oyente se le vapulea y se le hace lo mismo que a los instrumentos… se lo `procesa´. En este nuevo formato (se estrena en concierto el 4 de Mayo de 2023 en la Sala SGAE Centre Cultural València) Alemany improvisa al piano y electrónica (recordemos que en el primer volumen se encargaba del procesado electrónico) y Galiana al saxo soprano y barítono. Muchas cosas pasan entre ambas grabaciones que se detallan con profusión de detalles en el magnífico libreto escrito por Alemany que acompaña a un Digipack que publica nuevamente LÍQUEN RECORDS donde podréis leer que este proyecto acaba entroncando de múltiples maneras tanto con Llibertats Sonores de 2023 (con la inclusión de Avelino Saavedra) o el fabuloso Entartete Improvisationen de 2024, esta vez junto a Jesús Gallardo. 

El disco se registra el 31 de Agosto de 2023 (Rockaway Studios, Castelló de la Plana) por Raúl Artana. Mezcla y masterización son de Joan Gómez Alemany y bueno, el diseño gráfico de Sergi Moya (Cap i Cua) bajo imágenes de Tato Baeza y Laura Pastor. 

Adentrándome en el aspecto musical, imagino que por cuestiones de bagajes personales, alejarme de los experimentos de AMM sobre todo en ese largo `fade in´ que hace cuerpo para ir abriendo «Interaccions sonores. Part I». Es una constante en la electroacústica y la improvisación libre sonar en los registros bajos con un espectro sonor parecido al del Dark Ambient y la electrónica. Imagino será cosa de frecuencias y ese abotargado y lento discurrir del piano preparado de Alemany donde las cuerdas casi que son pellizcadas mientras en la retaguardia el silencio lucha con algo parecido a una regurgitación in-crescendo que acaba materializándose en asordinadas trazas subrayadas del saxo (parece barítono pero como todo lo que acompañe a este disco, necesitarás meter el dedo en la llaga). Coincidan o no los instrumentos (las encarnaciones de AMM han sido varias), lo cierto es que esto suena Británico por los cuatro costados (indaguen ustedes en el fondo de catálogo ciclópeo de EMANEM o PSI de Evan Parker y ya me cuentan).

La sensación siempre es cinética. Se avanza en una suerte de espiral (para mí no un círculo porque nunca capto el cierre completo) de un minimalismo a dos bandas de un altísimo nivel de compenetración. El tono es oscuro; tanto, que ya digo que para sí lo quisieran muchos grupos del ámbito de la electrónica oscura tipo Dark Ambient. Las Glosolalias escupidas a la boquilla del saxo por Galiana son furiosos dentro de que están cortados de sus tonos agudos hasta que todo estalla en un agónico grito o nota antropomórfica que da paso a toda una plétora de clústers del piano tipo arpa de Alemany en «Interaccions Sonores. Part II». Se alternan las notas tradicionales con las vivisecciones del interior del instrumento en vivo y en directo. Me váis a perdonar que recurra a un texto de Interaccions Sonores I pero creo que define a la perfección lo que estoy escuchando ahora mismo:

`Alucinante el oscuro interludio, suerte de pútrida música o lo que es lo mismo, procesar el sonido de los gases de un cuerpo en putrefacción (¿seguro que esto no es Noise?) y pretender esbozar Free Bop por encima. El tramo final es Galiana 1 contra Galiana 2 en ignominiosa cópula hacia Galiana 3.0. Gana Alemany. Minimalismo que recuerda a Glass o Cage, pero mezclados con esos juegos de silencios propios de la Spontaneous Music Ensemble. Tal es el punto de abstracción que por determinados momentos creo estar inmerso en un disco plagado de Field Recordings (bueno, algo de eso hay) pero a la amabilidad de las notas del soprano uno siempre encuentra la salida. Por poner algún ejemplo, podría abarcar desde las más matemáticas composiciones de Braxton o Brötzmann hasta las inhumanas salvajadas crípticas de Evan Parker.´

Fantásticos exabruptos musicales donde el lado percusivo del piano contrasta con la musicalidad del saxo soprano sorprenden por sus ejercicios circulares a lo Parker remachados con ráfagas rápidas de piano rozando el Rag avanzado (no sé si eso existe). Estamos metidos de lleno en la abigarrada «Interaccions Sonores. Part III» donde la interacción se torna casi telepatía por parte de los músicos…. porque por parte del oyente, imagino que la confusión en el tramo medio de este corte será algo (el trenzado de saxo, piano y electrónica es tan cerrado que se masca la textura de hilo de cobre). Me encanta el extremismo y cómo rompen las etiquetas volcándose casi en un Harsh Noise tan y como lo hicieron en el disco anterior del que dije en su día:

`Lo barítono se ha transformado en subsónico y en sístoles y diástoles sinusoidales que van emergiendo a este lado de la realidad mediante el despojo del detritus de las notas graves. Cualquier oyente despistado podría confundir esto con la versión más amable del Harsh Noise Wall, pero afortunadamente en el minuto 2 y medio un sostenido lucha contra su propio alter ego (que ha mutado a una mezcla entre digeridoo y cuenco tibetano). Imaginad que cogéis la etapa eléctrica de Miles Davis y la destiláis molecularmente hasta quedaros con un esbozo de 8 bits… si habéis sido capaces de imaginar algo así y entenderlo… bueno, entonces sois la hostia. Electroacústica que coquetea con el Dark Ambient, libre de prejuicios.´

Volvemos a terreno conocido (con sus disonancias y atonalidades, sus ángulos y requiebros) en «Interaccions Sonores. Part IV», que de inicio suena terrenal, cercano al Don Cherry más ancestral (MU) para ir sosegándose a un diálogo puramente de Impro Jazz con ese `hum´ mántrico dando cuerpo en la retaguardia. Alucinante el cariz metálico que adquieren los soplidos del saxo y la algarabía de recursos percusivos que da el piano en sus vísceras dando la sensación agónica de Música de Cámara en la Ferretería de mi Pueblo (pero en gravedad cero), cosa que se extremiza en «Interaccions Sonores. Part V» aunque asumo que a estas alturas todos andaremos medicados con sustancias inyectadas y ya se sabe que la lisergia, con sangre entra.

Fulmina este excepcional disco los más de doce minutos de «Interaccions Sonores. Part VI», aguerrido destilado de todo lo anterior, con cosas que se llevan todavía más al extremo, y que no hacen más que convencerme de que al igual que su anterior volumen, es un álbum de adquisición obligada. Alucinantes loopeos, delays y ecos del saxo… sensación de que Alemany juega con el espacio / tiempo con la facilidad de un nigromante, y esa cosa que no me quito de la cabeza aunque no la he comentado antes de que los 60 minutos son la banda sonora perfecta para acompañar la lectura de La Divina Comedia… o al menos, para atraversar algún que otro de sus círculos. Música para atravesar túneles físicos o mentales… música macro o microscópica, notas que se abren cerrando puertas que a su vez abren otras en una escheriana arquitectura sonora cuya resolución sólo está al alcance de …..

Improvisación: la plenitud de un estilo musical

Miguel Ángel Pérez Martín, docenotas.com, 21 de abril de 2025

Segunda entrega de una gran idea: Interaccions Sonores 0.1, que se grabó en febrero del 19. Han pasado más de cinco años y muchas cosas muy importantes, para la música y para la sociedad.

Sigo apostando por la necesidad de ofrecer al respetable una experiencia así en directo. A las que he podido asistir han resultado brutales, muy expresivas, hasta la conmoción. Pero hasta que nuestros «programadores culturales» tomen conciencia de este hecho falta mucho, así que con los discos ni tan mal.

Es cierto que hay una discusión en curso, en España, sobre si la improvisación es ya un estilo o una importante herramienta de apoyo a otros -jazz y free jazz, música experimental, rock radical, electrónica, música contemporánea atonal-. Yo me decanto, con algunos países europeos, por lo primero. No es un apoyo, es ya un estilo con sus formas y desarrollos ya probados, que funcionan. Es verdad que en otras artes aún tengo mis dudas. En el teatro por ejemplo, en las artes visuales, no así en la danza contemporánea, que a veces va unida a la improvisación musical.

En esta ocasión los «autores-interpretes” nos ofrecen seis improvisaciones cargadas de expresividad, desde algunas cumbres «noise» a la quietud lírica y apacible de las notas del piano. Instrumento que no estaba en las 1.0.

La electrónica siempre me ha gustado, por formación básica, aunque la acústica natural ha sido mi medio natural de escucha y de acción. Y aquí hay de las dos y mucho.

Sin duda, la escucha ha de ser intencionada y no casual, en este segundo caso lo más normal es que no funcione. Pero siempre será sorprendente…

Por usar un símil visual la experiencia sería la de un action painting expresionista, abstracto y radical, algo que se ofrece con cierta frecuencia en centros y museos de arte contemporáneo y actual para públicos con mente abierta a nuevas ideas y propuestas, pero que aún no ha entrado en los auditorios y lo que es peor, en conservatorios y escuelas de música actual españoles. Se priva al público de una experiencia sonora y performativa muy interesante, gestual y a veces coreografiada.

Lleva expuesta la improvisación muchos años en Europa pero en España nos cuesta incluso aceptarlo. Poco a poco, recordemos que también resultaban extraños Stockhausen o King Crimson hace décadas y ahí están ahora, asimilados por una parte importante del público musical contemporáneo y de rock.

Una petición final al respetable: ¡atrévanse! La experiencia lo merece.

Producción de lujo y edición con profusión informativa norma de la casa Liquen Records.

Si no lo encuentran en su tienda habitual pidan a liquenrecords.com y a disfrutar.

Joan Gómez Alemany y Josep Lluís Galiana publican su nuevo disco, “INTERACCIONS SONORES 2.0”, en el sello valenciano Liquen Records

Revista Mikrokosmos

INTERACCIONS SONORES 2.0 es la continuidad de una primera propuesta estrenada por el compositor y pianista Joan Gómez Alemany y el saxofonista Josep Lluís Galiana en el Teatro Círculo de Valencia el 28 de febrero de 2019, editada tambien por Liquen Records.

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En colaboración y perfecta simbiosis desde 2017, Galiana y Gómez Alemany han publicado ocho discos y materializado otros proyectos visuales, musicales y literarios.

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Grabado en Rockaway Studios (Castelló de la Plana) el día 31 de agosto de 2023, la producción de INTERACCIONS SONORES 2.0 ha contado con el apoyo del Institut Valencià de Cultura de la Generalitat Valenciana.

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INTERACCIONS SONORES 2.0, editado por el sello valenciano dedicado a las músicas improvisadas y experimentales Liquen Records, se encuentra disponible en más de treinta plataformas digitales, así como en la web y el bandcamp del propio sello.

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Liquen Records publica el nuevo trabajo discográfico de los compositores e improvisadores valencianos Joan Gómez Alemany y Josep Lluís Galiana. INTERACCIONS SONORES 2.0 supone la continuidad de esta “especie de ‘sonoutopia’ inabarcable, en constante transformación, donde el sonido en su fluida interconexión no puede indentificar sus elementos formantes, negando toda frontera”, explica Joan Gómez Alemany en sus notas del disco. 

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El presente trabajo discográfico se titula INTERACCIONS SONORES 2.0, como continuidad de una primera propuesta estrenada en concierto el 28 de febrero de 2019 en el Teatro Círculo de Valencia y editada tambien por Liquen Records (LRCD010). En las notas de aquel disco, el compositor Pierluigi Billone constató que “como en un espejo deformado o en un juego de ‘dobles’ transformados, finalmente no queda claro quien es la fuente”. Esta misma idea ha provocado que la originaria Interaccions sonores mutara como un camaleón y deviniera en un nuevo formato, que fue estrenado en concierto el 4 de mayo de 2023 en la Sala SGAE Centre Cultural València. En Interaccions Sonores 2.0, Gómez Alemany se incorpora tambien como pianista improvisador,  además de compositor de la electrónica fija, junto al saxofonista improvisador Josep Lluís Galiana.

En Interaccions Sonores 2.0, de lo que se trata es de “la hibridación y la no delimitación, allá donde normalmente se habla de categorías que se excluyen y son antagónicas, pero que en el fondo eso no es real. Interaccions sonores correspondería a procesos heurísticos y rizomáticos contra la idea de la filosofía clásica del principio de identidad y de no contradicción. 

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Por otra parte, el crítico musical Paco Yáñez escribió en una reseña: “Uno de los elementos que sientan el éxito de Interaccions sonores como una gran forma es su proceso de continúo ‘contrapunto’ entre el saxofón y la electrónica, dando lugar a estructuras formales que reverberan y miran lo clásico a la hora de crear unidad y variación, desarrollando los materiales en el que es todo un viaje en el cual no resulta complejo identificar el saxofón como un caminante (de nuevo, si a Luigi Nono nos remitimos, sin caminos, aunque unos ciertos límites prefija la composición electrónica de Gómez Alemany) y la electroacústica como un mapa. Un mapa que es, al final, el hombre mismo, porque sus materiales genéticos en lo musical se ha conformado”.

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Interaccions Sonores 2.0 es una compoimprovisación de 60 minutos de duración, dividida en 6 partes que, sin solución de continuidad, constituyen una obra de gran dimensión formal y una estructura en la que la electrónica y los instrumentos acústicos dialogan constantemente. La obra fue grabada en los Rockaway Studios de Castelló de la Plana el 31 de agosto de 2023, siendo el ingeniero de sonido Raúl Artana. El CD ha sido producido por Josep Lluís Galiana, las notas del disco han corrido a cargo de Joan Gómez Alemany y el diseño, Sergi Moya (Cap i Cua). 

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Interaccions Sonores 2.0 se encuentra disponible en su versiónéis física en la página web de Liquen Records: https://liquenrecords.com/2024/11/28/interaccions-sonores-2-0-joan-gomez-alemany-josep-lluis-galiana/

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y en su edición digital en el bandcamps de Liquen Records: https://liquenrecords.bandcamp.com/album/interaccions-sonores-20

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y distribuido en más de treinta plataformas digitales. 

Joan Gómez Alemany/Josep Lluís Galiana

Ken Waxman, Jazz Word, September 1, 2025

Moving far past the standard reeds-piano duo with its usual emphasis on lilting melodies are these duos from northern and southern Europe who subvert expectations with extended techniques, multi-instrumental shifts and a pinch of electronics. Interaccions Sonnores 20 matches València-based academic Josep Lluís Galiana, who plays soprano and baritone saxophones here with the piano and electronics of Joan Gómez Alemany, which whom he has previously recorded in trio form. Another duo which has recorded together in the past is Krailling-based Udo Schindler, who has recorded with everyone from Paul Rogers to Olaf Rupp, and here plays B and bass clarinets, alto saxophone and tubax, and Swiss pianist Michel Wintsch, known for his music with Gerry Hemingway and Bänz Oester among others, Adding further internationalism the five selection’s titles are based on the poems of French Symbolist Stéphane Mallarmé (1842 -1898).

Working up from a near soundless piano rumbles, Interaccions Sonnores 20’s six-part suite soon blends a tincture of whooshing oscillations with crackles from inside piano strings and slaps on the instrument’s wood with pedal point keyboard discursions. Meanwhile Galiana uses his baritone to create an unyielding line whose vibrations move from nephritic snorts and honks to gaunt cries that seem to  be scraped foe the side of his horn’s body tube.

With tones as often challenged as connected, the saxophonist moves between his two horns yowling, biting, moaning and whimpering as he sucks on or bites his reeds, using a variety of pitches and tempos. In contrast Alemany extrapolates two keyboard variations, as well as regularly diving inside the piano mechanism to stretch or vibrate implements on the strings or scratching those attached strings to emphasize their metallic properties. Hands on the keys, he thumps percussively, rumbles extensively, clips abrasively and pushes out torrents of emphasized patterns at prestissimo speeds. Alternately during sequences in the second and fourth tracks, he tinkles his way to pseudo romantic interludes and dexterous shakes that owe more to Swing than Serialism.

As dexterity marks the transformations from nearly impenetrable and concentrated timbres to sparse and distributed ones, both improvisers resonate tones at a variety of speeds and pitches. Eventually the final section of “Interaccions Sonnores  Part V” calms down to intermittent tongue slaps, then picks up speed as the pianist extends the horizontal line to undulating ripples that reflect reed reflux. Circular breathed reed notes and high-pitched keyboard clanks finally dovetail and combine into an almost opaque undulating tone, leading to a coda consisting of a single woody piano clank.

The same sort of rotation between high and low pitches plus harsh and gentle timbres characterizes Toute L’âme résumée, with similar thick and thin patterns that encompass prickly as well as pliable timbres. At the same time the constant shifts among pitches, tempos and even instruments didn’t prevent the program from moving forward.

Although Wintsch like Alemany is no slouch when it comes to peppering his contributions with repeated percussive patterns, stopped key clips and single key emphasis, an undercurrent of melodicism pervades his playing. Almost every piece includes an interlude – often quite brief  – that pivots from conflict to concord. It can be almost lyrical and melodic (“Les Sons Ne Sont Pas Trop Forts”, jolly and jerky (“Le Chœur Des Chansons”) or even approximately Bop phrasing (“De Tes Lèvres S’élève”).

This doesn’t faze Schindler though and he maintains probing reed protrusions no matter which  horn he’s playing. Equivalency leads to elation as on “Le Chœur Des Chansons De”, where the thickening snorts and smears from the basement-pitched tubax alternate with altissimo screeds in order to amplify the passion engendered by the pianist’s splayed and jerky keyboard currents.  In other instances like during the extended “Les Sons Ne Sont Pas Trop Forts” the dissected glissandi and tongue stops issuing from his clarinet speedily whine, bite and yowl as they arch and then slowly descend to counter Wintsch’s keyboard smashes, spiky stabs and soundboard echoes.

Schindler’s confident ability in not avoiding expressing reed flatulence from his horns means that the renal sounds create both noise provocation as well as a contorted personalization through his instruments. That the pianist can respond in kind with strings, keys, wood and pedals jolts intensifies cooperation. Unafraid of mixing harsh and ugly tones with those which  extend the parameters of free expression only somewhat pinpoint the advantages of their ongoing partnership. Following their experiments and those of  Alemany and Galiana is what makes both discs fascinating and should encourage others to do the same.

Revista-fanzine PROCEDIMENTUM

INTERACCIONS SONORES 2.O_recensión

Publicado el

MIRATGE. Alxarq Percussió

ALXARQ PERCUSSIÓ: Miratge. València: LIQUEN RECORDS • DL: V-3760-2024 • LRCD033: PVP: 20€

Gastos de envío incluidos para España / Shipping costs included for Spain; para el resto del mundo, consulte coste de envío / for the rest of the world, chek shipping cost; otros métodos de pago / other payment methods. Contacto / Contact: liquenrecords@liquenrecords.com

Nou treball d’Alxarq Percussió, nous sons, noves generacions, una comesa de rigor i qualitat indiscutible. En les peces és notable la presència de genialitat de cadascuna de les composicions i es nota que hi ha hagut una gran part d’investigació i certes dosis d’experimentació que els ha permés crear i treballar sobre la seua pròpia personalitat i sobre nous criteris d’atrapar la màgia a través de textures electro-acústiques que desborden una actualitat latent. Una aposta per la contemporaneïtat, això sí, sempre bevent de músiques tradicionals i traduïnt-les a un llenguatge d’avui amb reminiscències pròpies de la globalització. 

Nuevo trabajo de Alxarq Percussió, nuevos sonidos, nuevas generaciones, un cometido de rigor y cualidad indiscutible. En las piezas es notable la presencia de genialidad de cada una de las composiciones y se nota que ha habido una gran parte de investigación y ciertas dosis de experimentación que les ha permitido crear y trabajar sobre su propia personalidad y sobre nuevos criterios de atrapar la magia a través de texturas electroacústicas que desbordan una actualidad latente. Una apuesta por la contemporaneidad, eso sí, siempre beviendo de músicas tradicionales y traduciéndolas a un lenguaje de hoy con reminiscencias propias de la globalización. 

New work of Alxarq Percussió, new sounds and generations, an undoubtable accuracy and quality process in all the pieces, alongside the greatness and hours of reseach and experimentation. All this has allowed to create and work on their own personality and new ways to catch that magic through electroacoustic textures that show a modern lenguage. A big bet for contemporary pieces, but always complementing that with more tradicional music adapted to nowaday’s writing,  with some globalization reminiscences.

Jesús Salvador «Chapi»

ALXARQ PERCUSSIÓ 

 

Jesús Fenollosa / Carles Salvador / David Merseguer

 

Música de Carles Salvador,  Bernat Cucarella, Joan Gómez Alemany i Donghoon Shin

Temes 7 i 8 col·labora Rubén Lajara

Enregistrat a l’Auditori de Rafelbunyol els dies 22, 23 i 24 de juliol de 2024

Enginyer de so: Jorge G. Bastidas

Mescla i edició: www.dbcestudios.com

Il·lustracions i disseny: Carles Salvador

Textos llibret principi: Jesús Salvador «Chapi»

Traducció a l’anglès: David Merseguer

Fotografies: Carles Salvador, Vicent Salvador, Pepe Latorre, Joan Gómez Alemany i Live Music València

Producció: Josep Lluís Galiana

Producció executiva: Joan Gómez Alemany

© Liquen Records 2024

www.alxarqpercussio.com

Depòsit Legal: V-3760-2024

LRCD033 • liquenrecords. com

TRACKLIST

 

Bernat Cucarella

01. TO-KÀ, A TRUE SAMURAI?

Carles Salvador

VÒRTEX

02. Part I

03. Part II

Donghoon Shin

CONCERTO FOR THE MOST ORDINARY THINGS

04. I. Drums

05. II. Whistles

06. III. Bows and Mallets

Joan Gómez Alemany

Río. Homenaje a Fernando Zóbel

07. Part I

08. Part II

Carles Salvador

09. ONE

10. TARKIM

Amb el suport de

MIRATGE se puede escuchar en LIQUEN RECORDS bandcamp y en todas las plataformas digitales

LIQUEN RECORDS's bandcamp

DOSSIER DE PREMSA

MIRATGE. Obras de Cucarella, Salvador, Shin y Gómez Alemany. alxarq Percussió. Liquen Records, 2024

Paco Yáñez, Scherzo, 1 de abril de 2025

Fieles a su costumbre de trabajar mano a mano con los compositores de su tiempo, el conjunto valenciano Alxarq Percussió nos ofrece en Liquen Records su primer disco, un álbum con el que amplían el heteróclito paisaje de la percusión actual. Del joven Bernat Cucarella escuchamos To-Kà. A True Samurai? (2024), obra para percusiones y vídeo que tiende puentes entre el flamenco y la música japonesa, con sus acusados ritmos y visceralidad, punteados por la voz de los percusionistas.

Carles Salvador presenta tres partituras. Vòrtex (2023) convoca ecos del gamelán, moviéndose entre la sensualidad, el estatismo y la densidad, con dejes de danza postminimalista. One (2016) incluye discursos reivindicativos afroamericanos en la electrónica, sumándoles dos marimbas y vibráfono para volver a evocar la música estadounidense. Tarkim (2013) fue la primera obra compuesta para Alxarq Percussió. Escrita para tres cajones flamencos, su polifonía rítmica es apabullante.

El tercer valenciano aquí incluido es Joan Gómez Alemany, que nos ofrece la obra más larga y de mayor peso específico del disco, Río. Homenaje a Fernando Zóbel (2018). El sereno fluir de los ríos Júcar y Huécar, así como la influencia del pensamiento oriental en la pintura de Zóbel, informan una partitura en dos partes que abundan en fricciones, cuerpos resonantes y una flotabilidad del sonido percusivo que va del gesto pictórico a la sinestesia. Los ecos asiáticos se amplían con el coreano Donghoon Shin, que en su Concert for the Most Ordinary Things (2019) abunda en guiños humorísticos y sentido teatral, llevando al conjunto de percusión a sus extremos de tesitura y color. Las versiones de Alxarq son primorosas, con una enorme personalidad realzada por unas grabaciones espectaculares. Una cuidadísima edición completa su debut en Liquen Records.

ALXARQ PERCUSSIÓ - "MIRATGE" (LIQUEN RECORDS; LRCD033, 2024)

Antonio Martín «Coronel Mortimer», La muerte tenía un blog, miércoles, 3 de septiembre de 2025

Impresionante disco de debut Miratge del joven (formados allá por 2013 en Valencia) grupo percusivo Alxarq Percussió que es tanto un desafío para el oyente como una aventura para mí el intentar expresar con palabras lo que la paleta de sonidos de Carles Salvador, Jesús Fenollosa y David Merseguer despliega. Dicho con palabras de profano, Miratge es un viaje de música contemporánea que fluye y se despliega dejando atrás en otros puertos cualquier tipo de rigidez o encasillamiento, ecléctico (no les tiembla el puso ni con las piezas propias en el repertorio ni con sus adaptaciones de Reich, Paco de Lucía, Xenakis o compositores orientales) y de alguna mistérica forma, brutalmente hipnóticos a pesar de lo avanzado y experimental de algunos tramos que rozan la electroacústica.

La edición a corrido a cargo de esa fabulosa torre de la pólvora experimental valenciana que es LÍQUEN RECORS de Josep Lluis Galiana. Miratge se graba en L’Auditori de Rafelbunyo con Jorge G. Bastidas ejerciendo de ingeniero de sonido, con posterior mezcla y edición en www.dbcestudios.com. El propio Carles Salvador se encarga de ilustración / diseño y la producción ejecutiva corre de parte de Joan Gómez Alemany. Fabulosos textos de Jesús Salvador «Chapi» adornan el interior del libreto que sirve de guía ofreciéndonos datos que para no repetir, no voy a poner por aquí (dónde fue presentada la pieza, cuándo, contexto y múltiples detalles curiosos).

«To-ká. A True Samurai» de Bernat Cucarella abre el disco con redobles espaciados y una excelente muestra de esa percusión vocal del desierto de India que es el Konnakol; múltiples patrones rítmicos vocales entrelazándose con ráfagas de tambores africanos, waterphone, tam tams o vibráfonos. Lejos de resultar una rendición sin más a la World Beat, Alxarq Percussió va más allá con unos contrapuntos y contrastes marcados a fuego. Maravilloso cómo aceleran y desaceleran rompiendo el discurso narrativo temporal  `oficial´ para meterse de lleno en una moozak tribal que difumina las etiquetas hasta el punto de que la compleja partitura se retuerce sobre sí misma con elementos de electroacústica y se nos vuelca a este lado de la realidad revestida de Música de Cámara Avanzada con toques tanto sobrios como tenebristas. 

Sigue «Vórtex» de Carles Salvador, dividida en dos partes, y que ineludiblemente remite a John Cage, Lou Harrison y esa brutal fusión entre Clásica y Gamelan indonesio. Además de esos elementos, sobresalen en la superficie amenazantes claroscuros propios de Hassell y su Cuarto Mundo ofreciendo sin duda algunos de los momentos más melódicos (amazónicos) del disco. No es baladí acordarme de Dead Can Dance en Spiritchaser y así ya de paso aprovecho para reflejar un cierto clima `oscurantista´ en todo el disco. Es difícil expresar con palabras pero si tuviera un alambique sonoro para destilar, Miratge produciría gotitas de This Mortal Coil, Brendan Perry y por supuesto, Dead Can Dance… chorreones grandiosos de Gamelan en estado puro, destaca en la segunda parte un ominoso discurrir de marimba, glockenspiel y vibráfonos que otorgan una poderosa armadura Noir al conjunto (al menos inicialmente) aunque finalmente aparezca cierto aire redentor con una melodía muy cercana a The Dreamers de John Zorn con sus respectivas percusiones de Cyro Baptista o los vibráfonos eternos de Kenny Wollesen.

«Concerto for the Most Ordinary Things» de Donhoon Shin y sus tres juguetones movimientos van desde el silencio a la suma progresiva de instrumentos; tomándose su tiempo para la exploración y sin premuras, parece reflejar el mágico ritual de aprendizaje analógico que se produce en el niño cuando no tiene diques ni barreras académicas. Un abordaje holístico tambores, silbatos, arcos y mazos que se muestra en su salvaje presencia totalmente virgen y sin `historia ni contexto´. Conforme avanza el tema, así lo hace la destreza del sononauta que explora. Juguetona (Toy Music Zorniana) es la segunda parte, con esas velocidades desquiciantes del Cartoon que contrasta con la sobriedad del roce meditativo final (`Bows & Mallets´).

«Río. Homenaje a Fernando Zóbel» de Joan Gómez Alemany me descubre la apasionante figura de Zóbel que era para mí desconocida. Homenaje al discurrir de los ríos Júcar y Huécar, y a la aplicación del movimiento tanto en pintura como en música a través de ese sentir tan único de lo artístico en lo oriental; dicho de otra manera, que `tiende al sincretismo interdisciplinar´ o que la música es el espejo en el que se mira la pintura y viceversa. Veinte minutos entre las dos partes (colabora Rubén Lajara para elevar la música a cuarteto) en donde asistimos a todo un proceso creativo… desde esas figuraciones metálicas que parecen evocar el roce de un pincel contra el lienzo del inicio a bombásticas aperturas al más puro estilo Gagaku japonés. 

Desconozco si es una referencia para Alarq Percussió o Alemany, pero no puedo quitarme de la cabeza al colectivo de culto Geinoh Yamashirogumi de Tsutomu Ohashi a mediados de los 70. Minimalismo, abstracción, atonalidad y lentitud mántrica que van desembocando en las fabulosas repeticiones circulares al final de la primera parte y un cinematográfico ambiente en la segunda, con fuerte presencia de esa experimentación electroacústica que produce de forma analógica sonidos que géneros como el Dark Ambient imita con la electrónica. Xenakis se encuentra con Penderecki y se van a tomar un café en el bar de Basil Poledouris. Por supuesto, paga Bernard Herrman. 

Vamos llegando a la parte final con una fabulosa composición de Carles Salvador («One») para dos vibráfonos y marimba solista que discurren sobre una base sampleada de `spoken word´ (Angela Davis y Martin Luther King) donde se experimenta con la voz. Suerte de activismo musical subliminal, la pieza acaba conjuntando elementos tan dispares como (nuevamente) las texturas de Kenny Wollesen en The Dreamers y el activismo de Le Roy Jones. Cierra «Tarkim», también de Carles Salvador, y que hunde sus raíces en la potencia de las cajas flamencas; visceralidad, potencia e inmediatez en un diálogo directo entre intérprete y oyente.

No me queda más que recomendar encarecidamente un disco con muchísimas lecturas y capas. Tanto si eres un oyente casual como un estudioso de la música, si tu acercamiento es para evadirte o para usarlo como instrumento de crecimiento y aprendizaje, Miratge es una barbaridad de disco que trasciende géneros y estilos. 

No solo de viento vive Valencia

Miguel Ángel Pérez Martín, docenotas.com, 24 de marzo de 2025

Una gran generación de percusionistas de esa región tan querida asoman en las discografías actuales. Desde Juanjo Guillén o Llorenç Barber a formaciones como Amores Grup de Percussió, SoXXI Percussion Group y ahora Alxarq Percusió. Todos ellos con una carrera larga y consolidada.

 

El disco presenta música compuesta para esta pléyade instrumental que suena bajo el gran paraguas conceptual de «percusión». Todo un arte.

 

Las piezas pertenecen a compositores como Bernat Cucarella, Carles Salvador, Donghoon Shin y Joan Gómez Alemany. Repite composiciones Carles Salvador.

 

Los temas tienen títulos tan sugerentes como: To-Ká, A true samurái?, Vortex, Concerto for the most ordinary things, Rio.Homenaje a Fernando Zobel,One o Tarkim.

 

Solo con los títulos intuimos que los sonidos abarcan ideas musicales de varios continentes. Quizá sean Asia y África los continentes más representativos de este arte musical ancestral y actual a la vez.

 

La interpretación es magistral, intensa, muy intencionada. Una maravilla de escucha de disco y sospecho que en directo debe ser impresionante, además sin evitar toques de un sutil humor hecho sonido.

 

La producción por parte de Liquen Records hace honor al prestigio acumulado por este sello de música experimental e improvisación que opera bajo el liderazgo musical e intelectual de Josep Lluís Galiana.

 

Muy recomendable para practicar el deep listening, escucha muy atenta, concentrada, y así descubrir los submundos sónicos y percusivos que nos proponen a la par compositores y músicos.

 

Momentos sobrecogedores en el silencio de casa en estas tardes de invierno lluvioso.

 

Un placer de disco.

 

Busquen en su tienda habitual o en liquenrecords.com y a disfrutar

Alxarq Percussió publica su primer disco, “Miratge”, en el sello valenciano Liquen Records

Por radiobanda, 5 diciembre, 2024

MIRATGE recoge composiciones de los valencianos Bernat Cucarella, Carles Salvador y Joan Gómez Alemany y del coreano Donghoon Shin.

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El grupo valenciano Alxarq Percussió está integrado por los percusionistas Jesús Fenollosa, Carles Salvador y David Merseguer

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Grabado en el Auditorio de Rafelbunyol (Valencia) los días 22, 23 y 24 de julio de 2024, la producción de MIRATGE ha contado con el apoyo del Institut Valencià de Cultura de la Generalitat Valenciana  

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MIRATGE, editado por el sello valenciano dedicado a las músicas improvisadas y experimentales Liquen Records, se encuentra disponible en más de treinta plataformas digitales, así como en el bandcamp del propio sello

Liquen Records lanza el primer trabajo discográfico del grupo valenciano Alxarq Percussió. MIRATGE recoge una serie de composiciones que dejan sentir, en palabras del percusionista y compositor Jesús Salvador ‘Chapi’, extraídas de sus notas al disco, “la presencia de genialidad y en las que se nota que ha habido una gran parte de investigación y ciertas dosis de experimentación que les ha permitido crear y trabajar sobre su propia personalidad y sobre nuevos criterios de atrapar la magia a través de texturas electroacústicas, desbordando una actualidad latente». 

Integrado por los percusionistas valencianos Jesús Fenollosa, Carles Salvador y David Merseguer, Alxarq Percussió aborda composiciones de los también valencianos Bernat Cucarella —recientemente galardonado por la Fundacion SGAE-CNDM con el segundo Premio Jóvenes Compositores—, Carles Salvador, Joan Gómez Alemany, y el coreano Donghoon Shin. Alxarq Percussió ha contado con la colaboración del percusionista Rubén Lajara en las piezas 7 y 8.

MIRATGE fue grabado en el Auditori de Rafelbunyol (Valencia) los días 22, 23 y 24 de julio de 2024 por el ingeniero de sonido Jorge G. Bastidas. La producción ha corrido a cargo de Josep Lluís Galiana y la producción ejecutiva, de Joan Gómez Alemany. El disco se encuentra disponible en la página web de Liquen Records y en su edición digital en más de treinta plataformas digitales, así como en el bandcamp del propio sello discográfico.

Las ilustraciones y el diseño del álbum han sido creadas por Carles Salvador. El CD cuenta con un libreto de 12 páginas en el que los propios autores explican sus composiciones, así como muchas más información sobre esta producción.

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BIRDS OF A FEATHER • Josep Lluís Galiana • Amadeu Marin

Josep Lluís GALIANA & Amadeu MARIN: Birds of a feather. València: LIQUEN RECORDS • edició digital • LRCD032

[ENG] Faced with the difficulty of finding a definition that spells out the concept and practice of free musical improvisation, we have always heard or resorted to metaphors, images, allegories and all kinds of literary figures to describe improvisation. I myself composed this haiku some time ago:

Improvisar és

volar arriscadament

entre els sons del bosc

in which I compare ‘improvising’ with ‘flying’ and ‘improvisers’ with fast and reckless ‘birds’ capable of riding the winds between the trees (sounds) of a forest. This is what it seems or, better said, what it sounds like in this new album by the artistic tandem formed by the guitarist Amadeu Marin and the person writing these lines.

Birds of a Feather is Galiana & Marin’s third album, a succession of improvisations (low and risky flights) between the trees (sounds) of a forest (sound magma) particularly populated by shared places, early birds, converging paths, unexpected encounters and disagreements, apparently simple forms, dynamic swarms at dusk, flights in flocks towards the immensity of the sky, dives into rough waters, searches for new colours, rhythms and textures.

If you don’t suffer from vertigo, we invite you to participate in this great flight full of energy towards freedom.

Josep Lluís Galiana, setember 11, 2024

CREDITS

All music by Josep Lluís Galiana and Amadeu Marin

This music was recorded on Rockaway Studios (Castelló de la Plana, Spain) on March 12, 2024

Josep Lluís Galiana (soprano and tenor saxophones)
Amadeu Marin (acoustic and electric guitar)

Recording, mixing and mastering by Raúl Artana at Rockaway Studios

Liner notes: Josep Lluís Galiana
English translation: Amadeu Marin
Cover art: Belén García de Mateos
Produced by Josep Lluís Galiana for Liquen Records

TRACKLIST

1. Early birds

2. Airborne

3. No chicken

4. Big span

5. Rare birds

6. Corkscrew dive

7. Two flew over…

8. Flock together

9. Free as birds

Josep Lluís Galiana and Amadeu Marin at Rockaway Studios

[EN CASTELLANO]

Ante la dificultad de encontrar una definición que fije el concepto y la práctica de la libre improvisación musical, siempre hemos escuchado o hemos echado mano de metáforas, imágenes, alegorías y toda suerte de figuras literarias para describir la improvisación. Yo mismo compuse hace tiempo este haiku:

Improvisar és

volar arriscadament

entre els sons del bosc

en el que comparo ‘improvisar’ con ‘volar’ y a los ‘improvisadores’ con ‘aves’ veloces y temerarias capaces de surcar los vientos entre los árboles (sonidos) de un bosque. Esto mismo es lo que parece o, mejor dicho, lo que suena en este nuevo disco del tándem artístico formado por el guitarrista Amadeu Marin y quien escribe estas líneas.

Birds of a Feather es el tercer trabajo discográfico de Galiana & Marín, una sucesión de improvisaciones (vuelos rasos y arriesgados) entre los árboles (sonidos) de un bosque (magma sonoro) particulamente poblado de lugares compartidos, de pájaros madrugadores, de caminos convergentes, de encuentros y desencuentros inesperados, de formas aparentemente simples, de abigarramientos dinámicos al atardecer, de vuelos en bandada hacia la inmensidad del cielo, de zambullidas en aguas agitadas, de búsqueda de nuevos colores, ritmos y texturas.

Si no sufren de vértigo, les invitamos a participar en este gran vuelo rebosante de energía rumbo a la libertad.

Josep Lluís Galiana, setember 11, 2024

[EN VALENCIÀ]

Davant la dificultat de trobar una definició que fixe el concepte i la pràctica de la lliure improvisació musical, sempre hem escoltat o hem fet servir metàfores, imatges, al·legories i tota mena de figures literàries per descriure la improvisació. Jo mateix vaig compondre fa temps aquest haiku:

Improvisar és

volar arriscadament

entre els sons del bosc

en què compare ‘improvisar’ amb ‘volar’ i als ‘improvisadors’ amb ‘aus’ veloces i temeràries capaces de solcar els vents entre els arbres (sons) d’un bosc. Això mateix és el que sembla o, més ben dit, el que sona en aquest nou disc del tàndem artístic format pel guitarrista Amadeu Marin i qui escriu aquestes línies.

Birds of a Feather és el tercer treball discogràfic de Galiana & Marín, una successió d’improvisacions (vols rasos i arriscats) entre els arbres (sons) d’un bosc (magma sonor) particularment poblat de llocs compartits, d’ocells matiners, de camins convergents, de trobades i desencontres inesperats, de formes aparentment simples, de bigarraments dinàmics al capvespre, de vols en esbart cap a la immensitat del cel, de capbussades en aigües agitades, de recerca de nous colors, ritmes i textures.

Si no pateixen vertigen, els convidem a participar en aquest gran vol ple d’energia rumb a la llibertat.

This album is distributed on all digital platforms and

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TEXTURES = Josep Lluís Galiana • Amadeu Marin

Josep Lluís GALIANA & Amadeu MARIN: Textures. València: LIQUEN RECORDS • DL: V-1778-2024 • LRCD031: PVP: 18€

Gastos de envío incluidos para España / Shipping costs included for Spain; para el resto del mundo, consulte coste de envío / for the rest of the world, chek shipping cost; otros métodos de pago / other payment methods. Contacto / Contact: liquenrecords@liquenrecords.com

ENG_

A beautiful exercise in egalitarian, libertarian synergy

Texture is usually defined as the qualitative property of a surface, but it can also mean the arrangement and order of threads in a piece of fabric. Both observations automatically refer us to the field of visible experience, but it would be boring not to go further to explore the «non-visible» sound. The two free improvisers who «weave» this album, not fortuitously called TEXTURES, reveal to us a mysterious field full of rhizomatic sounds that generate synesthetic synergies. Notice the words in the titles of each track: liquid, tactile, granular, etc. It is not common to hear only two instruments such as the saxophone and the guitar in other recordings or concerts. Although at first glance they may seem very different from each other, Josep Lluís Galiana and Amadeu Marin are capable of creating an original counterpoint that stems and builds up from their friendship and mutual admiration.

 In conventional music, the saxophone usually has a solo or vocal role, while the guitar accompanies it with its chords and polyphony. But it is absurd and outmoded to look for this here. Precisely, the synergy causes us to perceive equality, because how could freedom exist without equality, and vice versa? Free improvisation destroys rules (and rulers) to create a world without borders, academies or tyrants. The two musicians on this egalitarian and libertarian album exercise their profession with respect through an incredible knowledge of their instruments and an intelligent ear. A fool will hear chaos or sound anarchy, but to see this one must be very short-sighted… It has been quite some time since beauty stopped being a concept enclosed in harmonic constraints. Therefore, praise these multifaceted ‘textures’ which, with their progressive beauty, imbue our eardrums with pleasure and make our skin crawl. Enjoy them!

Joan Gómez Alemany, 3-4-24

Translation: Amadeu Marin

VAL_

Bella sinergia igualitària i llibertària

La textura sol definir-se com la propietat qualitativa de la superfície, però també pot significar la disposició i l’ordre dels fils en una tela. Tot això automàticament ens remet al camp d’allò visual, però seria poc interessant no anar més enllà per explorar el “no-visible” so. Els dos improvisadors lliures que «teixeixen» aquest disc, no casualment anomenat TEXTURES, ens revelen un misteriós camp ple de sons rizomàtics que generen sinergies sinestèsiques. Fixeu-vos en les paraules dels títols de cada pista: liquid, tactile, granular, etc. No és freqüent escoltar en altres treballs discogràfics o concerts únicament dos instruments com el saxòfon i la guitarra. Tot i que a primer cop d’ull puguen semblar molt diferents entre si, Josep Lluís Galiana i Amadeu Marin són capaços de crear un contrapunt original que dialoga des de l’amistat i l’admiració mútua.

 A la música convencional habitualment el saxo sol tenir un rol de solista o vocal, i la guitarra d’acompanyament amb els seus acords i polifonia. Però resulta absurd i passat de moda buscar això ací. Justament la sinergia produeix que escoltem la igualtat, perquè com existiria la llibertat, sense igualtat, i viceversa? La improvisació lliure destrueix regles (i reguladors) per crear un món sense fronteres, acadèmies o tirans. Els dos músics d’aquest disc igualitari i llibertari exerceixen la seva professió des del respecte, mitjançant un increïble coneixement de l’instrument i una intel·ligent oïda. Algun inepte escoltarà caos o anarquia sonora, però per afirmar això molt curt de mires s’ha de ser… Ja fa força temps que la bellesa no és un concepte tancat als límits harmònics. Per això, lloades siguen aquestes «textures» polièdriques que amb la seua bellesa progressista envaeixen de plaer els nostres timpans, eriçant-nos la pell. Gaudiu-ne!

CAST_

Bella sinergia igualitaria y libertaria

La textura suele definirse como la propiedad cualitativa de la superficie, pero también puede significar la disposición y orden de los hilos en una tela. Todo esto automáticamente nos remite al campo de lo visual, pero sería poco interesante, no ir más allá para explorar el «no-visible» sonido. Los dos improvisadores libres que «tejen» este disco no casualmente llamado TEXTURES, nos revelan un misterioso campo lleno de sonidos rizomáticos que generan sinergias sinestésicas. Fíjense en las palabras de los títulos de cada pista: liquid, tactile, granular, etc. No es frecuente escuchar en otros trabajos discográficos o conciertos únicamente a dos instrumentos como el saxofón y la guitarra (eléctrica). Aunque a primera vista puedan ser muy diferentes entre sí, Josep Lluís Galiana y Amadeu Marin son capaces de crear un contrapunto original que dialoga desde la amistad y la admiración mutua.  

En la música tradicional habitualmente el saxo suele tener un rol de solista o vocal, y la guitarra de acompañamiento con sus acordes y polifonía. Pero resulta absurdo y trasnochado buscar esto aquí. Justamente la sinergia produce que escuchemos la igualdad, porque ¿cómo iba a existir la libertad, sin igualdad, y viceversa? La improvisación libre destruye patrones (y patronos) para crear un mundo sin fronteras, academias o tiranos. Los dos músicos de este igualitario y libertario disco ejercen su profesión desde el respecto mediante un increíble conocimiento del instrumento y un inteligente oído. Algún inepto escuchará el caos o la anarquía sonora, pero para afirmar esto muy corto de miras ha de ser… Ya hace bastante tiempo que la belleza no es un concepto cerrado en sus límites armónicos. Por eso, alabadas sean estas «texturas» poliédricas que, con su hermosura progresista, invaden de placer nuestros tímpanos erizándonos la piel. ¡Disfrutadlas!

CREDITS

All music by Josep Lluís Galiana and Amadeu Marin

This music was recorded on Rockaway Studios (Castelló de la Plana, Spain) on March 12, 2024

Josep Lluís Galiana (soprano and tenor saxophones)

Amadeu Marin (acoustic and electric guitars)

Recording, mixing and mastering by Raúl Artana at Rockaway Studios

Liner notes: Joan Gómez Alemany

English translation: Amadeu Marin

Cover art: Belén García de Mateos

Graphic design: Josep Lluís Galiana

Produced by Josep Lluís Galiana for Liquen Records

©  P   Liquen Records, 2024

TRAKCLIST

1. Choppy pointillism 6.53 

2. Liquid Impasto 6.01 

3. Glazy slide 5.25 

4. Coarsely earthy 4.31 

5. Tactile filigree 4.08

6. Gritty frottage 6.55

7. Granular multilayer 6.07

8. Sparsely bouncy 5.43

9. Closely knitted 2.49

Amb el suport de 

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DOSSIER DE PREMSA

Liquen Records, música(s) para resistir una DANA

Paco Yáñez, Scherzo, 21/11/2024

Aunque los medios de comunicación generalistas, tan dados en España al barro político y al lodo sensacionalista, apenas se hayan hecho eco de los estragos que la última DANA ha causado en el ámbito artístico valenciano, lo cierto es que las pasadas inundaciones han afectado a un buen número de industrias culturales situadas al sur de Valencia, entre las que se encuentra el sello especializado en música actual e improvisación libre Liquen Records, cuyos archivos de Pedralba se han visto seriamente afectados por las riadas, generando, además de unos importantes perjuicios económicos, una irreparable pérdida de memoria, cuestión de más difícil reparación y que a tantos ciudadanos está afectando en el Levante español en las últimas semanas.

Precisamente, con Liquen Records nos quedamos hoy, pues la discográfica valenciana nos ha hecho llegar uno de sus últimos lanzamientos, Textures, un compacto que nos servirá para reivindicar su incansable labor y la de tantos sellos independientes como intentan capear estos tiempos tan difíciles para la industria fonográfica en soporte físico.

Una vez más, la improvisación libre es la protagonista de un lanzamiento de Liquen Records, uniéndose en Textures el fundador y productor del sello valenciano, Josep Lluís Galiana, y Amadeu Marin, instrumentista muy vinculado a los mundos del jazz y de la vanguardia mediterránea más experimental, como nos muestran sus colaboraciones con Llorenç Barber o Carles Santos. 

Dividida en nueve secciones y con una duración total de 48 minutos, la improvisación libre que escuchamos en Textures fue grabada el 12 de marzo de 2024 en los Rockaway Studios de Castellón de la Plana, con Raúl Artana como ingeniero de sonido en un trabajo primoroso por la definición de cada instrumento, y fácil no se lo pusieron en su improvisación Josep Lluís Galiana, con sus saxofones soprano y tenor, ni Amadeu Marin, en las guitarras acústica y eléctrica, pues una y otra vez producen una sonoridad de síntesis que nos recordará a la música electrónica, con una profusión de técnicas extendidas que van desde los acoples en las guitarras al slap o al aire sin tono en los saxofones, lo que genera la sensación de que fuesen muchos más los instrumentos a los que escuchásemos.

Así, ya sea con el tapping en la guitarra eléctrica o con los golpeos en las llaves del saxofón, pareciera que un percusionista estuviese presente, a mayores, en este dúo, convocando un elemento rítmico no siempre evidente o métricamente tan explícito en Textures, pues si algo predomina en esta improvisación es el trabajo del timbre y, como evidencia el título del disco, la textura como forma poderosamente plástica, elongando las sonoridades de los instrumentos, sintetizándolas y con-fundiéndolas desde una exploración extendida de sus instrumentos.

Por esa continua evocación de lo electrónico, hay en Textures un eco de compositores históricos de dicho género, como Edgard Varèse, con su búsqueda de una poética de los acústicos que desnaturalice sus sonoridades convencionales; incluso, en un par de instrumentos que con tanta frecuencia oímos juntos en grupos de jazz o de rock, pero a los que, desde luego, no solemos escuchar con este grado de profundización en sus posibilidades tímbricas, así como con tal realce de sus personalidades en este primer-plano-a-dúo que ambos conforman en Textures.

Pero, como apunta el compositor, escritor y artista audiovisual Joan Gómez Alemany en sus notas para este compacto, la textura no es sólo una propiedad cualitativa de las superficies en el ámbito de la plástica, sino también la disposición y el orden de los hilos de una tela, lo que lleva a Gómez-Alemany a ver la improvisación aquí recogida como un gran campo rizomático en el que las líneas musicales que teje cada instrumento se entrecruzan y dialogan entre sí, generando unas energías sinestésicas que los propios títulos de cada una de las nueve partes de Textures evidencian (y aquí no está de más recordar que en el campo de la improvisación libre estos títulos se ponen a posteriori, para no condicionar la propia libertad de dicha improvisación con sugerencias verbales que canalizarían y restringirían, de algún modo, esa libertad que es la premisa fundamental de esta práctica musical). 

En todo caso, y aunque como pinceladas verbales dispuestas a posteriori para sugerir evocaciones al oyente, dichos títulos describen de forma muy gráfica, en tan sólo dos palabras, los procesos acústicos que aquí escuchamos, así como su fuerte vinculación con la plástica, pues en no pocas ocasiones la pintura y la música se han valido de un vocabulario compartido para caracterizar sus métodos artísticos, algo que en Textures leemos en títulos como Choppy pointillism, Liquid Impasto, Glazy slide, Coarsely earthy, Tactile filigree, Gritty frottage, Granular multilayer, Sparsely bouncy y Closely knitted.

Otro aspecto crucial en Textures es su manejo de las energías y cómo su densificación o descompresión va cambiando el color del dúo, ya sea en lo armónico, ya en lo más propiamente ruidista, de forma que las mismas técnicas, como un glissando o una saturación de espectros armónicos, según sea su velocidad de ejecución y rangos dinámicos, acaban produciendo sonoridades muy diferentes que contribuyen a cambiar/esfumar esas superficies, las texturas de las que se conforma la improvisación, lo que redunda en un paisaje musical proteico y polimorfo a lo largo de todo el disco.

A pesar de que Textures es una propuesta acústicamente muy poderosa, de sonoridades casi industriales por momentos, estamos ante una improvisación con muchos pasajes de introspectiva quietud, contemplación y búsqueda de la sutilidad en las reverberaciones que se producen entre ambos instrumentos, diluyéndose progresivamente el dúo en una rugosa serenidad a medida que avanzamos por Sparsely bouncy hacia la conclusiva y ya casi silente Closely knitted, tras la más convulsa y crepitante Granular multilayer. 

De este modo, es como si Josep Lluís Galiana y Amadeu Marin venciesen la gravedad y lograsen que sus instrumentos levitasen: ascensión que acaba adquiriendo todo un sentido programático, si pensamos que, tras Textures, el siguiente disco publicado por ambos músicos en Liquen Records fue Birds of a Feather, álbum digital fruto de su grabación el mismo día en que se registró Textures, el 12 de marzo de 2024, e igualmente en los Rockaway Studios de Castellón de la Plana. 

Así describe el propio Josep Lluís Galiana no sólo este nuevo lanzamiento discográfico de ambos músicos, sino la imagen del dúo de improvisadores cual aves musicales:

«Ante la dificultad de encontrar una definición que fije el concepto y la práctica de la libre improvisación musical, siempre hemos escuchado o hemos echado mano de metáforas, imágenes, alegorías y toda suerte de figuras literarias para describir la improvisación. Yo mismo compuse hace tiempo este haiku: 

Improvisar es
volar arriesgadamente
entre los sonidos del bosque

en el que comparo ‘improvisar’ con ‘volar’ y a los ‘improvisadores’ con ‘aves’ veloces y temerarias capaces de surcar los vientos entre los árboles (sonidos) de un bosque».

Por lo que a Textures se refiere, y como ya habíamos anticipado, la toma de sonido es realmente buena, completándose la edición de este compacto en Liquen Records con unas breves pero esclarecedoras notas a cargo de Joan Gómez Alemany.

Volviendo a donde habíamos comenzado esta crítica, a esa Valencia en la que Liquen Records tiene su sede, la Associació d’Editors del País Valenciá ha estimado en treinta y cuatro las editoriales total o parcialmente afectadas por la DANA, alcanzándose el millón de libros destruidos y unas pérdidas, a precio de mercado, que superan los quince millones de euros. Más allá de lo irreparable, es de esperar que las instituciones apoyen a estas industrias culturales, como lo hicieron en su día con la banca, pues en ello no sólo nos jugamos una cuestión pecuniaria, sino nuestra propia memoria y definición como sociedad.

Josep Lluís Galiana / Amadeu Marín - "TEXTURES" (LIQUEN RECORDS LRCD031, 2024)

Antonio Martín, La muerte tenía un blog, lunes, 16 de junio de 2025

Destruir los agarrotados pilares de lo harmónico para que el sonido adquiera textura es equivalente a citar a la sinestesia o lo sinestésico. Proceso neuronal que juega al despiste, la activación de estímulos captados por cualquiera de los órganos de los sentidos (causa) provoca experiencias y sensaciones en otro (efecto) de tal modo que un determinado color puede recordarte al olor de un momento concreto de tu niñez o un sonido reflejar el pasar de las yemas de tus dedos sobre papel de lija hasta el punto de que casi que sientes el calor del roce. 

Para llevar todo esto al sonido necesitas un grado de conocimiento intuitivo del instrumento que manejas y si además lo haces a dúo, evidentemente entramos en el terreno de lo automático (que no automatismos, que es algo ultrarígido) o de lo para mí más acertado que es la `sincronía´ telepática tan común en los músicos de la improvisación libre. En ese eterno debate entre composición e improvisación, es absolutamente imprescindible citar a la Spontaneous Music Ensemble y a AMM porque en sus entrevistas reflejan a la perfección todo este fenómeno de lo `textural´ en la música y de cómo con determinadas instrucciones (tocar mediante tarjetas, cambiar de ritmo radicalmente mediante un movimiento de la mano, abarcar todas las posibilidades de una nota asordinada repetida `ad nauseam´) casi que ineludiblemente siempre y como por arte de magia los improvisadores acababan llegando a un punto en el que oído e intuición se adelantaban a la música de tal suerte que el final era `orden´ dentro del aparente `caos´.

Toda esta línea discursiva es lo que pretendo sea la introducción a Textures de Josep Lluís Galiana (saxo tenor y soprano) y Amadeu Marin (guitarra eléctrica y acústica) que tuvieron a bien grabar en Rockaway Studios (Castelló de la Plana por Raúl Artana) el 12 de Marzo de 2024 este fabuloso álbum que desarrolla ese grandioso término (que tan bien cita Joan Gómez Alemany en las líneas del interior) de lo rizomático y que yo, en mi humilde acervo Mortimeriano digo que es como fundir el saxo y crear un hacha con la que cortar el Árbol de Porfirio y su vértebra dicotómica en ese acto de terrorismo cultural (Deleuze y Guattari) que consiste en desplazar el centro hasta que (para que nos entendamos) ya no sepamos si la raíz es tal, o bien es tallo o rama. ¿Confundidos? Aplicad esto a los 50 minutos de Textures y quizás vayamos ya entendiéndonos. Por cierto, el disco lo edita en Digipack LÍQUEN RECORDS con portada de Belén García de Mateos.

Hace honor a su nombre la cascada puntillista de «Choppy Pointillism» con ese jugueteo propio de Zorn en sus proyectos más complejos. Notas de saxo que salen lanzada con diversas longitudes (más o menos cortas) en diferentes timbres (más o menos sordina) y todo dialogando con una excelsa guitarra a cargo de Marin que afina el instrumento casi como un vibráfono o marimba de esos que se tocaban en los dibujos animados (Cartoons) y que tanto, repito, influenciaran a Zorn en su Toy Music. Alambres que hieren, alambres que acarician; fuente que mana o tierra que se anega. Notas que se aneurisman versys notas que se ocluyen, ambiente juguetón pero a la vez con esa mala baba que deja el regusto Noir; y dentro de esa jungla urbana, en ese tramo final el saxo soprano se va abriendo con la estructura asalvajada y melódica (según sus reglas) del mejor Free Jazz mientras que la guitarra, apelmazando notas, asemeja las gárgaras de una ciclópea garganta. 

Más experimental resulta «Liquid Impasto» en la que la guitarra abre rozando las estructuras de la electroacústica. Las notas del saxo agudísimas ayudan a crear un catedralicio ambiente Noise que conforme avanza el corte se refuerza en su pátina férrico cibernética. Dejo claro en cualquier caso que las texturas sonoras que yo describo no necesariamente tienen que parecerse a las que otros oyentes capten, faltaría más. Marin rasga y pellizca las cuerdas mientras Galiana convierte su saxo en una harmónica. El sol pega fuerte, y me hago unos largos en mi piscina de mercurio y líquido cefalorraquídeo. Estoy inmerso en «Glazy Slide» y ha sido de forma tan sutil que no me he percatado. Cuando me he dado cuenta, todo sonaba tan agudo y salvaje que me ha faltado ponerme el sombreo Cowboy en esta especie de Impro Rodeo. Sigue la presencia tribal / drone que tanto me gusta (ya sabéis que soy de tempos lentos) en «Coarsely Earthly»… bordeando eso que llaman Doom Jazz pero en clave experimental, se entiende… aunque luego el saxo se transforme en uno de esos ejercicios necro espirituales a lo Evan Parker y la guitarra suelte el hedor de Frith / Bailey tocando en cualquier infecto tugurio suburbano. Brutal y cercana al Free Jazz combativo que tanto me enciende. Os pido atención no a las notas que toca Galiana, sino precisamente a las que no toca y deja a la `intuición´ del oyente (no sé si me explico del todo).

«Tactile Filigree» vuelve a traer a tu barrio la juguetería que visitamos en «Choppy Pointillism» pero aqui el niño está más crecidito y estilizado como bien muestran las décimas de fiebre del saxo (el estirón de la pubertad) y ese virtuosismo apabullante de Marin (qué bien mi niño cuando se aplica en algo). Todo ello, ejercicio fantástico de improhijoputismo matemático tan exacto como una fórmula matemática. Sobre sordinas agónicas tantea la acústica rasposa en los casi siete minutos de «Gritty Frottage», tan áspero como hacerte una colonoscopia con una manguera forrada de papel de lija; roces, soplidos, gruñidos, cuerdas percutidas, masturbaciones, colutorios con alguitrán, fiestas de cumpleaños con globos hinchados con Napalm y mucho, muchísimo onanismo sonoro, salpicaduras bukkakeskas, flatulencias abordadas desde el bondage y, por supuestísimo, final feliz.

Llamada de la Selva a lo Pharoah para «Granular Multilayer», especie de Spiritual Impro Jazz apasionante porque mezcla dos géneros que me apasionan que son el Free Jazz post Coltraniano y la Impro Europea de mediados, primeros de los 70 y 80. Hasta una partícula de pequeño tamaño como es un Gránulo tiene el derecho a la búsqueda de su realización, individualidad, disolución del yo y posterior retorno espiritual / fusión con el Primer Impulso Universal. Entramos en los últimos compases con la espaciada «Sparsely Bouncy» donde los instrumentos dejan más espacio entre ellos, cosa que me ayuda a, por un lado, reafirmarme en la sabiduría de Galiana y asombrarme con los recursos de Marin que se lanzan de lleno a un partido a vida o muerte de Ping Pong Jazzero. «Closely Knitted» es el equivalente en sonido a suturar una herida con notas de saxo y estructura casi de música industrial de la guitarra…. y es todo lo que voy a decir de ella so pena de que tú, lector, pierdas / atrofies / desprendas de tu ser / deglutas y defeques sin darte cuenta ese fabuloso instrumento Divino que es la IMAGINACIÓN de tanto rumiarte yo aquí mis sensaciones.

MUY, MUY RECOMENDADO.

Músiques improvisades i experimentals

Eric Gras, El Periódico Mediterráneo de Castelló, 4 de juny de 2024

Existixen límits en la música? Es pot sobrepassar l’orde establit en una partitura? Al llarg de les últimes dècades, potser des de l’aparició de figures com l’estatunidenc John Cage, considerat el pare de la música aleatòria, o del free jazz, s’ha demostrat que l’experimentació i la improvisació són elements fonamentals en l’esdevenir de la pròpia música. I a eixa experimentació i improvisació s’han encomanat el saxofonista valencià Josep Lluís Galiana i el guitarrista castellonenc Amadeu Marín.

Tots dos intèrprets acaben de publicar el que és el seu primer disc editat de manera conjunta, un pas que semblava natural en ser membres, tots dos, del Col·lectiu d’Improvisació Musical de Castelló que des de fa ja més d’un any ve organitzant en el Museu de Belles Arts de Castelló, gràcies a la col·laboració de l’Institut Valencià de Cultura (IVC), del cicle Free Impro.

Textures és el títol d’este treball que compta amb la portada creada per l’artista Belén García de Mateos i que publiquen amb el segell Liquen Records, una selecció de nou improvisacions gravades en els Rockaway Studios de Castelló el passat 12 de març.

Sinergies sinestèsiques

 «Els dos improvisadors lliures que tixen este disc, no casualment anomenat Textures», escriu el compositor Joan Gómez Alemany en les seues notes al disc, «revelen un misteriós camp ple de sons rizomàtics que generen sinergies sinestèsiques». No és casual tampoc, asseguren des de Liquen Rècords, «que les paraules dels títols de cada pista (liquid, tactile, granular…) facen clara referència a diverses textures que van teixint Galiana i Marin amb els seus instruments i imprevisibles propostes sonores, tímbriques i morfològiques».

Distribuït en totes les plataformes digitals i en el bandcamp del propi segell, Galiana i Marín, el primer amb el saxo soprano i tenor i el segon amb la guitarra elèctrica i acústica, «subvertixen contínuament els clàssics o canònics rols dels seus instruments». «En la música tradicional habitualment el saxo sol tindre un rol de solista o vocal, i la guitarra d’acompanyament amb els seus concordes i polifonies», afirma Gómez Alemany. Però resulta absurd i passat de moda buscar això en Textures.

Improvisació lliure, sense fronteres, que ara es pot gaudir amb total llibertat, la mateixa que concedix la pròpia música.

JOSEP LLUÍS GALIANA

Entartete Improvisationen • Textures

Martí Farré, Revista 440_Enderrock, 28 de juny 2025

El prolífic improvisador valencià Josep Lluís Galiana ha publicat dos discos amb formacions diverses, però amb un seguit de trets en comú com són l’exploració tímbrica i climàtica, el viatge i la solidesa dels intèrprets com a creadors d’universos sonors tan efímers com embriagadors, als antípodes de la placidesa, o no. Al primer treball, Entartete Improvisationen, s’ajunta amb dos músics que, com ell, presenten una folgada trajectòria en diverses escoles experimentals. Presentat com un trajecte llarg, intens i per parts —setze talls numerats de manera, en aparença, desendreçada—, inclou des de fragments de fúria desbocada fins a altres d’exploració penetrant i expectant; contrastos climàtics, en sintonia amb el bo i millor de l’experimentació acústica i amb moments, també, de lluïment en format de duet —piano estès i percussió— i a solo —de saxo i percussió—. A banda del contrast entre unes peces i altres, cal destacar la seva extraordinària comenetració amb Jesús Gallardo i Joan Gómez Alemany, que per primer cop signen una obra a trio. Caldrà parar atenció a la continuïtat d’aquest grup, com a la del duet entre Josep Lluís Galiana i Amadeu Marín. En aquest cas, es tracta d’un encontre que fa honor al títol del disc; un joc de textures sorprenents, quasi màgiques, una mostra de ‘sons no visibles’, en paraules de Gómez Alemany a les notes del disc. Galiana i Marín estableixen un diàleg a partir de timbres sovint tna poc convencionals com complementaris. Un exemple paradigmàtic d’aquesta dinàmica es troba en peces com «Glazy Slide». A Textures hi ha vibracions llargues, com les de «Coarsely Earthy», que es contraposen a l’estira-i-arronsa de «Tactile Filigree» o «Sparsely Bouncy», i peces amb desenvolupaments tan interessants com «Granular Multilayer». Una gran entesa de Galiana amb els comanys de viatge.

Josep Lluís Galiana y Amadeu Marin publican su disco “Textures” en el sello valenciano Liquen Records

radiobanda – 22 mayo, 2024

El saxofonista Josep Lluís Galiana y el guitarrista Amadeu Marin, que “tejen” este su primer disco compacto, revelan al oyente un misterioso campo lleno de sonidos rizomáticos que generan sinergias sinestésicas 

Para su primer trabajo discográfico para Liquen Records, Galiana y Marin han contado con la colaboración de la artista Belén García de Mateos, autora de obra (collage) que ilustra la portada, del compositor Joan Gómez Alemany, autor de las notas al disco y de Raúl Artana, en la grabación, mezclas y masterización

Para Galiana y Marin, que llevan colaborando en el Col·lectiu d’Improvisació Musical de Castelló desde el año 2021 y como dúo desde hace un año, “Textures” es su primer trabajo discográfico producido por el sello Liquen Records y ha sido distribuido a todas las plataformas digitales y a través del bandcamp del propio sello 

Valencia, 22 de mayo de 2024

El sello discográfico valenciano dedicado a las músicas improvisadas y experimentales Liquen Records lanza el primer álbum del dúo formado por el saxofonista Josep Lluís Galiana y el guitarrista Amadeu Marin. “Textures” es una selección de 9 improvisaciones grabadas en los Rockaway Studios de Castelló de la Plana el 12 de marzo de 2024.  

«Los dos improvisadores libres que “tejen” este disco, no casualmente llamado “Textures”, escribe el compositor Joan Gómez Alemany en sus notas al disco, nos revelan un misterioso campo lleno de sonidos rizomáticos que generan sinergias sinestésicas». No es casual tampoco que las palabras de los títulos de cada pista: liquid, tactile, granular, etc. hagan clara referencia a diversas texturas que van tejiendo Galiana y Marin con sus instrumentos e imprevisibles propuestas sonoras, tímbricas y morfológicas. 

En “Textures”, que ha sido distribuido por Liquen Records a todas las plataformas digitales y en el bandcamp del propio sello, los músicos improvisadores —Josep Lluís Galiana desde los saxos soprano y tenor, y Amadeu Marin desde las guitarras acústica y eléctrica— subvierten continuamente los clásicos o canónicos roles de sus instrumentos. Como afirma Gómez Alemany en sus notas: «En la música tradicional habitualmente el saxo suele tener un rol de solista o vocal, y la guitarra de acompañamiento con sus acordes y polifonías. Pero resulta absurdo y trasnochado buscar esto en “Textures”. Justamente la sinergia produce que escuchemos la igualdad, porque ¿cómo iba a existir la libertad, sin igualdad, y viceversa? La improvisación libre destruye patrones (y patronos) para crear un mundo sin fronteras, academias o tiranos».   

La portada del compact disc ha sido creada por la artista Belén García de Mateos, una obra original realizada ex profesopara “Textures”, mientras que las notas al disco han sido escritas por el compositor, improvisador y artista visual Joan Gómez Alemany. La grabación, mezclas y masterización han corrido a cargo de Raúl Artana. Asimismo, Liquen Records ha realizado una edición limitada de copias, que pueden conseguirse en la página web de Liquen Records (https://liquenrecords.com) y a través del bandcamp del propio sello. 

JOSEP LLUÍS GALIANA

Diplomado en Estudios Avanzados (DEA) por la Universitat Politècnica de València y Titulado Superior por el Conservatorio Superior de Música de València. Saxofonista, compositor, escritor, editor y gestor cultural destacado en la escena europea de la libre improvisación, la creación electroacústica, el avant-garde jazz, la investigación etnomusicológica y la divulgación de la cultura y de las artes, comienza su trayectoria artística a principios de la década de 1980, formando parte de diversos ensembles instrumentales contemporáneos, colectivos de jazz y agrupaciones de música popular valenciana. Sus trabajos han sido estrenados e interpretados en importantes festivales internacionales de Portugal, Francia, Grecia, Italia, Polonia, Suecia, EUA, China, Brasil, etc. Con cerca de doscientas composiciones en catálogo y más de sesenta discos publicados, Galiana ha grabado y colaborado con numerosos artistas de gran proyección internacional.

AMADEU MARIN

De formación ecléctica, se inicia en la música de vanguardia de la mano del grupo Actum, con Llorenç Barber entre otros, y participa en las primeras ediciones de festivales tan emblemáticos como los Ensems de València o la Trobada de Compositors a Mallorca con obra propia. Carles Santos estrena su pieza “Joguina”, que recibe elogios, entre otros, de Joan Brossa. Después de pasar por el mundo del jazz, regresa a la música experimental y forma el CIM.CS (Col·lectiu d´Improvisació Musical de Castelló), dedicado a la improvisación libre. Los elementos aleatorios, indeterminados, y el entusiasmo por incluir cualquier sonido del entorno vital, propios del pensamiento de John Cage, se ven reflejados en los paisajes sonoros de sus proyectos, mientras que el lenguaje guitarrístico expansivo de Derek Bailey inspira su aproximación a la improvisación, que siempre ha sido su herramienta de expresión favorita. Le fascina la sensación de estar en el borde del precipicio y dispuesto a hacer el salto que la improvisación libre le ofrece.

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